Herinneringen schilderen: kunstenaar Emily Manwaring over het behoud van de Caribische cultuur in New York.

“Dit was belangrijk. Dit verdient het om herinnerd te worden.”

Dat is onderdeel van het ethos van de in Queens opgegroeide, in Brooklyn wonende kunstenaar Emily Manwaring. Haar schilderijen en sculpturen leggen momenten, herinneringen en vreugde vast – als een gedeelde camerarol voor de Caribische gemeenschap van New York. Van drukke dansvloeren tot zelfzorg in eenzaamheid, van Haïtiaanse Tap Tap-bussen tot de veranderende straten van Brooklyn, Manwaring verzamelt honderden referenties voor elk stuk dat ze liefdevol samenstelt: smartphonefoto's, voorwerpen die op straat in haar wijk Flatbush zijn gevonden, flyers voor dancehall-raves van weleer en sieraden die verloren zijn gegaan en gevonden op Carnival.

Haar werk – zowel voltooid als in uitvoering – vormt de achtergrond van ons interview terwijl ze kletst vanuit haar appartement tijdens de sombere midwinter in New York. De kunst warmt de scène op, door penseelstreken, geverfde doeken en echte artefacten te combineren om iets transformatiefs te creëren: toekomstige artefacten, archieven van cultuur die, in haar eigen woorden, “niet op de manier bewaard of herinnerd zijn die het verdient.”

Deze benadering is duidelijk zichtbaar in werken als 'Zacht bad, waar twee vrouwen genieten van zonlicht en geluid, een roze iPod Nano naast zich terwijl ze een koptelefoon delen. Het is een scène die even intiem als universeel is – een momentopname van stille vreugde gedeeld tussen vrienden. Voor Manwaring vormen deze momenten van nabijheid, vooral onder vrouwen, de kern van haar kunst. Haar vroege fascinatie voor familiefotoalbums – bevroren frames van liefde en verbinding – inspireerde haar om deze relaties op grotere schaal te eren.

Inspiratie kwam ook van kunstenaars als Kerry James Marshall en Jordan Casteel, die haar allebei lieten zien hoe identiteit ruimte kon innemen op een galeriewand. Maar Manwarings vroege ervaringen in Queens waren net zo vormend. Met beperkte toegang tot de kunsten in haar geboortestad, spijbelde ze vaak van school om galerieën in Brooklyn of Manhattan te bezoeken. Die reizen, samen met haar tijd bij het Studio Museum in Harlem, leerden haar kunst te waarderen als een vorm van verhalen vertellen en behoud. 

Manwarings werk is te zien geweest in vooraanstaande galerieën zoals Thierry Goldberg, Great Hall Gallery, Swivel Gallery en Monti 8 in Italië. Ze heeft ook lovende kritieken ontvangen in publicaties zoals The New Yorker, JUXTAPOZ, artneten Het is leuk datOnlangs werd ze geselecteerd om te exposeren in het Brooklyn Museum Tentoonstelling van kunstenaars uit Brooklyn – een belangrijke mijlpaal die haar plek tussen de meest opwindende opkomende kunstenaars van de stad bevestigt.

Toch beperkt haar werk zich niet tot galerieën of instituten – als er al iets is, dan is het het idee om het op straat te hebben dat haar meer opwindt. Haar kunst floreert in de openbare ruimte, waar het direct verbinding kan maken met de gemeenschappen die het weerspiegelt.

Haar samenwerking met UNCLE brengt haar Terug 2 Leven project naar deze openbare ruimtes. Geïnspireerd door de felle kleuren en composities van dancehall-flyers, herinterpreteert dit werk die ontwerpen op een monumentale schaal. "Ik stel me voor dat een tante langs een van mijn wilde posters loopt en zichzelf erin ziet," zegt Manwaring.

Haar kunst archiveert momenten en gedeelde herinneringen en neemt ruimte in waar het er het meest toe doet: op straat, waar vreugdevolle verhalen gevierd kunnen worden door de mensen waar ze bij horen.

HOE PAK JE EEN NIEUW PROJECT OF IDEE AAN? KUN JE ONS DOOR JOUW CREATIEVE PROCES LEIDEN, VAN DE EERSTE INSPIRATIE TOT HET EINDE? 

Het begint vaak met een herinnering – een specifiek moment dat bij me blijft hangen – en ik begin na te denken over hoe ik dat tot leven wil brengen. Vanaf daar plan ik de compositie, vooral als ik met een vierkant canvas werk. Ik denk na over wat er in elke hoek gebeurt, wat er uit het frame komt en hoe de vormen samenwerken. Soms breek ik het frame helemaal open en onderzoek ik hoe ik het werk op een compleet andere manier kan presenteren. 

Ik gebruik een map vol referenties – honderden foto's voor één schilderij. Het kan een kleur zijn die ik op straat heb opgemerkt, de textuur van een veer op het trottoir of de manier waarop sieraden glinsteren. Ik maak ook mijn eigen referentiebeelden, die een pose, een outfit of de manier waarop licht op een bepaald oppervlak valt, kunnen vastleggen. Al deze stukjes komen samen om iets samenhangends te creëren – een soort samensmelting van al deze kleine inspiraties. 

Ik denk ook veel na over 3D-elementen. Wat kan er uit het canvas springen? Hoe kan ik de kijker aarden in de wereld die ik creëer? 

VERTEL ONS OVER DE ROL VAN MATERIAAL EN DEZE 3D-ELEMENTEN IN JE WERK… HOE KIES JE ZE? 

Mijn vriend en ik verzamelen altijd dingen die we op straat vinden – flyers, objecten, alles waarvan we het gevoel hebben dat het inspiratie kan opleveren. Die materialen komen soms in mijn werk terecht en ik vind het geweldig dat ze een stukje van de wereld inbrengen in wat ik creëer. 

Materialiteit is zo belangrijk voor mij omdat het de wereld die ik in mijn kunst creëer, verbindt met de echte, tastbare wereld om ons heen. Wanneer ik objecten als een armband, een ketting of zelfs beton toevoeg, fungeren ze als aardingstechnieken. Deze elementen brengen vertrouwdheid – ze laten mensen stilstaan ​​en denken: "Dat weet ik; dat heb ik gedragen; dat heb ik eerder gezien." Het trekt ze naar het stuk toe en helpt ze zich verbonden te voelen met de wereld die ik afbeeld. 

Ik heb bijvoorbeeld een schilderij gemaakt met een hangmat, en ik heb lampen gebruikt om het omhoog te houden. Die lampen waren niet alleen decoratief; ze werden onderdeel van het beeldhouwwerk, onderdeel van de functionaliteit en presentatie van het werk. Het ging erom het werk levend te laten voelen, alsof het in een ruimte bestond in plaats van alleen op een doek. 

WE HEBBEN HET AL OVER VREUGDE EN DE CARIBISCHE CULTUUR GEDAAN, MAAR ZIJN ER NOG ANDERE THEMA'S DIE CENTRAAL STAAN IN JE WERK? 

Veel van mijn werk draait om vrouwen en de interacties die we met elkaar hebben. Het gaat over wat het voor mij betekent om een ​​vrouw te zijn en de ruimtes waar we verbinding, vreugde en veiligheid vinden. Die momenten van interactie, of ze nu groot of klein zijn, zijn iets dat ik graag verken via mijn schilderijen. 

“Back 2 Life” is geïnspireerd op flyers voor dancehall waves, waarbij het nachtleven en de visuele cultuur op zo’n opvallende manier worden gecombineerd. Kunt u ons vertellen wat de inspiratie achter dit stuk is en hoe het past in uw bredere oeuvre? 

Back 2 Life is zo'n speciaal stuk voor mij omdat het een verschuiving in mijn praktijk vertegenwoordigt. Het was een van de eerste keren dat ik loskwam van het vierkante frame en de traditionele spieramen om mezelf echt af te vragen: wat probeer ik hier te zeggen? De inspiratie kwam van het rondlopen door Brooklyn, vooral in Flatbush, en het zien van al die ongelooflijke Jamaicaanse en Caribische flyers die overal waren opgeplakt. 

Er is iets met de compositie van die flyers – de kleuren, de gezichten, de tekst – dat zo levendig en futuristisch aanvoelt, ook al zijn veel ervan jaren geleden gemaakt. Ik begon ze te verzamelen, bouwde een archief van visuals op, en één flyer in het bijzonder viel me op. Het werd de basis voor Back 2 Life. 

Het proces was net zo belangrijk als de inspiratie. Ik begon met het verven van het canvas, waarbij ik de kleuren liet uitlopen en op natuurlijke wijze met elkaar liet interacteren. Dat was alsof ik een levende, ademende basislaag creëerde. Vervolgens begon ik de beelden erbovenop te leggen – de figuren renderen, de levendige tekstelementen toevoegen en de schaal van de flyer opblazen om bijna de ruimte waarin hij staat te domineren. 

Wat dit werk zo spannend maakt, is hoe interactief het aanvoelt. Mensen kijken ernaar en vragen zich af: "Is dit een echt evenement? Moet ik het nummer op de flyer bellen?" Het wekt een gevoel van nieuwsgierigheid op, bijna alsof de flyer weer tot leven komt. Voor mij is dit werk een manier om de visuele cultuur van de Caribische diaspora te eren en deze weer op straat te krijgen. 

ZIE JE SCHILDEREN ALS EEN NUTTIGE MANIER VAN ARCHIVEREN? 

Ik zie schilderen absoluut als een vorm van archivering, vooral voor de Caribische cultuur. Er is zoveel dat niet is bewaard of herinnerd op de manier waarop het dat verdient. Toen ik jonger was, bracht ik uren door met het doorbladeren van mijn familiefotoalbums en dacht ik na over hoe ik die momenten op een nieuwe manier kon eren. Zo begon ik voor het eerst met schilderen, door die foto's opnieuw te maken en te reflecteren op wat ze voor mij betekenden. 

Nu is mijn werk uitgegroeid tot niet alleen persoonlijke herinneringen, maar ook collectieve. Ik werk nu aan een stuk dat objecten bevat die je tijdens carnaval zou vinden, zoals sieraden of veren. Dat is een andere manier om deze momenten vast te leggen die zo rijk maar vaak vluchtig zijn. 

Voor mij draait schilderen om het zeggen van: "Dit deed ertoe. Dit verdient het om herinnerd te worden." Het stelt me ​​in staat om vluchtige of alledaagse momenten te nemen en ze te transformeren tot iets blijvends, iets waar mensen jarenlang naar kunnen kijken en zich mee kunnen verbinden. 

HOE IS BROOKLYN ALS EEN PLAATS OM TE WONEN EN WERKEN VOOR CREATIEVE MENSEN? 

Wonen in Brooklyn is gewoon geweldig. Ik wil niet te diep op Flatbush ingaan, want ik wil niet dat ze hierheen komen en al mijn shit gentrificeren. Maar hier zijn is zo speciaal voor mij, het zit vol met Caribische cultuur en het voelt in alle opzichten als thuis. 

Ik maak wat ik grounding walks noem, waarbij ik gewoon naar buiten ga en alles fotografeer wat me inspireert, de kleuren, texturen, momenten. Brooklyn heeft zoveel leven en geschiedenis; je ziet iets op straat dat een herinnering van jaren geleden oproept, en plotseling wil ik een heel oeuvre creëren op basis daarvan. 

Ik loop over straat en ik ben een weerspiegeling van de straat. 

WELKE ANDERE KUNSTENAARS UIT NEW YORK MOETEN WE KENNEN? 

Ik moet mijn vriend, Oji Haynes, even noemen, hij is een allround kunstenaar die werkt met fotografie en beeldhouwkunst. Ons huis staat vol met onze creaties en het is zo'n unieke manier om te leven en samen te werken. 

Ik moet eigenlijk mijn vrienden noemen. Tyinghe Fleming die in de fotografie werkt en Aicha Cherif die in de cinematografie, regie en productie werkt. Wat ik zo leuk vind aan New York is deze cultuur van wederzijdse steun, we pushen elkaar allemaal om te creëren en te groeien.  

WAT IS WAAR JE IN NYC KUNST KUNT BEKIJKEN? 

MoMA heeft een speciale plek in mijn hart. Het was het eerste grote museum dat ik als tiener bezocht, vaak spijbelend van school om er uren door te brengen. Die eerste bezoeken hebben mijn begrip van wat kunst zou kunnen zijn gevormd. 

Ik hou ook van de galerieën in Chelsea, waar je een aantal van de meest inspirerende hedendaagse shows kunt vinden. En natuurlijk het Brooklyn Museum, het is zo'n dynamische plek die verbonden voelt met de gemeenschap. 

FAVORIETE MUZIEKLOCATIE IN NYC? 

Brooklyn Paramount is een uitschieter voor mij. Ik heb daar een aantal geweldige shows gezien, zoals Chief Keef en Cash Cobain. Het heeft die echte New Yorkse energie. 

Een andere favoriet is Tegenwoordig, waar ik tot in de vroege uurtjes heb gedanst met vrienden. Die DJ-sets betekenen zoveel voor mij, muziek en dansen zijn zulke belangrijke onderdelen van mijn leven. Dansen is absoluut mijn liefdestaal. Als ik geen schilder was, denk ik dat ik een danser zou zijn! 

WAT IS JOUW FAVORIETE PLEK OM TE ETEN IN NYC? 

Ik zou zeggen Brooklyn. Ik hou van Fisherman's Cove – helaas gaan ze het afbreken vanwege gentrificatie, maar dat is de beste ox tail. 

Jouw kunst hoort thuis in het fysieke domein, maar een groot deel van het publiek ontdekt het online. Welke uitdagingen kom je tegen bij het vertalen van de levendigheid van je werk naar digitale ruimtes, en hoe pak je het delen ervan op platforms als Instagram aan? 

Instagram is raar, maar ook noodzakelijk. Voor mij is het nu net als LinkedIn, gewoon een manier om contact te maken met mensen en te delen wat ik doe. Ik ben opgegroeid in het Tumblr-tijdperk en ik denk dat ik Instagram nog steeds als een blog behandel, door dingen te posten die me aan verschillende momenten in mijn leven of mijn werk herinneren. 

Ik probeer het te gebruiken als een hulpmiddel om mijn proces te laten zien of delen van mijn schilderijen te benadrukken, maar het zal nooit concurreren met het in het echt zien van het werk. Als iemand mijn kunst online ziet, hoop ik dat ze zich aangetrokken voelen om het fysiek te ervaren, omdat het een compleet andere energie is. Sociale media zijn nuttig, maar ik waardeer echte menselijke interacties en de ervaring om kunst in het echt te zien zoveel meer. 

WAT VINDT U HET LEUKST AAN HET TENTOONSTELLEN VAN UW KUNST IN DE OPENBARE RUIMTE, NU UW AANSTAANDE SAMENWERKING MET WILDPOSTING IN NEW YORK?  

Wat mij het meest opwindt is hoe toegankelijk het is. Kunst zou niet alleen in galerieën of op beurzen moeten bestaan, het zou onderdeel moeten zijn van de wereld, op straat, op plekken waar mensen daadwerkelijk hun leven leiden. Met dit project stel ik me voor dat iemand in Flatbush langs een billboard of een wilde poster loopt en zichzelf erin ziet, en zijn cultuur weerspiegeld ziet. 

Er is één scenario dat steeds weer in gedachten komt: tantes, de ouderen in onze gemeenschap, die langslopen en zichzelf of hun verhalen vertegenwoordigd zien. Misschien is het iemand die niet de kans heeft gehad om naar een galerie of museum te gaan, maar die naar die poster kijkt en zich gezien voelt. Dat is wat ik zo leuk vind aan dit format, het is voor iedereen. 

Het is niet opgesloten achter gesloten deuren of afhankelijk van wie het zich kan veroorloven om een ​​galerie te bezoeken. Het is er gewoon voor mensen om mee te interacteren, en dat voelt echt krachtig. De straten zitten vol verhalen, en dit is mijn manier om daaraan bij te dragen, om iets terug te geven aan de gemeenschap terwijl ik op een echte, directe manier met mensen in contact kom.