Kenmerken - UNCLE

Kenmerken05.2605.26Choose Love verandert extreemrechtse haat in liefde.

Elke week lijken er nieuwe wereldwijde crises op te duiken. Van Oekraïne tot Gaza, van Libanon tot Soedan – de krantenkoppen worden gedomineerd door de wanhopige behoefte aan noodhulp en de miljoenen mensen die dringend veiligheid nodig hebben. Dit alles in een veranderend politiek landschap, waar polarisatie steeds meer de norm wordt.

De opkomst van extreemrechts in Europa is een verontrustende trend. Mede als reactie op de zichtbaarheid van vluchtelingen heeft de mainstreaming van extreemrechtse ideologie geleid tot een polariserende retoriek waarin de menselijkheid van mensen in nood een controversieel onderwerp is geworden. Marsen tegen complete religies en grenscontroles worden steeds gebruikelijker. In mei 2026 stond de 'Unite the Kingdom'-mars in Londen gepland, die naar verwachting verder racisme en verdeeldheid zou zaaien.

Choose Love heeft in meer dan tien jaar tijd meer gedaan dan alleen geld inzamelen; ze hebben een beweging gevormd. Ontstaan uit frustratie en een eenmalige poging om de afschuwelijke omstandigheden in het vluchtelingenkamp 'Jungle' in Calais te verbeteren, groeide deze eerste liefdadigheidsorganisatie via sociale media snel uit tot een succesverhaal. Met de hulp van de entertainmentindustrie – van T-shirts gedragen door Oprah Winfrey en Julia Roberts tot benefietconcerten in de Royal Albert Hall – is er een hechte gemeenschap ontstaan.

Met Tommy Chooses Love kiest de liefdadigheidsinstelling voor een directe aanpak. Om de mars van extreemrechts door Londen tegen te gaan, maakt de campagne van elke stap een sponsorloop; hiermee steunen ze juist de mensen die het protest probeert te kleineren – en zamelen ze geld in voor vluchtelingen, ontheemden en antiracistische bewegingen in het Verenigd Koninkrijk. Zoals ze zelf zeggen: 'Tommy Robinson zamelt geld in voor vluchtelingen. Hij weet het alleen nog niet'.

Te midden van deze groeiende politieke verdeeldheid is Londen een multiculturele oase gebleven. Meer dan 40% van de Londense bevolking is buiten het Verenigd Koninkrijk geboren, wat de culturele en economische levendigheid van de stad verklaart. Maar nu in 2026 de eerste zetel in de Londense gemeenteraad naar een extreemrechtse partij gaat, is de stad niet immuun voor het debat. Londen is een toonbeeld van de positieve kanten van multiculturalisme, maar ook een plek van verzet tegen anti-migrantenpropaganda.

In dit interview spreken we met Choose Love over de groei die voortkomt uit acties vanuit de basis, culturele invloed en het vinden van hoop.

CHOOSE LOVE IS UITGEGROEID TOT EEN ECHTE BEWEGING – KUN JE ONS VERTELLEN HOE HET ALLEMAAL BEGON?

Wij zijn een beweging van mensen die een wereld willen creëren waarin iedereen met liefde wordt behandeld en waarin ontheemde gemeenschappen alles hebben wat ze nodig hebben om te gedijen. Het begon als een gesprek met een groep vrienden in 2015, toen de krantenkoppen over massale ontheemding uit Syrië en de mishandeling van vluchtelingen de publieke aandacht trokken, samen met de tragedie rond de driejarige Syrische jongen Alan Kurdi, wiens lichaam was aangespoeld op een strand nadat hij was verdronken tijdens een poging om in veiligheid te komen.

Dat moment was een wake-upcall, en ze startten een inzamelingsactie om hulpgoederen te kopen voor mensen die in Calais aankwamen. Al snel bleek dat het echt aansloeg – mensen zochten een manier om te helpen. Nu, bijna 11 jaar later, hebben we meer dan 9 miljoen mensen ondersteund met basisbehoeften, noodhulp en het heropbouwen van hun leven nadat ze gedwongen op de vlucht waren geslagen.

VAN EEN EENMALIGE ACTIE NAAR EEN WERELDWIJD NETWERK – HAD JE OOIT VERWACHT DAT HET ZO GROOT ZOU WORDEN, EN WAT HEEFT JE HET MEEST VERRASSEND VOND?

Ik denk dat niemand dat wist! Ik ben altijd weer verrast en verheugd over hoe Choose Love keer op keer bewijst dat we als mensen altijd meer gemeen hebben dan wat ons verdeelt. We hebben misschien allemaal verschillende levenservaringen, uitdagingen en vreugden, maar uiteindelijk hebben we allemaal vergelijkbare dingen nodig. Iedereen zou in veiligheid, vrijheid en waardigheid moeten kunnen leven – en dat is de wereld die Choose Love probeert te creëren.

Wat begon als een snelle reactie op een crisis, is uitgegroeid tot iets veel groters. Waarom vond het zo'n grote weerklank?

Voor mij draait het erom dat mensen zich met elkaar verbonden willen voelen en iets willen kunnen doen. Met zoveel crises in de wereld en overweldigende statistieken is het soms moeilijk te beseffen dat onze acties wel degelijk een verschil maken. Maar verandering begint altijd klein en wordt steeds groter, en we brengen voortdurend echte en belangrijke veranderingen teweeg.

Het wordt beschreven als een beweging, niet zomaar een liefdadigheidsinstelling – wat betekent 'Kiezen voor liefde' in de praktijk?

Kiezen voor liefde betekent dat je je handelingen en beslissingen laat leiden door liefde; dat je mensen met vriendelijkheid en mededogen behandelt en samenwerkt aan oplossingen die iedereen ten goede komen.

VAN DE STEUN VAN MUZIKANTEN, OPTREDENS OP HET GROOTSTE NIVEAU EN ZELFS DE ROYAL ALBERT HALL – WELKE ROL SPELEN MUZIEK EN CULTUUR BIJ HET CREËREN VAN ECHTE IMPACT?

Kunstenaars, muzikanten, acteurs en culturele figuren laten ons door hun werk zien wat het betekent om mens te zijn, dus cultuur zal altijd een essentieel onderdeel blijven van elke humanitaire beweging. We zijn enorm dankbaar dat we mogen samenwerken met fantastische mensen die hun stem zullen gebruiken om op te komen voor fundamentele mensenrechten voor iedereen.

GEMEENSCHAP STAAT CENTRAAL IN WAT JE DOET – HOE HEEFT DIE GEMEENSCHAP ZICH IN DE AFGELOPEN TIEN JAAR ONTWIKKELD?

We hebben ontzettend veel geluk met de gemeenschap die we hebben – al onze fantastische partners, al die geweldige mensen die met ons samenwerken, ons steunen en zich als vrijwilliger voor ons inzetten. Het laat echt zien hoeveel we kunnen bereiken als we onze krachten bundelen. Voor ons betekent gemeenschap samenwerken, iedereen die er deel van uitmaakt respecteren en waarderen, hun verschillende perspectieven respecteren en van elkaar leren.

Jullie worden beschreven als een van de eerste goede doelen die actief zijn via sociale media. Hoe heeft dit de bewustwordingscampagnes van Choose Love beïnvloed?

Sociale media waren vanaf het begin onderdeel van onze reis, toen we begonnen met een simpele hashtag voor een inzamelingsactie. Vanaf dat moment zagen we de kracht ervan om mensen samen te brengen, en we zijn enorm onder de indruk van deze geweldige beweging die we hebben opgebouwd en van hun vermogen om verandering teweeg te brengen. We hebben in slechts een paar weken al meer dan £187 ingezameld voor vluchtelingen en antiracistisch werk hier in het Verenigd Koninkrijk – dat is ongelooflijk en zal een enorm verschil maken in het leven van mensen.

WAT ZIJN DE GROOTSTE UITDAGINGEN WAAR ONTHEFFENDE GEMEENSCHAPPEN – EN ORGANISATIES ZOALS DE UWE – OP DIT MOMENT MEE TE MAKEN HEBBEN?

Nu steeds meer mensen hun huis en gemeenschap verliezen en elders hun toevlucht zoeken, wint hier in het Verenigd Koninkrijk aan populariteit tegen vluchtelingen. Vluchtelingen vormen minder dan 1% van de bevolking in het VK. Zij zijn niet de reden dat mensen geen baan, fatsoenlijke huisvesting of een afspraak bij de huisarts kunnen krijgen. Al deze problemen zijn momenteel zeer reëel in het VK en moeten dringend worden aangepakt, maar ze zijn ontstaan door jarenlange bezuinigingen, de economische gevolgen van de COVID-pandemie en meer. Het is aan de Britse regering om deze problemen op te lossen, en we moeten er echt voor oppassen dat we kwetsbare groepen niet tot zondebok maken voor problemen waar ze absoluut niets mee te maken hebben.

VERTEL ONS MEER OVER DEZE CAMPAGNE – WAAROM IS HET ZO DRINGEND, EN WAT WIL JE DAT MENSEN DOEN NADAT ZE ERVAN GEHOORD HEBBEN?

We zijn geschokt dat de mars zaterdag doorgaat. Het vertegenwoordigt niet wat de meerderheid van de mensen in het Verenigd Koninkrijk vindt, en daarom moesten we iets doen en liefde laten prevaleren boven haat. We maken van Tommy's mars op zaterdag een sponsorloop, waarmee we geld inzamelen voor vluchtelingen en de strijd tegen racisme hier in het Verenigd Koninkrijk. We willen dat mensen meedoen en al vanaf 1 penny per gelopen meter doneren, zodat elke stap die gezet wordt, zich vertaalt in echte, tastbare steun voor mensen die het nodig hebben.

Nu er verdeeldheid ontstaat, willen we een duidelijke boodschap uitsturen: vluchtelingen zijn welkom.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2605.26Maureen Onwunali is de dichter die betere politici wil.

Terug naar Functies

“Ik heb me niet aangemeld om contentmaker te worden. Ik ben een dichter.”

Dat zijn de woorden van Maureen Onwunali, de in Dublin geboren Nigeriaanse dichteres wier werk steeds meer weerklank vindt bij een groeiend aantal poëzie-evenementen, terwijl het zich ook online verspreidt, zoals de cultuur al een groot deel van haar 23-jarige leven doet. "June Jordan, Audre Lorde of James Baldwin hoefden nooit drie reels per maand te plaatsen om door het algoritme opgepikt te worden", zegt ze, waarmee ze zowel haar inspiratiebronnen opsomt als haar teleurstelling over het huidige medialandschap uitspreekt.

Aan de andere kant van die medaille staat echter haar dankbaarheid dat haar woorden plekken hebben bereikt waar zij zelf niet is geweest. Haar gedichten hebben mensen in kleine steden in Australië, Noord- en Zuid-Amerika en daarbuiten bereikt, en dragen observaties met zich mee over mannelijkheid, migratie, zorg, het nachtleven en de mensen die de maatschappij vergeet op te merken. Puffer Jacket PoëzieZe schrijft over zwarte mannelijkheid en de mannen die zelden de ruimte krijgen om zachtaardig te zijn. Simpel gezegd: 'die mannen huilen niet genoeg.' In een ander gedicht vraagt ze God niet om de Koning te redden, maar 'de mensen die we vergeten op te merken'. Degenen die geld naar huis sturen. Koks die werken op basis van de spiergeheugen van hun moeder. Vrijwillige afvalopruimers die de wereld redden, één geplette Red Bull-blikje tegelijk.

Onwunali, die al lange tijd in Milton Keynes woont, is ook geïnteresseerd in een plek die je kunt vormgeven, in plaats van er toevallig te wonen. Geboren in Ierland als dochter van Nigeriaanse ouders, zegt ze dat haar familie "Nigeria in onze woonkamer heeft opgebouwd", waarbij cultuur en tradities over de grenzen heen werden verspreid. Ierland en Nigeria zijn voor haar verbonden door hun koloniale geschiedenis, door hetzelfde "Babylon" dat zich in verschillende delen van de wereld manifesteert. Milton Keynes is daarentegen jonger en groener en nog steeds in ontwikkeling. Hoewel Camden regelmatig langskomt vanwege haar residentie in het iconische Roundhouse, is MK een plek waar ze graag een tastbare impact wil hebben.

Haar eigen weg naar de poëzie was grotendeels autodidactisch, minder gevormd door de gedichten die ze op school kreeg dan door rap, cyphers en performances. In plaats daarvan zat ze tijdens het eten voor de tv, keek ze naar poetry slams en bestudeerde ze hoe mensen taal gebruikten. Poëzie is volgens haar minder een vaststaand document dan "een levend, ademend iets".

Dat maakt haar samenwerking met UNCLE, die in de aanloop naar de lokale verkiezingen tot stand kwam, extra passend. Geïnspireerd door Zoe Leonard's Ik wil een presidentHet gedicht van Onwunali stelt de vraag wat voor soort kandidaat mensen eigenlijk willen, en wat er zou gebeuren als we onze eisen zouden verhogen. Het is poëzie die niet alleen op een telefoonscherm te vinden is, maar ook op een podium, maar de straat op gaat.

Wat trok je in eerste instantie aan tot poëzie, en wanneer veranderde het van iets persoonlijks in iets wat je publiekelijk wilde delen?

Ik was aanvankelijk nooit echt geïnteresseerd in poëzie. Het ging me meer om verhalen vertellen. Ik groeide op met MTV op de achtergrond en was geobsedeerd door rap, door cyphers, door woordspelingen — hoe mensen met zo weinig ruimte hele werelden konden creëren door middel van taal.

Ooit wilde ik rapper worden, maar ik kon de beat nooit te pakken krijgen — ik had gewoon te veel te zeggen. Dus ben ik teruggegaan naar de woorden, en vanaf dat moment is mijn relatie met het schrijven echt gegroeid.

Ik begon met schrijven toen ik een jaar of elf was. Destijds voelde het niet echt cool aan, dus bleef het persoonlijk – meer een soort documentatie. Maar naarmate ik ouder werd, realiseerde ik me dat ik schreef over de politieke realiteit om me heen, over opgroeien in een immigrantengezin, en ik begon te voelen dat het te belangrijk was om het voor mezelf te houden. Als ik echt geloofde in wat ik zei, kon het niet zomaar met mij meeleven.

Het keerpunt was een workshop met de dichter Joelle Taylor. Ik had een map meegenomen met alles wat ik ooit had geschreven, las er een paar voor, en ze nodigde me uit om in Londen op te treden. Het waren alleen ik, mijn moeder en de helft van mijn Engelse afdeling in de trein, en ik weet nog dat ik het podium opging en dacht: dit is het.

Van daaruit is het eigenlijk als een sneeuwbal gaan rollen — na mijn middelbare school deed ik mee aan een poetry slam in de Roundhouse, won die en kwam uiteindelijk terug voor een residentie. Ik werk nu al een paar jaar als freelancer, wat nog steeds een beetje gek aanvoelt.

Veel van je werk haalt betekenis uit heel alledaagse momenten — kleine gebaren, je plaats afstaan in de metro — wat trekt je aan in dat soort details?

Ik denk dat het voortkomt uit het idee dat alles poëzie is. Je moet er alleen even de tijd voor nemen om het te zien. Het is de kunst van het opmerken.

Ik omschrijf het altijd als het grijpen van een moment en het tegen het licht houden. Zelfs zoiets simpels als je stoel afstaan – de meeste mensen hebben het wel eens gedaan zonder erbij stil te staan, maar als je er echt over nadenkt, wordt het een heel mooie, meelevende daad.

Ik denk dat ik mensen eraan wil herinneren hoe gelijk we eigenlijk zijn. We denken zo vaak dat wat we meemaken volkomen uniek is, maar in werkelijkheid leiden we allemaal vergelijkbare levens. Iedereen wil deel uitmaken van iets groters, en soms heb je gewoon een herinnering nodig dat je dat al bent.

Zie je je werk als het documenteren van gedrag, of als het stilzwijgend uitdagen ervan?

Ik zou zeggen dat het een beetje van beide is, maar waarschijnlijk meer het laatste.

Vaak schrijf ik vanuit een gevoel van urgentie — zo van: iedereen moet stoppen met wat hij of zij aan het doen is en luisteren. Laten we erkennen wat er werkelijk aan de hand is.

Ik heb er niet echt zin in om er urenlang aan te werken en het op de traditionele manier te perfectioneren. Soms voelt het alsof de hemel in brand staat en wil ik dat mensen horen wat ik nu te zeggen heb.

Natuurlijk zullen mensen er later op terugkijken als een weerspiegeling van die tijd, maar voor mij gaat het om het heden: getuige zijn van wat er gebeurt en mensen daarvan bewust maken.

Je stelde in een ander interview een heel interessante vraag: "Waarom hebben we anderen nodig om ons te vertellen wat we voelen?" Denk je dat poëzie iets zou moeten zijn wat iedereen doet, in plaats van iets wat slechts een select groepje mensen professioneel beoefent?

Ik blijf bij die overtuiging. Ik denk dat we het vaak zien als de doeners en de voelers, alsof er een speciale groep mensen is die verantwoordelijk is voor het vastleggen van alle gevoelens in de wereld en het omzetten ervan in iets dat we kunnen consumeren, of dat nu muziek, poëzie, schilderkunst of iets anders is.

Maar ik vind niet dat dat zo zou moeten zijn. Poëzie is voor iedereen, en het is een van de weinige momenten in het leven waarop je geen toestemming hoeft te vragen om dingen te zeggen of te denken. Je hoeft niet te wachten tot iemand je vertelt dat je iets mag voelen, of iets mag bevragen.

Je kunt gewoon de dichtstbijzijnde pen pakken en schrijven. Zelfs als je het niet opschrijft, spreek je nog steeds tot jezelf. Je bent getuige van iets en zegt: dit verdient het om gearchiveerd, herinnerd of overdacht te worden.

Men zegt wel eens dat niets in het leven gratis is, behalve de gedachte, het opmerken, dát is gratis. Hoewel ik mezelf een dichter noem, denk ik niet dat dat me onderscheidt van 'niet-dichters'. Ik denk eigenlijk niet dat er echt niet-dichters bestaan. Het is niet zozeer een titel of een rol, maar eerder een handeling. Ik zou niet willen dat iemand denkt: "Nou ja, zij is de dichter, dus ik luister wel." We zijn allemaal constant bezig met die handeling.

Ja, ik denk dus dat we moeten stoppen met afhankelijk te zijn van anderen voor onze gevoelens en daar zelf de controle over moeten nemen.

Poëzie kan soms nogal ontoegankelijk of academisch overkomen, maar jouw werk voelt juist heel toegankelijk aan. Ben je je daarvan bewust tijdens het schrijven?

Ja, absoluut. Ik heb een zin in een van mijn gedichten die zoiets zegt als: "Wie zegt dat de revolutie sowieso in jullie jargon gesproken zal worden?"

Voor mij is de functie van poëzie om zoveel mogelijk mensen te bereiken. Waarom zou ik mezelf daartoe beperken, alleen maar om mijn woordenschat te laten zien of te bewijzen dat ik bepaalde taaltechnieken beheers? Het is geen manier om te laten zien hoe ontwikkeld ik mezelf vind. Mijn prioriteit is om met zoveel mogelijk mensen in contact te komen.

Ik denk dat dat gebeurt door die alledaagse momenten waar we achteloos aan voorbijgaan. Dat zijn de momenten waarop mensen kunnen zeggen: "Eigenlijk herken ik mezelf daarin."

Onze eerste kennismaking met poëzie is vaak op school, en de GCSE-bloemlezing heeft poëzie een vreselijke reputatie bezorgd. Mensen koesteren er jarenlang een wrok tegen. Ze huiveren nog steeds als ze het woord poëzie horen.

Ik denk dat we dat moeten veranderen. Ik probeer de reputatie van poëzie een beetje te redden. Op school kan poëzie aanvoelen als een vaststaand document, alsof het in steen gebeiteld is en je er weinig aan kunt veranderen. Maar eigenlijk is het meer als een Google-document. Het is iets levends, het wordt voortdurend bewerkt. Het ademt, het is constant in beweging, het heeft een eigen hartslag. Het leeft, en het is niet in steen gebeiteld. Het hoort vloeibaar te zijn.

U noemde dat u in het onderwijs werkt – hoe belangrijk is het dat jongeren toegang krijgen tot poëzie buiten de traditionele canon, met name poëzie die vanuit een dekoloniaal perspectief spreekt?

Het is zo belangrijk. Ik heb zelfs een gedicht voorgedragen op een GCSE-conferentie, en ik begon het met: "William Wordsworth is mijn woorden niet waard als de kinderen niet weten wat hun woorden waard zijn."

En dan gaat het verder, en de leerlingen worden helemaal enthousiast omdat ze begrijpen wat er gezegd wordt. Het is weliswaar straattaal, maar het is nog steeds poëzie.

Ik denk dat alles een politieke daad is: wat we zien, wat we niet zien, de stemmen die een podium krijgen en de stemmen die het zwijgen worden opgelegd. De poëzie die we te zien krijgen, wordt zo vaak oververtegenwoordigd door oude witte mannen die praten over hertoginnen en koloniale expansie. De teksten mogen dan prachtig zijn, maar als de kinderen zichzelf er niet in herkennen, zullen ze er geen connectie mee voelen. Er staat voor hen niets op het spel.

Poëzie bestaat al sinds mensen leerden met elkaar te communiceren. In collectivistische culturen, in het mondiale zuiden, is mondelinge overlevering en orale geschiedenis poëzie. Het is er altijd geweest en zal er altijd zijn.

Als mensen het over Wordsworth hebben, denk ik altijd dat de echte dichters, in elke generatie, de mensen zijn die in stadscentra op zeepkisten staan en voor gek worden verklaard, terwijl ze zeggen: "Luister naar wat ik te zeggen heb. Dit is wat er met de wereld aan de hand is."

Ik zou mezelf een zeepkistdichter noemen. Ik wil de dorpsgek zijn die naar de hemel schreeuwt, op mijn borst slaat en tegen de wereld zegt: dit is wat er gebeurt.

Het curriculum heeft enkele hervormingen doorgevoerd en meer moderne poëzie opgenomen, dus er wordt wel degelijk aan gewerkt, maar ik denk dat er nog veel meer te doen is.

Kun je me iets vertellen over het kunstwerk dat je voor Uncle hebt gemaakt en wat je ermee wilde overbrengen?

Het gedicht is gebaseerd op dat van Zoe Leonard. Ik wil een presidentHet is gebouwd rond het idee van: "Ik wil een kandidaat die..." en van daaruit gaat het verder.

Ik woon in Milton Keynes, in een behoorlijk diverse buurt, en er stond een kandidaat van de Reformpartij aan mijn deur. Ik dacht alleen maar: dit is hilarisch. Echt hilarisch.

Het zette me aan het denken dat we onze normen moeten verhogen. Bij alles, of het nu artsen, elektriciens of ingenieurs zijn, willen we het beste, omdat we weten dat kwaliteit belangrijk is. Maar als het om politici gaat, nemen we genoegen met zo weinig. We geven zo veel toe. We moeten streven naar beter voor onszelf en onze gemeenschappen.

Het gedicht somt in feite het type kandidaat op dat ik graag zou zien. Er staan regels in als: "Ik wil een kandidaat met een gouden glimlach", of "Ik wil een rouwende moeder als kandidaat", of "Ik wil een kandidaat die weet hoe kostbaar zijn woorden zijn", en "een kandidaat die de kou van beton heeft gevoeld".

Ik wil iemand met wie ik me kan identificeren. Of dat realistisch is, doet er eigenlijk niet toe. Realisme interesseert me niet. Het gaat me erom dat mensen zich afvragen wat voor soort kandidaat ze willen zien, en of dat ook daadwerkelijk terug te vinden is in wat er op het stembiljet staat.

Ik ben benieuwd hoe mensen erop reageren, en hopelijk zet het een gesprek op gang over wat wij als kiezers verwachten.

Met de lokale verkiezingen in het achterhoofd, denk je dat het juist krachtig is om je te richten op wat er om je heen gebeurt – in je directe omgeving – in plaats van altijd nationaal of wereldwijd te denken?

Honderd procent. Ik geloof niet per se dat het huidige kiesstelsel een soort utopie zal creëren, maar lokale verkiezingen gaan over tastbare, alledaagse, materiële veranderingen die mensen echt raken.

Ik denk dat het belangrijk is om inspraak te hebben in zaken die je letterlijk kunt aanraken en voelen. Sommigen beweren zelfs dat dit belangrijker is dan een landelijke verkiezing, omdat je de impact van je stem direct voelt. Het is dichter bij huis.

Je bent Nigeriaans, geboren in Ierland en hebt in Milton Keynes gewoond. Hoe beïnvloedt of inspireert elk van deze plaatsen je werk?

Opgroeien in Nigeria heeft niet alleen mijn werk, maar ook mijn zelfbeeld beïnvloed. Ik denk dat ik nog geen jaar oud was toen ik voor het eerst en waarschijnlijk ook voor het laatst in Nigeria was, dus ik heb er geen echte herinneringen aan. Maar mijn ouders deden hun best om zoveel mogelijk cultuur en traditie in die 25 kilo zware koffer te proppen en mee naar Ierland te nemen.

Ze hebben Nigeria in onze woonkamer nagebouwd, dus ik heb altijd een sterke band gehad met de cultuur en mijn wortels. Ik voel me geen buitenstaander in dat deel van mijn identiteit.

Mijn jeugd in Dublin was bepalend voor mijn leven. Het zijn mijn vrienden, mijn familie en zelfs mijn accent. Ik woon nu al elf jaar in het Verenigd Koninkrijk en je hoort er nog steeds flarden van terug.

Politiek gezien denk ik dat mijn Ierse en Nigeriaanse identiteiten hand in hand gaan. Ierland heeft vanwege zijn eigen geschiedenis vaak geprobeerd op te komen tegen onrecht, en Nigeria heeft ook het Britse Rijk meegemaakt. Datzelfde Babylon stak in beide delen van de wereld de kop op, dus in die zin voelen die identiteiten voor mij erg vergelijkbaar aan.

Als mensen naar Milton Keynes kijken, vragen ze altijd: waarom Milton Keynes? En eerlijk gezegd, mijn moeder heeft hiervoor gekozen. Maar ik vind het echt leuk. Het is zo fris en nieuw. Het is pas zo'n zestig jaar oud, en je kunt zien dat het heel bewust zo is ontworpen. Zelfs als je naar de plattegrond kijkt, met de rasterstructuur, voelt het soms een beetje aan als een poppenhuis van Barbie, omdat alles zo goed gepland is.

Maar ik vind het prachtig. Het is heel groen, het is kneedbaar, en nu is het een stad. Ik voel er een vreemde vorm van patriottisme bij. Londenaren denken dat alles buiten Londen gewoon landbouwgrond is, maar ik zal Milton Keynes tot het einde verdedigen.

Ik zie mezelf er echt in terug. Het is nog steeds in ontwikkeling en ik groei zelf ook nog. Ik heb veel samengewerkt met de gemeente en ik probeer mijn steentje bij te dragen aan de vorming van Milton Keynes tot de stad die ik voor ogen heb. Dat is zo gaaf, want wie kan er nou zeggen dat hij of zij daadwerkelijk bijdraagt aan de ontwikkeling van zijn of haar stad?

VOORUITKIJKEND, WAT WIL JE MEER ZIEN – IN JE EIGEN WERK OF IN DE BREDE POËZIEWERELD?

Ik denk dat poëzie al op de goede weg is, dat het meer mainstream wordt. Ik heb onlangs opgetreden in de Roundhouse, en we beweerden dat het het grootste poëzie-evenement ter wereld was. Er waren 1,500 mensen in het publiek, dus misschien was het wel zo — ik moet dat even nakijken.

Ik vind het fantastisch dat poëzie op grote podia te zien is, maar ik wil niet dat het een eenzijdig gesprek wordt. Poëzie moet een gelijkwaardige uitwisseling zijn. Ik wil niet op een voetstuk of podium geplaatst worden om vervolgens op mensen neer te kijken.

Ik zou graag zien dat meer mensen ermee aan de slag gaan, niet alleen als publiek, maar ook als gever en ontvanger. Ik wil dat mensen het echt een kans geven en meer delen. Ik wil dat poëzie net zo normaal aanvoelt als zingen onder de douche – iets alledaags. Alsof ik zomaar een gedicht schrijf op weg naar mijn werk.

Wat mijn eigen werk betreft, denk ik dat ik al veel doe van wat ik wilde doen, dus al het andere is eigenlijk een bonus. Als freelancer hoef ik aan niemand verantwoording af te leggen en zijn er niet dezelfde beperkingen aan wat ik kan zeggen. Ik kan mijn politieke wetenschappenstudie in de meest pure vorm gebruiken, in plaats van de traditionele route naar de ambtenarij of iets dergelijks te volgen.

Ik denk dat ik waarschijnlijk politiek actiever zal worden, en ik zou graag zien dat poëzie in dat opzicht ook meer mainstream wordt. Ik wil dat het normaal voelt om dit soort gesprekken te voeren, bijvoorbeeld tijdens het eten of in de klas.

WAT HOOP JE DAT MENSEN UIT DIT WERK MEENEMEN – OF HET NU OM HET GEDICHT ZELF GAAT OF OM DE BREDERE SAMENWERKING?

Ik wil benadrukken dat je groter moet dromen. Laat je niet beperken door de lage standaarden die we onszelf hebben opgelegd.

Je kunt daadwerkelijk streven naar een betere kandidaat, een betere wereld en betere gemeenschappen.

En natuurlijk, ga stemmen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2605.26Friendly Records op 10; over Bristol, de gemeenschap en de plek waar muziek en actie samenkomen.

Terug naar Functies

“Bristol heeft een heel eigen kijk op de dingen.”

Gemeenschap staat centraal bij Friendly Records. Sinds de opening in 2016 is de winkel uitgegroeid van een persoonlijke obsessie van oprichter Tom Friend tot een van de meest geliefde muziekplekken van Bristol. Het begon simpel: hij had te veel platen thuis en te weinig ruimte – maar het resultaat is iets veel groters geworden. Met de komst van Scott Hendy in 2023 kreeg de winkel en het label er een ervaren muziekveteraan bij. Hendy werkte eerder bij platenzaak Purple Penguin in Bristol, draaide internationaal als dj, bracht platen uit onder de naam Boca 45 en was de helft van de Bristolse band Malachai.

Friends muzikale achtergrond is ook zeer uitgebreid. Hij werkte op de kunstafdeling van Heavenly Recordings en vervolgens als A&R-manager bij DB Records, 679 Recordings en Island Records, waar hij de carrières van artiesten als Electric Soft Parade, The Polyphonic Spree en Ben Kweller hielp vormgeven. Hij heeft bands gemanaged, lesgegeven aan studenten en samen met Geoff Barrow een kunstgalerie geopend. Maar het idee voor een platenzaak was er altijd al, stilletjes wachtend.

Tom is geboren in Somerset en reisde als tiener naar Bristol om platenzaken te bezoeken – plekken die spannend, intimiderend en vol mogelijkheden aanvoelden. Vóór het internet waren ze alles: ontdekking, gemeenschap, cultuur. Dat gevoel heeft hij proberen te hercreëren. Vriendelijk zijn gaat niet over uitsluiting. Het gaat erom dat je binnenstapt, je welkom voelt en iets nieuws ontdekt, of je nu weet wat je zoekt of niet.

Bristol blijft een inspiratiebron voor alles wat ze doen. De winkel is nauw verbonden met de lokale gemeenschap, met steun van kunstenaars die helpen de boodschap te verspreiden. Het is niet zomaar een winkel meer. Het is een ontmoetingsplek. Een plaats waar dingen gebeuren.

En dat is belangrijk, want een fysieke platenzaak runnen in 2026 is niet bepaald een gegarandeerd succesverhaal. Online is makkelijker. Goedkoper. Maar het gaat voorbij aan de essentie. Platen zijn fysiek – je hoort ze vast te houden, erover te praten, mensen tegen te komen terwijl je door de rekken bladert. Dat is wat onafhankelijke platenzaken bieden. Niet alleen producten, maar ook verbinding. Hetzelfde geldt voor indie-labels en -plekken in bredere zin: klein, ja, maar cultureel essentieel.

Die gemeenschapszin stopt niet bij de winkeldeur. In 2022, toen de oorlog in Oekraïne uitbrak, vroegen Friend en zijn team zich af: 'Wat kunnen we doen?'. Die vraag leidde tot een enorme inzamelingsactie voor War Child, waarmee meer dan £250,000 werd opgehaald. Het begon met een groot concert in Bristol met artiesten als IDLES en Portishead, en groeide uit tot een reeks speciale 7-inch vinylreleases van artiesten als PJ Harvey en Sleaford Mods. Muziek werd omgezet in actie.

Deze langdurige betrokkenheid bij de ondersteuning van War Child vormt de kern van hun 10-jarig jubileumfeest. Met een eclectische line-up van artiesten zoals DJ Krust, IDLES, DJ Format, Andy & Nancy Smith en Claude Cooper, is het tevens een inzamelingsactie. De opbrengst van de verkoop van merchandise van IDLES, de speciale loterij van Geoff Barrow en exclusieve evenementartikelen gaat naar War Child.

UNCLE en BUILD HOLLYWOOD brengen muziek, gemeenschap en liefdadigheid samen in het hart van Bristol en hebben de handen ineengeslagen met Friendly Records. Door hen flyers en billboards ter beschikking te stellen, kunnen ze hun verhaal en het evenement in de straten van de stad onder de aandacht brengen.

Friendly Records begon als een winkel. Het is nu veel meer dan dat. In dit interview vertelt Tom Friend hoe het allemaal tot stand is gekomen en waarom dit soort plekken nog steeds belangrijk zijn.

HOE HEBBEN JE VROEGE ERVARINGEN IN DE MUZIEKSCENE VAN BRISTOL JE GEVORMD? WAT MAAKTE DIE SCENE ZO BIJZONDER?

Bristol heeft altijd een fantastische muziekscene gehad en dat speelde natuurlijk een grote rol in mijn wens om hier een platenzaak te openen. Ik heb al mijn eerste concerten in Bristol gezien, bijna 40 jaar geleden, en ik heb het geluk gehad om met een aantal briljante bands en artiesten uit de stad samen te werken (en bevriend te raken). Ik ontmoette mijn vriend Scott Hendy (die de afgelopen jaren samen met mij Friendly Records runt) toen ik zijn band Malachai contracteerde bij Island Records, waar ik destijds A&R deed.

WAT WAS UW VISIE VOOR FRIENDLY RECORDS TOEN DE WINKEL VOOR HET EERST OPENDE, EN HOE IS DIE IN DE AFGELOPEN TIEN JAAR VERANDERD?

Het idee was om een aantal van mijn favoriete platenzaken over de hele wereld na te bootsen, waaronder een paar van de eerste waar ik als tiener in Bristol binnenstapte – met name Revolver en Tony's – en daarnaast nog een heleboel andere, zoals Groove Merchant in San Francisco, de eerste Rough Trade-winkel in Notting Hill, Honest Jons, enzovoort. Het belangrijkste was dat ik wilde dat de winkel deel uitmaakte van de gemeenschap en meer zou zijn dan alleen een platenzaak. Dus, evenementen organiseren, samenwerken met lokale goede doelen, enzovoort.

Het was ook belangrijk dat de winkel een plek was waar iedereen zich welkom voelde, geen intimiderende plek zoals sommige platenzaken dat wel kunnen zijn. De winkel is uitgegroeid tot wat ik ervan had gehoopt, met een toenemende betrokkenheid bij het inzamelen van geld voor goede doelen en hopelijk een geliefd onderdeel van de muziekscene van Bristol, vooral in Zuid-Bristol waar we nog steeds de enige platenzaak zijn.

U hebt de winkel omschreven als meer dan alleen een winkel – wat betekent de gemeenschap voor u?

Het gemeenschapsaspect is een enorm belangrijk onderdeel van wat we doen. We zijn er trots op al tien jaar aan North Street in South Bristol gevestigd te zijn en ik denk (hoop?!) dat de lokale gemeenschap er net zo over denkt!

Welke connecties of momenten heb je de afgelopen 10 jaar in de winkel zien ontstaan die het zo bijzonder maken?

Het zijn er te veel om op te noemen en mijn oude hersenen hebben moeite om specifieke dingen te onthouden, maar het komt regelmatig voor dat mensen oude vrienden tegenkomen die ze al jaren niet hebben gezien, of dat mensen met vreemden praten over platen die ze allebei leuk vinden. We hebben ook het geluk gehad dat verschillende artiesten in de winkel waren tijdens signeersessies voor de War Child-platen die we hebben uitgebracht, waardoor fans de artiesten konden ontmoeten en op een heel ontspannen manier met ze konden praten – Joe van IDLES, Jason van Sleaford Mods, Beak> enzovoort…

WAT IS ER IN DE STAD VERANDERD IN DE AFGELOPEN 10 JAAR – IS BRISTOL NOG STEEDS EEN UNIEKE PLEK VOOR MUZIEK EN ONAFHANKELIJKE CULTUUR?

Ik denk dat dat nog steeds zo is. Er komen nog steeds nieuwe bands en artiesten bij, er worden nieuwe clubavonden georganiseerd, enzovoort. Ik denk dat Bristol nog steeds een heel eigenzinnige kijk op dingen heeft en altijd probeert dingen op een bepaalde manier te doen. Het is lastig uit te leggen wat dat precies is, en andere steden hebben dat zeker ook. Ik denk dat het gebaseerd is op de wens om anders te zijn en geen bevestiging van elders nodig te hebben. We hebben het geluk dat we een rijke muzikale en artistieke geschiedenis hebben om op voort te bouwen.

Wat levert het mensen op om een fysieke platenwinkel te bezoeken dat ze niet online kunnen krijgen?

Contact met echte mensen! Advies over muziek die ze misschien leuk vinden op basis van een gesprek, en de mogelijkheid om de platen die je koopt te zien en te horen…

HOE ZIET U DE TOEKOMST VAN FRIENDLY RECORDS?

Het plan is om door te gaan met wat we doen en te proberen er steeds beter in te worden... meer liefdadigheidswerk (waaronder War Child), ons platenlabel verder uitbouwen, dus meer releases via dat label.

OP WELK MOMENT BEGREEP JE JE DAT JE FRIENDLY RECORDS BIJ WAR CHILD ZOU WILLEN BETROKKEN ZIJN? WAAROM WAS HET BELANGRIJK OM MET HEN SAMEN TE WERKEN?

Het werd grotendeels ingegeven door wat er destijds in Oekraïne gebeurde, een enorme frustratie over de situatie en het gebrek aan inzicht in hoe we konden helpen. Een vriendin van mij, Helen McGee, die toen bij O2 Bristol werkte, opperde het idee om een concert te organiseren om aandacht te vragen en geld in te zamelen. We begonnen daarover te praten en betrok mijn vriend Geoff Barrow (Portishead/Beak>/Invada) erbij. Vervolgens schakelden we Conal Dodds en het Crosstown-team in en zo ontstond er een concert in Bristol, waar we het geluk hadden Portishead, IDLES en anderen te mogen verwelkomen. De situatie in Oekraïne bestaat natuurlijk nog steeds, en daarnaast was er nog de situatie in Palestina (die nog steeds voortduurt). Daarom zijn we doorgegaan met het organiseren van live-evenementen en het uitbrengen van platen, waarmee inmiddels meer dan £250 is opgehaald voor War Child.

JE HEBT EEN ENORM BEDRAG OPGEHAALD – HAD JE VERWACHT DAT HET ZO GROOT ZOU WORDEN?

Er was eigenlijk geen concreet plan, behalve proberen zoveel mogelijk geld en bekendheid te genereren – en hopelijk mensen echt bijzondere avonden te bezorgen die ze nooit zullen vergeten.

HOE HEEFT DE MUZIEKGEMEENSCHAP VAN BRISTOL ZICH RONDOM DIT PROJECT VEREENIGD?

De steun is ongelooflijk geweest; we hebben enorm veel geluk dat we zulke lieve mensen om ons heen hebben die elke keer weer klaarstaan als we een evenement organiseren of ideeën hebben voor het uitbrengen van platen. Het zijn niet alleen de artiesten die hun tijd en steun hebben gegeven: ook locaties, promotors, personeel, lichttechnici, enzovoort, stonden altijd klaar wanneer we ze nodig hadden.

WAT BETEKENT DE SAMENWERKING MET UNCLE X BUILD HOLLYWOOD VOOR INDIEPLEKKEN ZOALS FRIENDLY RECORDS?

Ontzettend belangrijk! Zonder de hulp van UNCLE x BUILDHOLLYWOOD zouden we het ons niet kunnen veroorloven om overal in de stad billboards te plaatsen. Het maakt het zoveel echter en tastbaarder als mensen dingen op grote schaal kunnen zien...

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2604.26Market Gallery: De Chinatown Apartment Gallery in een loods op het dak

Terug naar Functies

Het idee dat beperkingen de creativiteit bevorderen, wordt al zo vaak erkend dat het bijna een cliché is. Maar zulke opvattingen vinden weerklank omdat ze, op een bepaald moment of onder bepaalde omstandigheden, waar zijn. Soms is de beste camera is Die in je hand.

De New Yorkse loftjazzscene van de jaren 1970 is een goed voorbeeld. Toen de formele jazzwereld niet langer voldoende ruimte bood aan serieuze avant-gardemusici – clubs, platenlabels, studio's en het bredere commerciële circuit boden niet langer de betrouwbare ondersteuning die nodig was – begonnen muzikanten hun eigen ruimtes te creëren, in lofts, appartementen, fabrieken en pakhuizen in Lower Manhattan.

Diezelfde achtergrond is terug te vinden in Market Gallery, het project in Chinatown dat is opgericht door Adam Zhu. "Market Gallery is een galerie in een schuur op mijn dak", zegt hij. De ruimte, die je bereikt door vanuit zijn appartement naar het dak te lopen, ligt boven Market Street en is uitgegroeid tot een van de meest bijzondere kleine galerieën in het centrum van New York. Die ongebruikelijke route is juist een belangrijk onderdeel van de bedoeling.

"Het is niet zo dat ik zomaar toegang heb gekregen tot wat je zou kunnen beschouwen als de gevestigde orde in de kunstwereld," zegt hij. "Er is momenteel een lastige plek voor het midden. Je hebt de grote, gevestigde galerieën en de kleinere, en het is niet zo makkelijk om ruimte te creëren voor kunstenaars om zich te uiten zonder de druk van de markt."

New York City mag dan eindeloos lijken, maar ondanks een vergelijkbaar inwoneraantal beslaat de stad slechts de helft van de oppervlakte van Londen. Verschillende steden, verschillende bevolkingsdichtheden, maar toch dicht genoeg bij elkaar om de ruimtedruk in New York goed te kunnen voelen. Zhu voelt dat ook. "Ruimte is schaars in Manhattan," zegt hij, "dus ik wist dat ik er mijn voordeel mee moest doen."

Dat gevoel van vindingrijkheid loopt als een rode draad door het hele project, maar dat geldt ook voor de kwaliteit die voortkomt uit die intimiteit. De schuur wordt niet gepresenteerd als een charmant, ietwat vervallen anti-ruimte. Zhu heeft hem grondig gerenoveerd: witte muren, een houten vloer, een echte galerie gebouwd met wat voorhanden was, in plaats van te wachten tot er iets groters of officiëlers op de markt kwam. Kunstenaars zoals Andrew Kass, Rachel Simon, Lorenzo Amos en Marcus Jahmal hebben allemaal bijgedragen aan de invulling van de ruimte, vaak terwijl Adam in de buurt eten grilt voor gasten.

Market Gallery mag dan wel verborgen liggen boven de straat, maar de stad eronder heeft haar altijd gevormd – Chinatown, New York, de druk van het stadsleven en een kunstwereld waarin zichtbaarheid nooit gelijk verdeeld is. Met UNCLE komt het werk dat voorheen in de loods op het dak te zien was, nu weer terug naar de straat, waardoor het bereik van de galerie wordt vergroot zonder de geest te verliezen die haar in de eerste plaats de moeite waard maakte om te bezoeken.

Want soms is het schuurtje op je dak wel de beste fotogalerij.

KUNT U MARKET GALLERY ALS EERST IEMAND VOORSTELLEN DIE ER NOG NOOIT VAN GEHOORD HEEFT?

Adam: Het is een appartementengalerij waar je door mijn appartement heen moet lopen naar een dakterras, waar een schuur staat die we hebben omgebouwd tot galerij. De ruimte bevindt zich in Chinatown en is al meer dan tien jaar een creatieve ruimte in mijn huis. In de zomer van 2024 besloot ik het te verbouwen tot een galerij. Het was voorheen een studio, een muziekstudio, een opslagruimte – het is in de loop der jaren voor van alles gebruikt – en was een beetje verrot en vervallen. De huidige versie is de meest uitgebreide, die echt aanvoelt als een galerij: witte muren, houten vloer.

HOE IS MARKET GALLERY EIGENLIJK ONTSTAAN? WAS ER EEN BEPAALD MOMENT WAAROP JE APPARTEMENT, JE SCHUUR EN JE BREDERE CREATIEVE WERELD SAMENKWAMEN TOT IETS DAT AANVOELDE ALS EEN GALERIE IN PLAATS VAN ALLEEN JE EIGEN RUIMTE?

Adam: Het is eigenlijk een beetje uit de hand gelopen. Mijn huis is altijd al een creatieve ruimte geweest, en de vraag wat ik met die ruimte moest doen, begon meer als: ik moet het schuurtje renoveren of slopen, want het valt uit elkaar en wordt niet meer gebruikt. Mijn vrienden die het gebruikten, zaten in een jazzband genaamd Onyx Collective, en ze waren ermee gestopt omdat ze andere studio's hadden, maar ook omdat het behoorlijk beschimmeld was geraakt en de vloer was ingestort. Ik had het zelf al een tijdje niet meer gebruikt en kwam tot het besef: als ik dit opknap, wat moet ik dan met deze ruimte?

Ik organiseerde altijd al tentoonstellingen, en het was eigenlijk niet de eerste keer dat ik zoiets als een kunsttentoonstelling in mijn ruimte deed. Het werd een beetje een idee, zo van: misschien kunnen we daar wel galerie-exposities houden. Het begon eigenlijk als iets wat ik leuk vond voor 20 tot 50 mensen – voornamelijk mijn vrienden.

Toen ik eenmaal in de bouw investeerde, besefte ik pas toen het bijna klaar was: wow, dit is echt. Voor mij was het vooral het feit dat ik nu deze prachtige ruimte heb – en ruimte is schaars in Manhattan – dus ik wist dat ik er optimaal gebruik van moest maken. Creatief gezien stond ik op een kruispunt, en ik dacht dat dit een geweldig platform was voor mijn vrienden, mijn gemeenschap, maar ook een verlengstuk van mijn eigen werk – iets om me creatief te blijven stimuleren en met kunstenaars samen te werken.

Vindingrijkheid lijkt hier een terugkerend thema te zijn. Market Gallery is ontstaan uit de behoefte om iets serieus en doordachts te creëren vanuit een relatief kleine, onconventionele ruimte. Is er in New York de druk om elke centimeter ruimte optimaal te benutten? In hoeverre heeft dat je manier van denken over het opzetten van een galerie beïnvloed?

Adam: Ik denk dat, zelfs tijdens mijn jeugd, de tentoonstellingen waar ik aan heb meegedaan, veel van de exposities waar ik aan heb deelgenomen, zich aan de rand van de doe-het-zelf-beweging bevonden of op onconventionele manieren gebruik maakten van de ruimte. Een van de eerste groepstentoonstellingen waar ik aan meedeed, vond plaats in een verlaten gebouw.

Die instelling van altijd denken: oké, ik heb toegang tot deze ruimte, hoe ga ik die gebruiken? – zo ben ik altijd te werk gegaan in de creatieve wereld. Het is niet zo dat ik altijd direct toegang had tot wat je zou kunnen beschouwen als de gevestigde orde in de kunstwereld. Dit is altijd mijn manier van werken geweest, en zo doen mijn vrienden en ik het ook: als we toegang hebben tot een kale ruimte, een atelier of iets dergelijks, dan komt de bal aan het rollen en denken we: oké, laten we iets met deze ruimte doen.

Ik denk dat dat een belangrijk onderdeel is van het New Yorks zijn, en van jong en creatief zijn, als je niet per se toegang hebt tot echte galerieruimte. Mijn uitgangspunt bij het opzetten van dit project was absoluut dat: hoe kan ik iets doen in de geest van wat we altijd al hebben gedaan, namelijk gewoon ruimte gebruiken, maar het misschien iets verheffen en een echte galerieomgeving creëren binnen de context van iets dat zich meer aan de rand van de traditionele galeriecontext bevindt, en zonder de barrières die we normaal gesproken tegenkomen bij het betreden van die ruimtes in de kunstwereld.

Een van de opvallende dingen aan Market Gallery is dat het niet overdreven professioneel of steriel aanvoelt. Het voelt bijna alsof je in iemands woonkamer bent uitgenodigd. Hoe belangrijk is die intimiteit voor wat je doet?

Adam: Het is er eigenlijk een integraal onderdeel van. Ik vind het altijd belangrijk om te benadrukken dat het anders aanvoelt dan een typische kleine galerie in Chinatown, omdat de beleving van nature een groot deel uitmaakt van wat de galerie is. Je moet door mijn appartement lopen en komt uiteindelijk op mijn dakterras terecht. De galerie zelf is vrij klein, maar er is genoeg ruimte om buiten te socializen, dus in die zin voelt het meer als een happening, op een andere manier dan andere galeries, waar je de kunst bekijkt, onder fel licht rondhangt en uiteindelijk op de stoep belandt.

In deze situatie bevind je je in mijn ruimte. Normaal gesproken ben ik aan het koken of barbecueën. Het heeft een compleet andere energie dan veel andere plekken waar ik ben geweest, en ik denk dat dat de reden is waarom mensen zich er zo toe aangetrokken voelen, en kunstenaars ook, omdat het een element van gemeenschap en authenticiteit heeft dat gewoon voelbaar is in de omgeving zelf.

Je hebt samengewerkt met kunstenaars via tentoonstellingen en residenties. Zijn er bepaalde samenwerkingen of tentoonstellingen die tot nu toe een bijzondere rol hebben gespeeld in de geschiedenis van Market Gallery?

Adam: Elke kunstenaar die ik op de posters heb afgebeeld, is een kunstenaar met wie we solotentoonstellingen hebben georganiseerd. Hoewel ik onder de naam Market Gallery nog twee andere grote groepstentoonstellingen heb samengesteld, zijn deze kunstenaars essentieel voor het verhaal omdat we solotentoonstellingen met hen hebben gehad. Ik zou ze allemaal kunnen toelichten en hun belang kunnen beschrijven.

Andrew Kass was de eerste kunstenaar die er exposeerde, maar hij was ook verantwoordelijk voor de renovatie die de schuur tot galerie maakte. Hij is dus eigenlijk zowel aannemer als kunstenaar. Zora Sicher is een goede vriendin en een samenwerkingspartner door de jaren heen. Haar tentoonstelling was de eerste in de winter en liet me zien dat we ondanks het weer toch iets moois konden creëren. We hadden soep en een gezellig vuurtje.

Elke kunstenaar is belangrijk geweest en ze hebben me allemaal laten zien hoe ze de ruimte op een andere manier kunnen benutten. Tucker maakte een video-installatie met een scherm in de achterwand dat volledig naadloos was, waardoor er zowel beeld als geluid te zien was. Marcus Jahmal was de eerste die sculpturen exposeerde. Amanda Ba weerspiegelde de sfeer van de ruimte, omdat ze schilderijen toonde die persoonlijker en stilistisch anders waren dan wat ze in grotere galerieën tentoonstelt.

En dan is er iemand als Alix Vernet – het bronmateriaal voor haar werk was de daadwerkelijke dakvloer. Na tien jaar daar gewoond te hebben, zat de vloer vol met graffiti en verflagen, en ze gebruikte hars om die lagen te verwijderen. Dat was een mijlpaal in de interactie met de ruimte. Rachel Simon, die de Spider-Man tekeningen en schilderijen maakt, was een andere kunstenaar bij wie ik nauw betrokken was bij elk aspect van het creatieproces. Lorenzo maakt een bliksemcarrière en weet zijn schilderijen te verbinden met een New Yorkse traditie. Elke kunstenaar is me dierbaar geweest voor het verhaal van de ruimte, en ze hebben me allemaal laten zien wat de mogelijkheden zijn.

Ik heb tot nu toe alleen solo-optredens in de schuur gegeven – de groepstentoonstellingen vonden altijd ergens anders plaats – dus de kans om zo nauw en diepgaand met elke persoon samen te werken, is de mooiste ervaring van dit alles geweest.

IS ER EEN BEPAALDE ETHOS OF INSTINCT WAARVOOR U ZOEK BIJ DE KUNSTENAARS WAARMEE U SAMENWERKT? NIET PER SE IN TERMEN VAN MEDIUM OF STIJL…

Adam: Naast mijn persoonlijke smaak in kunst, nodig ik je natuurlijk ook uit in mijn huis, in mijn ruimte, dus daar zit iets heel persoonlijks aan. Een paar dingen moeten kloppen – niet alleen mijn smaak in het werk, maar ook een natuurlijke connectie. Met iedereen met wie ik samenwerk, heb ik een persoonlijke band, die natuurlijk versterkt wordt door de tentoonstelling en de samenwerking, maar het blijft altijd persoonlijk.

Ik denk dat dat de rode draad is: er is een organische band en een gevoel van een echte relatie tussen de galerie en de kunstenaar. Als mensen me vragen: "Hoe gaat het? Verzamelaars, dit en dat", dan is de beste graadmeter voor wat werkt mijn relatie met de kunstenaar. De andere dingen zijn niet echt mijn sterkste punt, hoewel ik het wel aan het leren ben. Maar als kunstenaar is voor mij de belangrijkste maatstaf voor de groei van de galerie mijn relatie met kunstenaars, en het feit dat de kunstenaars die ik respecteer en bewonder graag met Market Gallery willen samenwerken.

Chinatown voelt als een centraal onderdeel van de identiteit van het project. Hoe heeft de vestiging daar de energie van Market Gallery beïnvloed? Wat betekent Chinatown in bredere zin voor jou in 2026? Het is zo'n gemythologiseerd deel van New York, maar tegelijkertijd ook een echte buurt die onder druk staat — wat houdt het voor jou creatief levendig?

Adam: Ik woon sinds 2015 in Chinatown, maar ik ben opgegroeid in East Village, de Lower East Side, dus Chinatown is mijn hele leven al onderdeel van mijn leven. Omdat ik half Chinees ben, de taal spreek en hier tijd doorbreng, is het een essentieel onderdeel van mijn identiteit.

In de tien jaar dat ik in Chinatown woon, is het behoorlijk veranderd. Mijn gebouw is nog steeds bijna volledig Chinees, en een paar straten verderop is het gebied wat men nu Dimes Square noemt. De gentrificatie is duidelijk merkbaar in de buurt en heeft zich ook naar mijn straat, Market Street, verspreid. Maar er is hier nog steeds een echte Chinese gemeenschap. De gemeenschap in mijn buurt, East Broadway, is meer Fujianees – het is minder toeristisch. Het is niet zoals Mott Street of de straten ten westen hiervan. De gemeenschap hier is diepgeworteld. Het zijn niet alleen Chinese restaurants – het is een echte gemeenschap van mensen die hier wonen.

Wat zijn volgens u de grootste uitdagingen voor de kunstwereld in de stad op dit moment?

Adam: Ik beschouw mezelf nog steeds grotendeels als een buitenstaander in de kunstwereld. Ik denk dat er hier in New York veel barrières zijn voor wat als de kunstwereld wordt beschouwd, en ik denk dat Market Gallery is ontstaan vanuit de poging om een aantal van die barrières tussen de kunstenaars en de galerie te slechten.

In de kunstwereld in het algemeen wordt veel gesproken over uitdagingen, verkoopcijfers en dergelijke, en over de grote behoefte aan decentralisatie ten opzichte van de gevestigde orde. Er is momenteel een lastige middenweg – je hebt de grote, gevestigde galerieën en de kleinere – en het creëren van een ruimte voor kunstenaars om zich te uiten zonder de druk van de markt is niet zo eenvoudig. Dat is een essentieel onderdeel van de missie van Market Gallery.

En aan de andere kant, wat zijn de sterke punten van New York op dit moment? Waarom is het nog steeds de moeite waard om daar te werken?

Adam: New York is historisch gezien en ook nu nog een van de meest bijzondere plekken op creatief gebied. Wat New York zo uniek maakt, is de onderlinge verbondenheid en interactie – je stapt de deur uit en je wordt blootgesteld aan allerlei verschillende culturen, lagen van de bevolking en de smeltkroes die het is. Het creëert een minder geïsoleerde omgeving en biedt ruimte voor expressie en creativiteit.

Een van de grootste bedreigingen daarvoor is gentrificatie en de stijgende prijzen voor alles. Kunstenaars kunnen er eigenlijk niet van rondkomen, en zelfs grote bedrijven hebben het moeilijk, dus je kunt je wel voorstellen hoe het met kunstenaars gaat. Dat is nu juist de uitdaging van creëren in New York: hoeveel compromissen je moet sluiten om commercieel succes te hebben. Maar wat New York zo geweldig maakt, is het gemeenschapsgevoel, de creatieve geest en de vindingrijkheid. Binnen die beperkingen ontstaat er ook een ongelooflijk bijzondere creativiteit.

HOE VOELT HET OM HET WERK UIT DE GALERIE TE HEBBEN EN OP STRAAT TE ZIEN MET DEZE SAMENWERKING?

Adam: Het is echt bijzonder, en ik denk dat het de filosofie van de galerie heel goed weerspiegelt, want onze werkwijze is niet zoals die van een traditionele galerie. Het sluit perfect aan bij de nabijheid van de straat, en zelfs de straat- en graffiticultuur, die al deel uitmaakt van mijn ruimte sinds ik hier woon.

Er zit sowieso al iets guerrilla-achtigs in de manier waarop we dingen doen, dus deze zichtbaarheid op straatniveau – vooral omdat we op straatniveau onzichtbaar zijn, we zijn geen galerie met een winkelpui – is altijd een bijzondere kans. Als New Yorker, en met veel van de kunstenaars die ik heb tentoongesteld ook New Yorkers, is die aanwezigheid op straat altijd opvallend. Het zou ongebruikelijk zijn voor een doorsnee galerie, maar het sluit goed aan bij wat we bij Market doen.

WAT IS DE LANGE TERMIJNVISIE VOOR MARKET GALLERY?

Adam: Het is een lastige vraag. Ik worstel er zelf ook mee, want naarmate het groeit, weet ik niet zeker of het over vijf jaar nog steeds puur in mijn eigen ruimte of in het schuurtje kan bestaan. Dat gezegd hebbende, zie ik mezelf niet per se een traditionele fysieke galerie openen, maar je weet maar nooit – misschien is dat wel de weg die ik wil bewandelen.

Of misschien gaat het erom de verschillende aspecten ervan verder uit te bouwen: de branding, het drukwerk, de mogelijkheden om op afstand shows in het buitenland of op andere locaties te organiseren. Ik ben altijd enthousiast over groei buiten mijn appartement, en hoe dat er over vijf jaar precies uit zal zien, is nog onduidelijk. Maar ik sta open voor alles wat dit project me brengt, want het is in feite mijn enige focus geworden. Wat wel duidelijk is, is dat het de beperkingen van mijn appartement moet ontgroeien, wat het al gedaan heeft, maar in welke mate is nog onduidelijk.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2604.26De Patta Foundation en de inspanningen om een skatepark te bouwen in Suriname

Terug naar Functies

Merken liefde Het woord 'gemeenschap'. Ze gebruiken het in hun missieverklaringen, strooien het rond op de 'Over ons'-pagina's van hun websites en gebruiken het als modewoord totdat het alle betekenis verliest.

Maar niet elk merk kan het werk aantonen. Patta wel.

Ruim twintig jaar nadat het begon als een winkel in Amsterdam, is Patta uitgegroeid tot een van 's werelds meest herkenbare onafhankelijke streetwearmerken, geworteld in hiphop en de stad waar het is ontstaan. Net zo belangrijk voor dat verhaal is Suriname. Deze voormalige Nederlandse kolonie, die in 1975 onafhankelijk werd, heeft een band met Nederland die niet ver verleden is, maar een levende herinnering, gevormd door migratie, familiebanden, eten, voetbal, taal en levensvisie. Rond de onafhankelijkheid volgde een grote migratiegolf van Surinamers naar Nederland, die het moderne Nederlandse leven mede vormgaven op manieren die tot op de dag van vandaag zichtbaar en diep voelbaar zijn.

Voor Timothy Sabajo, die al zijn hele leven bij Patta werkt, is die band onlosmakelijk. De merknaam is zelfs afgeleid van het Surinaamse woord voor schoen.pata). "Als we het over Amsterdam hebben, hebben we het over Suriname, en dan hebben we het over hiphop," zegt hij. "Dus dat is in feite wat Patta is."

Die relatie tussen Patta en Suriname vormt nu de kern van een van de meest aangrijpende projecten die de Patta Foundation tot nu toe heeft gesteund. Onder leiding van Glemiel, een 27-jarige ontwerper en skater uit Amsterdam met Surinaamse roots, is Skatepark Suriname een ambitieus plan om een permanent skatepark voor de gemeenschap in Paramaribo te bouwen. Enerzijds biedt het een oplossing voor een eenvoudig probleem: er is een kleine maar gepassioneerde skatescene, maar vrijwel zonder echte infrastructuur. Anderzijds wijst het op iets veel groters.

"Het probleem is niet om een skatepark te bouwen," zegt Tim. "Het probleem is om het te onderhouden, er evenementen te organiseren en het skatepark te gebruiken als een veilige plek waar kinderen zich kunnen ontwikkelen." Dat is wat het idee zo waardevol maakt. De visie is niet alleen ramps en beton, maar een multifunctionele ruimte die plaats biedt aan gemeenschapsactiviteiten, werkgelegenheid, rolschaatsdisco en theater – een stukje jeugdinfrastructuur op een plek waar vrijetijdsbesteding vaak meer gericht lijkt op toerisme dan op lokale kinderen, en waar skateboarden zelf nog steeds vaak als marginaal wordt gezien in plaats van vol mogelijkheden.

Skatepark Suriname, dat publiekelijk werd ondersteund via een inzamelingsactie in het Amsterdamse Skatecafé en visueel tot leven werd gebracht door Patta-familiekunstenaar Lenny Di Gennarro, wiens ontwerp te bewonderen is in de straten van Amsterdam, ademt de essentie van Patta's succes. Skaten is hier weliswaar het middel, maar het grotere idee is zelfvertrouwen, toegankelijkheid, kennisdeling en jongeren iets geven dat echt van hen is.

Gemeenschap niet als marketingpraat, maar als concrete praktijk.

Om te beginnen, Tim, hoe zou je Patta als merk uitleggen aan degenen die er nog niet bekend mee zijn – en hoe past de stichting in dat grotere verhaal?

Timothy: Patta begon meer dan 20 jaar geleden als een winkel en is van daaruit op natuurlijke wijze uitgegroeid tot een merk. Zo is eigenlijk alles wat we doen gegroeid – het is een natuurlijk proces geweest. We plannen nu veel meer dan vroeger, maar in het begin was het gewoon organische groei. Naarmate het merk groeide, zijn we ook serieuzer gaan nadenken over de waarden waar we altijd voor hebben gestaan – dingen zoals "liefde voor iedereen" en "iedereen leert van elkaar". Daaruit is veel van ons bredere maatschappelijke werk voortgekomen. Eerst was er het hardloopteam, toen het wielerteam, en vervolgens de Academie, die jongeren kansen biedt om zich te ontwikkelen. De stichting past in datzelfde verhaal. Het is een andere manier voor ons om iets terug te geven en mensen te steunen die al een sterk idee hebben en iets willen realiseren in hun eigen gemeenschap.

LENNY EN GLEMIEL, HOE KWAMEN JULLIE ALS JONGEREN IN AMSTERDAM VOOR HET EERST IN CONTACT MET PATTA?

Lenny: Ik heb altijd een nauwe band met Patta gehad, mede omdat Edson (medeoprichter van Patta) mijn oom is, dus het voelde nooit als iets dat ver van me af stond. Toen ik jonger was, kwam ik er vaak. Mensen daar hielpen me zelfs met schoolpresentaties, dus ik bracht er veel tijd door. Ik heb het merk van dichtbij zien groeien en het is nu leuk om te zien dat jongere kinderen op dezelfde manier naar de winkel komen en hun eigen band ermee opbouwen. Het voelt alsof die energie gewoon is blijven voortduren.

Glemiel: De eerste keer dat ik Patta echt opmerkte, was in de film. verdovend middel (2015). Ik had het al eerder gezien, via familie en vrienden, maar dit maakte het op een andere manier duidelijk. Ik was erg geïnteresseerd in Amerikaanse films, dus toen ik Patta daar zag, dacht ik: wacht eens even, hier is echt een link. Toen ben ik me meer in het merk gaan verdiepen en realiseerde ik me dat het niet alleen Surinaamse wortels had – er was ook iets in de namen, in het verhaal, waardoor het me na aan het hart lag. Het voelde als iets om naar op te kijken. Niet per se als een idool, maar in de zin van iets dat verbonden voelde met waar ik vandaan kom en dacht: ja, dit betekent iets.

HOE WERKT HET MENTORPROGRAMMA VAN DE PATTA FOUNDATION IN DE PRAKTIJK? IS HET IETS FORMAATS WAAR JE JE VOOR AANMELDT, OF GAAT HET ER MEER OM DAT JE OUDERE MENSEN OM JE HEEN HEBT WAAR JE MET EEN IDEE NAARTOE KUNT GAAN EN OM ADVIES KUNT VRAGEN?

GlemielHet voelde heel natuurlijk aan, om eerlijk te zijn. Patta is echt… als je ooit op het hoofdkantoor bent geweest, voelt het meteen als thuis, zelfs als je er voor het eerst bent. Iedereen is er heel aardig en het heeft echt een familiegevoel. Ik ben begonnen via de Patta Academy en toen ik afstudeerde, wist ik al dat ik iets voor Suriname wilde doen. Elke keer dat ik daar was, wilde ik skaten, maar er was nergens een geschikte plek om dat te doen. Dus in mijn hoofd was de link meteen duidelijk: Patta is een Surinaams merk, dus het zou daar eigenlijk een eigen skatepark moeten hebben. Toen ik terugkwam uit Suriname, heb ik het idee meegenomen, er met mensen over gesproken en Tim een e-mail gestuurd. Van daaruit is het heel natuurlijk gegroeid. Sindsdien is Tim een soort mentor voor me geworden gedurende het hele proces en heeft hij me enorm geholpen.

Voordat we het skatepark zelf bekijken, is het duidelijk dat Suriname een centrale rol speelt in Patta's verhaal. Voor veel van onze lezers in het Verenigd Koninkrijk, zou je de culturele betekenis van Suriname voor het merk kunnen uitleggen – en misschien ook de bredere wisselwerking tussen Suriname en Amsterdam?

Timothy: Voor ons is Suriname onze geboorteplaats. Mijn ouders zijn er geboren, en mijn partner ook. Mijn broer en ik zijn in Amsterdam geboren, maar Suriname zit diep in ons hart. En het is niet alleen iets Amsterdams – de Surinaamse cultuur is alomtegenwoordig in het Nederlandse leven, of het nu Rotterdam, Den Haag of Eindhoven is. Om het maar even bot te zeggen: zonder Surinamers zou het eten hier smakeloos zijn. Mijn moeder zegt altijd dat toen ze hier voor het eerst kwam, er nog geen douches waren zoals wij die nu kennen – mensen gingen in de jaren 1970 nog steeds één keer per week naar een sauna – dus Surinamers hebben de hygiëne, het eten en natuurlijk ook het voetbal veranderd. Denk aan Gullit, Rijkaard, Davids, Seedorf, Kluivert – we kunnen zo doorgaan. Die invloed is enorm. Als we het over Amsterdam hebben, hebben we het over Suriname en hiphop. Dat is in feite waar Patta voor staat. Suriname is een belangrijk onderdeel ervan, want voor ons is het thuis.

Lenny: Ik heb ook Surinaamse roots, dus ik ben opgegroeid met de Surinaamse cultuur. Dat is waarschijnlijk vooral onbewust in mijn werk terug te vinden — als ik iets begin te maken of een idee probeer te bedenken, is dat vaak een van de eerste dingen waar mijn gedachten naartoe gaan.

Glemiel: Voor mij is het simpel: ik wil er gewoon wonen. Dat heb ik Tim al verteld. Het enige wat ik echt mis, is een skatepark. Het hele land heeft er nauwelijks één, en die ene is piepklein, terwijl Nederland er honderden heeft. Maar los van het skaten, is er veel in Suriname dat me bekend voorkomt. Er zijn veel overeenkomsten met Amsterdam en met het Nederlands-Surinaamse leven in het algemeen, dus de connectie voelde altijd al natuurlijk aan. Daarom was dit project meteen een logische keuze voor mij.

HOE IS DE SKATECULTUUR IN SURINA OP DIT MOMENT? BESTAAT ER AL EEN SCENE DIE ALLEEN NODIG HEEFT AAN INFRASTRUCTUUR, OF MOET JE DIT ECHT VANAF DE GROND AF OPBOUWEN?

Glemiel: Qua infrastructuur is er eigenlijk niets, maar wat me opviel toen ik voor het eerst mensen zag skaten in Suriname, was hoe vrij ze ermee omgingen. Ze kunnen van bijna alles een skateplek maken. Ik was daar eigenlijk best wel jaloers op. Ze skateerden op ruw beton en deden heel flips op oppervlakken waar ik hetzelfde probeerde te doen en het niet eens voor elkaar kreeg. Ze hebben dus al hun eigen manier van skaten, maar tegelijkertijd zeiden ze allemaal hetzelfde: we hebben geen skatepark. Er is wel een plek in het noorden, maar die ligt op zo'n 30 minuten rijden. Er zijn daar dus zeker wel straatskaters, maar het is nog steeds erg klein.

Timothy: De scene is echt piepklein. Suriname heeft een bevolking van ongeveer 600,000 mensen en het land is enorm – het grootste deel bestaat uit bos – dus als je dat beperkt tot de jongeren die wonen waar daadwerkelijk infrastructuur is, en vervolgens tot de kinderen die misschien willen skaten, en tot degenen die daadwerkelijk een skateboard kunnen krijgen, dan heb je het over zeer kleine aantallen. Er is maar één organisatie, SOS, en dat geeft je een idee van de schaal. Wat Glemiel doet, is dus echt helpen om een skatecommunity op gang te brengen.

WAAROM IS HET ZO BELANGRIJK VOOR SURINAME OM EEN RUIMTE ALS DEZE TE HEBBEN? WAT KAN SKATEBOARDEN BIEDEN, BEHALVE HET SKATEBOARDEN ZELF?

Glemiel: Voor mij is het belangrijkste dat het een reële mogelijkheid wordt. Op dit moment is dat nog niet eens het geval. Ouders kunnen erg streng zijn in Suriname, en als je zomaar op straat skateboardt terwijl het verkeer als een gek door de straten raast, voelt het niet veilig of realistisch. Je hebt een geschikte plek nodig om te oefenen, en omdat die er niet is, snap ik waarom veel mensen skateboarden nog niet eens als een optie overwegen.

Timothy: In Suriname denken mensen vaak aan wat een jongere kan worden – een voetballer, een bokser, iets met een duidelijk carrièrepad. Skateboarden wordt nog niet zo gezien. Voor veel mensen lijkt het gewoon een tijdverdrijf van kinderen of een overlast voor de buurt. Maar skateboarden biedt veel meer. Het is gezond, je gebruikt je hele lichaam, het geeft zelfvertrouwen en het creëert een gemeenschap. Als we een veilige omgeving kunnen creëren en evenementen en structuur kunnen opzetten, dan zullen mensen hopelijk ook anders naar skateboarders gaan kijken.

Het plan is niet alleen om de ruimte te bouwen, maar ook om er werk omheen te creëren – van evenementen tot de dagelijkse gang van zaken. Waarom is dat onderdeel van het project belangrijk?

TimothyHet betrekken van lokale mensen bij nieuwe dingen, en op nieuwe manieren, is een belangrijk onderdeel. Glemiel brengt het skaten, maar de Patta Foundation brengt ook organisatorische vaardigheden en een andere kijk op hoe zoiets kan worden opgezet. Voor ons gaat het er niet om vanuit Europa te komen en mensen te vertellen wat ze moeten doen. We willen niets opleggen. We willen gewoon een andere manier van werken laten zien, en als mensen zien dat het werkt, kunnen we het samen verder uitbouwen. Daarom is het ook belangrijk om Nederlands-Surinaamse kinderen en Surinaamse kinderen via dit project samen te brengen – zodat ze van elkaar kunnen leren. Skaten is eigenlijk maar het middel. Het zou een andere sport kunnen zijn, het zou iets heel anders kunnen zijn, maar sport is een manier om mensen samen te brengen. Daar omheen heb je de kantine, de evenementen, de dagelijkse energie van de plek, en dat alles creëert mogelijkheden voor mensen om te werken en betrokken te zijn. Als het op de juiste manier groeit, kunnen er meer mensen in dienst worden genomen, maar zelfs in de eerste fase gaat het erom kinderen te laten zien dat je zelf iets kunt opbouwen, in je eigen stad, en niet alleen voor toeristen.

En om het evenement zelf te bespreken, wat gebeurt er precies tijdens de fondsenwerving in Amsterdam?

Glemiel: Het draait allemaal om Tricks for Cash. We organiseren veilingen, workshops, een paar dj's en een lezing. Het is dus niet slechts één activiteit, maar eerder een hele dag die volledig in het teken staat van het op verschillende manieren inzamelen van geld voor het project.

Timothy: Er zal een korte presentatie zijn over wat we in Suriname doen, dj's gedurende de dag en een veiling met bijdragen van mensen uit de skatewereld. Piet Parra schenkt een skateboard en nog iets extra's, een paar andere skaters doneren ook spullen, en we veilen ook een schilderij van Lenny. De toegang is gratis, maar mensen kunnen doneren wat ze willen, en Monster, onze hoofdsponsor, verdubbelt het opgehaalde bedrag. We proberen dus op alle mogelijke manieren zoveel mogelijk geld in te zamelen en hopelijk de boel echt op gang te brengen.

En Lenny, jij hebt het artwork voor de campagne gemaakt. Hoe voelt het om te weten dat dat werk overal in Amsterdam te zien zal zijn — van een scherm gehaald en teruggeplaatst in de stad?

Lenny: Ik hoop echt dat het de aandacht trekt. Ik hoop dat het mensen naar de inzamelingsactie lokt en ons helpt genoeg geld in te zamelen om van het project iets echt geweldigs te maken. Ik ben zelf een paar keer in Skatecafé geweest, en het is zo'n plek waar je, zelfs als je niet echt skate, toch leuk kunt zijn. Dus ik hoop gewoon dat, wanneer dit allemaal in Suriname werkelijkheid wordt, de kinderen daar ook van dat gevoel kunnen genieten.

De fondsenwerving vindt plaats in SkateCafé in Amsterdam. Is die locatie een goed voorbeeld van wat een skateplek kan worden als het goed wordt aangepakt — iets groters dan alleen een plek om te skaten?

Timothy: Het is een geweldig voorbeeld. Ze zijn erg actief en het is echt gemeenschapsgericht. De mensen die het zijn begonnen, hebben een sterke gemeenschapszin en dat zie je ook terug in de kinderen die er komen – sommigen groeien op, gaan weg, beginnen hun eigen ding, maar behouden diezelfde spirit. Het draait echt om de mensen. Dit is mijn tweede inzamelingsactie daar, en na deze organiseer ik er nog een derde die niets met skateboarden te maken heeft, en zelfs dan staan ze er volledig achter. Ze zijn gewoon heel erg ondersteunend. En voor de kinderen werkt het echt als een veilige plek. Alle skateboardende kinderen komen er, maar zelfs mensen die niet skateboarden willen er graag zijn. Ik denk dat ze er echt in geslaagd zijn om iets groters te creëren dan alleen een skatepark.

Patta is uitgegroeid tot een internationaal bekend merk, maar voelt zich nog steeds nauw verbonden met de gemeenschap waaruit het is voortgekomen. Hoe belangrijk is het geweest om die geest te behouden naarmate het bedrijf groeide – en is dat wel zo makkelijk?

Timothy: Het is niet makkelijk, maar wel simpel. Het komt er vaak op neer dat je nee moet zeggen. Zolang je nee kunt blijven zeggen, kun je gefocust blijven op je eigen pad. Natuurlijk komt er altijd een moment waarop je ja moet zeggen tegen bepaalde dingen, maar op dit moment kunnen we nog steeds nee zeggen tegen veel dingen, en dat betekent dat we onze eigen richting kunnen volgen. Tegelijkertijd helpen initiatieven zoals de Academy en de Foundation enorm. Ze stellen het bedrijf in staat om zich meer op de zakelijke kant te richten, omdat de maatschappelijke betrokkenheid een eigen structuur heeft. Uiteindelijk moet het bedrijf winst maken, maar de Foundation en de Academy zijn er als non-profitorganisaties om gemeenschappen te ondersteunen en goede projecten te realiseren. We zouden waarschijnlijk veel meer over dat werk kunnen vertellen, maar dat is nooit echt de bedoeling geweest. We proberen onszelf niet in de schijnwerpers te zetten of te bewijzen dat we een goed hart hebben. Meestal bieden we gewoon ruimte, ondersteuning of financiering – het zijn de mensen die de projecten uitvoeren die de eer verdienen. Ik denk dat we een goede balans hebben gevonden, waardoor het bedrijf kan blijven groeien, terwijl de Stichting en de Academie zich kunnen richten op het op een zinvolle manier iets teruggeven aan de maatschappij.

TOT SLOT, VOOR IEDEREEN DIE DIT LEEST EN HET PROJECT WIL STEUNEN, WAT IS DE BESTE MANIER OM MEE TE DOEN?

Timothy: Het belangrijkste is nu om de inzamelingsactie te steunen en in de gaten te houden wat er verder gebeurt. We zullen een GoFundMe-pagina hebben en daar bredere steun voor opzetten, zodat mensen, zodra alles officieel online staat, direct kunnen doneren en de volgende stappen van het project kunnen volgen. En natuurlijk willen we UNCLE ook hartelijk bedanken voor de steun – we stellen het enorm op prijs.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2603.26Fotograaf Chiara Fossati brengt de buitenwijken van Milaan naar het centrum.

Terug naar Functies

“Ik probeer de aandacht op normale dingen te richten.”

Chiara Fossati zegt waar het op neerkomt, en dat geldt ook voor haar fotografie.

Fossati, geboren in Legnano in 1984 en inmiddels gevestigd in Milaan, is lid van CESURA, het Italiaanse fotocollectief en onafhankelijke groep dat is gebouwd op gedeelde vaardigheden, onafhankelijke publicaties en het soort ondersteuningssysteem dat fotografie vaak nodig heeft om als langetermijnpraktijk te kunnen overleven. "Fotografie is een heel eenzaam beroep. Dus creëren we een soort vangnet", zegt ze.

Dat gemeenschapsgevoel is belangrijk voor Fossati's manier van werken, net als de plek waar ze woont. Ze woont en werkt in de buitenwijken van Milaan, buurten die van buitenaf vaak worden gereduceerd tot stereotypen. - of, beter gezegd, van binnenuit Het stadscentrum. "Mensen uit het centrum zijn bang voor de buitenwijken, en dat heeft veel te maken met communicatie."

Het werk van Fossati verzet zich tegen die afstandelijkheid. Niet door dingen mooier te maken dan ze zijn, en niet door te choqueren. Haar beelden ontstaan door tijd, vertrouwen en gesprekken. Een aanpak waarbij mensen zich betrokken voelen, niet alsof ze van hen worden afgenomen. Het resultaat zijn foto's die zachtheid uitstralen zonder ooit te sentimenteel aan te voelen: aandacht voor gebaren, aanwezigheid en de alledaagse realiteit die zelden de ruimte krijgt die ze verdienen.

Projecten zoals Hoe dan ook, Villaggio dei Fiori en Komeet! De fotoserie toont portretten van ravers, tieners en gemeenschappen in de buitenwijken van Milaan, gefotografeerd zonder schokeffect of het verheerlijken van de strijd. Dit zijn niet Chiara's onderwerpen; dit zijn haar buren.

In een stad die internationaal wordt aangeprezen als snel, modieus en verfijnd, herinneren Fossati's foto's ons eraan dat Milaan ook wordt gevormd in trappenhuizen, binnenplaatsen, bushaltes, basketbalvelden – de alledaagse ruimtes waar het leven zich afspeelt zonder publiek. Haar werk is erkend in de Italiaanse wereld van de hedendaagse fotografie (waaronder prijzen voor Villaggio dei Fiori
en Komeet!), en ze heeft ook haar eerste boek gepubliceerd. Watvia de eigen uitgeverijtak van CESURA.

Door haar foto's in wilde poses te maken met UNCLE in Milaan, haalt Fossati haar portretten uit de buitenwijken en brengt ze naar het stadscentrum. Een openbare herinnering dat de 'andere kant' van de stad geen abstract idee is, maar mensen: die leven, opgroeien, voor elkaar zorgen en proberen gezien te worden zoals ze zijn.

Wat trok je in eerste instantie aan in fotografie, en wanneer begon je het gevoel te krijgen dat je je er serieus aan wilde wijden?

Ik denk dat het begon omdat ik me altijd een beetje anders voelde dan de anderen. Opgroeiend buiten een grote stad was ik vaak de vreemde eend in de bijt — ander haar, een ander uiterlijk — en ik voelde me altijd een beetje een buitenstaander. Van jongs af aan wilde ik reizen, verhuizen, mensen ontmoeten en zien wat er buiten mijn geboorteplaats te vinden was.

Toen ik op de kunstmiddelbare school zat, was er een donkere kamer, en ik herinner me nog heel goed de eerste keer dat ik mijn eigen foto's ontwikkelde en afdrukte. Toen ik dat beeld zag verschijnen, voelde het alsof ik op die manier echt vorm kon geven aan wat er al in mijn hoofd zat. Dat moment is me altijd bijgebleven.

Ik wist al vanaf mijn veertiende dat ik fotograaf wilde worden, en dat is nooit veranderd, ook niet toen het, en soms nog steeds, erg moeilijk was. Het is niet het makkelijkste beroep en het biedt niet veel zekerheid, maar de vrijheid om mijn interesses te volgen en te doen waar ik me toe aangetrokken voel, is voor mij altijd belangrijker geweest dan wat dan ook.

Je bent opgegroeid in de voorsteden en later naar Milaan verhuisd. Hoe hebben die plekken je kijk op mensen en het dagelijks leven beïnvloed?

Opgegroeien in de buitenwijken was belangrijk voor me. Omdat ik niet in een grote stad woonde, leken veel dingen onbereikbaar en moest ik al vroeg leren om zelf te gaan en te krijgen wat ik wilde. Dat heeft mijn nieuwsgierige kijk op het leven gevormd.

Aanvankelijk wilde ik juist naar Milaan vluchten. Maar later woonde ik weer aan de rand van de stad, in een sociale huurwoning in het westen van Milaan, waar ik nog steeds woon. Terugkeren naar die omgeving heeft alles voor me veranderd.

Wat me het meest verraste, was het gemeenschapsgevoel. In Milaan ken je je buren meestal helemaal niet, maar hier brachten mensen me eten, klopten kinderen op mijn deur om me welkom te heten en hielpen buren met de verzorging van mijn hond. Ik werd onderdeel van het dagelijks leven – ik hielp kinderen met hun huiswerk, deelde kleine momenten – en het fotograferen daarvan kwam heel natuurlijk voort uit die ervaring.

Door daar te wonen, heb ik beter leren kijken naar wat als gewoon wordt beschouwd. De mensen, de routines, de relaties – dat zijn de dingen die mijn kijk op het dagelijks leven nu echt vormgeven, en ze zijn essentieel geworden voor mijn manier van werken.

Veel van je werk vindt zijn oorsprong in de buitenwijken van Milaan. Wat is het toch met die gebieden dat je er steeds weer naartoe trekt?

Ik ben altijd al aangetrokken geweest tot mensen en subculturen die zich aan de rand van de samenleving bevinden, waarschijnlijk omdat ik me daar op verschillende manieren zelf ook deel van heb gevoeld. Met de buitenwijken van Milaan werd dat instinct veel persoonlijker, omdat het geen plek is die ik bezoek om te "documenteren". Het is waar ik woon en waar mijn dagelijks leven zich afspeelt.

Wat me steeds weer terugtrekt, is dat er voortdurend van een afstand over deze gebieden wordt gesproken, vaak met een angstgevoel erbij. Vooral nu is er veel angst voor de buitenwijken, en ik denk dat dat grotendeels te maken heeft met communicatie — verhalen worden uitvergroot, vereenvoudigd en herhaald totdat mensen in het centrum de buitenwijken als iets gevaarlijks gaan beschouwen.

Voor mij draait het bij het fotograferen van deze plekken deels om dicht bij de werkelijkheid te blijven. Niet om iets sensationeels te creëren, maar om het complete plaatje te laten zien – de normale alledaagse dingen en de mensen die hier hun leven leiden zoals ieder ander.

Milaan wordt van buitenaf vaak gezien als een snelle, hippe en verfijnde stad. Hoe voelt de stad aan vanuit jouw perspectief?

Ik denk dat Milaan, net als elke andere stad, niet slechts één realiteit kent. Er bestaan vele Milaans tegelijkertijd. Natuurlijk is het de modehoofdstad, het is een dynamische stad, met een gepolijste buitenkant, en er is veel 'coole' cultuur en een levendige mensenscene.

Maar tegelijkertijd is het ook een stad met sociale problemen, en er heerst het gevoel dat de gemeente de stad probeert "op te schonen", zodat mensen van buitenaf alleen die gepolijste versie te zien krijgen.

Vanuit mijn perspectief is de belangrijkste realiteit dat de mensen in de buitenwijken geen aparte wereld vormen, maar net als iedereen gewone dagelijkse dingen doen en proberen hun stem te laten horen en gehoord te worden.

En persoonlijk, hoewel Milaan duur kan zijn en sociaal gezien niet altijd de meest gastvrije plek, ben ik toch dol op bepaalde aspecten van de stad – het beton, de straatcultuur, de straatkunst, de tentoonstellingen – dat levendige gevoel dat je krijgt als je door bepaalde delen van de stad loopt.

OVERZICHT WAT DAN OOK, VILLAGGIO DEI FIORI EN COMETEHoe zijn deze projecten tot stand gekomen? Zijn ze op natuurlijke wijze ontstaan, of had je vanaf het begin een duidelijk idee?

Meestal is het precies andersom: je hebt niet eerst een duidelijk idee. Ik zou bijvoorbeeld... denken Ik wil graag iets plannen, maar meestal bevind ik me in een situatie en dan realiseer ik me: "Oh mijn God, dit is zo gaaf. Dit is zo belangrijk. Hier wil ik het over hebben."

Met WatHet was bijvoorbeeld niet zo dat ik per se de rave-cultuur wilde documenteren. Ik maakte gewoon foto's van mijn vrienden – en pas later, toen ik erop terugkeek, realiseerde ik me dat de foto's een heel intieme blik in die wereld boden. Het werd een manier om te laten zien dat ravers geen 'monsters' in verlaten gebouwen zijn, maar mensen. Er zit menselijkheid in.

Veel van mijn projecten beginnen zo: eerst het leven zelf, dan openbaart zich de betekenis. En dan, als ik eenmaal doorheb dat er iets is, geef ik er natuurlijk brandstof aan. Ik zet me er volledig voor in en werk het uit.

KOMEET De focus ligt op tieners en jongeren op een heel specifiek moment in hun leven. Wat motiveerde je om tijd door te brengen met deze leeftijdsgroep?

Ik ben altijd al gefascineerd geweest door tieners. Het is zo'n belangrijke fase in ieders leven; alles kan nog gebeuren, je doet dingen voor het eerst en je bent nog aan het uitzoeken wat voor persoon je wilt worden.

En eerlijk gezegd, ik weet niet waarom, maar na een bepaalde leeftijd vergeten volwassenen volledig hoe het was. Het is alsof ze het uit hun geheugen wissen.

Met CometeIk was vooral benieuwd naar wat het betekent om nu tiener te zijn – en dan met name een meisje – met alle sociale netwerken, het tempo van de communicatie en alles wat er in de wereld gebeurt. Dus begon ik meisjes op straat aan te spreken, ze te interviewen en portretten van ze te maken. Inmiddels heb ik zoveel portretten en interviews, en ik wil er een boek van maken.

Er zit een echte zachtheid en oprechtheid in de manier waarop mensen op je foto's verschijnen. Hoe creëer je de ruimte waar dat mogelijk is?

Die zachtheid komt voort uit verbinding. Het gesprek maakt het portret mogelijk – het schept vertrouwen en laat het beeld voortkomen uit iets dat dieper ligt dan de oppervlakte.

Dat is ook de reden Comete Het was een heel andere ervaring voor mij. Het was de eerste keer dat ik mensen aansprak die ik nog niet kende. Maar zelfs toen moest ik eerst een praatje maken. Want het gaat er niet om iemand er 'cool' uit te laten zien, of om stijl, of esthetiek. Ik ben geïnteresseerd in gebaren, en wat mensen laten zien als ze zich gezien voelen in plaats van alleen maar bekeken.

Je werk toont vaak gemeenschappen die van buitenaf gemakkelijk te stereotyperen zijn. Hoe denk je na over representatie wanneer je in deze omgevingen werkt?

Ik denk er vaak over na, omdat het heel makkelijk is om een foto te maken en per ongeluk te bevestigen wat mensen al geloven. En meestal is wat mensen "geloven" over bepaalde gemeenschappen gebaseerd op afstand, angst en herhaling.

Voor mij begint representatie met verantwoordelijkheid. Ik probeer dicht bij de realiteit en het menselijke te blijven, in plaats van bij het dramatische. Ik ben niet geïnteresseerd in sensationele beelden, maar in het alledaagse: gezinnen, kinderen, kleine momenten, gebaren, tederheid. Die details doorbreken stereotypen.

En het komt ook weer neer op hoe ik het beeld maak. Ik wil niet dat de camera een schild wordt. Ik wil dat mensen zich betrokken voelen, niet alsof ze van me worden afgenomen – dat ze deel uitmaken van het project in plaats van alleen maar als 'onderwerpen' te worden gebruikt. Het gesprek is belangrijk omdat het het werk verankert in een relatie, niet alleen in observatie.

VERTEL ONS OVER HET PROJECT DAT JE SAMEN MET OOM OP DE MUREN VAN MILAAN AAN HET REALISEREN BENT...

De beelden die ik voor deze samenwerking inbreng, zijn een mix van mijn langlopende project in de buitenwijk waar ik woon, en foto's die ik in andere buitenwijken van Milaan heb gemaakt.

Het zijn portretten van gewone mensen – buren, gezinnen, jongeren – en wat voor mij het belangrijkst is, is het doorbreken van het vooroordeel dat veel mensen in Milaan nog steeds hebben over de buitenwijken. Er heerst zoveel angst: dat mensen gevaarlijk zijn, criminelen, onbetrouwbaar. Maar in werkelijkheid zijn het gewoon gezinnen, met kinderen, met hun eigen problemen… en de meeste van die problemen komen niet voort uit iets wat ze ‘gedaan’ hebben, maar uit het leven zelf.

Voor de posters wilde ik dat de afbeelding centraal stond, maar ik wilde ook de naam van de wijk waar de foto was genomen erin verwerken.

DEZE SAMENWERKING BRENGT JE WERK DOOR MIDDEL VAN WILDPOSTING NAAR DE STRATEN VAN MILAAN. WAT WAS JE EERSTE REACTIE OP DAT IDEE?

Ik vond het echt gaaf, want het werk komt zo weer ten goede aan de stad, en mensen kunnen erlangs lopen en er even bij stilstaan.

Ik vind het een mooi idee dat iemand een gezicht ziet en denkt: Dat zou mijn kleine zusje kunnen zijn... ze lijkt op mijn nichtje... wat een mooi gezicht. Kleine gebaren van erkenning, en dat is genoeg.

En in bredere zin spreekt het me aan omdat ik foto's maak om mensen een stem te geven, dus hoe meer mensen zich met mijn werk kunnen verbinden, hoe blijer ik ben.

Wat vind je leuk aan het feit dat mensen bij toeval met je werk in aanraking komen, en wat hoop je dat ze ervan meenemen?

Ik vind het fantastisch dat het publiek buiten galerieën of musea compleet anders is — gewoon in de buitenwereld.

Voor mij geldt: als ook maar één persoon naar één afbeelding kijkt en zich erdoor verbonden voelt – als het hen emotioneel raakt, hen aan iets herinnert of hen aan het denken zet over de maatschappij of de gemeenschap – dan is alle moeite die ik erin heb gestoken het absoluut waard.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2602.26De Ierse ontwerpster Robyn Lynch presenteert haar collectie voor herfst/winter 26 op straat.

Terug naar Functies

“Echte cultuur en echte kleding, geïnspireerd door echte mensen.”

Zo omschrijft de Ierse modeontwerpster Robyn Lynch haar gelijknamige merk. Van Malahide tot Dublin en nu Londen, Lynch is niet bang om haar Ierse afkomst te laten zien, terwijl ze tegelijkertijd herinneringen aan haar jeugd verwerkt in de mouwen van al haar collecties.

Sinds haar afstuderen aan de Universiteit van Westminster in 2019 heeft Robyn een eigen plek veroverd in de hedendaagse herenmode, een plek die zowel persoonlijk als universeel aanvoelt. Kleding die gedragen wordt, functioneel is en een eigen identiteit uitstraalt.

Met recente mijlpalen zoals het ontwerpen van uniformen voor het Guinness Storehouse, een samenwerking met schoenenmerk Geox en haar eerste buitenreclamecampagne, mogelijk gemaakt door UNCLE, blijft het merk Robyn Lynch zich ontwikkelen – met de nadruk op continuïteit in plaats van vernieuwing.

Voor London Fashion Week sprak UNCLE met Robyn over haar herinneringen aan Malahide, de gemeenschappen in Londen (waaronder waar je het beste glas Guinness kunt vinden) en waarom het opbouwen van een garderobe voor iedereen altijd belangrijker zal zijn dan het najagen van spektakel.

OM TE BEGINNEN, HOE ZOU JE JEZELF IN JE EIGEN WOORDEN OMSCHRIJVEN – ZOWEL PERSOONLIJK ALS ALS DESIGNER?

Persoonlijk ben ik nogal pragmatisch en observerend. Ik ben geïnteresseerd in hoe mensen daadwerkelijk leven, wat ze dagelijks dragen, hoe kleding functioneert in de praktijk en de kleine details die ervoor zorgen dat iets goed aanvoelt.

Als ontwerper focus ik op functionaliteit, authenticiteit en storytelling. Ik ben geïnteresseerd in kleding die doorleefd aanvoelt, een doel heeft en verbonden is met iemands identiteit.

Je groeide op in het kustplaatsje Malahide, studeerde textiel in Dublin en verhuisde vervolgens naar Londen om je opleiding voort te zetten. Hoe heeft je geboorteplaats je werk beïnvloed?

Ik denk dat de mensen met wie ik ben opgegroeid mijn werk meer hebben gevormd dan de plek zelf. Malahide is prachtig, maar het zijn mijn vrienden en de herinneringen die de basis vormen voor elke collectie.

Veel van mijn werk komt voort uit nostalgie. Grappige verhalen, de merken die we vroeger droegen, hoe we onze outfits combineerden. Die herinneringen bepalen vaak de richting van een collectie en zelfs de droomcollaboraties die ik graag zou willen realiseren.

Van Malahide tot Dublin tot Londen, is er iets dat je mist aan het Ierse designecosysteem?

Ik mis het gemak van de gemeenschap en de bereidheid om te helpen. Als je ergens opgroeit, heb je vanzelf een netwerk om je heen.

Beginnen in Londen betekende dat ik al die relaties helemaal vanaf nul moest opbouwen, wat een uitdaging is. Maar het is ook een noodzakelijk onderdeel van onafhankelijk groeien.

Kun je je het moment herinneren waarop je voor het eerst besloot dat je in de mode wilde werken? Heb je ook andere carrièrepaden overwogen?

Het voelde heel instinctief aan. Elke fase van het onderwijs leidde op natuurlijke wijze naar de volgende, en het merk is uit dat proces gegroeid.
Na mijn afstuderen in 2019 kreeg ik de kans om mijn werk verder te ontwikkelen en me te richten op het vertegenwoordigen van een Ierse stem binnen de hedendaagse herenmode. Destijds was er nog niemand actief in die sector, dus het voelde als een duidelijk onderscheidend kenmerk.

U heeft het gehad over het belang van de Ierse cultuur in uw werk – of het nu gaat om culturele verwijzingen, muziek of humor. Hoe balanceert u tussen respectvol eerbetoon en cliché wanneer u met deze culturele symbolen werkt?

Het is een zeer dunne lijn, en iets wat ik in elke fase van het proces in twijfel trek. Kleur, stof, grafische vormgeving, casting, fotografie en muziek worden allemaal vanuit dat perspectief bekeken, vaak heel instinctief.
Ik wil dat het merk de Ierse cultuur viert zonder in een hokje geplaatst te worden. Het doel is dat mensen met verschillende achtergronden zich kunnen herkennen in de vormen en het gevoel, en hun eigen gevoel van nostalgie kunnen vinden, zelfs als ze niet Iers zijn.

HOE ZIET HET PROCES ACHTER EEN KUNSTWERK VAN ROBYN LYNCH ERUIT? WAAR BEGINT HET EN HOE ONTWIKKELT HET ZICH?

Het begint vaak met vintage. Ik breng uren door op eBay en bezoek archieven en vintage winkels wanneer ik op reis ben.

Van daaruit ga ik aan de slag met productontwikkeling in mijn fabrieken. Meestal begin ik met de kleurkeuze, daarna ga ik op zoek naar garen en ontwikkel ik de stof. Het is erg productgericht.

Het verhaal en de wereld komen later. De kernthema's veranderen niet drastisch van seizoen tot seizoen. Ik ben meer geïnteresseerd in het creëren van continuïteit en het ontwikkelen van de garderobes van de personages in de loop van de tijd, dan in het constant veranderen van richting.

U heeft onlangs de uniformen voor het Guinness Storehouse opnieuw ontworpen – een project dat als een natuurlijke match aanvoelde. Hoe combineert u institutionele eisen met uw eigen ontwerpinstinct?

Het was een grote uitdaging en we leren er nog steeds van. Het belangrijkste verschil zit hem in het gebruik. Je ontwerpt voor een breed scala aan mensen en rollen, dus het gaat erom een middenweg te vinden en tegelijkertijd de merkwaarden te behouden.

Ik wilde ook zoveel mogelijk van mijn bestaande productienetwerk bij het project betrekken. De uniformen worden in dezelfde fabrieken gemaakt als mijn reguliere kledinglijn, wat de drager hopelijk een gevoel van trots geeft. Ik wil dat mensen het gevoel hebben dat ze iets dragen dat met zorg is ontworpen en bijzonder is.

NU WE HET ER OVER HEBBEN, WAT IS JE FAVORIETE LONDENSE PUB VOOR EEN PINT GUINNESS?

De Auld Shillelagh in Stoke Newington.

Samenwerking staat centraal bij het merk Robyn Lynch. Is er een discipline buiten de mode waarmee je het liefst zou willen samenwerken, en hoe zou dat eruit kunnen zien?

Meubels zijn iets waar ik de laatste tijd echt in geïnteresseerd ben geraakt. Misschien komt dat wel doordat ik ouder word.

Ik ben het op dezelfde manier gaan aanpakken als kleding: door vintage spullen te zoeken en veel tijd door te brengen op eBay. Ik voel me aangetrokken tot stukken met sterke materialen en goede verhoudingen. Het idee om diezelfde aandacht voor materiaal, functionaliteit en duurzaamheid die ik bij kleding gebruik, toe te passen op meubels, voelt erg spannend.

U heeft de waarde van modeshows ten opzichte van meer directe vormen van interactie ter discussie gesteld. Hoe ziet u de toekomst van mode-presentatie voor onafhankelijke ontwerpers?

Als onafhankelijk merk moet je realistisch zijn over de beschikbare middelen. Een modeshow is een flinke investering voor iets dat maar een paar minuten duurt.

Ik denk dat de toekomst draait om meer doordachte en gerichte manieren om het werk te presenteren. Showrooms, persafspraken, installaties of campagnes, zoals de ondersteuning van UNCLE – die in de echte wereld plaatsvinden – voelen effectiever aan. Het zorgt ervoor dat het product goed te zien is en helpt bij het opbouwen van sterkere relaties met de mensen die het merk daadwerkelijk steunen.

HOE HEEFT HET WONEN IN LONDEN UW PERSPECTIEF OP DE IERSE CULTUUR BEÏNVLOED? EN OMGEKEERD, HOE BEÏNVLOEDT UW IERSE AFKOMST UW ERVARING VAN DE CREATIEVE SCENE IN LONDEN?

Toen ik verhuisde, versterkte dat absoluut mijn gevoel van Ierse identiteit, zoals volgens mij bij veel mensen het geval is wanneer ze van huis wegtrekken.

In de praktijk is de Ierse gemeenschap in Londen een enorme bron van steun geworden. Het feit dat mensen niet thuis wonen, brengt hen dichter bij elkaar. Er is een gedeelde energie en bereidheid om te helpen.

Het vinden van die groepjes mensen binnen de Londense creatieve scene is cruciaal geweest voor de groei en het voortbestaan van het merk.

WAT BETEKENT GEMEENSCHAP VOOR JOU, ZOWEL ALS CREATOR ALS LEIDER VAN JE EIGEN LABEL?

Het is een modewoord geworden, maar voor een klein merk is het echt cruciaal. In het begin lag de focus op erkenning via grote winkels, groei in de groothandel en grote persaandacht. Maar duurzaamheid op de lange termijn komt eigenlijk voort uit je directe omgeving.

We realiseerden ons dat ons online publiek groeide, maar dat het product niet altijd voor hen toegankelijk was. In 2024 hebben we onze prijsstructuur herzien en een kerncollectie geïntroduceerd. Sindsdien hebben we gezien dat de steun, die voortvloeide uit betrokkenheid op sociale media, zich vertaalde in daadwerkelijke verkopen.

TOT SLOT, WAT ZIJN UW PLANNEN VOOR DE MODEWEEK EN VOOR DE REST VAN 2026?

De samenwerking met Geox was een belangrijke mijlpaal. Het is het eerste schoenenproduct dat we rechtstreeks aan onze community hebben kunnen aanbieden, en dat was een fantastische ervaring.

We presenteerden de collectie in Parijse showrooms tijdens de Men's Fashion Week, in combinatie met persafspraken. Dankzij deze samenwerking met UNCLE hebben we ook onze eerste out-of-home campagne kunnen lanceren. Dit was een fantastische manier om een meer alledaagse vorm van zichtbaarheid te testen en mensen in hun dagelijkse omgeving te bereiken.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2602.26Hulp komt weer langs

Terug naar Functies

Dertig jaar na het origineel KLANTENSERVICE De nieuwe compilatie van War Child brengt enkele van de grootste namen uit de muziekwereld samen.

In 1995 bracht War Child een aantal van de grootste namen uit de muziekwereld samen om in één dag een album op te nemen. Het resultaat, KLANTENSERVICEEr werd meer dan een miljoen pond ingezameld voor het goede doel, dat was opgericht om kinderen te ondersteunen die getroffen waren door het conflict in Bosnië. In 2021 werd het label War Child Records opgericht om vier albums opnieuw uit te brengen die het goede doel tussen 2002 en 2009 had uitgebracht.

Op elk album brachten artiesten covers van geliefde nummers, werkten ze samen met andere artiesten of schonken ze nieuwe nummers. 1 Liefde werd uitgebracht in 2002 met een tracklist waarop onder andere Sugababes en The Prodigy stonden (de laatste maakte een cover van 'Ghost Town' van The Specials). Het jaar daarop verscheen Hoop Uitgebracht als reactie op de oorlog in Irak, met exclusieve nummers en covers van artiesten als George Michael, Spiritualized, Beth Orton en Yusuf Islam. 2005's Help! Een dag uit het leven vierde het tienjarig jubileum van het origineel en in 2009, Oorlogskind presenteert helden Er was een samenwerking tussen Lily Allen en Mick Jones van The Clash, en covers van Beck, Estelle en Franz Ferdinand.

Nu, HELP(2) is klaar om dat succes te herhalen. Het project, dat in november vorig jaar in één intense week in de Abbey Road Studios werd opgenomen en geproduceerd door James Ford, werd onthuld met de verrassende release van een gloednieuw nummer van Arctic Monkeys. Naast originele opnames bevat het album een reeks opvallende covers, waaronder Olivia Rodrigo's versie van 'The Book of Love' en Fontaines DC's krachtige herinterpretatie van Sinéad O'Connors 'Black Boys on Mopeds'.

Daarnaast is er een sterrenband samengesteld door Damon Albarn. Naast de zang van Kae Tempest en Grian Chatten, zijn op 'Flags' ook Johnny Marr op gitaar, Adrian Utley van Portishead, Dave Okumu van The Invisible, Seye van Gorillaz en Femi Koleoso, drummer en bandleider van Ezra Collective, te horen.

Het was in alle opzichten een samenwerkingsproject. "Ze waren twee dagen in de studio", herinnert Rich Clarke, hoofd muziek van War Child, zich. "Op de eerste dag besloot Damon dat hij graag een kinderkoor wilde betrekken. Het A&R-team vond snel twee kinderkoren en ze namen de tweede dag op. Op de tweede dag bedacht hij dat het fantastisch zou zijn om ook een volwassenenkoor te hebben. We riepen iedereen op en kregen Pulp en English Teacher te gast. Carl Barât, Marika Hackman, Declan McKenna, Let's Eat Grandma. Iedereen hielp mee."

Geld ingezameld van HELP(2) Het geld zal naar het werk van War Child in 14 graafschappen gaan, waar ze samenwerken met lokale organisaties om noodhulp, bescherming en zorg, onderwijs en gemeenschapssteun te bieden tijdens en in de nasleep van conflicten. Het biedt bovendien een lichtpuntje in een verder meedogenloze realiteit.

"De afgelopen jaren, met het conflict in Oekraïne als uitgangspunt, is het nieuws verzadigd met geweld", zegt Rich Clarke. "We dachten niet dat er ooit nog oorlog in Europa zou uitbreken, misschien wel niet tijdens ons leven. De situatie in Gaza. Soedan haalt eindelijk het nieuws en dat is momenteel de grootste humanitaire crisis ter wereld. Er heerst een algemeen gevoel van machteloosheid. Dit voelde als een positief project waar mensen zich aan konden vastklampen." Het is zeker nodig: ongeveer 520 miljoen kinderen worden getroffen door conflicten, ruwweg twee keer zoveel als dertig jaar geleden.

HELP(2) De visuele vormgeving werd verzorgd door de met een Academy Award bekroonde regisseur Jonathan Glazer en zijn vaste medewerker Mica Levi, en de albumhoes is nu te zien in heel Londen op posters en billboards die beschikbaar zijn gesteld door BUILDHOLLYWOOD en OOM“Ik ga op de terugweg over Camden Road fietsen, een foto maken en die op mijn Instagram zetten”, zegt Clarke. “Dat het een billboard wordt, is echt een ‘wow, het is echt!’-moment. Dat is de foto die je naar je moeder stuurt, toch? Dat komt harder aan dan het doorsturen van een pdf-bestand.”

Wat maakt het samenbrengen van artiesten voor speciale opnamesessies zo succesvol voor War Child?
Er is een band van traditie en vertrouwen. De creatieve spil van alles is producer James Ford, en deze plaat weerspiegelt de collectieve geest van de muziekindustrie. James vecht momenteel tegen leukemie, een ziekte die hij een paar maanden na zijn toezegging voor dit project opliep. Het oorspronkelijke idee was heel anders: nauw samenwerken met elke artiest in de studio, maar dat bleek niet mogelijk. Hij deed de productie op afstand en veel andere producers, technici en mixers sprongen bij: David Wrench, Marta Salongi, Catherine Marks. Het was een collectieve inspanning, voor James en voor het goede doel.

Het nummer 'Opening Night' van Arctic Monkeys werd binnen enkele dagen na de release acht miljoen keer gestreamd. Wat kun je ons verder nog over de muziek vertellen?
We hebben echt een topprestatie geleverd door Cameron Winter te strikken, juist nu Geese zo enorm populair is. Er is een Depeche Mode-cover van een nummer genaamd 'Universal Soldier', een folknummer dat Donovan beroemd heeft gemaakt. Ze hebben er een complete Depeche Mode-industriële bewerking van gemaakt en het klinkt behoorlijk krachtig.

Wat zijn de muzikale verbanden tussen HELP uit 1995 en HELP (2)?
Er loopt een rode draad door het verhaal, van toen tot nu. Beth Gibbons keert terug en covert 'Sunday Morning' van Velvet Underground. Graham Coxon speelt gitaar op het nummer van Olivia Rodrigo en is ook te horen op het nummer van English Teachers. Damon Albarn is terug. Pulp stond niet op de originele versie, maar die werd het jaar na de release genomineerd voor de Mercury Prize. Pulp won, voor... Verschillende klassemaar ze zeiden KLANTENSERVICE Had moeten winnen en het prijzengeld aan War Child moeten doneren.

Een andere overeenkomst tussen toen en nu is de rol van reclameborden bij het verspreiden van de boodschap…
Reclameborden worden nog steeds op dezelfde manier geconsumeerd als in '95 – je ziet ze vanaf het bovendek van de bus – maar het gebruik ervan is anders. Vroeger vertelde je het aan je vrienden als je op je werk aankwam, maar nu zie je het gewoon op alle platforms die mensen gebruiken. Ik vind de creativiteit die je rond reclameborden ziet geweldig, bijvoorbeeld wanneer ze buiten het kader treden of een kunstwerk worden. Het is altijd leuk om iets onverwachts te zien. Er zijn tegenwoordig niet zoveel leuke verrassingen meer in het leven, dus het is fijn om iets te zien waardoor je even stilstaat en kijkt. Dus ik hoop dat mensen even stoppen, kijken en de QR-code scannen.

Het idee achter de visuele wereld van het album is 'door kinderen, voor kinderen'. Hoe verliep dat in de studio?
We zullen kinderen altijd op een waardige en krachtige manier afbeelden en we zouden nooit beelden gebruiken die verwondingen of trauma's tonen. De scène op de albumhoes legt een moment van transcendentie en ontsnapping vast voor de jongen die door het water rent. Het toont weliswaar de wreedheid van oorlog, maar er zijn ook momenten van ongelooflijke lichtheid die de kindertijd vieren. Het is ongeremde vreugde: de blijdschap, het licht, alles. De hoes en de creatieve leiding van het project waren in handen van Oscarwinnaar Jonathan Glazer. Academy Films borduurde daarop voort door acht- en negenjarige kinderen handcamera's te geven om de artiesten tijdens de opnames te filmen. Je kunt zien wat er in de studio gebeurt door de ogen van een kind.

Hoe werkte dit met de kinderen die op afstand meewerkten?
We werkten samen met Academy Films om cameraploegen naar Gaza, Jemen en Soedan te sturen, waar kinderen handcamera's kregen. Ze filmden hun leeftijdsgenoten terwijl ze gewoon kind waren. Ze rennen, springen, spelen, klimmen, lachen, vallen, laten de camera vallen. Het is diep ontroerend, maar ook positief en inspirerend. Het geeft een menselijk gezicht aan conflicten; het is niet ver weg of onbereikbaar. Kindertijd is universeel.

Zijn er plannen om artiesten uit conflictgebieden op te nemen?
Het is iets wat we in het verleden al eens hebben onderzocht. We hebben samengewerkt met muzikanten rond Kinshasa in de Democratische Republiek Congo en er is gesproken over een muzikale uitwisseling met onze programma's in Jordanië en Libanon. Er is een wens om het te doen, maar we hebben de juiste manier nog niet gevonden. Veel muzikanten hier komen uit de conflictlanden waar we actief zijn, dus we willen die link graag leggen; dat verhaal vertellen, er licht op laten schijnen. We zijn actief in 14 landen en slechts een paar daarvan staan in het nieuws.

Je zou gemakkelijk kunnen denken dat liefdadigheid een andere plek inneemt dan cultuur. Ik denk dat dat een valse tegenstelling is. Is dit iets waar War Child over nadenkt?
De eerste kiemen van verandering komen vaak voort uit de cultuur: kunst, theater, muziek. Dat is vaak de eerste vorm van protest, de eerste vorm van reactie. Cultuur en liefdadigheid streven naar verandering, dienen een doel en willen een verschil maken.

Zijn er uitdagingen verbonden aan het openlijk en actief aankaarten van conflicten, zelfs wanneer je je alleen richt op de ervaringen van kinderen?
Ja. Dat is het wel en niet. Net als elke andere liefdadigheidsorganisatie zijn we politiek neutraal. Er zijn uitdagingen verbonden aan sommige meer gepolitiseerde conflicten. Uiteindelijk zijn kinderen altijd de onschuldige slachtoffers van oorlog. Oorlog wordt gevoerd om uiteenlopende redenen en met verschillende agenda's, en wij doen ons best om daarin te navigeren.

De tracklist voor KLANTENSERVICE Dat het in 1995 was, stond niet op de hoes gedrukt omdat er geen tijd was tussen de opname en de release. Wat is er verder nog gebeurd in de geschiedenis van jullie organisatie rond die tijd?
De uitdaging en de opwinding om er in één dag in te duiken en alles op te nemen. Twee van de artiesten waren The Stone Roses en Stereo MCs – ik denk dat ze er respectievelijk vijf en acht jaar over deden om hun tweede album te maken. In 1995 was de logistieke uitdaging enorm: het album in één dag opnemen en vijf dagen later in de winkels hebben. Er gaan verhalen rond over privéjets, tapes die de veerboot misten – op de een of andere manier is het allemaal gelukt. De artwork werd al gedrukt voordat Eno, die het album masterde, klaar was met de volgorde van de nummers. Ook deze keer staat er geen tracklist op de vinylplaat, om een vergelijkbare reden. Er was een deadline voor de artworkproductie – maar het is ook een eerbetoon aan het origineel. We hebben er deze keer een sticker op de voorkant geplakt.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken12.2512.25DIT IS EEN LIEFDESPROTEST

Terug naar Functies

"Er zijn maar weinig mensen gestorven door liefde. Maar talloze mensen zijn omgekomen, en komen elk uur nog steeds om, door gebrek aan liefde."¹

Wordt het steeds gênanter om mens te zijn? Wat heeft weer een jaar ons geleerd? Onbeschrijfelijke wreedheid is niet het exclusieve domein van één ras, geloofsovertuiging of ideologie. Check!

Het is ongetwijfeld altijd al zo geweest, maar tegenwoordig ontkomen berichten over conflicten, machtsmisbruik, leugens of gewoonweg onverschilligheid voor het lot van anderen niet meer. En toch zijn er vonken van verzet – mensen onder ons die de wereld willen verenigen met mededogen en ethische overwegingen. Moed, bedachtzaamheid en zorg – met andere woorden, LIEFDE – is het enige tegengif voor het sombere tijdperk waarin we leven.

Geïnspireerd door de weinigen met passie die grote tegenspoed, onrecht en angst trotseren – en door degenen die simpelweg dagelijkse steun en aanmoediging bieden – is UNCLE een partnerschap aangegaan met BUILDHOLLYWOOD om het jaar af te sluiten met THIS IS A LOVE PROTEST: een straatgalerie die van 15 december tot eind januari door heel het Verenigd Koninkrijk loopt ter ondersteuning van OorlogskindDe tentoonstelling toont werk van 21 kunstenaars, die elk reageren op de rechtvaardige, moedige en bevrijdende kracht van LIEFDE, met originele werken variërend van illustratie, schilderkunst, fotografie, textiel, grafisch ontwerp, mixed media tot tekstuele kunst.

Al meer dan dertig jaar wordt War Child gedreven door één enkel doel: een veilige toekomst garanderen voor elk kind dat een oorlog meemaakt. Overweeg alstublieft een donatie aan dit goede doel. hier — elke cent gaat rechtstreeks naar War Child.

We zijn enorm dankbaar voor de zeer getalenteerde kunstenaars die op deze oproep hebben gereageerd. U kunt al hun werken bekijken via de onderstaande index. Elk kunstwerk wordt vergezeld door een citaat van de kunstenaar, waarin hij of zij reflecteert op het thema van het project en het gemaakte werk. We wensen al onze vrienden, samenwerkers en klanten van harte fijne feestdagen.

"Noch liefde, noch angst maakt blind: onverschilligheid maakt blind."²

1 James Baldwin fr. Giovanni's kamer (1956)
2 James Baldwin fr. Als Beale Street kon praten (1974)

DONEER AAN WAR CHILD

ADÉBAYO BOLAJI

“Uiteindelijk zijn seizoenen niet voorwaardelijk; je kunt er doorgaans op vertrouwen. Dit soort liefde is het moeilijkst – juist de liefde waarop we kunnen vertrouwen.”

Ik heb een gedicht dat luidt:

En wat blijft er dan over?

Zodat we de ruimte in kunnen vliegen

En de eigendom van sterren opeisen?

En toch schreeuwt de zon.

'Ik hou van zowel het goede als het slechte.'

Voor mij symboliseert dit schilderij dus deels de meest epische en gevaarlijke vorm van liefde: onvoorwaardelijke liefde.

Alle wezens in het schilderij zijn aanwezig in het moment en genieten van de directheid en vloeiendheid van de natuur zelf.

www.bolaji.studio

ALISA OLEVA

“Ik geloof dat we, door na te denken over onze verbondenheid met de plaatsen en mensen van wie we houden, en door verbindingen te creëren over tijd, obstakels, stiltes, afwezigheid en afstanden heen, de toekomst waar we van dromen in de praktijk kunnen brengen en ernaartoe kunnen gaan.”

alisaoleva.com

ANNIE FROST NICHOLSON

“Weg met het fascisme. Wij, het volk, zijn een macht waarmee rekening gehouden moet worden, en de kracht van onze gemeenschappen bewijst dat liefde altijd, altijd de haat en angst overwint.”

www.anniefrostnicholson.com

ANTHONY BURRILL

“Twee korte woorden verbonden door een ampersand. Simpel, direct, menselijk. Een boodschap teruggebracht tot de meest authentieke vorm: de verbinding tussen jou en mij.”

In mijn werk gebruik ik de taal van de straat: robuuste lettervormen, gedurfde contrasten, heldere lay-outs en een stem die rechtstreeks tot je spreekt. Mijn posters zijn geen decoratie; ze communiceren. Of ik ze nu op een muur schilder, op een reclamebord plak of over een billboard span, You & Me wordt zowel een persoonlijke herinnering als een publieke verklaring – een stille vorm van protest, geuit door warmte en optimisme.

Dit is mijn liefdesprotest: positieve boodschappen gebruiken om cynisme, verdeeldheid en lawaai tegen te gaan. Wanneer je You & Me ergens in de wereld ziet, hoop ik dat het voelt als een moment van rust in de chaos – een uitnodiging om even stil te staan, omhoog te kijken en te beseffen dat vriendelijkheid iets is wat we delen. In een tijd waarin boodschappen vaak verdeeldheid zaaien, wil ik dat mijn woorden ons weer samenbrengen. Want verandering begint niet altijd met woede – soms begint het met liefde.”

anthonyburrill.com

BABAK GANJEI

"Het lijkt erop dat de wereld in het algemeen er baat bij zou hebben als de jongere generatie al op jonge leeftijd mededogen zou leren in plaats van angst, die ons uiteindelijk verdeelt."

www.babakganjeiworks.com

BEVAN AGYEMANG

"Liefde herinnert zich de verhalen en offers die onze basis vormen. Liefde over generaties heen betekent begrijpen dat tijd niet scheidt, maar verbindt. Het is de alomtegenwoordige draad die verleden, heden en toekomst met elkaar verbindt."

www.instagram.com/bevan_agyemang

CORBIN SHAW

“'I’m in love in this country' is een variant op het idee van liefde vinden op een hopeloze plek. Ik wilde dat mensen het verkeerd zouden interpreteren, alsof er stond: 'Ik ben verliefd op dit land'. Ik vond het een mooi idee dat kijkers het op hun eigen manier konden interpreteren.”

www.corbinshaw.com

ELIJAH

"Genieten van de ruimte en tijd waarin je leeft, betekent de juiste muziek vinden om die te begeleiden. Het verzamelen, samenstellen en delen van die vreugde met anderen is een ongrijpbare vorm van optimisme die we in deze bizarre tijden hard nodig hebben."

www.instagram.com/eli1ah

GAURAB THAKALI

“Het portret van de man aan de piano is van Bill Evans, en het kunstwerk is geïnspireerd op zijn nummer Peace Piece. Het is een prachtig, tijdloos muziekstuk met een meditatieve, reflecterende sfeer.”

Het andere kunstwerk is opgedragen aan Gil Scott-Heron – muzikant, auteur en spoken-word-artiest. Het is geïnspireerd op zijn teksten en de thema's die hij vaak behandelde: sociale en raciale onrechtvaardigheid, hoop, desillusie en de menselijke conditie.

www.gaurabthakali.com

JEREMY DELLER

www.jeremydeller.org

JOE CRUZ

"Zoenen is geweldig - vier het zoenen van degene van wie je houdt x."

jcruz.co.uk

MAGDA ARCHER

“Bah! Ik ben zo klaar met al die haat. Je kent het gezegde wel: 'Als je niets aardigs te zeggen hebt, zeg dan maar niets.' Dus, meer liefde voor 2026, alsjeblieft.”

www.instagram.com/magdaarcher

MARK TITCHNER

Raoul Vaneigem schrijft in 'De revolutie van het dagelijks leven' dat zij die spreken over revolutie en klassenstrijd 'zonder te begrijpen wat er subversief is aan liefde' dat doen met 'een lijk in hun mond'. Liefde verzet zich tegen beperkingen, eist offers en is onbaatzuchtig. Het suggereert iets dat ingaat tegen veel hedendaagse logica, namelijk dat wij individuen, wij 'ik', in feite niet het centrum van het universum zijn.

Reclamemedia, in al haar vormen, vertellen ons dat 'je wilt' en dat 'je nodig hebt', en herinneren ons aan onze plicht tot eeuwige consumptie in dienst van zelfverbetering. In dit werk, 'It Is You I Love the Most', wilde ik deze logica simpelweg ombuigen. Door 'jou' rechtstreeks aan te spreken, wilde ik niet benadrukken wat je mist, maar juist een geschenk aanbieden – iets wat we allemaal kunnen geven: liefde.

marktitchner.com

MOLLY HANKINSON

“Ik heb Sisterhood in 2020 opgericht, en het was onderdeel van Your Space Or Mine in Glasgow tijdens de lockdown. Het was geweldig om de thema's van saamhorigheid, solidariteit en het vormen van coalities er weer bij te pakken en erover na te denken. Het voelt nog steeds even – zo niet meer – aangrijpend en essentieel om deze boodschap vandaag de dag te versterken.”

www.mollyhankinson.com

MORAG MYERSCOUGH

“Ware liefde als vorm van protest gaat over meer dan persoonlijke relaties; het belichaamt een streven naar collectief welzijn.

Ware liefde omarmt empathie, begrip en mededogen. Ware liefde ontsteekt hoop, verandert landschappen en inspireert ons om een wereld voor ogen te hebben die verenigd is door mededogen en begrip. Door liefde te vieren, dagen we discriminatie en onverschilligheid uit en banen we de weg voor een betere, meer inclusieve toekomst.

www.moragmyerscough.com

REBECCA ZEPHYR THOMAS

“Ik heb dit portret van activist en fotograaf Misan Harriman gekozen omdat hij zich onvermoeibaar inzet om rechtvaardigheid en liefde over de hele wereld te verspreiden. Zijn stem is kalm, empathisch en weloverwogen, en hij raakt mensen wereldwijd via zijn kunst en activisme. De foto is genomen tijdens een protest voor Palestina in Londen in juli 2024. Misan is een lichtpuntje dat de wereld in deze tijd nodig heeft, en hij komt altijd op voor onze gedeelde menselijkheid.”

www.rebeccazephyrthomas.com

ROBERT MONTGOMERY

“Ik ben ontzettend blij dat ik deel mag uitmaken van dit project om geld in te zamelen voor War Child. Deze posters zijn een verlengstuk van mijn nieuwe gedicht op het plein bij Centrepoint aan Charing Cross Road in Londen. De woorden bezingen alledaagse daden van vriendelijkheid. Vriendelijkheid tonen aan de meest kwetsbare mensen ter wereld is nu belangrijker dan ooit. Vriendelijkheid is onze grootste kracht.”

www.robertmontgomery.org

SGÀIRE WOOD

“The World is Still Your Toy” is opgedragen aan kinderen, in het bijzonder aan kinderen die slachtoffer zijn van conflicten, geweld en genocide. Het heraldische hermelijnmotief staat voor de abstractie van geweld en de anonimisering van degenen die het ervaren, maar ook voor een oproep om verenigd te staan in onze uiteenlopende ervaringen tegen fascisme en onderdrukking wereldwijd. Alle kinderen moeten weten dat de wereld en alle mogelijkheden die ze biedt, nog steeds van ons allemaal zijn. Vrij Palestina.

www.instagram.com/sgairewood

SUEDE

“In een land dat geobsedeerd is door krantenkoppen over angst, schrijven deze twee hun eigen voorpagina: kinderen van immigranten die vriendelijkheid als hun nalatenschap kiezen – een herinnering dat liefde niet zachtaardig is; het is verzet!”

www.instagram.com/suede_baby

TRACKIE MCLEOD

“Liefde is op zichzelf een daad van protest. Het is tijd om in opstand te komen tegen regeringen die oorlog aanwakkeren, haat zaaien en winst boven menselijkheid stellen. De macht die ze hebben gestolen, zal terugkeren naar het volk als we onze stem laten horen en samen opkomen voor onze idealen.”

trackiemcleod.com

YINKA ILORI

“Dit kunstwerk was oorspronkelijk bedoeld als allegorie voor moederfiguren. Het staat symbool voor onvoorwaardelijke liefde, evenwicht, diepe zorg en welwillendheid. Een kracht die weerspiegelt wat vrijelijk is gegeven. Het vertegenwoordigt de stille kracht die gemeenschappen koestert en bijeenhoudt, vooral in tijden van verdeeldheid.”

yinkailori.com

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.2511.25De cirkel is rond: NYC-fotograaf Paulie B brengt de 'Walkie Talkie'-serie terug naar de straten

Terug naar Functies

“Maak deze zin af: Ik maak foto’s omdat…”

Terwijl de fotografen, het tempo en de locaties van aflevering tot aflevering veranderen, is dit de ene zin die je altijd zult horen in Walkie Talkie — de straatfotografie-YouTube-serie opgericht door Paulie B, echte naam Paul Baldonado.

Paulie, geboren en getogen in Washington D.C., groeide op als de jongen die uitblonk in de kunstlessen – altijd tekenend, altijd visueel kijkend. Hij begon met fotograferen in het Tumblr-tijdperk en leende de DSLR van zijn zus, voordat hij zich tijdens zijn negen-tot-vijfbaan in de twintig verder verdiepte in fotografie. Nadat hij naar Chicago was verhuisd, stelde hij zichzelf een regel: een jaar lang elke dag één foto maken. Die discipline – gecombineerd met de architectuur en het ritme van de stad – vormde zijn blik. Maar het was het onophoudelijke tempo van New York dat hem echt aantrok. De verhuizing in 2019 gaf hem wat hij noemt "de energie waar mijn vinger naar op zoek was."

Wat maakt Walkie Talkie Uniek is niet alleen wat eruit komt, maar ook de eerlijkheid waarmee het wordt getoond. Er zijn geen garanties voor "de foto". Sommige dagen leveren niets op, sommige dagen geven alles – maar de camera's blijven draaien. Zoals Paulie het zegt: “Dit is hoe het echt is om een straatfotograaf in New York te zijn en gesprekken te voeren met de gemeenschap die ik heb.”

Dankzij een nieuwe samenwerking met UNCLE neemt diezelfde gemeenschap de straten – of beter gezegd de muren – opnieuw over. Terwijl Paulie een rebranding voor het kanaal uitrolt, naast een nieuwe reeks video's, werkt ze vanuit Walkie Talkie-fotografen zijn overal in New York gepubliceerd.

Over zijn hele lengte, Walkie Talkie heeft een breed scala aan fotografen gepresenteerd die het medium vandaag de dag vormgeven – van Trevor Wisecup tot Martha Cooper, tot Jas Leon, Mark A. Portillo en Kazu Nakajima, die allemaal in de wildpostingcampagne voorkomen. Elk brengt zijn eigen ritme, filosofie en stadsgeluid mee, waardoor de serie een evoluerend verslag is van het huidige moment in de straatfotografie.

Voor Paulie is de cirkel rond. Het werk dat op straat ontstaat, vindt zijn weg terug, vrij van galerieën en glas. Het is een bevestiging van wat Walkie Talkie staat altijd voor: fotografen die blijven fotograferen en op straat blijven verschijnen.

In gesprek met UNCLE reflecteert Paulie B op het maken van Walkie Talkie, de filosofie erachter en waarom het antwoord op die bekende vraag, zelfs na al die jaren, nog steeds hetzelfde aanvoelt.

Waren er vroege invloeden — fotografen, kunstenaars of zelfs films — die jouw kijk op de wereld door een lens hebben beïnvloed?

Een van de eerste grote invloeden voor mij was eigenlijk een film - de Vivian Maier documentaire. Ik herinner me dat ik ernaar keek en dacht: oh, dit is iets wat al eerder is gedaan – mensen zijn daar geweest, hebben het leven vastgelegd, vreemden gefotografeerd, gewoon de wereld geobserveerd zoals die is. Het gaf me een historisch besef, dat wat ik deed deel uitmaakte van een veel groter verhaal.

Vanaf dat moment begon ik me verder te verdiepen, ontmoette ik andere fotografen en leerde ik over figuren zoals Fan Ho en Gary Winogrand. Al vroeg was ik helemaal weg van Fan Ho – de manier waarop hij licht en geometrie gebruikte, hoe elke foto zo weloverwogen aanvoelde. Maar na verloop van tijd werd Winogrand mijn belangrijkste inspiratiebron. Hij is een constante factor sinds ik hem ontdekte.

In het begin ging het om de foto's zelf, maar nu gaat het meer om zijn filosofie – zijn houding ten opzichte van fotograferen. Hij wilde gewoon buiten fotograferen, elke dag, zonder er al te veel over na te denken. Er zit een onverbiddelijkheid in die aanpak waar ik me echt mee verbonden voel.
Winogrand vertelde dat je elke keer dat je een foto maakt het risico moet lopen te falen, en dat is me bijgebleven. Het meeste wat ik fotografeer, mislukt – er zit een hoop "troep" in, zoals hij het noemde – maar dat hoort erbij. Je moet jezelf elke keer in een positie brengen waarin je een beetje kunt falen, want zo groei je. Die mentaliteit heeft mijn kijk op fotografie echt gevormd, en het is wat me elke dag weer aan het wandelen en fotograferen houdt.

Laten we het over walkie-talkies hebben. Hoe ontstond het idee en waarom wilde je straatfotografie naar YouTube brengen?

Er bestonden al straatfotografievideo's op YouTube, maar Walkie Talkie kwam echt voort uit wat er al in mijn leven gebeurde. Ik liep elke dag kilometers en kilometers door New York City met andere fotografen, en voerde gesprekken – soms over fotografie, soms over het leven in het algemeen. Ik dacht: het zou interessant zijn als mensen daar eens naar zouden luisteren. Het is een soort podcast, maar dan visueel en geworteld in de straten.

Voor mij voelde New York altijd als het mekka van de straatfotografie, maar wat ik online zag, weerspiegelde niet wat ik hier in het echt zag en meemaakte. De cultuur, de mensen, het ritme – het was allemaal anders. Dus ik wilde die authenticiteit online overbrengen. Zo voelt het echt om straatfotograaf te zijn in New York en gesprekken te voeren met de gemeenschap die ik heb. Het is mijn manier om mensen de energie en eerlijkheid te laten zien van wat hier elke dag gebeurt.

WAT BETEKENT WANDELEN VOOR JOU IN VERBAND MET JE WERK? JE VIDEO'S HEBBEN IETS MEDITATIEFS — HOE VERBINDEN WANDELEN EN SCHIETEN ZICH VOOR JOU?

Voor mij is wandelen het belangrijkste. De manier waarop ik straatfotografie beoefen, is een kwestie van inspanning. Het meeste wat je fotografeert, zal niet lukken – zo is het nu eenmaal. Dus hoe meer je wandelt, hoe meer je ziet, hoe meer kansen je jezelf geeft om iets te maken.

Als je honderd foto's per uur maakt, zijn negenennegentig misschien slecht. Maar als je twee of drie uur wandelt, zijn dat een paar honderd kansen in plaats van honderd. Het is geen perfecte verhouding, maar de inspanning stapelt zich op. Hoe meer je erin stopt, hoe meer je eruit haalt. Je moet buiten zijn, je moet jezelf beschikbaar stellen en bereid zijn om te accepteren wat er op je pad komt. Sommige dagen gebeurt er niets, sommige dagen vind je magie – maar je zult het pas weten als je blijft lopen.

HAD JE VERWACHT DAT HET ZO'N GROTE, LANGLOPENDE SERIE ZOU WORDEN, OF BEGON HET MEER ALS EEN EXPERIMENT?

Ik had het gevoel dat het goed zou gaan. Natuurlijk had ik mijn twijfels, maar ik had ook het gevoel dat het mensen zou aanspreken. Zoals we al zeiden, New York is het mekka van de straatfotografie, en mensen overal ter wereld zijn geïnteresseerd in wat hier gebeurt – niet alleen in de fotografie, maar in alle creatieve disciplines. Dus hen een kijkje achter die deur geven, voelde als iets dat zou aanslaan.

In het begin kreeg ik misschien wel duizend views per Walkie Talkie, tweeduizend, drieduizend — maar ik wist het gewoon. Ik moest die mindset behouden, zelfs tijdens de ups en downs van YouTube. Eén ding dat ik heb geleerd van het luisteren naar succesvolle mensen in andere vakgebieden, is dat ze allemaal de onmiskenbare gedachte delen dat ze het gaan maken. Ze hopen niet; ze weten het. Dat is me echt bijgebleven.

Dus zelfs toen de aantallen laag waren, bleef ik tegen mezelf zeggen: ik weet dat dit gaat werken. Mensen denken waarschijnlijk dat ik er flink aan verdien, maar dat is niet zo – ik blijf mezelf ervan overtuigen dat het gaat werken. Maar ik moet dat vertrouwen behouden. Je neemt een beslissing, en dan maak je het goed. Dat is de mentaliteit. Het komt allemaal goed.

JE HEBT AL EERDER GEZEGD DAT JE NET ZO GEÏNTERESSEERD BENT IN DE MENSEN ACHTER DE CAMERA ALS IN DE BEELDEN ZELF. WAT VOOR GESPREKKEN PROBEER JE TE VOEREN ALS JE AAN HET FILMEN BENT?

Ik denk dat Walkie Talkie vooral de persoon achter de camera naar voren brengt. Het laat de gedachte en het werk zien die in het maken van een foto zitten – want in sommige afleveringen merk je dat er niet zoveel foto's worden gemaakt. Dat komt niet omdat iemand geen goede fotograaf is; soms gebeurt er gewoon niets. Daar hebben we geen controle over. We kunnen niet bepalen wanneer er goede foto's of interessante momenten ontstaan – we beginnen allemaal gewoon te lopen, en wat er ook gebeurt, gebeurt.

Wat de ene fotograaf aanspreekt, spreekt de andere misschien niet aan, en dat is een deel van wat ik zo graag laat zien. Het laat zien hoe verschillende mensen totaal verschillend reageren op dezelfde stad. Het laat ook zien hoeveel werk het eigenlijk kost – het kan dagen, zelfs maanden duren om één foto te maken waar je trots op bent. Ik film maar één dag, dus ik hoop dat Walkie Talkie mensen dat proces laat zien – de mindset, de werkethiek en de gedachten achter het maken van foto's.

HOE VIND JE EIGENLIJK DE FOTOGRAFEN WAAR MEE WERKT — EN WAAR LET JE OP BIJ HET BESLISSEN VAN JE VOLGENDE FOTOGRAFIE?

Ik pak het op een paar manieren aan. Als ik naar een nieuwe stad reis, neem ik meestal contact op met fotografen die ik daar al ken en vraag ik hen om drie mensen te noemen die de gemeenschap op dit moment echt vertegenwoordigen. Ik doe dat met vijf of zes mensen, en zodra ik dezelfde namen zie, weet ik wie ik moet benaderen. Die overlap vertelt me meestal wie actief, gerespecteerd en vooruitstrevend is.
Hier in New York is het een beetje anders, omdat ik zo diep in de scene zit. Ik ben veel op straat en kijk wie er rondloopt, wiens werk steeds weer opduikt, wie zich dag in dag uit inzet. Na verloop van tijd ontwikkel je een gevoel voor wie echt toegewijd is – de mensen die het doen uit liefde, niet alleen voor likes of volgers. Ik vind het leuk om mensen te laten zien die al minstens een paar jaar actief zijn en nog steeds die passie hebben. Straatfotografie kan heel cyclisch zijn; veel mensen komen en gaan. Maar degenen die consistent blijven, wil ik in de spotlight zetten.

ER WORDT OOK EEN BEETJE NADRUK GEGEVEN OP DE UITRUSTING DIE MENSEN GEBRUIKEN — DE CAMERA'S, DE LENZEN, DE OPSTELLINGEN. WAT IS JOUW MENING OVER DIT KANTOOR? GA JE AKKOORD MET HET IDEE DAT "DE BESTE CAMERA DIE IN JE HAND IS"?

Eerlijk gezegd begon ik pas naar apparatuur te vragen omdat mensen in de reacties boos werden dat ik dat niet deed. Persoonlijk maakt het me niet zoveel uit. Meestal gebruiken mensen toch al vergelijkbare camera's, vooral in New York, en dat komt meestal omdat ze iets hebben geprobeerd wat een vriend gebruikt en het gewoon voor hen werkt.

Uitrusting is tot op zekere hoogte belangrijk, maar ik denk dat mensen met de uitspraak "de beste camera is die in je hand" eigenlijk bedoelen dat je moet vinden wat voor jou werkt. Voor sommigen is dat een afstandsmeter, voor anderen een spiegelreflexcamera of zelfs een middenformaatcamera. Je moet gewoon iets vinden dat je niet in de weg zit – een camera die natuurlijk aanvoelt, waarmee je kunt fotograferen zonder al te veel na te denken.

Voor mij draait het om wat effectief en efficiënt is. Effectief betekent dat het je het gewenste beeld geeft, en efficiënt betekent dat het de wrijving vermindert – het laat je zonder aarzeling bewegen en reageren. Budget speelt daar ook een rol in. Sommige camera's zijn duur, maar als het de camera is die bij je flow past en je zin geeft om te gaan fotograferen, dan is het de moeite waard.

NAAST DE OPMERKINGEN OVER DE UITRUSTING, WORDEN ONDER DE WALKIE-TALKIE VEEL REACTIES OVER HOE INSPIREREND DE AFLEVERINGEN ZIJN — MENSEN ZEGGEN DAT JE ZE WEER AAN DE SLAG HEBT GEKREGEN. WAT VIND JE DAT?

Dat voelt echt geweldig, eerlijk gezegd. Ik denk vaak aan dat citaat van Kobe Bryant – hij zegt dat grootsheid niet alleen draait om wat je bereikt, maar ook om je vermogen om anderen te inspireren, die vervolgens weer anderen inspireren. Dus als ik reacties zie van iemand die zegt dat hij zijn camera weer heeft opgepakt dankzij de walkietalkie, dan raakt me dat echt.

Het is bizar om te bedenken dat iemand een video kan bekijken, diezelfde dag nog de deur uit kan gaan en de beste foto van zijn leven kan maken – en dat ik daar misschien, op een kleine manier, aan heb bijgedragen. Dat is het soort domino-effect waar je van droomt. Je zet dit werk de wereld in, zonder echt te weten wie het gaat bereiken of hoe het zal landen, en dan begin je te zien dat het mensen daadwerkelijk motiveert om te creëren. Dat is het beste gevoel dat er is.

JE HEBT DIT HELE PLATFORM ROND DE STRAAT GEBOUWD — EN NU ZULLEN JE FOTO'S LETTERLIJK OP STRAAT ZIJN VIA DEZE UNCLE WILDPOSTING-CAMPAGNE. HOE VOELT HET OM WALKIETALKIES TE ZIEN OP DEZELFDE SOORT MUREN WAAR ZO VEEL VAN JE WERK BEGINT?

Het voelt heel natuurlijk – bijna poëtisch. Het werk is gemaakt op deze straten en wordt nu weer in diezelfde omgeving geplaatst. Het hangt niet in een galerie of iemands woonkamer; het is weer in de openbare ruimte, onderdeel van de stad. Deze posters zouden kunnen worden afgescheurd, overplakt of op de achtergrond van andermans foto terechtkomen – en dat vind ik geweldig. Dat is straatfotografie. Je weet nooit wat er gaat gebeuren, en diezelfde onzekerheid maakt het juist spannend.
Dus om te hebben Walkie Talkie Verspreid over New York voelt het goed. Het maakt de cirkel rond. Het is alsof de serie terugkeert naar waar hij vandaan kwam – de muren, de stoepen, de chaos, de energie. Het maakt allemaal deel uit van hetzelfde verhaal.

NEW YORK SPEELT ZO'N GROTE ROL IN JE VIDEO'S — NIET ALLEEN ALS ACHTERGROND, MAAR OOK ALS PERSONAGE. HOE ZIE JE DE STAD VANDAAG ALS EEN PLEK OM TE WONEN EN TE CREËREN? DENK JE DAT DEZE STAD NOG STEEDS DEZELFDE ENERGIE HEEFT DIE DE STAD TOT DE HOOFDSTAD VAN DE STRAATFOTOGRAFIE HEEFT GEMAAKT, OF IS DAT VERANDERD?

New York zal altijd een broedplaats voor creativiteit blijven. Het is nog steeds het epicentrum – altijd vooroplopend. Als ik trends hier in de fotowereld zie ontstaan, weet ik dat ik ze twee of drie jaar later in andere steden zie opduiken. Alles gaat hier net iets sneller. Het tempo, de dichtheid, de diversiteit – het dwingt je om je aan te passen, om alert te blijven.

Dat gezegd hebbende, het heeft veranderd. Ik weet niet of het komt doordat ik ouder word of gewoon door de tijd, maar vóór COVID voelde New York wat willekeuriger en eclectischer. Je kon zomaar een hoek omslaan en zomaar iets bijzonders tegenkomen. Nu voelt het wat meer ingetogen, ook al is er minder voetverkeer. Maar de diversiteit houdt het interessant – je kunt één blok lopen en vijf talen horen, tien verschillende werelden zien die elkaar kruisen. Die constante verandering houdt de stad levendig en maakt het de beste plek ter wereld voor straatfotografie.

DE SERIE BENADERT VAAK NIET ALLEEN KUNST, MAAR OOK SOCIOLOGIE — WIE NEEMT DE OPENBARE RUIMTE IN, HOE MENSEN MET ELKAAR OMGAAN, WAT DE STAD TERUGGEEFT. HOE BEWUST JE JE VAN DIE SOCIALE LAAG TIJDENS HET FILMEN? EN WAT VIND JE VAN DE RUIMERE MOMENTEN WAAR STRAATFOTOGRAFIE ZICH NU IN BEVINDT?

Als ik een walkietalkie film, concentreer ik me meestal op de flow van het gesprek, niet op het struikelen over mezelf, maar op het in beeld houden van de persoon – al die kleine dingen die het doen werken. Dus op dat moment denk ik niet altijd na over de sociologie van wat er om ons heen gebeurt. Maar als ik de beelden terugkijk, merk ik hoe belangrijk die lagen zijn – wie er op de achtergrond is, wat ze dragen, wat er gebouwd of afgebroken wordt. Het is allemaal een weerspiegeling van de stad zoals die nu is.

Daarom maak ik foto's van dingen zoals bouwplaatsen of mensen op hun telefoon. Het lijkt op dat moment misschien niet interessant, maar over een paar jaar vertellen die dingen een verhaal over hoe we leefden. Iedereen is altijd op zoek naar 'tijdloze' foto's, probeert iets te maken dat eruitziet alsof het uit een ander tijdperk komt – maar ik denk dat alles nostalgisch wordt als je het de tijd geeft. Je moet gewoon vastleggen wat je voor je hebt, want over vijftig jaar vormen die momenten de tijdcapsule.

Wat de bredere scene betreft, denk ik dat er een verschuiving plaatsvindt. Een paar jaar geleden was iedereen geobsedeerd door het spontaan maken van foto's – geen oogcontact, geen interactie – maar nu staan mensen daar wat relaxter tegenover. Er is minder controle over wat 'telt' als straatfotografie, en dat is maar goed ook. De enige echte frustratie die ik ooit hoor, is dat mensen zich te veel zorgen maken over wat anderen denken. Mijn houding is altijd geweest: ga gewoon lol maken, maak de foto's die je wilt maken.

En als het gaat om fotografie in het grotere geheel – in deze digitale, door algoritmen aangestuurde wereld – denk ik dat het neerkomt op waarom je het doet. Voor sommige mensen draait het om bevestiging, likes, betrokkenheid. Maar degenen met wie ik een connectie heb, zijn degenen die het doen omdat het moet – want anders voelen ze zich uit balans. Ik denk dat dat de echte fotografen zijn.

We weten niet wat het verhaal van onze tijd zal vertellen – misschien zijn het de kunstzinnige straatfoto's, TikToks en dagelijkse video's – maar daar gaat het niet om. Het gaat erom werk te maken omdat het nodig is. Naar buiten gaan, wandelen en opletten. Voor mij is dat wat het geheel levend houdt.

WAT IS DE VOLGENDE STAP VOOR JOU EN WALKIE-TALKIE? WAT WIL JE DAN DOEN?

We geven alles een nieuwe huisstijl met nieuwe visuals en logo's, en er komen ook dingen die daaruit voortkomen – merchandise, zines en andere projecten die de community vormgeven. De kern blijft echter altijd hetzelfde: gesprekken met fotografen, op straat, op de plekken waar het werk daadwerkelijk tot stand komt.
New York zal altijd mijn thuisbasis blijven, want daar is het ontstaan, maar ik ga ook door met de "rond de VS"-versie en breid de internationale kant ervan uit. Ik heb al plaatsen als Rome en de Filipijnen bezocht, en volgend jaar wil ik vier of vijf internationale steden bezoeken. Het is gewoon moeilijk om zoveel te reizen als ik zou willen nu ik twee kleine kinderen heb, maar ik wil het toch blijven uitdagen en laten zien hoe verschillende steden leven en ademen door middel van fotografie.

MAAK DEZE ZIN AF: IK MAAK FOTO'S OMDAT…

Ik maak foto's omdat het mijn energie vult. Elke keer dat ik de sluiter indruk, is het alsof ik een slokje water neem – het houdt me in leven. Als ik niet fotografeer, voel ik me leeg, rusteloos, bijna uitgedroogd. Ik weet niet of ik op dit moment zonder zou kunnen.

Er zit ook een andere, persoonlijkere kant aan. Toen ik net begon, vertelde ik een vriend dat ik een van de groten wilde worden – zonder dat ik echt wist wat dat betekende. Ik wist gewoon dat ik iets betekenisvols met mijn leven wilde doen, iets dat blijvend was. Fotografie, en nu Walkie Talkie, geeft me een manier om dat te doen. Zo laat ik een afdruk achter – op mensen, op cultuur, op de wereld om me heen. Daarom maak ik foto's.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2512.25Project Rock 'n' Roll schittert met Oasis en CIRCA

Terug naar Functies

Toen Oasis hun langverwachte terugkeer naar podia over de hele wereld maakte, kwamen ze terug met meer dan alleen liveshows. Ze kwamen terug met een missie. In samenwerking met CIRCA lanceerden ze Project Rock 'n' Roll-sterren – een campagne met fine art prints in beperkte oplage, die Oasis' eigen creatieve nalatenschap hergebruikt om muziek terug te brengen naar Britse openbare scholen. Handgeschreven songteksten en afbeeldingen van hun zeven nachten durende overname in Wembley vormen de brandstof voor de toekomst van muziek.

Dit is niet zomaar merchandise, het is activisme door middel van kunst. Muziekonderwijs op Britse openbare scholen staat onder druk. Project Rock 'n' Roll Stars is een direct antwoord op deze reële crisis. Toen UNCLE werd gevraagd om het initiatief de straten van Londen op te brengen, hielp het bedrijf maar al te graag. Door heel Londen te laten zien met opvallende, met letters bedrukte posters, riep het partnerschap de crisis voor wat die is. Een visueel protest, geplakt in de stad waar Oasis voor het eerst ophef maakte.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2510.25Adam Jones houdt de dag van gisteren vast, één bierhanddoek tegelijk.

Terug naar Functies

Zijn gelijknamige merk is de afgelopen jaren uitgegroeid tot een ware cultklassieker. Voor Adam draaide het altijd om het vieren van nostalgie naar de arbeidersklasse en de cultuur van de grote Britse kroegen. In een tijdperk van overconsumptie, waarin design steeds meer loskomt van het dagelijks leven, blijft zijn werk geworteld in het tastbare, het alledaagse en het onmiskenbaar Britse.

Het zijn niet alleen de kroegen die de creatieve fluit van Adams werk aanwakkeren. Geworteld in een jeugd die hij doorbracht op rommelmarkten in Wales, laat hij zich leiden door het instinct om iets van niets te maken. Materialen die anders als kitsch of alledaags zouden worden afgedaan – theedoeken, kanten gordijnen, de kleedjes van je oma – ziet Adam als potentieel.

“Het geeft mij een kick om mijn herinneringen te delen via kleding en mensen vervolgens aan te kleden met deze herinneringen.”

Elk stuk draagt een gevoel van doorleefde geschiedenis met zich mee. Het draait om verhalen vertellen. Zijn kledingstukken kunnen de geur van de lokale bevolking oproepen, de textuur van het huis van een geliefde, of het gruis van de Londense stoepen. Jones' werk, dat zowel sentimenteel als subversief is, speelt in op deze spanning – door Britse ideologieën los te maken en vervolgens weer aan elkaar te knopen tot iets draagbaars.

Voor deze samenwerking brengt UNCLE Adams werk terug naar de straten die het vormgaven – en transformeert zijn handgemaakte, arbeidersromantiek in een flypostcampagne die de Britse cultuur in al haar ruwe glorie viert. We spraken met Adam over nostalgie, pubs en het proces om iets moois te maken van wat over het hoofd is gezien.

HOE ZOU JE OM TE BEGINNEN JEZELF EN JE PRAKTIJK OMSCHRIJVEN AAN IEMAND DIE VOOR HET EERST MET JE WERK KENNIS KRIJGT?

Ik ben modeontwerper en, belangrijker nog, de maker van al mijn producten. Alles maak ik zelf in mijn studio in Zuid-Londen. De kledingstukken zijn voornamelijk upcycled van gevonden materialen die herinneringen oproepen aan mijn jeugd op het platteland van Wales; alles wat een beetje jaren 70, kitsch, punk en uiteindelijk nostalgisch is naar de eenvoudigere tijden in Groot-Brittannië, wordt samengevoegd tot eigentijdse looks voor vandaag. Ik vind het geweldig om deze oude materialen nieuw leven in te blazen en ervoor te zorgen dat mensen ze nu willen dragen.

JE GROEIDE OP IN WALES VOORDAT JE NAAR LONDEN VERHUISDE. HOE HEEFT JE JEUGD – HET LANDELIJKE, KLEINE STADSGEBIED VAN WALES – JE WERK GEMAAKT? IS DIT OOK WAAR HET VOOR JOU ALLEMAAL BEGON?

Mijn opvoeding heeft mijn huidige stijl volledig gevormd. Ik vond Wales als kind al niet cool en kon niet wachten om in Manchester te gaan studeren en daarna naar Londen te gaan, het modecentrum voor mij. Nu zijn mijn kijk op en ervaring met Wales mijn onderscheidende factor, mijn ultieme inspiratiebron die ik destijds dom genoeg was om te ontkennen. Ik omarm nu volledig waar ik vandaan kom, en dat is de drijvende kracht achter alles wat ik doe.

Mijn jeugd was een kwestie van 'het maar redden'. Ik ben eigenlijk opgegroeid met rommelmarkten. Kopen en verkopen met mijn ouders, grootouders en vrienden. Ik keek de hele week uit naar een zaterdag op een modderig veld, snuffelend tussen de 'rommel' van anderen. Ik genoot, en geniet nog steeds, van de simpele dingen: oude spullen waarderen, verzamelen, dingen maken van gevonden spullen, en dat is nog steeds mijn ethos, dus ik denk dat het al op jonge leeftijd is gevormd.

WAREN ER VROEGE HERINNERINGEN AAN HET MAKEN VAN DINGEN, AANKLEDEN OF HET OPMERKEN VAN STOFFEN DIE JE NU ALS VORMGEVING BESCHOUWT? WELKE ZIJN DAT?

Toen ik opgroeide, maakte ik altijd dingen uit het niets. Mijn spelletjes bestonden uit tekenen of dingen maken. Ik was een vrij verlegen kind, dus ik speelde niet echt met andere kinderen. Ik vond het heerlijk om alleen te zijn en dingen met mijn handen te maken. Mijn oma moedigde mijn creativiteit echt aan; ze is een kunstenaar en zat vaak met me te tekenen, vertelde me verhalen en liet me haar oude kleren zien. Ze is altijd erg stijlvol geweest en ik vond het heerlijk om bij haar te zijn, me in haar oude kleren te kleden, mijn nichtjes en nichtjes te verkleden en shows op te voeren. Ik denk dat de stoffen in haar huis, naast deze kleding, belangrijk voor me zijn gebleven. Ik zoek tafelkleden, theedoeken of iets anders dat me aan haar huis doet denken, en ik hou van de uitdaging om er dingen van te maken die mensen leuk vinden.

JE OMSCHRIJFT JE WERK ALS 'EIGENLIJK BRITS', EEN HERUITVINDING VAN VINTAGE HANDDOEKEN, TAFELKLEDEN, DEKENS EN ALLES WAT JE MAAR TE BEZIT KUNT KRIJGEN. WAT TROK JE ER ÉCHT TOE OM MET DEZE 'ONCONVENTIONELE' MATERIALEN TE WERKEN?

Tijdens mijn studie vond ik het frustrerend en weinig inspirerend om naar stoffenwinkels te gaan. Iedereen koos dezelfde materialen, en ik was gewoon niet enthousiast om mooie dingen te maken van mooie stoffen; het voelde te makkelijk. Ik heb altijd anders willen zijn en zocht naar andere manieren om dingen te maken, zoals ik in mijn jeugd deed, op zoek naar materialen die anderen over het hoofd zagen. Dus ik leunde echt op mijn achtergrond en mijn jeugd en omarmde de manier waarop ik als kind met stoffen speelde. Ik begon gewoon dingen te verzamelen die iets voor me betekenden of eruitzagen alsof ze bij mijn oma hadden kunnen liggen, of iets dat ik in de plaatselijke kroeg zag of vond tijdens een wandeling door het platteland. Ik realiseerde me dat er zoveel was om uit te putten en waar ik kleding van kon maken.

HOE GA JE AAN DE SLAG MET JE MATERIAAL? GA JE KRUISEN IN DE KROEG? OP FACEBOOKMARKT? GA JE RUIMTEVERKOPEN DOEN? IS DIT PROCES VERANDERD SINDS JE BEGONNEN BENT?

Ik bracht vroeger veel tijd door op rommelmarkten, markten, enzovoort. Dat was zo'n beetje het hele ontwerpproces. Daarna begon ik te zoeken op eBay, Facebook Marketplace, Etsy en Vinted, wat het proces versnelde en me hielp om grote hoeveelheden van deze materialen te vinden. Nu ik het steeds drukker krijg, is dit eigenlijk het hele proces. Als ik op reis ben, zorg ik ervoor dat ik markten en kringloopwinkels bezoek – en dat is mijn favoriete onderdeel van mijn werk. Ik probeer me te herinneren hoe essentieel winkelen is voor mijn werk en me niet schuldig te voelen als ik niet in de studio ben. Onderzoek doen is werk, net als stoffen kopen.

OVER KROEGJES GESPREKS, WAT ZIJN JE FAVORIETE PLEKKEN? KIJK JE CONSTANT NAAR TEXTIEL ALS JE ER BENT, OF KUN JE OOK EVEN AFKOELEN?

Ik ben dol op pubs. Ik zou zeggen dat de top drie Blue Posts op Berwick Street, Coach & Horses, ook in Soho, en The Ship in Fitzrovia zijn. Je kunt geen betere pub in het centrum van Londen vinden. De pub is waar ik al mijn ideeën vandaan haal. Ik vind het heerlijk om in mijn eentje een pint te drinken, de omgeving in me op te nemen en mensen te observeren. De ideeën komen gewoon bij me op.

Bepaalt het materiaal het ontwerp, of bepaalt het ontwerp het materiaal?

Ik zeg dat het materiaal het ontwerp volledig bepaalt, maar ik heb natuurlijk een smaak voor materialen die ik in de loop der jaren heb aangescherpt, dus ik let op specifieke dingen. Maar ja, uiteindelijk bepalen de afmetingen van het materiaal wat ik ervan kan maken. Ik kan nooit echt gaan zitten en schetsen, zoals vroeger, en dan het materiaal vinden. De stofkeuze, die meestal levendig en misschien schreeuwerig is, zorgt ervoor dat ik eenvoudigere klassieke kledingstukken maak, waardoor de stof voor zichzelf spreekt.

IS ER EEN MATERIAAL OF OBJECT WAAR JE MOOI MEE WILT WERKEN OP EEN DAG?

Ik probeer altijd met schapenvacht te werken, het meest Welshe materiaal. Ik heb gewoon het gevoel dat ik dat moet doen, dus ik probeer het gewoon in mijn wereld te passen en te bedenken hoe ik het kan gebruiken.

Zijn jouw ideeën over gendernormen of mannelijkheid veranderd sinds de lancering van je merk?

100%. Het verandert en ontwikkelt zich voortdurend; ik vind het zo spannend om mijn kleding bij verschillende mensen te zien. Het kan me verrassen, en het boeit me absoluut. Het beïnvloedt ook de manier waarop ik ontwerp en vooral modellen cast. Ik vind het het spannendst om traditioneel 'mannelijke' lichamen te kleden in vrouwelijkere vormen of stijlen, en ik maak 'vrouwelijke' lichamen graag mannelijker. Het gaat erom de gendernormen uit te dagen. Vooral in de mode vind ik het belangrijk dat we dat doen.

HOE IS HET OM JE WERK OP STRAAT TE ZIEN KLAPPEN?

Het is erg spannend om kleding te zien die ik met de hand heb gemaakt, gefotografeerd en vervolgens op straat heb tentoongesteld. De posters geven mijn werk een frisse blik en ik hou van de punkachtige aard van flyposting. Ik denk dat het perfect bij mijn ethos past. Ik hou van de fysieke uitstraling van een poster op straat in dit steeds digitaler wordende tijdperk. Ik kan niet wachten om de slijtage, de gescheurde randen of de graffiti eroverheen te zien.

ALS JE MENSEN JOUW WERK ZIET DRAGEN, VOORAL DIE GEMAAKT ZIJN VAN LOKALE MATERIALEN, HOE VOELT DAT DAN? VERANDERT DE BETEKENIS VAN HET MATERIAAL ZODRA HET IN DE WERELD IS?

Ik voel me enorm trots als ik mensen iets zie dragen dat ik heb gemaakt. Het feit dat iemand graag zijn zuurverdiende geld uitgeeft aan een van mijn stukken, vooral vandaag, betekent enorm veel voor me. Het is ook leuk om mensen iets te zien dragen waarvoor ik misschien de stof bij een marktkraam om de hoek heb gevonden, maar dat nu om iemands lichaam is gewikkeld en een nieuw leven heeft gekregen.

EN TOT SLOT, WAT IS DE VOLGENDE STAP VOOR ADAM JONES?

Ik kijk ernaar uit om met anderen samen te werken en hopelijk nog meer categorieën aan mijn collecties toe te voegen. Ik zou graag denim, schoenen en tassen willen maken, mijn huur blijven betalen en een paar pintjes verdienen met de verkoop van kleding die ik heb gemaakt. Niets maakt me gelukkiger.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2510.25Het werk van Sinéad O'Dwyer is een liefdesbrief aan het menselijk lichaam

Terug naar Functies

Haar praktijk begint met het model, niet met het kledingstuk.

Het is een methode die Sinéad O'Dwyer ontwikkelde tijdens haar tijd aan het Royal College of Art in Londen, waar haar onderzoek naar het ontgiften van de industrie begon. Sinds haar afstuderen is haar gelijknamige werk een liefdesbrief aan het menselijk lichaam gebleven, die de dysmorfie die parallel loopt aan de mode-industrie blijft uitdagen. Tegen de traditionele logica van 'monstergrootte-georiënteerde' kiest O'Dwyer voor diverse lichamen die centraal blijven staan in het gehele ontwerpproces.

"Het creëert beter design. Het opent de geest voor een bredere visie op schoonheid, het doorbreekt het patriarchaat."

Haar werk onderzoekt vormen, rekken en innovatieve patroontechnieken als technologieën om vrouwen en gender-non-conforme vrouwen tegemoet te komen die historisch gezien geen toegang hebben tot luxe kleding. Sinéads werk is een esthetische dialoog tussen delicaat en dominant.

Voor London Fashion Week werkte UNCLE samen met Sinéad O'Dwyer om haar principes en methodologie uit de werkkamer te halen en de straat op te brengen. De posters presenteerden haar SS/PF25-campagne en benadrukten het caleidoscopische spectrum van vrouwelijke expressie, en er was geen beter moment om dat te doen dan tijdens London Fashion Week.

KUN JE IN JE EIGEN WOORDEN UITLEGGEN WIE JE BENT?

Ik ben een Ierse damesmodeontwerpster en woon in Londen. Ik zou zeggen dat ik nog steeds een plattelandsmeisje ben, opgegroeid in Durrow, net buiten de stad Tullamore, County Offaly.

KUN JE ONS VERTELLEN HOE HET VOOR JE WAS OM OP TE GROEIEN IN EEN KLEIN STADJE IERLAND?

Ik vond het heerlijk om altijd buiten te zijn, de vrijheid om als kind te kunnen rondlopen zoals ik wilde, dingen te ontdekken en te bouwen. Ik had echter ook het geluk dat ik naar Gaelscoil ging, dus ik groeide op met Iers. De school was zo nieuw, hoewel er aanvankelijk maar een handjevol leerlingen in twee rijtjeshuizen zat met de muren ertussen afgebroken, vond ik het bijzonder om deel uit te maken van een nieuwe school die zo gericht was op Ierse kennis, muziek, poëzie en verhalen.

JE HEBT EERDER VERTELD DAT JE OP 12-JARIGE LEEFTIJD VERLIEFD WERD OP MODE, NA EEN BEZOEK AAN EEN TENTOONSTELLING IN DUBLIN. MAAKTE JE DINGEN VOORDAT JE DEZE ERVARING ONDERVOND? ZO JA, HOE VERANDERDE DINGEN DAARNA?

Ik was altijd bezig met dingen maken, mijn oma (nanny) leerde me al van jongs af aan naaien en breien en ik was ook altijd aan het koken. Mijn vader is zilversmid en kunstenaar, dus ik knutselde ook af en toe in zijn atelier, ik was altijd wel iets aan het maken. Maar de tentoonstelling van Philip Treacy/Isabella Blow was mijn eerste kennismaking met mode. Het zien van de scheepshoed van Naomi Campbell op de catwalk (in de tentoonstelling) maakte iets in me wakker dat het lichaam en de mens/emoties met ambacht verbond.

JE BENT IN 2018 AFGESTUDEERD AAN DE RCA IN LONDEN, EN HIER ONTSTAAT JE HOUDING TEN OPZICHTE VAN LICHAAMSACCEPTATIE. KUN JE ONS VERTELLEN OVER DEZE TRANSFORMATIEVE JAREN? HOE WAS DAT?

Ik ging erheen op zoek naar betekenis, na kort in de mode gewerkt te hebben en al snel gedesillusioneerd te zijn geraakt over de industrie na het zien van de verspilling en de extreme dunheid op shows. Het maakte me een beetje bang. Ik heb altijd al gezocht naar aansluiting bij wat ik doe, dus hoorde ik over Zowie Broach en wilde haar ontmoeten. Toen ik werd aangenomen, begon ik aan mijn opleiding. In die twee jaar ontdekte ik eindelijk dat ik een eetstoornis had en begon ik na te denken over waar die vandaan kwam. Dat is echt het begin van mijn reis. Het begrijpen van de impact die het ontwerp van de patronen en wie er als pasmodel wordt gekozen, als de basis voor zoveel ellende, was een krachtig besef dat ik aan de wereld wilde overbrengen, vooral aan degenen van wie ik houd, mijn zus, moeder en mezelf. Het was een enorme transformatie. Ik ben van een obsessie met mijn maat naar een oprechte onverschilligheid gegaan, op een manier die ik voor onmogelijk hield. Ik zou mezelf niet herkennen als de jongere Sinéad me nu zou zien.

JE ZEGT DAT INCLUSIEF ONTWERP JE WERK ZIJN BETEKENIS GEEFT. WAAROM IS HET, VOORAL NU, BELANGRIJK OM GEBRUIK TE MAKEN VAN EEN VERSCHILLENDE LICHAAMSVORM EN -MAAT?

Het creëert beter design. Het opent de geest voor een bredere visie op schoonheid, het doorbreekt het patriarchaat. Het is gewoon interessanter, duurzamer, vriendelijker, radicaler. Je afvragen waarom je iets mooi vindt en wie je dat heeft opgedragen, en proberen te achterhalen wat je aantrekkelijk vindt, is een afleerproces en heel betekenisvol. Ik heb het gevoel dat ik daar eigenlijk veel over ben gaan leren door naar fotografen te kijken. Sharna Osborne op de set zien tijdens een van mijn allereerste projecten, toen ik in 2018 Agusta Yr fotografeerde, opende echt mijn blik. Ik zag echt hoe belangrijk de tedere band tussen model en fotograaf was om een goed beeld te creëren, omdat het werk zo veel over het moment draait. De band en het vertrouwen tussen fotograaf en model zijn zo tastbaar. Door Sharna en Agusta samen te observeren, zag ik echt wat het betekent om schoonheid te zien en vast te leggen met je eigen blik.

WAT IS JOUW PROCES VOOR HET MAKEN VAN EEN COLLECTIE? WAAR BEGINT HET VOOR JOU?

Meestal een herinnering, een verlangen om emotie en verhaal te verbinden. Ik word ook altijd geïnspireerd door ambacht, dus het combineren van technieken uit verschillende disciplines vind ik spannend.

In deze samenwerking met Uncle heb je gebruikgemaakt van beelden uit je SS/PF25-collectie. Wat inspireerde je voor deze collectie? Waar gaat het over?

Ottilie Landmark fotografeerde mijn SS25/PF25-campagne. De kunstenaars Davia Spain en DD Lyonne zijn erop te zien. Dat werk ging over een herinnering aan mijn eerste verliefdheid, een jaar dat ik in North Carolina doorbracht, rondrijden, fris water, verstikkende hitte en onze eerste kus.

HOE BELANGRIJK IS LONDON FASHION WEEK VOOR OPKOMENDE EN GEVESTIGDE ONTWERPERS?

Het is een heel belangrijk platform om potentiële kopers en klanten onze wereld te laten zien, zodat ze het verhaal begrijpen voordat ze de collectie en alle details in de showroom bekijken.

HEEFT SINÉAD O'DWYER IETS BIJZONDERS GEPLAND VOOR LONDON FASHION WEEK?

Niet dit seizoen, maar ik doe in november een nieuwe performance in het Barbican.

HOE BEÏNVLOEDT DE STAD LONDEN HET WERK DAT JE DOET? EN ZIJN ER NOG STUKKEN VAN HET KLEINE STADJE IERLAND DIE IN JE WERK TERUGKOMEN?

Veel van mijn collecties zijn gebaseerd op mijn vormende herinneringen aan Ierland, maar de stad Londen vormt me via de gemeenschap en mijn collega's. Ik had mijn werk nooit kunnen maken zonder de hulp, steun en inzet van zoveel vrienden, ontwerpers, journalisten, ambachtslieden, enzovoort in Londen. Ik werk hier graag; ik heb veel geluk.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2508.25Danielle Brathwaite-Shirley en CIRCA laten de stemmen van transgenders niet het zwijgen opleggen

Terug naar Functies

Terwijl rechten worden teruggeschroefd, archiveert, versterkt en protesteert Danielle Brathwaite-Shirley met haar kunst voor translevens

Naar aanleiding van de beslissing van het Hooggerechtshof om transgenders uit te sluiten van de definitie van ‘vrouw’, Danielle Brathwaite-Shirley aangemaakt TRANS & VOORWAARDEN with ONGEVEER, een gezamenlijk archief van transgenderstemmen dat zich op het snijvlak van kunst en activisme bevindt. Wat begon als een serie posters voor een protestvasten, groeide uit tot een digitaal platform dat transgenders de mogelijkheid biedt om 'veilig te handelen' en hun ervaringen te documenteren. Nu, in samenwerking met UNCLE en CIRCA, veroveren deze getuigenissen Londen als een flypostcampagne.

Voor Danielle is het publiek haar medium. Haar kunst is ontworpen om een reactie of, beter nog, een actie uit te lokken. In tegenstelling tot de culturele neiging om te esthetiseren en te ontsmetten, pleit ze voor 'kunst die niet mooi is, niet vriendelijk is voor het publiek en waar het moeilijk is om naar te kijken', en die ongemak oproept om de noodzakelijke verandering teweeg te brengen.

In essentie weigert haar praktijk uitwissing: 'Ik archiveer het bestaan van zwarte en transgenders', vertelt Danielle aan UNCLE. In deze vijandige tijden waarschuwt ze dat 'het verlies van [trans]rechten een spoor is van het ontnemen van de rechten van anderen'. Haar werk illustreert hoe we, ondanks de toenemende censuur, onze stem moeten blijven laten horen: 'Het is tijd om alle risico's te nemen, fouten te maken en het niet goed te doen, want er komt misschien een moment waarop die kans niet meer bestaat.'

Wat overduidelijk is uit haar werk en uit ons interview: de dringende noodzaak om meer te doen en nu actie te ondernemen.

KUN JE ONS TEN EERSTE IN JE EIGEN WOORDEN VERTELLEN WIE JE BENT?

Ik ben een reactionaire kunstenaar. Ik neem in me op wat er op dat moment om me heen gebeurt en maak werk dat het publiek de kans geeft om actie te ondernemen of op een of andere manier te reageren. Ik heb het vaak gezegd, maar het is de moeite waard om het nog eens te herhalen: het publiek is het medium waarmee ik werk en mijn doel is om hen keuzes te bieden die hen bijblijven.

KUN JE VERTELLEN HOE JE OP HET IDEE VAN TRANS EN CONDITIES KWAM EN HOE JE HET TOT LEVEN HEBT GEBRACHT?

Het idee ontstond eigenlijk pas na de Britse uitspraak die transgenders uitsloot van de categorie vrouw. Het begon als een serie posters voor het protest tegen deze uitspraak en groeide vervolgens uit tot een breder stuk, waarin we mensen een platform wilden bieden om te bespreken hoe ze zich precies voelden. We hadden een manier nodig om te reageren, een plek om samen te komen, een manier waarop onze stemmen niet slechts een voetnoot zouden zijn.

HET WERK VOELT ALS EEN GEDURFDE DAAD VAN VERZET TEGEN HET UITWISSEN VAN TRANSLEVENS EN STEMMEN. HOE CENTRAAL ZIJN DE BEGRIPPEN AANWEZIGHEID, ZICHTBAARHEID EN SPREKEN IN JE PRAKTIJK ALS KUNSTENAAR?

Ik zou zeggen dat mijn werk draait om het geven van keuzemogelijkheden aan mensen. Door dat proces spreken we vaak met mensen die beperkte keuzemogelijkheden hebben. Hun gedachten, gevoelens en woorden vormen de basis van het werk dat we maken. Het archiveren van stemmen die vaak genegeerd worden, heeft geen enkele zin als ze alleen maar als content gebruikt worden. De stemmen die we archiveren, vormen dus de basis voor bredere keuzes binnen het werk.

EEN GROOT DEEL VAN JE WERK RICHT ZICH OP DE ERVARING VAN ZWARTE EN TRANSGENERE MENSEN. HOE BESCHERM JE JEZELF EN JE ENERGIE ALS KUNSTENAAR, ACTIVIST EN ZWARTE TRANSGENERE VROUW IN DEZE TURBULENTE TIJDEN?

Dat is een onjuiste bewering. Mijn gemeenschap is zwart en trans. Mijn familie is zwart en trans. Zij vormen de basis. Het centreert hun stemmen door hun manier van denken, referenties en esthetiek. Maar vaak is het de focus op de woorden 'zwart' en 'trans' die wordt gebruikt als klankbord voor symbolisme en 'othering'. Ik archiveer het bestaan van zwart en trans. Maar de ervaring die je opdoet door het werk zal vastleggen wie je bent en waar je staat. De keuzes die je wel of niet hebt gemaakt, zullen in dit geval je weerspiegeling zijn.

Mijn basis is zwart en trans, dus al die verwijzingen komen er vanzelfsprekend in voor, maar in mijn werk draait het vooral om het leveren van commentaar op de huidige staat van de wereld.

Jouw ervaring zal je eigen zijn. Je leert vooral over jezelf, hoe je denkt, hoe je je voelt en waar je inspanning naartoe gaat.

We zien ook in het Verenigd Koninkrijk en Duitsland steeds meer pogingen tot censuur. Hoe kunnen kunstenaars zich hiertegen verzetten volgens jou en welke rol speelt kunst bij het beschermen van de vrijheid van meningsuiting?

Kunst kan zowel een rol spelen in censuur als in vrijheid. Het is niet eerlijk om het alleen te zien als iets dat vrijheid beschermt. Het kan voor beide aspecten gebruikt worden. Daarom zien we bij een toename van censuur ook een toename in de presentaties van bepaalde kunstvormen en een afname van andere. Elke kunstenaar en elk kunstwerk heeft zijn eigen rol.

Als je als kunstenaar exposeert, wordt je rol niet alleen bepaald door wat je laat zien, maar ook door wiens plaats je inneemt. Wiens stem je versterkt en welke onderwerpen je aansnijdt.

Ik vind dat kunstenaars hun eigen ding moeten doen, maar ik zou graag kunst zien die niet mooi is, niet aardig is voor het publiek en waar het moeilijk is om naar te kijken. Dat dwingt ons om onszelf te confronteren met de keuzes die we hebben gemaakt om daar te komen.

We moeten niet stoppen met het nemen van risico's op het werk vanwege nieuwe wetten. Het is tijd om alle risico's te nemen, fouten te maken en het niet goed te doen, want er kan een moment komen waarop die kans niet meer bestaat.

Tot slot denk ik ook dat samenwerken en dingen doen voor andere doelen een geweldige manier is om betrokken te raken bij een beweging, in plaats van je te beperken tot een kunstpraktijk. Dit alles vertel ik mezelf ook.

DAARNAAST NODIGT UW WERK HET PUBLIEK UIT OM BETROKKEN TE RAKEN. WAAROM ZIJN ONDERDOMPELING EN PARTICIPATIE BELANGRIJK VOOR UW PRAKTIJK?

Omdat we nu moeten handelen... als we dat niet doen, kunnen we het niet. Ik wil kansen bieden om in veiligheid te handelen. Een oefenomgeving. Een methode om de overgang van veilig reageren naar opkomen voor een zaak die je na aan het hart ligt, te vergemakkelijken.

Ik ben geïnteresseerd in de rol die de stad (in dit geval Londen) speelt in trans- en andere omstandigheden, en ook in je bredere werk. Hoe belangrijk was het om ruimte terug te winnen in de stad? Hoe is de reactie van het publiek geweest?

Ik heb geen reactie. Ik moet meer doen. Hopelijk lukt dat. We verzamelen geen gegevens over het publiek, dus het is moeilijk voor mij om te zeggen. Ik kan alleen maar zeggen dat ik dankbaar ben voor iedereen die brieven heeft geschreven en hoop dat ik in de toekomst betere manieren kan vinden om dit opnieuw te doen.

ONDANKS DE TOENEMENDE VIJANDIGHEID IN DE MAATSCHAPPIJ WAS DE LONDON TRANS PRIDE PARADE VAN DIT JAAR DE GROOTSTE OOIT, EEN KRACHTIGE BLIJK VAN SOLIDARITEIT. DENKT U DAT LONDEN EEN PLAATS VAN VERZET EN GEMEENSCHAP KAN ZIJN? HOE VERHOUDT HET ZICH TOT BERLIJN?

Transrechten zouden niet beperkt moeten blijven tot één plek of rechtszaak. Transgenders zijn mensen en verdienen bescherming. Die hebben we niet meer. En we verliezen er steeds meer van.

Ik wil niet nog meer transgenders verliezen dan we al hebben. Londen is een plek van verzet, en dat verzet is nu beantwoord met strenge repressie en censuur door zowel de Labour- als de conservatieve regering. Het gaat niet alleen om transgenderrechten. Het verlies van onze rechten is een spoor van het ontnemen van de rechten van anderen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2508.25Twos Mag behandelt de hoogtepunten van Londen en gooit het vervolgens volledig om

Terug naar Functies

Als je lang genoeg in Londen woont, zul je er al snel achter komen dat de stad je kan betoveren en tegelijkertijd kapot kan maken.

Het is deze waarheid die Morgan Allan rechtstreeks in Twos heeft verwerkt, het "januskop"-tijdschrift dat op zijn eigen as slingert tussen toewijding en minachting. Twos ontstond na een van die avonden in Londen tot zonsopgang, gevolgd door de grimmige realiteit dat hij zijn Stone Island moest verkopen om gemeentebelasting te betalen. De positieve en negatieve reacties waren te mooi om te negeren.

“De emotionele vloer en het plafond van deze plek liggen zo ver uit elkaar.”

De artdirector en redacteur uit Zuid-Londen, inmiddels drie nummers lang, heeft een publicatie gecreëerd die weigert de tegenstrijdigheden van de stad glad te strijken. Het ontwerp van Twos weerspiegelt de stemmingswisselingen van de stad. Aan de ene kant is het een ode aan de romantiek van het leven daar. Aan de andere kant is het een ongefilterde uiting van grieven. Twos is een verslag van een stad die evenveel inspireert als uitput, en van degenen die weten dat je een plek in één adem kunt liefhebben en haten, en toch terug kunt komen voor meer.

In het volgende interview praten we met Morgan over hoe die dualiteit de identiteit van het tijdschrift vormgeeft en waarom Twos nooit slechts één kant zal kiezen.

KUN JE ONS IN JE EIGEN WOORDEN VERTELLEN WIE JE BENT?

Mijn naam is Morgan Allan. Ik ben artdirector en tijdschriftredacteur, woonachtig in Zuid-Londen.

TWOS IS UNIEK IN DE VORM VAN DRAAIBAAR EN "JANUSFACED" – EEN DUBBELZIJDIGE GIDS DIE ZOWEL LIEFDE ALS HAAT VOOR LONDEN OMARMT. KUN JE ONS LEREN DOORNEMEN HOE DEZE DUALITEIT DE IDENTITEIT VAN HET MAGAZINE VANAF HET BEGIN HEEFT VORMGEGEVEN?

Het is een ongebruikelijke manier om een tijdschrift op te maken, maar toen ik het eenmaal als kader had gekozen, was het een handige manier om te bepalen of ideeën geschikt waren voor dit nummer. Als ze niet in een van beide categorieën pasten, werden ze niet opgenomen. Het maakte het project ook haalbaarder. De gedachte om 100 pagina's te vullen is behoorlijk ontmoedigend. Door het op te splitsen in twee tijdschriften van 50 pagina's die toevallig aan elkaar vastzitten, kwam ik op gang.

WAS ER EEN BIJZONDERHEID – EEN AVONDJE UIT, EEN GESPREK, EEN ERVARING, EEN FRUSTRATIE – DIE JE DEED DENKEN: “IK MOET EEN TIJDSCHRIFT MAKEN OVER DEZE STAD”?

Ik had een van die opwindende, bruisende avonden in Londen gehad – van hot naar her hoppen tot in de vroege uurtjes – en werd wakker met het besef dat ik mijn hele Stone Island moest verkopen om de gemeentebelasting te betalen. Ik dacht alleen maar: "de emotionele bodem en het plafond van deze plek liggen zo ver uit elkaar." De liefde- en haat-beweging is inherent aan het leven in Londen – je hoeft alleen maar met iedereen te praten die hier heeft gewoond. Ik zocht naar manieren om het format van de nieuwe Twos te promoten en een dubbelzijdig tijdschrift rond dit thema leek me een spannende manier om dat te doen.

De "Love"-kant benadrukt onder andere Lime Bikes, de DLR (ook een persoonlijke favoriet van mij) en Venue MOT, terwijl de "Hate"-kant kritiek levert op Brewdog en het vinden van openbare toiletten in het centrum van Londen. Hoe beheers je deze emotionele aantrekkingskracht, terwijl je er tegelijkertijd voor zorgt dat zowel genegenheid als kritiek even eerlijk en essentieel aanvoelen?

Ik denk dat het gewoon zo is: eerlijk zijn. Je kunt zo'n tijdschrift niet vanuit je slaapkamer maken. Ik ben in deze stad behoorlijk buiten, dus ik heb het gevoel dat ik er oprecht over kan praten: zowel positief als negatief. Veel van de ideeën in Twos Three beginnen met ervaring: de DLR is leuk om te rijden, BrewDogs zijn bagger om in te drinken. Als je die eerste emotie eenmaal te pakken hebt, is het alleen nog maar een kwestie van het juiste format vinden.

WAT WAREN ENKELE VAN DE EERSTE VERWIJZINGEN OF INSPIRATIES DIE TWOS' EERSTE NUMMER VORMGEVEN? PUBLICATIES, ZINES, KRANTEN OF PERSOONLIJKE OBSESSIES?

Mijn eerste baan in de branche was bij MUNDIAL Magazine, waar Alex Mertekis me als junior aannam, ook al wist ik nog niet hoe ik InDesign moest gebruiken. Ik zal daar altijd dankbaar voor zijn, en voor alles wat het team me daar heeft geleerd. De LAW-tijdschriften van John Joseph Holt zijn voor mij fundamentele teksten, zowel qua inhoud als vorm. En dan Londen: omringd zijn door mensen die zoveel tijd steken in waanzinnige projecten in een vijandig economisch klimaat, inspireert me om hetzelfde te doen.

KUN JE ONS VERTELLEN OVER HET EERSTE NUMMER? HOE ZELF GEDAAN? HEB JE ALLES ZELF GESCHREVEN, REDIGEERD, ONTWORPEN EN VERSPREID?

Het eerste nummer was mijn afstudeerproject bij LCC. Mijn vrienden en ik zaten in de kroeg te kijken naar de mensen die in traditionele jeugdpublicaties werden uitgelicht en dachten: "Deze jongens zijn niet beter dan wij of mensen die we kennen. Ze hebben gewoon goede pr." Die tijdschriften waren gestopt met het belonen van talent en gaven prioriteit aan Instagram-volgers. Dat voelde als achterhaald. Dus dacht ik: "Ik maak gewoon een tijdschrift en zet ons allemaal erin, samen met de coole mensen die we kennen." Ik schreef, ontwierp en redigeerde de originele Twos en werkte samen met een stel vrienden aan de content. Ik drukte er 100 en bracht veel tijd door op het postkantoor.

WAT IS JE ACHTERGROND VOOR TWOS? HEB JE ALTIJD IN DE REDACTIE EN VORMGEVING GEWERKT? OF DEED JE IETS HEEL ANDERS?

Mijn jaar bij MUNDIAL heeft echt mijn liefde voor redactioneel ontwerp aangewakkerd. Ik studeerde destijds grafische branding, maar had er een beetje een hekel aan. Toen ik er werkervaring opdeed, gingen mijn ogen open voor deze nieuwe wereld. Ik ben geboren in 1999, dus ik heb als kind niet veel gedrukte tijdschriften gelezen. Ik denk dat mijn liefde voor drukwerk een reactie is op hoe digitaal mijn leven is. Alles gaat zo snel, voelt zo vloeiend aan, dat het fijn voelt om iets blijvends te maken door iets op papier te zetten. Elk tijdschrift is een verslag van hoe ik schreef, hoe ik ontwierp, hoe ik me op een bepaald moment voelde.

HET FYSIEKE ONTWERP VAN TWOS VERSTOORT OPZETTELIJK DE LEESFLOW: HET OMDRAAIEN ONTHULD EEN NIEUW, ANTITHETISCH PERSPECTIEF. WELKE CREATIEVE UITDAGINGEN KWAM ERUIT BIJ HET MAKEN VAN EEN TIJDSCHRIFT DAT EEN FYSIEKE OMDRAAI VEREIST OM HET VOLLEDIG TE ERVAREN?

Ik heb ze tijdens het productieproces echt als twee aparte tijdschriften behandeld. Natuurlijk beïnvloedden ze elkaar qua esthetiek, maar pas op het einde heb ik ze samengevoegd.

TWOS INSPANT OOK UIT DE BEELDTAAL VAN LONDEN – VAN HANDGESCANDE TEXTUREN TOT METROBORDEN EN TYPOGRAFIE. HOE BEÏNVLOEDEN DEZE VISUELE ELEMENTEN DE ESTHETISCHE BESLISSINGEN?

Ik wilde dat de lezer Londen voelde wanneer hij het tijdschrift las. Een van de manieren waarop ik dat deed, was door texturen die ik overal in de stad had gescand, in de afbeeldingen te verwerken. Een paar jaar geleden kocht ik een draagbare documentscanner en die gebruik ik om een texturenbibliotheek op te bouwen waarmee ik mijn ontwerpen levendiger maak. Nu leven de borden, muren en ramen van de stad op elke pagina.

Ik heb ook veel geput uit de meest voor de hand liggende visuele taal van de stad: het TfL-netwerk. De kop op de cover is P22 Underground – een lettertype gebaseerd op Johnstons iconische ontwerp uit 1913. Het Twos-logo, opnieuw ontworpen voor deze uitgave, is een bewerking van een pijl uit de metro. Zelfs het kleurenpalet is geïnspireerd op oude TfL-kaartjes (roze en blauw voor 'Liefde', het omgekeerde groen en goud voor 'Haat').

Ik heb de twee helften van het tijdschrift als twee afzonderlijke publicaties behandeld. Er zijn twee covers, twee redacteursbrieven en twee bijdragepagina's. De coverrubriek loopt twee keer – een keer aan elke kant – met verschillende beelden en een ander ontwerp in Love & Hate. Deze indeling hielp bij het vormgeven van de flow van het tijdschrift en zorgde ervoor dat elke sectie zijn eigen ritme behield.

HET MAGAZINE IS DIEP GEWORTELD IN DE LONDENSE CREATIEVE SCENE. HOE VIND JE DE SCHRIJVERS, FOTOGRAFEN EN ILLUSTRATOREN DIE AAN ELK NUMMER BIJDRAGEN?

Zoals ik al zei, ik ben veel buiten. Een deel van de vreugde daarvan is het ontmoeten van interessante mensen. Ik vind het ook geweldig om nieuwe namen te ontdekken op Instagram. Het is echt bevredigend om daar een netwerk op te bouwen.

WELKE EMOTIONELE OF ESTHETISCHE "SCHEUREN" IN HET LONDENSE LEVEN WIL JE ALS VOLGENDE ONTDEKKEN, EN HOE KAN TWOS HAAR FORMAAT NOG VERDER UITBREIDEN?

We zullen het moeten afwachten. De volgende wordt niet alleen een gedrukte publicatie. Ik wil het tijdschrift onderdeel maken van een breder project. Welke vorm dat krijgt, weet ik nu nog niet.

OP WELKE MANIEREN HOOP JE DAT TWOS EEN GESPREK OPLEIDT?

Ik denk dat het nuttig zou zijn als we zouden erkennen dat het mogelijk is om tegelijkertijd verschillende ideeën te hebben. Ik hou van Londen en ik haat Londen. Je kunt beide doen. Als we elkaar als complex en chaotisch beschouwen, denk ik dat het makkelijker wordt.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2508.25Babak Ganjei vraagt om een harde reset van de wereld

Terug naar Functies

Babak Ganjei maakt het niet uit of je denkt dat hij een grapje maakt. Zijn werk – deels bekentenis, deels protest, deels droogkomisch – zal je aan het lachen maken voordat je beseft dat je een beetje gebroken bent.

Door de jaren heen heeft Babak een wereld opgebouwd van handgeschreven posters, sardonische petities en rustig chaotische oneliners die steeds harder aankomen naarmate je er langer bij stilstaat. Zijn werk heeft een ongemakkelijke troost, een gevoel waar we ons allemaal mee kunnen identificeren.

Nu, met UNCLE, herneemt Babak zijn petitieserie met een nieuwe poster die eist dat we de wereld even loskoppelen voordat we hem weer aansluiten. Het is een oplossing die (op de een of andere manier) voor alle technologie werkt, dus het zal ons vast wel goed doen, toch? Binnen een paar dagen nadat de eerste posters waren opgehangen, begonnen voorbijgangers te reageren op de petitie. Als dit ons iets heeft geleerd, is het wel dat we allemaal mensen zijn en dat we allemaal wel een kleine herstart kunnen gebruiken. En wie heeft er nog een pen bij zich?

In het onderstaande interview sprak UNCLE met Babak over zijn vroege inspiratiebronnen, het leven binnen zijn eigen sitcom en hoe de stad Londen zijn kunst vormgeeft.

KUNT U IN UW EIGEN WOORDEN BESCHRIJVEN WIE BABAK GANJEI IS?

Hij is een beetje een vreemde voor mij, ik ken hem eigenlijk niet zo goed.

JE BENT OPGEGROEID IN EEN GEZIN DAT HELEMAAL OP KUNST GERICHT WAS. JE MOEDER WAS SCHILDER EN JE VADER WAS ARCHITECT. KUN JE INZICHT DELEN IN JE LEVEN TIJDENS JE OPGROEIEN?

Het was gewoon heel natuurlijk om overal markeringen te maken. Het was heel normaal dat iedereen constant dingen maakte, dus ik weet niet beter. Toch denk ik dat mijn ouders, toen het op de kunstacademie aankwam, liever hadden dat ik in een veiligere toekomst terechtkwam, maar ik had helemaal geen plan B.

OF JE NU KUNSTENAARS BENT OF NIET, WIE WAREN JOUW INSPIRATIES TOEN JE OPGROEIDE?

Ik was 13 toen Nevermind kwam uit en Nirvana zette me op een pad waar ik kon zien wat het kunstenaarschap teweeg kon brengen. Als kind hing ik aan Kurt Cobains lippen en via Nirvana werd ik geïntroduceerd in Sonic Youth en via Sonic Youth in een hele underground scene van kunst, muziek en film. Dit was vóór het internet, dus het ontdekken van deze underground werelden voelde ongelooflijk bevredigend. En bevrijdend. De wereld hield niet meer op in het centrum van Bournemouth. In latere jaren waren de scripts van Charlie Kaufman en de comedy van Andy Kaufman een enorme invloed op mijn werk. Beiden delen een achternaam en een neiging om de vierde wand te doorbreken. Charlie Kaufman met de films die hij schreef en Andy Kaufman met zijn comedy van buiten het toneel, waardoor de grenzen tussen realiteit en fictie vervaagden.

HEB JE ALTIJD AL KUNSTENAAR WILDEN WORDEN? WAREN ER NOG ANDERE CARRIÈREPADEN WAAR JE AAN DACHT VOORDAT JE OP DEZE UITKOMDE?

De enige back-up waar ik aan had gedacht, was schrijver worden. Toen ik zeven was, dacht ik dat ik scenarioschrijver zou worden. Ik had op die leeftijd al besloten dat ik niet de moed had om mensen te vertellen wat ze moesten doen, dus ik kon geen regisseur worden. Ik moest het eerst in stilte op papier krijgen.

JE HEBT AL EERDER VERTELD DAT JE SINDS JE AFSTUDEERT IN EEN ECHTE SITCOM LEEFT. KUN JE DIT UITLEGGEN EN HOE DIT JE CREATIEVE OUTPUT BEÏNVLOEDT?

Ik probeer dingen te zien in een filmachtig verhaal, denk ik. Dat is niet opzettelijk. Misschien komt het doordat ik opgroeide als een vrij stil kind voor de tv. Ik koppel graag gebeurtenissen en mensen aan het verloop van een dag. Ik denk dat ik dat onbewust doe, zo heb ik mijn hersenen nu eenmaal getraind. Misschien maakt het de wereld minder eng als ik dingen met elkaar kan verbinden.

JE KUNST VOEL JE DIEP BEKENTENISACHTIG, DAARTOE JE GAAT OP JE INNERLIJKE MONOLOOG. KUN JE ONS VERTELLEN OVER HET PROCES WANNEER JE AAN EEN NIEUW WERK BEGINT?

Ik zou zeggen dat het hele proces voortkomt uit wandelen en ik denk dat de innerlijke monoloog de hele tijd doorloopt. Ik vind het erg moeilijk om achter een bureau te zitten en na te denken, dus het proces is om in beweging te blijven. Wandel door de straten in een rustig, gestaag tempo, zodat je nog steeds dingen om je heen kunt opmerken.

HOE ZOU JE DE RELATIE TUSSEN POPCULTUUR EN POLITIEK IN JE KUNST BESCHRIJVEN?

Ik ben geboren in Groot-Brittannië, mijn ouders zijn Iraans, dus er zit een element van die ervaring in mijn werk, zonder dat ik er bewust over praat. Het geeft je het gevoel dat je op een bepaalde manier niet echt ergens vandaan komt, en ik denk dat dat een behoorlijk bevrijdende ruimte is om als kunstenaar in te vertoeven. Je niet op je gemak voelen om ergens vandaan te komen, de behoefte om connecties en gemeenschappelijke grond te vinden is sterker. Tenminste, zo begrijp ik het. Popcultuur, politiek, het zijn allemaal stammen en groepen, iedereen probeert een plek te vinden waar hij of zij bij past.

KUN JE ONS DOORBRAKEN VIA HET KUNSTWERK DAT JE HEBT GEKOZEN VOOR DEZE SAMENWERKING MET UNCLE?

Ik maakte al die fantasierijke petitieposters voor dingen als "Laat mijn kat me meer aardig vinden" en "Breng Prince weer tot leven", maar de laatste jaren voelt het alsof de wereld in brand staat en er zoveel nieuws is dat we geen kans krijgen om alles te verwerken wat er gebeurt. Er zat iets leuks in het opzetten van een ouderwetse straatcampagne om het internet uit te schakelen. Het idee dat iemand er langs zou lopen, zou stoppen en zich gedwongen zou voelen om te tekenen, geeft me het gevoel dat dat op de een of andere manier een succes is.

We hebben al gemerkt dat het publiek op straat met deze posters interageert en hun naam onder de petitie zet. Had je dit in gedachten toen je begon met het maken van de petitiestukken, of was het retorisch bedoeld?

Het is altijd een beetje zenuwslopend om iets te publiceren dat uitnodigt tot interactie. Ik denk dat ik me, toen ik de petitie "Breng Prince alsjeblieft weer tot leven" voor het eerst opstelde, voorstelde dat het retorisch was, maar het was een grote installatie op een festival die meteen werd gesigneerd en er staat wel "Teken alsjeblieft" op, dus ik weet niet wat ik dacht. Ik neem gewoon niet aan dat mensen nog pennen bij zich hebben.

HOE KOMT DE CITY OF LONDON DOOR IN JOUW KUNST EN JOUW PROCES?

Nou, in dit geval hopelijk door de pen op papier te zetten, maar over het algemeen ontstaat mijn werk tijdens het dwalen door de straten van Londen. Dit werk is daar in feite een eerbetoon aan. Het is het soort dingen waar ik graag over struikel.

WAT IS UW DROOMOPDRACHT?

T-shirt voor de band Pavement.

www.babakganjeiworks.com
www.instagram.com/babakganjei

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2507.25Ruimte creëren voor iedereen in Peckham met RINSED

Terug naar Functies

"Voor mij draaien salons om gemeenschap en zelfzorg. Ik besefte dat er geen plek was waar we dat samen konden doen, dus heb ik ergens iets gecreëerd."

Brad is geen onbekende in de straten van SE15. Opgegroeid in Zuidoost-Londen, heeft hij altijd een band met Peckham gehad.

“Ik vind het geweldig hoeveel cultuur er in Peckham is. Niet de 'verborgen pareltjes' van Timeout, maar de marktkraampjes, de tantes die vlechten, de Colombiaanse bakker, de Ierse slagers en de jerk drums op straat. Het zijn allemaal tekenen van hoeveel gemeenschappen er ondanks alle veranderingen nog steeds binnen één gemeenschap bestaan.”

Het is dan ook logisch dat Peckham de plek zou zijn voor een eigen salon toen het tijd werd om die te openen. RINSED kwam in beeld. Een textuur- en genderneutrale salon, zoals Brad het beschrijft. Na een tijdje in Holdron's Arcade te hebben gewerkt, verhuisde RINSED een paar roldeuren verderop naar het iconische Bussey-gebouw in Peckham – waar het zich nog steeds richt op mensen met een lage vertegenwoordiging.

Omdat we textuur- en genderneutraal zijn, kunnen we een inclusieve ruimte zijn voor iedereen. Salondiensten zijn altijd erg gendergebonden geweest, waarbij je je moest aanpassen aan het kader van een dames- of herenkapsel. Dit sluit mensen uit die zich niet aan de genderbinariteit conformeren. Als queer persoon vond ik het belangrijk dat we een veilige ruimte waren.

Hun nieuwste samenwerking met UNCLE daagt het concept van 'basis'-kapsel uit en vraagt de straten van Peckham, door middel van flyposting, om aan de bovenkant wat expressiever te zijn.

In het onderstaande interview sprak UNCLE met Brad over zijn vroege invloeden, het leven in Zuidoost-Londen en het belang van gemeenschap en veilige ruimtes.

KUN JE ONS IN JE WOORDEN VERTELLEN WIE JE BENT?

Ik ben een geboren en getogen haarstylist en creatieveling uit Zuidoost-Londen. Ik ben de oprichter van RINSED, een ruimte die ik heb opgericht voor alle mensen die zich ondervertegenwoordigd voelen en niet worden bediend in typische salons. Ik ben queer, dus barbershops zijn nooit een plek geweest waar ik me niet op mijn gemak voelde, en de meeste van mijn vriendinnen hebben getextureerd haar, wat tot voor kort niet eens werd geleerd in de Britse kapperswereld. Ik realiseerde me dat er geen plek was waar we allemaal samen ons haar konden laten doen, dus heb ik iets gecreëerd.

HOE BEN JE ALS KAPSALON BEGONNEN? WILDE JE DAT ALTIJD DOEN TOEN JE JONGER WAS?

Ik was altijd al geïnteresseerd in haar, make-up, alles wat meisjesachtig was toen ik opgroeide; haar vlechten tijdens de lunchpauze op school en meisjesmake-up doen voor het gala, maar ik heb nooit echt nagedacht over een kappersbestaan. Ik had geen idee wat ik wilde worden als ik groot was: een kunstenaar, een achtergronddanseres voor Destiny's Child. Ik dacht er zelfs aan om een minuut of tien monteur te zijn. Mijn zus was kapster, en ik begon te beseffen dat het eigenlijk gewoon een baan was waar je voor betaald werd om creatief te zijn en mensen de oren van het hoofd te slaan, dus ik dacht: ik ga het proberen. Mijn zus stelde me voor aan haar vriend Nathan, die me opleidde in salon- en sessiewerk, en zo is het eigenlijk begonnen.

HOE WAS HET OM OP TE GROEIEN IN ZUIDOOST-LONDEN?

Opgroeien in Zuidoost-Londen was leuk! Het was soms zwaar, maar wel leuk. Gentrificatie was nog niet echt van de grond gekomen, dus het gemeenschapsgevoel was veel sterker. Het voelde alsof iedereen elkaar kende, of in ieder geval je gezicht kende (dat was niet altijd goed, haha).

RINSED IS TROTS OP ZIJN UNIEKE TEXTUUR- EN GENDERNEUTRALE SERVICE. KUNT U UITLEGGEN WAT DIT BETEKENT? EN HET BELANG VAN HET CREËREN VAN EEN RUIMTE DIE DEZE SERVICE AANBIEDT?

Omdat we textuur- en genderneutraal zijn, kunnen we een inclusieve ruimte zijn voor iedereen. Salonbehandelingen zijn altijd erg gendergebonden geweest, waarbij je je moest aanpassen aan het hokje van een dames- of herenkapsel. Dit sluit mensen uit die zich niet aan de genderbinariteit houden. Als queer persoon vond ik het belangrijk dat we een veilige ruimte waren. Textuurneutraal zijn was voor mij enorm belangrijk, omdat mijn vriendinnen een enorm scala aan haartexturen hebben die niet in eurocentrische salons te vinden zijn. Salons draaien voor mij om gemeenschap en zelfzorg, en ik realiseerde me dat er geen plek was waar we daar allemaal samen naartoe konden gaan, dus heb ik ergens iets gecreëerd.

De eerste vestiging van RINSED STUDIO was in Holdrons Arcade, maar iets meer dan een jaar geleden verhuisden jullie naar de nieuwe locatie van de studio; in het iconische Bussey Building in Peckham. Wat betekent de gemeenschap van Peckham voor jullie en voor de studio?

De gemeenschap van Peckham is enorm belangrijk voor me. Ik heb zoveel van mijn leven in Peckham doorgebracht, dus het is een beetje zoals in EastEnders, waar geen twee personages elkaar niet raken. Ik vind het geweldig hoeveel cultuur er in Peckham is. Niet de 'verborgen pareltjes' van Timeout, maar de marktkraampjes, de vlechtende tantes, de Colombiaanse bakker, de Ierse slagers en de jerk drums op straat. Het zijn allemaal tekenen van hoeveel gemeenschappen er ondanks alle veranderingen nog steeds binnen één gemeenschap bestaan.

MET MEER DAN TIEN JAAR ERVARING MET MODE- EN MUZIEKSCHOOTS, HOE VERSCHILT DE ERVARING VAN REDACTIONEEL WERK VAN HET WERK BINNEN JE STUDIO?

Redactioneel werk en werken in de studio zijn compleet verschillend, hoewel ik van beide houd, doe ik het om verschillende redenen. Redactioneel werk kan behoorlijk stressvol en stressvol zijn, maar je kunt veel creatiever met je werk omgaan omdat je vaak dingen doet die je niet dagelijks draagt. Salonwerk is veel persoonlijker. Het is vertrouwd, vaak met vaste klanten en er is meer contact. Ik neem altijd een beetje redactioneel werk mee naar de studio, met kleine backstage stylingtrucjes en een breed scala aan stylingdiensten.

HET KUNSTWERK VOOR DEZE SAMENWERKING MET UNCLE IS HEEL MOOI EN VERFIJND. WAT WAS HET PROCES ACHTER DE SHOOT?

Ik heb de salonesthetiek gebaseerd op de jeugdcultuur, met veel nadruk op muziek en mode. Voor de shoot wilde ik dus verwijzen naar mijn favoriete periode in de jeugdcultuur: Generatie X in de jaren 90. Ik heb altijd al graag tijdschriften uit de jaren 90 en 00 verzameld en mijn favoriete advertenties daarin waren altijd die voor de originele CK One. Ik vind het geweldig hoe simpel ze zijn, maar toch een beetje anarchistisch en provocerend, met veel aandacht voor seksualiteit en gender – door androgyne modellen zoals Jenny Shimizu te casten. Ik vond dat die reclame de esthetiek van RINSED perfect weergaf en de witte vesten en denim leenden zich perfect om het haar te laten zien. Dus ik speelde een hommage en gaf er een vleugje RINSED uit 2025 aan.

HOE WAS HET OM DE POSTERS IN DE STRATEN VAN PECKHAM TE ZIEN?

Peckham vormde zo'n belangrijk decor in mijn leven dat ik echt even in mijn arm moest knijpen toen ik zag dat iets dat ooit slechts een idee in mijn hoofd was, nu overal op straat te vinden is.

HOE ZIET DE TOEKOMST VAN RINSED ER VOOR JOU UIT?

De toekomst van RINSED ziet er rooskleurig uit! We willen een beautymerk worden dat zich onderscheidt in de mode-industrie en veel backstagewerk in onze salons brengt. We willen samenwerken met andere merken buiten de beautywereld in de mode- en lifestylescene om onze aanwezigheid in onze klantenkring te vergroten.

www.instagram.com/rinsedpeckham/

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2507.25Gabriel G Velázquez Zazueta: VIJFINCHMONSTERS

Terug naar Functies

Ontbrekende tanden. Duivelshoorns. Snorren. SUBWAYMOUTHS.

Voor de meesten zijn de graffiti-reclames van de New Yorkse underground gewoon vandalisme, vaak afgewezen en genegeerd. Voor Gabriel, die de afgelopen tien jaar deze #SUBWAYMOUTHS heeft gedocumenteerd, bieden ze inzicht in de houding van New York City.

Gabriel, geboren in Mexico-Stad en nu woonachtig in New York, heeft zich altijd al "aangetrokken gevoeld tot de kunstwereld". Hij beschrijft zijn ouderlijk huis als vol met handgemaakte objecten, met altijd een camera in de buurt.

In de jaren 80 stuurden Gabriel en zijn neven brieven naar de typische Amerikaanse bedrijven zoals Coca-Cola, Pepsi en The Dodgers, met de vraag om allerlei 'reclamemateriaal'. De meesten reageerden niet. Maar zo nu en dan ontvingen hij en zijn neven stickers in de post die ze onderling uitwisselden. Op een dag dook er een rode truckerpet op, gemaakt van Marlboro-sigaretten. Jackpot.

Nu is hij een professional in branding, fotografie en design. Het zijn die verhalen, vertelt hij aan UNCLE, waar het allemaal begon.

Vóór FIVEINCHMONSTERS was er #SUBWAYMOUTHS, een project dat begon op de dag dat Gabriel naar New York City verhuisde. Twaalf jaar later is het nog steeds een dagelijkse artistieke praktijk en een documentatie van het collectieve bewustzijn van de stad.

Wat volgt is een gesprek met Gabriel, dat samenvalt met de opkomst van deze FIVEINCHMONSTERS – uit de metro en op straat in New York, dankzij UNCLE.

KUNT U ZICHZELF IN UW EIGEN WOORDEN VOORSTELLEN?

Mexayorkino sinds 2005, professionele branding, fotografie en diseño. Ontdek de stedelijke details en obsessie met de behandeling en interventies van natuurlijke oorsprong en provocaties die opduiken in de stad op de oppervlakte van New York. Por último zelfbenoemde transculturele visuele vertaler – Traductor visuele transculturele – dit laatste heeft te maken met mijn eeuwige liefde voor mijn mexicanidad, mis moles y mis mezcales.

Mexayorkino is sinds 2005 een professional in branding, fotografie en design. Een onvermoeibare ontdekker van stedelijke details en geobsedeerd door zowel spontane als opzettelijke oppervlaktebehandelingen en -interventies die dagelijks in New York City plaatsvinden. Tot slot, een zelfverklaarde Transculturele Visuele Vertaler – een titel die mijn eeuwige liefde voor mijn Mexicaanse erfgoed, mijn moedervlekken en mijn mezcales verraadt.

JE NOEMT NEW YORK ALS INSPIRATIEBRON. KUN JE DIT UITLEGGEN EN HOE HET VERSCHILT MET MEXICO-STAD?

Ik denk niet dat ik te goeder trouw kan zeggen dat ik de CDMX van het NU ken, zoals ik leef en mijn NYC herontdek. Nieuw York is complex en openhartig. Romantisch en reddend, verlangend en liefhebbend. Nieuw York verlaat je en je bent er! NYC is de stad waar je naartoe gaat om jezelf opnieuw uit te vinden en voor velen de stad waar je je andere zelf achterliet voordat je degene heruitvond die de stad gelukkig achterlaat, wetende hoeveel ze geleerd heeft op haar weg naar buiten. Als je me vraagt wat het verschil is, zeg ik: "ALLES... zoals het hoort te zijn!". Ik ben eeuwig dankbaar dat ik in beide steden heb gewoond tijdens verschillende vormende periodes in mijn leven. Mexico heeft me gekoesterd en Nieuw York heeft me toegestaan de mens te zijn die ik ben.

New York is complex en openhartig. Romantisch en wild, veeleisend en genereus. New York neemt van je – en geeft terug!

KUN JE ONS IETS VERTELLEN OVER JE ACHTERGROND EN HOE JE VOOR HET EERST IN DE KUNST EN HET DESIGN BENT GEKOMEN? WAT WAREN JE EERSTE INSPIRATIES?

Ik heb me altijd aangetrokken gevoeld tot de kunstwereld. Er was altijd een camera en er werden foto's gemaakt, gewoon om het leven te documenteren. Mijn huis was een 'doe-het-zelf'-huis. Dus het was nooit vreemd om dingen te maken van willekeurige voorwerpen. We reisden veel met de auto, en ik kon/moest de wereld anders zien. De tijd rekt en kromt als je zevenentwintig uur als kind in een vrachtwagen zit. Details worden verhalen en je creëert complete universums in je hoofd. De familie van mijn moederskant woont in Culiacan Sinaloa en dat maakt ook deel uit van mijn (norteño) geschiedenis. Ik denk niet dat ik dit ooit hardop heb gezegd, maar een bepalend moment was begin jaren 80 – mijn oudere neven stuurden brieven per post naar bedrijven zoals Pepsi, Coors, de Dodgers, het Amerikaans Olympisch Comité van 1984, met de vraag om allerlei leuke dingen. Blijkbaar was dit een ding met al hun vrienden. Er was een alinea in het Engels die werd doorgegeven, letter voor letter overgeschreven, en ter informatie: niemand sprak Engels. Dus dit maakt het nog Mexicaanser – als je het weet, dan weet je het – en het resultaat was dat maanden later, uit de tientallen brieven die je stuurde, er eentje je de meest waanzinnige, typisch Amerikaanse reclameswag terugstuurde. Van de uiterst waardevolle en verhandelbare stickers tot gekke dingen zoals een rode truckerpet van Marlboro-sigaretten. Ik noem dit allemaal omdat je vraag me doet beseffen dat dit is waar mijn liefde voor branding design en reclame is ontstaan. Ze hadden de deur van hun kamer volgeplakt met stickers en ik vond dat altijd het coolste wat er was. Jaren later ontdekte ik, toevallig, de basis van wat het project El Sensacional Mexicano zou worden.

Ik bevond me in een ondergrondse parkeergarage in CDMX en vervolgens in DF, waar ik mensen zag die met de hand rótulos van Mexicaanse straattaal schilderden. Dit was rond mijn eerste jaren grafisch ontwerp en het veranderde alles. Ik zag hetzelfde ontwerp en werk dat ik bewonder op de stickers uit Culiacan, maar nu in mijn eigen stad en in mijn eigen taal, met de kracht die alleen met de hand geschilderde letters kunnen bereiken. Dit stelde me in staat mijn eigen grafische stijl te ontwikkelen en mijn opleiding te betalen met zeefdrukwerk en wearables. Een paar jaar later volgde ik een leertijd bij FWM (The Fabric Workshop and Museum) in Philadelphia en uiteindelijk woonde ik in New York.

HOE IS FIVE INCH MONSTERS BEGONNEN? WEET JE NOG NIET DE EERSTE #SUBWAYMOUTHS DIE JE FOTOGRAFEERDE?

Het begon al toen ik naar New York verhuisde. Het was het eerste wat me opviel toen ik de trap afdaalde naar het metrostation. De #SUBWAYMOUTHS waren onmogelijk te negeren. Levensgroot, precies ter hoogte van je gezicht. Doelbewust ontworpen om die ene blik te vangen, of je dat nu wilde of niet.

Het verzamelen van FIM duurde iets langer. Elke dag observeerde en analyseerde ik mijn omgeving. Alles was nieuw en had iets nodig om het te begrijpen. FIM onderging een paar transformaties, van producten (speelgoed) tot zeefdruk-mode-ideeën – om uiteindelijk de artistieke dagelijkse praktijk te worden van het documenteren van 'alles' om me heen.

WAT ZEGGEN DEZE GETROKKEN MONDEN, VAAK BOOS, GROTESK OF SPEELS, OVER DE HOUDING VAN NEW YORK?

Dit is iets waar ik me constant van bewust ben, maar ik denk niet dat er een definitief antwoord op is; de #SUBWAYMOUTHS zijn constant in beweging. Ze geven wel een momentopname van de tijd waarin we leven, vaak politiek en zeer sociaal bewust. Ik zou ze omschrijven als oneindige New Yorkse attitudes, New York heeft te veel persoonlijkheden om ze in één hokje te plaatsen.

HET PROJECT IS BIJNA EEN VISUEEL DAGBOEK VAN HET COLLECTIEVE ONDERBEWUSTZIJN VAN DE STAD. BENT U HET ERMEE EENS?

Dat is het, en het documenteren ervan is altijd de bedoeling geweest. Ik was en ben nog steeds gefascineerd door wat het communiceert in stilte, recht in je gezicht, met hun onbeschaamde waarheden. En door ze allemaal voor het eerst samen te zien, afgedrukt tijdens de CHOLITA Café-show in juni 2025, kregen ze de collectieve vrijheid die de verbinding met UNCLE mogelijk maakte. Nu gluren ze uit hun langdurige verblijfplaats via Instagram.

WELKE THEMA'S OF PATRONEN ZIJN ER IN DE LOOP VAN DE TIJD ONTSTAAN IN DE MONDEN DIE MENSEN TEKENEN? KUN JE PARALLELLEN TEKENEN MET DE 'MONSTERS' EN WAT ER OVER DE HELE WERELD GEBEURT?

Patronen zijn overal en #SUBWAYMOUTHS is daarop geen uitzondering. De zwarte tand, de lul op de mond, de gescheurde, gescheurde, bekraste, verwoeste, gepeste, lege oppervlakken... Het klinkt allemaal bekend en voor mij lijkt het op en beschrijft het de sociale problemen van grote metropolen.

ZIE JE DIT ALS EEN KUNSTBEWEGING, EEN MAATSCHAPPELIJK COMMENTAAR, OF BEIDE?

FIM is mijn persoonlijke, dagelijkse artistieke praktijk. Maar ik weet zeker dat, nu de palen in de metro verdwijnen, deze ooit bestudeerd zullen worden en hun boodschappen luider en versterkt zullen klinken. Jaren geleden gaf een vriend van een vriend van mij, een docent, een les aan een universiteit in New York en gebruikte FIM als referentie voor continuïteit en langdurige stedelijke documentatie en kunstpraktijk.

HOE WAS HET OM DE EVOLUTIE VAN HET PROJECT IN DE LOOP VAN AL DIE JAREN TE ZIEN? WAT HEEFT HET JE GELEERD OVER NEW YORK, OF OVER MENSEN IN HET ALGEMEEN?

Mensen door de geschiedenis heen houden ervan om hun stempel te drukken en raken snel verveeld. Wat FIM betreft, er is een houdbaarheidsdatum, de borden worden verwijderd terwijl ik dit schrijf en hun dag als #SUBWAYMOUTHS is geteld. Ik moet waarschijnlijk nog eens OMHOOG kijken.

WAAROM DENK JE DAT DE METRO EN NIET DE STRAAT ZO'N VRUCHTBARE BODEM IS VOOR DIT SOORT KUNSTMATIGE UITING?

Dit gebeurt overal, ik heb het alleen beperkt tot de metro als onderwerp voor het documenteren, omdat hun formaat en vorm meer standaard waren en de ontmoetingen onvermijdelijk. Het vastleggen hiervan op straat draait meer om timing. En zoals jullie goed weten, is dit de basis voor wildposting in New York.

Dit hele project klinkt behoorlijk poëtisch. Van traditionele advertenties in de metro tot aan de posters die nu bovengronds door heel New York worden verspreid. Is dit wat je voor ogen had toen je in 2013 begon met de documentatie ervan?

Eerlijk gezegd is dit gewoon magisch en heeft het mij en de #SUBWAYMOUTHS de ruimte gegeven om groter te dromen. Dus ik zie dit nog maar als het begin.

VIDA ETERNA A LAS SUBWAYMOUTHS! En nog veel meer heruitvindingen voor FIVEINCHMONSTERS GRACIAS TOTALES.

www.ggvz.nyc
www.instagram.com/fiveinchmonsters

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2507.25Voorwaarden Studio

Terug naar Functies

Er gebeurt iets subtiel radicaals in Croydon. Conditions Studio, opgericht door kunstenaar en docent Matthew Noel-Tod, daagt het concept van kunstonderwijs uit. In plaats daarvan biedt het iets geaards en intiems dan de traditionele kunstacademie. Het is een ruimte om te groeien, vragen te stellen en te creëren.

“Het wordt gerund door kunstenaars, voor kunstenaars, en dat is belangrijk voor ons.”

De structuur is eenvoudig en speelt daarop in. Kunstenaars krijgen individuele atelierruimtes aangeboden naast regelmatige groepsrecensies, openbare tentoonstellingen en tutorsessies. Dialoog is net zo belangrijk als output bij Conditions, en de kunst die uit de studio in Croydon komt, versterkt dit. Een van die openbare tentoonstellingen, ondersteund door UNCLE, is HARDCORE / LIEFDEHet is een gedurfde dubbelvoorstelling van Mark Leckey's klassieker Fiorucci maakte me hardcore en Arthur Jafa's verwoestende Liefde is de boodschap, de boodschap is de doodHet is een dialoog tussen de twee kunstenaars en hun iconische werk.

“De tentoonstelling is een krachtige presentatie, er is geen opsmuk, het zijn gewoon de werken in een donkere kamer, tegenover elkaar.”

Terwijl ze zich klaarmaakten om te openen HARDCORE / LIEFDEspraken we met Matthew over zijn eerste inspiratiebronnen, de beginjaren van de studio en wat het betekent om kunst te maken buiten het centrum van Londen.

KUNT U ONS EERST VERTELLEN WAAR CONDITIONS OVER GAAT?

Conditions is een onafhankelijke kunstacademie. We noemen het een 'studioprogramma' en het is opgezet in de traditie van studioscholen en door kunstenaars gerunde ruimtes. Het wordt gerund door kunstenaars, voor kunstenaars, en dat vinden we belangrijk. Wat we bieden is 'goedkoop' in vergelijking met studeren aan de universiteit of kunstacademie, en we hebben een doe-het-zelf-mentaliteit. Dit betekent niet dat we kunst niet serieus nemen, maar wel dat we graag snel en flexibel te werk gaan, wat grotere organisaties vaak niet kunnen. We proberen een alternatief te bieden voor de stijgende kosten van zowel studioruimte als onderwijs voor kunstenaars in Londen.

PER DEFINITIE, ZIEKTEBEELDEN VERWIJST NAAR DE FYSIEKE SITUATIE WAARIN IEMAND OF IETS ZICH BEVINDT EN WAARIN DIT WOORD BEÏNVLOEDT WORDT. WAT BETEKENT DIT WOORD VOOR JOU EN DE STUDIO?

Ik denk dat dit de blijvende kwaliteit van de naam is. Ja, hij verwijst naar fysieke situaties, maar hij is ook relevant voor sociale, emotionele en politieke situaties, en dit zijn allemaal factoren die van invloed zijn op het maken en bekijken van kunst. Onze naam gaat over de voorwaarden om kunstenaar te zijn, de voorwaarden van het leven en de wereld waarin je je op dit moment bevindt.

JE BENT EEN KUNSTENAAR EN EEN DOCENT, WAT IS JE GESCHIEDENIS? WAS JE ALTIJD IN DE BUURT VAN KUNST? HEB JE HET GESTUDEERD?

Om terug te gaan naar de tijd dat ik op mijn vijftiende van de middelbare school werd gestuurd, wat destijds als een ramp voelde, maar de eenzaamheid van die ervaring verbond me intens met kunst, fotografie, film en muziek en mijn weg vooruit was naar de kunstacademie gaan. Ik ging naar de kunstacademie in het laatste jaar van het gratis hoger onderwijs in het Verenigd Koninkrijk en dat is me altijd bijgebleven. De vrijheid die je kreeg – inclusief de vrijheid om niet te doen wat je moest doen. Ik studeerde aan wat toen nog de Norwich School of Art & Design heette en als student had ik het geluk dat ik voor Lynda Morris ging werken, de curator van de Norwich Gallery en EAST International. Toen ik Norwich verliet, grapte Lynda dat voor haar werken mijn echte kunstopleiding was, en ze had waarschijnlijk gelijk. Haar programma was ongelooflijk ambitieus en ik vond het geweldig dat het een kleine regionale kunstacademie was met enkele van de beste kunstenaars ter wereld die er exposeerden. Ik weet dat deze logica me heeft beïnvloed in mijn overtuiging hoe je iets met zeer serieuze artistieke ambities naar een onopvallende locatie in Croydon kon brengen.

Hoewel het zeer lonend is, brengt het runnen van een onafhankelijk alternatief voor traditionele kunststudio's ook wat uitdagingen met zich mee. Wat houdt je gemotiveerd?

Het kan vermoeiend zijn, en je moet bereid zijn om de beheerder te zijn bij een project als Conditions. Ik vind het ook belangrijk om dit werk te doen. Kunst is niet altijd magisch, bij elke stap die je zet, moet je veel heen en weer schuiven, zowel mentaal als fysiek. Tijdens de programma's van Conditions werk ik met geweldige kunstenaars in een omgeving die vrij is van de vele waardeoordelen die je elders krijgt: de focus ligt op het werk en de conversatie eromheen.

HET STUDIOPROGRAMMA COMBINEERT INDIVIDUELE RUIMTES MET GROEPSKRITIEK EN PUBLIEKE EVENEMENTEN, ZOALS HARDCORE / LIEFDEHOE ONDERSTEUNT DEZE STRUCTUUR ZOWEL DE PERSOONLIJKE ALS DE COLLECTIEVE ARTISTIEKE GROEI?

Het belangrijkste wat ik zou willen zeggen, is het opbouwen van vertrouwen. De sociale sfeer binnen een groep kan mensen echt toestemming geven om dingen te maken waar ze voorheen niet aan durfden te denken. Het is ook belangrijk om dat werk, gemaakt door kunstenaars in de studio's, te exposeren, wat we regelmatig doen. Het betrekken van Conditions bij andere projecten, zoals wat we hebben gedaan met ICA, NTS radio, Ormside Projects en nu met de HARDCORE / LIEFDE De tentoonstelling biedt mensen de mogelijkheid om op een hopelijk betekenisvolle manier in contact te komen met het bredere culturele veld.

CONDITIONS BIEDT OOK EEN ONLINE MENTORPROGRAMMA. HOE WERKT DAT IN COMBINATIE MET DE PERSOONLIJKE ERVARING, MET NAME VOOR MENSEN DIE BUITEN LONDEN WONEN?

Dit was iets wat we oorspronkelijk deden onder de omstandigheden van COVID, om mensen met elkaar in contact te houden toen studiowerk moeilijk was. Uiteindelijk realiseerde ik me dat veel kunstenaars niet altijd een studioruimte nodig hebben, of dat ze die moeten inpassen in andere aspecten van hun leven, en dat de dialoog die Conditions biedt net zo belangrijk was als de fysieke ruimte. Het is ook een ander onderdeel van het 'goedkope' aanbod: sommige mensen konden zich geen studioruimte veroorloven, maar wilden wel graag het gesprek over hun werk, en dit was iets wat wij konden bieden. In het eerste jaar was het verbazingwekkend hoe internationaal de online groep was, en dat is wederom onderdeel van de bredere sociale sfeer van zoiets als Conditions. We hadden ooit een Zoom-feestje tijdens de lockdown dat doorging tot 5 uur 's ochtends, en dat is me altijd bijgebleven als de betekenis dat mensen graag online contact hadden.

DEZE SAMENWERKING MET UNCLE IS VOOR DE TENTOONSTELLING HARDCORE / LIEFDE MET KUNSTENAARS ARTHUR JAFA EN MARK LECKEY. KUNT U ONS IETS OVER DEZE TENTOONSTELLING VERTELLEN?

Het is een fantastische tentoonstelling en de weg ernaartoe was vrij ongebruikelijk, aangezien we geen traditionele galerieruimte zijn. Gavin Brown, de in New York gevestigde galeriehouder die opgroeide in Croydon, had over Conditions gehoord en nam contact met ons op. We spraken met hem over een project in Croydon en deze twee werken. Fiorucci maakte me hardcore (1999) door Mark Leckey en Liefde is de boodschap, de boodschap is de dood (2016) van Arthur Jafa kwam ter sprake. Gavin speelde oorspronkelijk een zeer belangrijke rol bij het presenteren van deze werken aan een publiek. Ons idee was de dialoog tussen de twee werken, een 'vraag-en-antwoord'-lus, en dit werd versterkt door de vriendschap en het respect dat Mark en Arthur voor elkaar hebben. De tentoonstelling is dus een krachtige presentatie, zonder poespas, het zijn gewoon de werken in een donkere kamer, tegenover elkaar. De enscenering in een halfleeg winkelcentrum in Croydon lijkt zeer passend bij de inhoud van de video's, omdat het een ruimte is die bedoeld is om geïnterpreteerd te worden. Het zijn beide video's waarvan de betekenis evenzeer door de maatschappij als door de kunstenaars wordt gecreëerd, en ik denk dat ze buiten een museale context veel meer invloed hebben. Het project met Gavin gaat ook over fondsenwerving voor de toekomst van Conditions op de lange termijn, bewustwording creëren en sympathisanten werven.

Waar let je op bij het bepalen welke kunstwerken je wilt tentoonstellen onder de juiste omstandigheden en met welke kunstenaar je wilt samenwerken?

Onze focus ligt vooral op het promoten van het werk van de kunstenaars binnen het studioprogramma. We hebben ook andere projecten en tentoonstellingen gedaan om Conditions meer bekendheid te geven en kunst te tonen die we goed vinden.

HOE PAST CONDITIONS ALS STUDIO GEVESTIGD IN CROYDON IN HET GROTERE KUNSTECOLISTEEM VAN LONDEN?

Het doorkruist een aantal Londense kunstecosystemen en ik vind het prima dat het een beetje vrij is. Sommige mensen gebruiken Conditions vaker omdat ze de ateliers leuk vinden, anderen gebruiken het vaker omdat ze een ervaring met kunstonderwijs willen die ze nog niet hebben gehad. Ik vind het interessant om op relatief kleine schaal te werken en af en toe grotere evenementen te organiseren. Dat houdt de boel spannend.

KUNT U ONS IETS VERTELLEN OVER DE KUNSTWERKEN IN DEZE FLYPOSTCAMPAGNE?

Ik heb lang en goed nagedacht over het ontwerpen van deze posters. Er was een open opdracht, wat fijn was, maar met zulke bekende kunstwerken vond ik het belangrijk om een identiteit te creëren die ons hele tentoonstellingsconcept overbracht, niet slechts twee bekende beelden. Het idee was om het mondiale en het lokale, of provinciale, met elkaar te verbinden. Liefde is de boodschap, de boodschap is de dood Er zijn terugkerende beelden van de zon, maar ook die zin "het gebouw staat in brand", die lijkt op de spanning tussen de hitte en intensiteit van de zon, van geweld en de zon als levengever, en die dynamiek omlijst een groot deel van de video: er is leven en er is dood. Fiorucci maakte me hardcore De rave-afbeeldingen zijn wijdverspreid, maar het begint met een landschap en wolken en keert terug naar dit koude en romantische uitzicht van een figuur in een landschap met wat lijkt op een piratenradiomast. Het is een romantisch schilderij en het is blauw en koud, de tegenovergestelde kleurtemperatuur van de zon. Het was ook een perifeer beeld – dat het post-rave piratenradiomastlandschap mogelijk een plek als Croydon zou kunnen zijn en dat de figuur spiritueel verloren was. Met het lettertype en de tekst wilde ik rave-posters suggereren die je op lantaarnpalen en reclameborden ziet. Ze vermelden vaak een plaats, maar geen specifiek adres, dus je moet het zelf opzoeken. Ik gaf de tekst aan twee van de kunstenaars van Conditions, Cameron Harris en Bobby Ingham, en zij bedachten de lay-out en het lettertype. We hebben veel getest om te zien hoe het in de praktijk zou werken op straat, en ik denk dat het erg succesvol was.

DE AANMELDINGEN GAAN BINNENKORT OPEN. WELK ADVIES HEB JE VOOR OPKOMENDE KUNSTENAARS DIE ZICH BIJ CONDITIONS STUDIO WILLEN AANSLUITEN?

Wees realistisch over het werk en denk niet dat het niet relevant voor je is. Het is voor ons belangrijker om een interessante groep mensen met elkaar in contact te brengen dan om ieders cv's te bekijken. Doe het ook als het voor jou het juiste moment is. Het is belangrijk om te luisteren naar wat je voelt, oftewel wat je capaciteiten zijn, in plaats van te denken dat je misschien iets mist.

https://conditions.studio

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2507.25Breakers Magazine: 'Real Movement' komt uit Frankrijk

Terug naar Functies

“Breakers” zijn mensen die een mal doorbreken – niet alleen dansers, maar mensen die hun eigen pad uitstippelen.”

Die definitie, aangereikt door ontwerper en mede-redacteur Sebastián Esguerra, vormt de kern van Breakers Magazine, een print-first platform dat geworteld is in breaking, maar er veel verder mee reikt. Breakers, opgericht door de in Parijs geboren danser Tom Chaix in 2021 terwijl hij op het eiland Réunion woonde, begon als een autodidactisch experiment in redactioneel storytelling. Geïnspireerd door onder andere Het surfersdagboek en onafhankelijke skate-zines, Chaix had een tijdschrift voor ogen dat kon doorbreken wat de printcultuur al lang deed voor andere straatbewegingen: het documenteren ervan met zorg, creativiteit en aandacht.

Breakers, inmiddels vijf nummers lang, is uitgegroeid tot een tweetalig, door de gemeenschap opgezet project dat loopt tussen Parijs en Montpellier, met een uitgebreid netwerk van medewerkers over de hele wereld. Het bevat net zo goed essays over dans als portfolio's over graffiti, interviews met hiphopacademici of korte verhalen die de cultuur op meer abstracte manieren benaderen. De ontwerpgevoeligheid, aangevoerd door Esguerra, is rauw, tastbaar en voortdurend in ontwikkeling. Breakers is meer dan alleen een tijdschrift; het is een soort ecosysteem geworden: het produceert evenementen, werkt samen aan video- en redactionele projecten en werkt samen met culturele instellingen in heel Frankrijk.

In hun nieuwste samenwerking met UNCLE keren Breakers terug naar de straat, dit keer via een wildpostingcampagne die pagina's in posters verandert. Gedurfde citaten uit eerdere edities sieren nu de muren van Parijs en nodigen voorbijgangers uit om kennis te maken met de wereld die ze hebben gecreëerd. "Het is niet alleen marketing", zegt Tom. "Het zit in ons DNA. Zelfgemaakt, fysiek, publieksgericht. Net zoals het breken zelf."
Centraal in alles staat het geloof in gemeenschap boven invloed. Stamverhalen evenementenserie, die dezelfde ethos uitdraagt: teams samenbrengen, niet alleen om te strijden, maar ook om te bouwen. Voor Breakers wordt succes niet gemeten in volgers of verkopen, maar in relaties en in trouw blijven aan de cultuur waarin ze zijn opgegroeid.

Wat volgt is een gesprek met de twee co-leaders Tom en Sebastián, over hun creatieve proces, hoe je iets kunt laten groeien zonder het te verwateren, en wat het betekent om een platform te bouwen dat lokaal, globaal en geworteld is in echte beweging.

KUNT U ZICHZELF IN UW EIGEN WOORDEN VOORSTELLEN?

Tom: Ik ben Tom Chaix. Ik ben geboren in Parijs, maar ben daar niet opgegroeid. Ik heb het grootste deel van mijn leven in het buitenland doorgebracht. Ik startte Breakers Magazine in 2021, tijdens een periode van reset op het eiland Réunion, vlak voor de kust van Madagaskar. Ik ben opgeleid als civiel ingenieur, maar ik ben al meer dan tien jaar aan het breaken. Die combinatie van technische achtergrond en creatieve nieuwsgierigheid bracht me ertoe iets nieuws te proberen. Het tijdschrift begon als een persoonlijk experiment: een manier om op mijn eigen voorwaarden te leren ontwerpen, schrijven en publiceren en om de visuele en redactionele cultuur die in het skateboarden of surfen bestaat, te doorbreken. De eerste editie deed ik solo, maar daardoor ontmoette ik Sebastián en van daaruit begonnen we een collectief op te bouwen.

SEBASTIÁN: Ik ben Sebastián Esguerra. Ik ben opgegroeid in Colombia en ben een paar jaar geleden naar Frankrijk verhuisd. Mijn achtergrond ligt niet in dansen, maar in skateboarden, voetbal, fotografie en design. Ik heb altijd een nauwe band met hiphop gehad via vrienden en creatieve projecten, maar toen ik Toms eerste nummer van Breakers zag, voelde ik me echt verbonden. Hoewel het zich richtte op breaken, was het niet voor slechts Over bewegingen of gevechten, het ging over de levens, de verhalen, de emoties rond de cultuur. Die menselijke kant trok me aan. Nu help ik mee met het leiden van de artistieke leiding van het tijdschrift, en we proberen er een platform van te maken dat verder gaat dan alleen maar breken, en dat het volledige spectrum van straatcultuur en creatieve zelfexpressie bestrijkt.

HOE ZOU JE BREAKERS MAGAZINE OMSCHRIJVEN AAN IEMAND DIE HET VOOR HET EERST OPPAKT?

Tom: Het is in de eerste plaats een fysiek object. Dat is altijd centraal gestaan in de visie, iets tastbaars, iets om vast te houden. Vanaf het begin wilde ik geen website bouwen of SEO nastreven. Ik wilde iets moois maken, zoals de surf- en skatebladen die ik bewonderde. Dat soort printcultuur bestond nooit echt in de break-up, dus hebben we onze eigen versie gemaakt. Het is tweetalig, helemaal opnieuw opgebouwd en groeit nummer na nummer, samen met de mensen die zich bij het project hebben aangesloten.

SEBASTIAAN: En het gaat niet alleen om 'breaking', dat is het eigenlijk nooit geweest. We gebruiken 'breaking' als een manier om binnen te komen, maar waar we echt in geïnteresseerd zijn, zijn de mensen: hun verhalen, hun worstelingen, hun creativiteit en hoe cultuur in het dagelijks leven leeft. Voor mij is Breakers een platform voor allerlei vormen van straatcultuur, niet alleen dansers, maar ook skaters, dj's, fotografen, schrijvers en zelfs academici. Het is een thuis voor verhalen die niet altijd verteld worden, maar die wel veel impact hebben.

WAT WAS DE OORSPRONKELIJKE MOTIVATIE ACHTER HET BEGINNEN VAN EEN GEPRINT TIJDSCHRIFT IN EEN DIGITAAL EERSTE WERELD?

Tom: Eerlijk gezegd is digitaal nooit bij me opgekomen. Ik wilde iets tastbaars, iets dat je op tafel kon laten staan, iets verzamelbaars. Dat gevoel van drukwerk als object, niet alleen als een container voor content. Het ging niet om het starten van een mediabedrijf of het opbouwen van een merk. Het was meer instinctief: ik hou ervan om te breken, ik hou ervan om met mensen te praten, en ik wilde iets maken dat al die dingen op een betekenisvolle manier kon vastleggen. En eerlijk gezegd wilde ik mezelf ook leren hoe ik alles moest doen, van redactie tot lay-out en het bouwen van een website. Het tijdschrift gaf me een reden om te leren.

SEBASTIAAN: Voor mij ging het erom terug te keren naar dat gevoel van bestendigheid. Als ontwerper ben ik altijd dol geweest op boeken, posters en drukwerk. Ik koop iets, zelfs als ik de taal niet spreek, gewoon vanwege hoe het eruitziet en aanvoelt. En ik denk dat drukwerk ons helpt te vertragen, het laat je ergens bij stilstaan en ernaar terugkeren. Het wordt een archief, een referentie. Elk nummer van Breakers is een momentopname van de cultuur op dat moment, en ik denk dat dat waardevoller is dan de snelle stroom online content.

WAT IS DE GESCHIEDENIS VAN BREAKING IN FRANKRIJK, EN WAAROM DENK JE DAT DIT HIER ZO DIEP RESONEERT?

Tom: Frankrijk heeft een lange relatie met hiphop, maar de positie van breaking is hier nog steeds vrij uniek. Eén reden is dat breaking, in tegenstelling tot rap of dj'en, nooit aan een product gebonden was. Je kunt geen dansmoves verkopen. Het is niet zoals skateboarden, waar een hele industrie is opgebouwd rond de verkoop van boards en schoenen. Bij breaking heb je muziek, een vloer, misschien wat schoenen, maar dat is alles. Dus de cultuur ontstond live, in het moment. Je moest erbij zijn. En ik denk dat dat in Frankrijk iets paste bij onze creatieve geest, vooral in steden als Parijs, waar straatcultuur altijd sterk aanwezig is geweest. Er is hier een geschiedenis van het terugwinnen van de openbare ruimte, optreden op straat en het bouwen van scenes zonder toestemming.

HOE BEPAAL JE WAT HET TOT EEN KWESTIE VAN BREAKERS MAAKT?

SEBASTIAAN: Vanaf het begin hebben we geprobeerd een sterke redactionele structuur aan te houden, met zaken als de fotoportfolio, de rubriek 'Gesprekken' en interviews met mensen binnen en buiten de danswereld. Sommige artikelen richten zich op het breken van de geschiedenis, andere zijn abstracter. We hebben zelfs fictie opgenomen. Het belangrijkste is de stem en het perspectief. We zijn niet geïnteresseerd in sport-achtige analyses of fitnessroutines. We willen weten hoe mensen breaking news of hiphop in het algemeen gebruiken om hun leven te sturen.

Tom: Precies. We voelen ons meer aangetrokken tot de verhalen achter de bewegingen. Breaking leert je emotionele intelligentie, hoe je moet samenwerken, hoe je moet falen en door moet gaan. Het is een hele klus. En als iemand eenmaal heeft geleerd om door al die dingen heen te komen, weet je dat hij of zij veel te zeggen heeft over zijn of haar omgeving, over de cultuur, over zichzelf. We staan open voor alles wat die diepgang heeft, of het nu een danser, een fotograaf of iemand die over film schrijft is. Wat hen verbindt, is mindset. Daar draait Breakers echt om.

WAT WAS ZO BIJZONDER AAN DE ENERGIE VAN TRIBE TALES II, EN HOE OVERTREEF HET JE VERWACHTINGEN?

Tom: Tribe Tales is ontstaan uit een gevoel dat we mensen bij elkaar moesten brengen om in De Breakers-wereld, niet alleen als lezers, maar fysiek in een ruimte. Het magazine gaat over het langzaam opbouwen van iets, met vertrouwen, met emotionele intelligentie. En het evenement was hetzelfde. We creëerden een concept gebaseerd op hoe teams samenwerken: hoe ze beslissingen nemen, hoe ze kiezen wie tegen wie strijdt. Het gaat niet alleen om de beste danser, het gaat om communicatie, om het begrijpen van je team en hoe je elkaar kunt steunen. De naam "Tribe Tales" weerspiegelt dat. We wilden collectieven en de manier waarop ze samen bewegen vieren.

SEBASTIÁN: En het was niet alleen het format, het was de energie. De tweede editie blies ons compleet omver. Er kwamen zoveel meer mensen dan we hadden verwacht. Het was vol liefde, een gevoel van saamhorigheid. Wat het bijzonder maakte, was dat het niet in één bubbel bleef hangen. We hadden één dag in een bibliotheek, met cyphers en dj-sets, en een andere met een feest en een battle op een totaal andere locatie. Dat contrast hielp om een nieuw publiek aan te trekken. Dat is wat we altijd proberen te doen: de wortels in breaking en hiphop houden, maar ook de deuren openen voor iedereen die zich wil verbinden met de sfeer. Mensen kwamen als crew, als vrienden, als familie. Dat is de eenheid waar we voor staan.

BREAKING GEBEURT VAAK OP STRAAT, DUS IS WILDPOTING EEN NATUURLIJKE AANPAK VOOR JOU? WAT VIND JE LEUK AAN DIT FORMAT EN WAT HOOP JE DAT DE POSTERS ZULLEN BEREIKEN?

SEBASTIÁN: De wildpostingcampagne is voor ons een manier om te laten zien dat Breakers veel meer is dan alleen breaking. De posters die nu in Parijs te zien zijn, zijn ontworpen om de geest van ons werk over te brengen, hiphop te verbinden met andere straatculturen en de deur te openen naar nieuwe samenwerkingspartners. We willen mensen die het tijdschrift nog niet kennen iets laten zien dat hen nieuwsgierig maakt en aanspreekt. En voor degenen die ons wel kennen, gaat het erom te bevestigen waar we voor staan: onafhankelijkheid, creativiteit en culturele verbondenheid.

Tom: Een van de dingen die je op de posters ziet, zijn citaten die rechtstreeks van de pagina's van Breakers komen, zinnen die de energie, waarden en stemmen van de mensen die we in beeld brengen, vastleggen. Dingen zoals "Ego is een dans." We hebben het ontwerp rauw en direct gehouden: alleen het citaat, de naam van de spreker en ons logo. Want voor ons is wildposting niet zomaar een marketingtool, het is een voortzetting van onze aanpak sinds dag één. Zelfgemaakt, op straatniveau, zelf gefinancierd. Net als Breaking zelf, gaat het erom aanwezig te zijn in de openbare ruimte en iets wezenlijks te delen. Zo bereiken we mensen door zichtbaar te zijn, niet alleen online, maar ook op de muren van de steden die ons dierbaar zijn.

HOE ZOU JE DE CREATIEVE SCHETSEN VAN PARIJS EN MONTPELLIER, JE TWEE THUISSTEDEN, VERGELIJKEN?

Tom: Parijs is fantastisch als je georganiseerd bent en precies weet waar je naartoe wilt. Het zit vol kansen, maar ook vol lawaai. Zoveel creatievelingen, zoveel concurrentie. Voor mij was Montpellier logischer. Ik heb hier familie en ik probeer hier niet fulltime mijn brood mee te verdienen. Het is nog steeds een passie. En hier kun je stabielere relaties opbouwen, een grotere community. Mensen vertrouwen je sneller. Ik had heel gemakkelijk contact met locaties, ze geloofden meteen in Breakers. In Parijs had het misschien langer geduurd om dat vertrouwen te winnen.

SEBASTIÁN: Dat is het. In Parijs heb je, voordat mensen je überhaupt de kans geven, een sociaal netwerk nodig, de juiste referenties, enzovoort. In kleinere steden, zoals Montpellier, is het meer: "Oké, laten we praten, laten we samen iets doen." Er is minder gatekeeping. En het publiek is gemengder. Je krijgt gezinnen, jongeren, ouderen, mensen die nog nooit een breakdance hebben gezien, allemaal op hetzelfde evenement. Het voelt opener.

WAT IS JE FAVORIETE PLEK OM NAAR MUZIEK TE LUISTEREN? HET HOEFT NIET IN PARIJS TE ZIJN...

Tom: Eerlijk gezegd? Mijn auto. Tegenwoordig breng ik er zoveel tijd met mijn dochter in door dat ik er naar alles luister.

SEBASTIÁN: Ik heb genoten van kleinere podia in Parijs zoals New Morning en La Gare Jazz – plekken waar je elke avond live jazzmuziek kunt horen met wisselende line-ups. Het is rauw en speciaal voor het moment. Er is ook een goede scene rond Bastille, met alles van rap tot rock.

EN DE BESTE PLEK OM TE DANSEN?

Tom: Mijn auto, alweer... Nee, misschien een volle ruimte met strakke cijfers, of een techno-afterparty. Overal waar de energie van de muren afketst.

SEBASTIÁN: Ik ben niet van het breakdancen, maar ik hou wel van dansen, vooral op Latijns-Amerikaanse muziek. Ik ga overal heen waar beweging is, zelfs als het een reggaetonavond is. Maar eerlijk gezegd werkt elke plek met een goede sfeer en een snelle twostep voor mij.

HOE KUNNEN MENSEN BREAKERS MAGAZINE STEUNEN?

Tom: De beste manier is om gewoon contact met ons op te nemen. Schrijf ons, deel je ideeën, laat ons je werk zien. We staan er altijd voor open om samen iets interessants te creëren, of het nu gaat om redactioneel werk, design, fotografie of evenementen. Het hoeft niet groots of gepolijst te zijn. We zijn een collectief in hart en nieren, en samenwerking is wat dit allemaal in leven houdt.

SEBASTIÁN: Ja, en het gaat niet echt om geld. Natuurlijk zou financiering ons meer tijd geven om aan het project te besteden, maar waar we echt naar op zoek zijn, is verbinding. Mensen die begrijpen wat we doen en creatief willen bijdragen. Schrijvers, ontwerpers, redacteuren, cultuurwerkers. Als je een manier ziet om met ons samen te werken, laten we dan praten.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2507.25Grenfell nabestaande: 8 jaar verder met Noel Douglas

Terug naar Functies

72 doden. 8 jaar. Geen gerechtigheid.

Dit is Grenfell, acht jaar na de tragedie die 8 mensenlevens kostte en de brute tekortkomingen blootlegde van een systeem dat winst boven mensen stelt. Nu de sloop op handen is, is wat er overblijft een symbool van verwaarlozing door de staat, deregulering en het geweld van ongelijkheid. Ondanks talloze beloften is nog steeds niemand strafrechtelijk aansprakelijk gesteld, waardoor rouwende families in de schaduw van Grenfell op zoek zijn naar een afsluiting.

“De tragedie maakt zoveel aspecten zichtbaar van wat er in mijn leven mis is gegaan in onze samenleving dankzij neoliberale kapitalistische ideeën, de privatisering van ruimte en huisvesting, de ondermijning en demonisering van sociale huurwoningen en de huurders ervan, de benarde situatie van de arbeidersklasse, immigranten en vluchtelingen in dit systeem, het gebrek aan zorg en de uitholling van de lokale democratie, de deregulering die toestaat dat er schade wordt toegebracht aan alle kanten ten behoeve van grotere winsten voor grote mondiale ondernemingen, en het ondoorzichtige gebrek aan verantwoording dat met dat alles gepaard gaat.

Noël Douglas was er de ochtend na de brand. Sindsdien is hij nauw betrokken bij de Grenfell-gemeenschap voor nabestaanden en zet hij druk op degenen die de afgelopen acht jaar hun verantwoordelijkheid hebben ontlopen. Zijn werk versterkt de strijd voor rechtvaardigheid, of dat nu op straat is via posters en augmented reality-reclameborden, online via sociale media of op een galeriewand in de internationale tentoonstelling 'Inequalities' van de Triënnale in Milaan.

Namens Next of Kin sprak UNCLE met Noel over politiek verzet en cultuurkritiek, Grenfells banden met Milaan en waarom de straten nog steeds de belangrijkste galerie zijn die we hebben.

JE BENT KUNSTENAAR, GRAFISCH ONTWERPER EN ACTIVIST IN ÉÉN. WAT IS JE ACHTERGROND WAT BETREFT HET WERK DAT JE DOET? HEB JE KUNST GESTUDEERD?

Ik kom uit een alleenstaande ouder, een arbeidersgezin. In de jaren 80, in Thatchers Groot-Brittannië, betekende dit dat je zo arm mogelijk was, omdat, net als nu, arme alleenstaande ouders als zondebok werden gezien, omdat ze zich niet verdienstelijk voelden. Daar komt mijn woede over onrecht denk ik vandaan. Ik herinner me nog dat ik jong was en het niet eerlijk vond dat sommige mensen veel hadden en anderen, zoals ik, niets. Toen ik ging studeren, ontmoette ik activisten en begon ik voor het eerst zelf te lezen en te leren over de geschiedenis van de arbeidersklasse en de geschiedenis van revolutionaire linkse bewegingen. Dat was zo inspirerend dat ik begon te begrijpen waarom we in een kapitalistisch systeem leefden dat mensen zo behandelde, en, belangrijker nog, wat we konden doen om dat te veranderen. Ik studeerde conceptuele beeldende kunst aan de universiteit en volgde daarna een masteropleiding design aan het Royal College of Art in Londen, allemaal met volledige subsidies. Ik had dus geluk dat ik de staart van het gratis onderwijssysteem in het Verenigd Koninkrijk meemaakte, een ander slachtoffer van privatisering. Natuurlijk zou iemand met mijn achtergrond dit niet kunnen doen zonder enorme schulden op te bouwen, als ze dat überhaupt al zouden doen. Dat is volkomen onterecht en maakt me ook erg boos. Daarom steun ik goede doelen zoals Arts Emergency, die kinderen uit de arbeidersklasse ondersteunen en begeleiden die kunstenaar of ontwerper willen worden. Tijdens mijn studie hielpen de inzichten die ik opdeed door te lezen en activisme me om mijn creativiteit te verbinden met mijn politieke opvattingen.

KUNT U HET BELANG VAN KUNST UITLEGGEN IN DE CONTEXT VAN HET VORMEN VAN HET POLITIEKE DISCOURS EN UITDAGENDE ONDERWERPEN ZOALS SOCIALE RECHTVAARDIGHEID EN ONGELIJKHEID?

Kunst in de meest ware zin van het woord gaat over verbinding maken met anderen en hen emotioneel raken om de verbeelding te prikkelen en de wereld opnieuw te zien. Kunstenaars moeten natuurlijk niet gedwongen worden om iets specifieks te zeggen of een bepaalde politieke lijn te volgen, maar binnen de context van mijn werk vind ik het belangrijk dat het werk aansluit bij wat er in de wereld gebeurt, vooral omdat het lijkt alsof we nu in een tijdperk leven waarin het leven op aarde zelf wordt bedreigd door de logica van winst om de winst en de gevolgen daarvan, zoals oorlog en de klimaatcrisis. Daarom wil ik mijn werk gebruiken als wapen in de strijd. Door te creëren wat ik 'radicale spektakels' noem in de populaire cultuur, kunnen we helpen houdingen en percepties te veranderen. De Amerikaanse kunstenaar-activist Stephen Duncombe noemt dit 'AEffect', een combinatie van 'affect', het vermogen om emotioneel te raken met 'effect', het vermogen om dingen politiek te beïnvloeden, of zoals hij het zelf omschrijft, het gebruik van 'emotioneel boeiende en creatief vormgegeven ervaringen om betekenisvolle politieke verandering te creëren, waarbij hart en geest samensmelten in activisme'.

Of het nu gaat om flyeren, billboards, digitale schermen of led-busjes, veel van je werk komt terecht op straat en in de openbare ruimte. Kun je ons iets vertellen over je relatie met straatkunst en het belang ervan?

Ik denk dat de straat en de openbare ruimte essentieel zijn en gebruikt moeten worden. Niemand kan ons hier uiteindelijk van weerhouden, het is onze ruimte! Ik zie de hele stedelijke omgeving als een plek om in te grijpen, via welk geschikt medium dan ook. Doordat de aandacht van mensen de afgelopen twintig jaar naar online is verschoven, zijn de stedelijke ruimte en de straat ook veel te weinig benut. Ironisch genoeg verklaart dat volgens mij de toenemende belangstelling voor street art. Maar de les van street art is om zelf aan de slag te gaan, niet om een Banksy-sjabloon uit een muur te kerven en te veilen! In de politiek vinden protesten, blokkades, bezettingen en revoluties natuurlijk allemaal plaats op straat en in de openbare ruimte van de stad. Het is dus belangrijk om de ruimte om ons heen te gebruiken waarin we dagelijks leven. Ik exposeer graag in galerieën en musea, maar de straat is waar het leven zich afspeelt. Een mooi voorbeeld hiervan is dat ik een paar jaar geleden straatartiesten in Caïro ontmoette. Tijdens de revolutie gingen ze de straat op om de muren te beschilderen met de meest verbluffende muurschilderingen. Ze deden dit elke dag. Ze beschreven hoe de muren op kranten leken en vaak duizenden mensen om zich heen verzamelden. Deze muurschilderingen waren zo krachtig dat een geweldig boek erover, getiteld 'Muren van Vrijheid', tot op de dag van vandaag verboden is in Egypte. Het is niet elke dag dat we midden in een actieve revolutie zitten, maar we kunnen nog steeds actie ondernemen. En door dat te doen, net als met demonstraties, oefenen we voor de grotere verandering die komen gaat. Door onze eisen te verkondigen en ons verzet te uiten tegen de wereld zoals die nu is, laten we zien wat er mogelijk is en geven we mensen het vertrouwen dat ze niet de enigen zijn die een betere wereld willen en dat creativiteit in al haar vormen een enorme rol speelt in dit alles.

KUN JE VERTELLEN HOE JE BETROKKEN RAAKTE BIJ DE GRENFELL NEXT OF KIN GROUP?

Ik woon vlakbij Grenfell en ben de ochtend na de brand naar een schokkende en afschuwelijke scène gegaan. De tragedie maakt zoveel aspecten zichtbaar van wat er in mijn leven in onze samenleving is misgegaan dankzij neoliberale kapitalistische ideeën, de privatisering van ruimte en huisvesting, de ondermijning en demonisering van sociale huurwoningen en hun huurders, de benarde situatie van de arbeidersklasse, immigranten en vluchtelingen in dit systeem, het gebrek aan zorg en de uitholling van de lokale democratie, de deregulering die toestaat dat ons schade wordt toegebracht ten behoeve van grotere winsten voor grote internationale bedrijven, en het ondoorzichtige gebrek aan verantwoording dat daarmee gepaard gaat. Naarmate de tijd verstreek en er geen rechtvaardigheid in zicht leek, dacht ik dat ik op de een of andere manier hulp moest proberen te bieden. Omdat ik lokaal ben, vind ik het belangrijk om verbinding te maken met waar je bent, en niet alleen met grotere wereldwijde problemen. Terwijl ik nadacht, nam Kimia van Grenfell Next of Kin contact met mij op via Twitter en vroeg of ik kon helpen. Ze legde uit dat Grenfell Next of Kin bestond uit ongeveer de helft van de mensen die zichzelf hadden georganiseerd omdat ze niet tevreden waren met wat er tot dan toe was gebeurd. Dus zijn we bij elkaar gekomen en zijn we begonnen met het bedenken van campagne-ideeën.

HOE NAVIGEER JE MET DE SPANNING TUSSEN ZICHTBAARHEID EN GEVOELIGHEID WANNEER JE SAMENWERKT MET NABEHOUDERS VAN GRENFELL?

Het is niet zonder problemen, alles wat ik doe doe ik in samenwerking met de Grenfell Next of Kin-groep, maar natuurlijk moeten we bij zo'n traumatische ervaring voor de overlevenden en nabestaanden goed opletten wat we laten zien en doen – ik gebruik bijvoorbeeld niet zomaar beelden van de brandende toren – maar tegelijkertijd willen we de tragedie bekendmaken en in het publieke geheugen houden. Het belangrijkste publiek is dus het publiek, wat betekent dat we de meest aangrijpende aspecten niet uit de weg gaan. Mijn eerste werk voor Grenfell Next of Kin was bijvoorbeeld het maken van een aantal videoclips voor sociale media van bewerkingen van het onderzoek. Omdat de onderzoekskamer een blauwe achtergrond had, kwamen we op het idee om korte fragmenten van beelden van de brandende toren in te voegen achter de personen die we als de schuldigen zagen, terwijl ze met het onderzoek spraken, en vervolgens beelden van 72 slachtoffers in te voegen achter de aanklagers die deze mensen ondervroegen.

Op verschillende posters die ik heb gemaakt, heb ik augmented reality-lagen toegevoegd die via de telefoon te bekijken zijn en die ook gebaseerd zijn op werk zoals deze videoclips van het onderzoek. Deze lagen worden over de tekstuele posterberichten gelegd. Ik noem dit een 'uitgebreide poster'. Het idee hier is dat augmented reality-technologie in principe wordt gezien als een manier om advertenties in ons gezichtsveld te plaatsen. Advertenties voor producten proberen ons altijd van de realiteit naar een denkbeeldige toekomst te brengen waar we het product hebben gekocht. In mijn verbeelding brengt augmented reality de realiteit dichterbij. In dit geval worden belangrijke momenten van het onderzoek, die online verborgen liggen in lange YouTube-video's, naar je telefoonscherm gebracht en gecombineerd met de tekst van de poster. Tot slot, wat betreft de grafische ontwerpkeuzes, kies ik voor een zwart-witte identiteit, voornamelijk gebaseerd op tekst, met een sterk, vet lettertype. In een advertentieruimte creëert het een duidelijk contrast met de kleurrijke reclame. De dominantie van zwart verwijst ook naar het feit dat het een vorm van herdenking en herinnering is, en het vetgedrukte lettertype symboliseert de kracht van de nabestaanden in hun strijdboodschappen.

HOE IS DE REACTIE TOT NU TOE GEWEEST OP HET WERK DAT U HEEFT GEDAAN?

Ik heb geweldige reacties gehad van mensen die mijn werk zien, of het nu tijdens lezingen is die ik geef, online of op evenementen zoals de Triënnale. Ik zie het als een doorlopend proces, dus het gaat er niet om dat één ding veel aandacht krijgt (dat zou ook prima zijn!), maar om het cumulatieve resultaat dat voortkomt uit een oeuvre dat in de loop der tijd breder aansluit bij mijn politieke artistieke ontwerppraktijk. Ik vind het belangrijk om mediabeelden te creëren van mijn werk, in de hoop dat beelden van wat er gemaakt is na verloop van tijd ook circuleren als onderdeel van de visuele cultuur waarin we leven. Als je bijvoorbeeld online naar 'Grenfell' zoekt, hoop ik dat de afbeeldingen in de zoekresultaten verschijnen, zodat de boodschap van mijn werk op die manier blijft voortleven.

WAT MAAKT EEN POLITIEK GRAFISCH ONTWERP VOLGENS JE MENING EFFECTIEF? EN HOE BRENG JE DE RUIS DOOR IN EEN WERELD DIE WORDT GEDOMINEERD DOOR KORTE AANDACHTSPANNING EN SOCIALE MEDIA?

Ik denk dat het bijna onmogelijk is om te zeggen wat tegenwoordig een effectief kunstwerk maakt. Het belangrijkste is om het te maken, het te publiceren en te zien wat er gebeurt. De middelen zijn nog nooit zo beschikbaar geweest en er zijn mogelijkheden om het te verspreiden. Eén ding dat ik essentieel vind, of werk meer kans geeft om door te dringen, is dat kunstenaars en ontwerpers activisten zijn en daadwerkelijk betrokken zijn bij politieke en sociale strijd, in plaats van dit soort werk te zien als een eenmalig project voor een goed doel. Wanneer werk op deze manier verbonden is, heeft het beeld meer kans om een symbool van de strijd te worden, de wereld in gedreven door de sociale krachten die het vertegenwoordigt.

Eerder dit jaar werd aangekondigd dat Grenfel zou worden gesloopt en dat er een gedenkteken zou worden gebouwd. Wat is de algemene consensus onder de nabestaanden van Grenfel? Wat zou u graag zien gebeuren met het Grenfel-terrein?

Het grootste probleem met de toren is dat hij onveilig wordt, dus ongeacht andere discussies is dit de belangrijkste factor voor de instorting, omdat we allemaal niet willen dat er nog een tragedie gebeurt. Wat betreft de ruimte is de belangrijkste eis dat de hoogte op de een of andere manier behouden blijft en dat het monument dat er staat permanent is en niet iets dat later kan worden weggehaald. Welke vorm dat krijgt, is nog onderwerp van discussie. Maar de grootste zorg is dat het terrein voor iets anders gebruikt zal worden en niet om de tragedie te herdenken.

KUN JE ONS IETS VERTELLEN OVER DE TRIENNALE VAN MILAAN? 'ONGELIJKHEID' IS HET THEMA VAN DE 24E INTERNATIONALE TENTOONSTELLING VAN DE TRIENNALE (TOT 9 NOVEMBER 2025) EN ER IS EEN SECTIE GEWIJD AAN GRENFELL. WAT IS DE GESCHIEDENIS VAN MILAAN MET DE BRAND VAN GRENFELL?

De connectie met Milaan kwam op verschillende manieren tot stand. Ten eerste na de brand in de Torre dei Moro-toren kwamen een paar mensen van Grenfell-nabestaanden naar buiten om hun solidariteit te tonen en de Italianen te ontmoeten die dakloos waren geworden door deze brand, veroorzaakt door dezelfde gevelbekleding als Grenfell. Ten tweede is er een connectie met Triennale-voorzitter Stefano Boeri, omdat de Conservatieve regering in het Verenigd Koninkrijk in 2021 zonder waarschuwing aankondigde dat de Grenfell-toren gesloopt zou worden. Als reactie hierop kwam een nabestaande die een baby had verloren bij de tragedie met het idee om een bloementoren te ontwerpen als Grenfell-monument. Hij gebruikte de resten van de toren en plantte er 72 soorten planten en bloemen op, waardoor de toren zou bloeien als een verticale tuin. Dit idee was geïnspireerd door Stefano's werk in Milaan met de Vertical Bosco-torens. Stefano was zo vriendelijk om een afbeelding te maken van het voorstel voor een poster die we maakten om ons te verzetten tegen het sloopplan van de Conservatieven.

DENK JE DAT TENTOONSTELLINGEN ALS DEZE KUNNEN HELPEN OM DRUK TE ZETTEN OP INSTELLINGEN EN OVERHEDEN? OF IS HET EFFECT MEER SYMBOLISCH?

We leven in een wereld van toenemende ongelijkheid die alle andere problemen verergert en aanleiding geeft tot fascisme en haat jegens anderen. Elk platform dat ons in staat stelt hierover na te denken, het te bespreken en actie te stimuleren om het te veranderen, is een goede zaak. Natuurlijk moeten we niet naïef zijn over de rol die instellingen kunnen spelen bij het handhaven van de status quo, en de manier waarop ze vaak mensen uitsluiten, een moeilijke geschiedenis hebben die verweven is met de erfenis van kolonialisme en imperialisme en allerlei andere problemen, maar we mogen de ruimte en de publieke functie ervan evenmin onderschatten, vooral niet in democratische samenlevingen zoals de onze – hoe verzwakt ze ook zijn geworden – waar dit soort ruimtes over het algemeen nog steeds liberaal en open zijn op een manier die ze in andere landen niet zijn.

WAT IS UW HOOP VOOR DE TOEKOMST VAN GRENFELL EN DE BETROKKENEN?

Dat we gerechtigheid krijgen voor de 72 slachtoffers, dat de verantwoordelijken ter verantwoording worden geroepen, dat we de wetgeving omtrent brandbare gevelbekleding die wereldwijd wordt gebruikt aanpassen en dat we door deel te nemen aan wat hopelijk een succesvolle strijd voor gerechtigheid zal worden, de maatschappij richting een eerlijkere, vreedzamere en rechtvaardigere toekomst bewegen.

https://www.noeldouglas.net/

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2507.25Virtueel echt: hoe Sara Sadik de code van digitale kunst herschrijft

Terug naar Functies

Broederschap. Beurcore. Tranen in een virtuele buitensportschool. Waterpijp roken in een gepixelde lounge. Dit is de wereld van Sara Sadik.

Sadik, geboren in Bordeaux in 1994 en nu woonachtig in Marseille, creëert rijkelijk gefantaseerde universums die fictie, documentaire, Franse rap, games en emotionele intimiteit combineren. Haar werk onderzoekt mannelijkheid, Maghrebijnse identiteit en de arbeidersklasse-jeugdcultuur in Frankrijk, wat ze soms "... Beurcore door de lens van digitale kunst, machinima en performance. Haar werk, dat ze afstudeerde aan de School of Fine Arts van Bordeaux, is internationaal tentoongesteld in steden als Parijs, Berlijn, Liverpool, Londen, Rome en New York.

In films en CGI ondergaan Sadiks personages, meestal jonge mannen, emotionele of spirituele transformaties in gestileerde, vaak surrealistische omgevingen. XENON PALACE KAMPIOENSCHAP (2023), een mystieke shishalounge wordt een toevluchtsoord voor vriendschap en genezing. In Het drankje (EH)Een videogame-avatar navigeert angst, melancholie en sereniteit vanuit een BMW geparkeerd op Camden High Street. Dit zijn niet zomaar visuele ervaringen, het zijn emotionele architecturen, vol tederheid, spanning en onverwachte humor.

"De werelden die ik creëer zijn fictief, maar geworteld in het echte leven", vertelt ze aan UNCLE. "Soms spelen ze zich af in het heden, vaker in de nabije toekomst. Ze kunnen zich afspelen in virtuele of echte omgevingen, maar ze ensceneren altijd echte emoties en ervaringen."

Haar denkbeeldige ruimtes, vaak vormgegeven als videogames of reality-tv, remixen de codes, objecten en symbolen van de Franse arbeidersjeugdcultuur. Het zijn niet alleen visuele ruimtes, legt ze uit, "het zijn emotionele en symbolische territoria waar andere manieren van bestaan kunnen worden bedacht." De kern: identiteit, liefde, mannelijkheid en transformatie.

Maar wat gebeurt er als een kunstenares als Sadik haar virtuele wereld de straat op brengt, middels een wildposting-campagne door heel Parijs?

Nou ja – meer van hetzelfde.

Want voor Sadik is de galerie nooit de eindbestemming geweest. "Ik geloof dat kunst niet beperkt moet blijven tot exclusieve plekken", zegt ze. "Het gaat erom wie zich welkom voelt en wie niet."

Haar eigen eerste kennismaking met een tentoonstelling kwam pas laat, en pas via de kunstacademie. Die afstand vormt nog steeds haar blik. "Mijn werk gaat over het creëren van omgevingen waar mensen zichzelf weerspiegeld kunnen zien," vervolgt ze, "vooral degenen wier leven en realiteit zelden in deze ruimtes worden gerepresenteerd. En het uitsluitend tonen ervan in die institutionele ruimtes voelt soms contraproductief."

In plaats daarvan spreekt ze over het buigen van institutionele regels, het verschuiven tussen formats en het creëren van ruimte voor een nieuw publiek. Een publiek dat het werk van de Marseille-kunstenaar op de Parijse muren zal vinden.

JE WERK BEWEEGT ZICH TUSSEN FICTIE EN DOCUMENTAIRE, MAAR IS OOK VOORAL GEÏNSPIREERD DOOR GAMING, ANIME EN RAPMUZIEK. KUN JE ONS VERTELLEN OVER DE VROEGERSTE INVLOEDEN DIE JE BEELDTAAL HEBBEN VORMGEGEVEN?

Ik ben echt een kind van de televisie. Ik ben opgegroeid met kabeltelevisie thuis, dus ik keek constant naar alles van Disney Channel tot MTV, tekenfilms, realityshows, anime, wat er ook maar op tv was. Dat heeft mijn visuele taal al vroeg gevormd. Toen ik naar de kunstacademie ging en video's ging maken, begon ik die referenties natuurlijk te remixen en de formats waarmee ik was opgegroeid opnieuw te creëren. Hetzelfde geldt voor videogames en Franse rap. Het was een enorm onderdeel van mijn jeugd en is dus altijd onderdeel geweest van mijn werk.

De allereerste was TV Shopping. Ik keek er elke ochtend met mijn moeder naar. Dat format gaf me zoveel vrijheid. Ik kon experimenteren met beeld, voice-overs, objectontwerp, tekst en performance. Ik maakte mijn eigen objecten, speelde de presentator, bouwde een hele show op. Het was voor mij een manier om anders over mijn cultuur te praten, met humor maar ook met diepgang. Achter de speelse oppervlakte ging iets persoonlijkers en gelaagds schuil. Het stelde me in staat om de arbeiderscultuur op mijn eigen voorwaarden uit te drukken, zowel in hoe die eruitzag als in wat die betekende.

ZIE JE JOUW PRAKTIJK ALS WERELDOPBOUWEND? EN ZO JA, WAT OMVAT EEN SARA SADIK-WERELD ALTIJD?

Ja, eigenlijk staat het proces van wereldopbouw in al mijn projecten voorop. Elk project heeft een compleet universum waar fictie en emoties uit het echte leven naast elkaar bestaan. Ik zou zeggen dat ze altijd jonge mannen uit de arbeidersklasse en diasporagemeenschappen in Frankrijk bevatten, vaak getekend door kwetsbaarheid, maar nooit tot die kwetsbaarheid gereduceerd. Deze werelden vermengen de codes van videogames, reality-tv, rap en sciencefiction om transformerende verhalen te creëren. Ze zijn opgebouwd uit echte gebaren, objecten, talen en emoties die ik herinterpreteer om nieuwe manieren van zijn te verbeelden. Het zijn altijd ruimtes voor innerlijke reizen, voor liefde, voor zelfontdekking, voor veerkracht. Ze bevatten altijd een diepe emotionele dimensie en een verlangen om een alternatief verhaal te bieden.

VEEL VAN JE WERK DRAAIT OM EMOTIONELE TRANSFORMATIE – VOORAL VOOR JONGE MANNEN, ZOALS TE ZIEN IS IN JE XENON PALACE KAMPIOENSCHAPWAT TREKT JE AAN OM SPECIFIEKE THEMA'S IN JE WERK TE ONDERZOEKEN?

Voor mij weerspiegelt het iets diep intiems en tegelijkertijd politieks. Ik werk vaak met jonge mannen die zichtbare en onzichtbare wonden met zich meedragen, en ik wil ruimtes creëren waar ze gezien kunnen worden zoals ze zijn, waar kwetsbaarheid kracht wordt en emoties geen zwakte zijn, maar een pad naar groei.

Thema's als liefde, identiteit, veerkracht of vriendschap staan centraal, omdat ze in mainstream verhalen zelden met zorg of diepgang aan deze mannen worden gepresenteerd. In mijn fictie probeer ik me voor te stellen hoe genezing eruit zou kunnen zien wanneer tederheid de ruimte krijgt om te bestaan, vooral voor degenen die in het echte leven de ruimte voor persoonlijke groei wordt ontzegd, waar sociale en emotionele transformatie vaak wordt geblokkeerd door structureel geweld en alledaagse worstelingen.

JOUW WERK BRENGT EMOTIES ZOALS ANGST EN SERENITEIT IN EEN GAMING-STIJL OMGEVING DIE, TIJDENS HET OPGROEIEN MET GAMES, NIET ALTIJD TOT UITING KON KOMEN IN DE BEPERKTE GRAFISCHE KWALITEIT EN VERHAALLIJNEN. WAAROM DENK JE DAT VIDEOGAMES EN INTERACTIEVE ANIMATIE ZO'N KRACHTIGE KUNSTVORM ZIJN?

Dit soort media creëert meeslepende ruimtes waar emoties actieve ervaringen worden in plaats van passieve observaties. Als kunstenaar heb ik de vrijheid om games en interactief werk te creëren die niet bedoeld zijn voor commerciële platforms, maar eerder machinimafilms of experimentele verhalen worden. Deze vrijheid stelt me in staat om gevoelige en genuanceerde verhalen te vertellen en emotionele diepten te verkennen die conventionele games vaak vermijden, ook al is dat nu veranderd. Binnen deze ruimte kan ik experimenteren en grenzen verleggen, om nieuwe manieren van verhalen vertellen te ontwikkelen.

ER IS EEN INTIMITEIT IN JE PERSONAGES, ZELFS ALS ZE GESTILEERD OF 'VIRTUEEL' ZIJN. HOE MAAK JE DIGITALE FIGUREN MENSELIJK EN BLIJF JE EMOTIE CENTRAAL?

Ik geloof dat de sleutel is om ze te baseren op echte, intieme verhalen en emotionele waarheden. Zelfs als ze virtuele avatars zijn, dragen mijn personages de last van de levenservaringen van de mensen die hen inspireren, hun kwetsbaarheden, verlangens en tegenstrijdigheden. Ik put uit echte stemmen om ze herkenbaar en authentiek te maken.

Een centrale techniek die ik gebruik is de interne monoloog, waarmee het personage zijn of haar innerlijke gedachten en emoties rechtstreeks aan het publiek kan uiten. Ik doe dit om deze virtuele persona te humaniseren, maar ook om hun innerlijke worstelingen en aspiraties te laten zien of te vertellen, waardoor hun ervaringen tastbaarder en emotioneler worden. Ik denk dat dit de manier is waarop de connectie tussen de kijker en het personage kan ontstaan, door van een avatar een complex, emotioneel individu te maken.

Je hebt gezegd dat je het geweldig vindt als kunst uit de galerie wordt gehaald. Waarom is dat belangrijk voor je?

Ik geloof dat kunst niet beperkt hoeft te blijven tot exclusieve plekken. Het gaat erom wie zich welkom voelt/is en wie niet. Ik kan me niet herinneren wanneer ik voor het eerst naar een galerie-expositie ging, maar dat was vrij laat in mijn leven, en alleen tijdens mijn kunststudie.

Mijn werk draait om het creëren van omgevingen waarin mensen zichzelf weerspiegeld kunnen zien, vooral diegenen wier leven en realiteit zelden in deze ruimtes worden gerepresenteerd. En het uitsluitend tonen ervan in die institutionele ruimtes voelt soms contraproductief.

Ik heb ervoor gekozen om binnen de institutionele kunstwereld te werken en ik accepteer sommige regels, maar ik probeer ze ook te buigen om ruimte te maken voor andere aanwezigheden, andere verhalen en andere doelgroepen. Daarom probeer ik er, waar ik kan, voor te zorgen dat mijn werk ook op meer publieke of toegankelijke manieren kan worden ervaren.

WELKE RUIMTEN (FYSIEK OF DIGITAAL) ONTBREKEN ER VOLGENS JOU NOG VOOR KUNSTENAARS ZOALS JIJ?

Ik heb nog geen duidelijke visie op wat voor soort ruimtes er gecreëerd moeten worden, fysiek of digitaal. Ik geloof wel dat het nodig is om er veel te hebben, hybride en evoluerend. Maar ik denk dat anderen ze zullen bedenken en bouwen.

JE WOONT IN MARSEILLE, EN ER IS VEEL OVER DE CULTURELE AFSTAND TOT PARIJS GERAAKT. HEEFT JE DAARHEEN-WOONPLAATS JE IDENTITEITSGEVOEL ALS KUNSTENAAR – OF JE VERHALENVERTELLING – BEÏNVLOED?

De keuze om in Marseille te wonen in plaats van Parijs, vooral in een tijd waarin Parijs voor veel afgestudeerden de voor de hand liggende keuze was, gaf me de vrijheid om me in mijn eigen tempo te ontwikkelen. Ik kon groeien zonder me in een hypercompetitieve omgeving te bevinden en vrij blijven in hoe ik wilde creëren. Marseille is ook een stad vol krachtige symbolen, die op natuurlijke wijze hun weg vonden naar mijn werk. Omdat ik me richt op een specifieke sociale groep, bood mijn verblijf hier me ook de mogelijkheid om samen te werken met lokale mensen en instellingen die direct verbonden zijn met de verhalen die ik vertel.

VEEL VAN JE WERK GAAT OVER TRANSFORMATIE – MOREEL, EMOTIONEEL, FYSIEK. ZIE JE JE PERSONAGES ALS STAND-INS VOOR JEZELF, OF VOOR IEMAND IN HET BIJZONDER?

Ze zijn niet autobiografisch, maar ze dragen wel delen van mij (emoties, herinneringen, vragen). Ze worden gevormd door mensen die ik ken, mensen met wie ik momenten deel. Het kunnen tieners zijn die ik ontmoet en waarmee ik werk tijdens een workshop, of mannen uit mijn leven zoals mijn man of mijn broer. Het is altijd een mix van persoonlijke en collectieve ervaringen.

Wat mij interesseert is transformatie als een vorm van verzet of overleving. Deze personages maken vaak dingen mee die de realiteit hen niet volledig laat ervaren, zoals genezing, tederheid en herkenning. Fictie biedt me een manier om ze die ruimte te bieden, zelfs als het virtueel of ingebeeld is.

JE INSTAGRAM IS PRIVÉ – WAT ZELDZAAM IS VOOR EEN DIGITALE KUNSTENAAR. IS DAT EEN BEWUSTE GRENS, OF PERSOONLIJKER DAN PROFESSIONEEL?

Ik heb het een paar keer heen en weer gewisseld, maar heb onlangs besloten het voorgoed privé te houden. Zelfs als het een zakelijk account is, is het mijn enige account en geeft het iedereen nog steeds een soort directe toegang tot mij. Op een gegeven moment moest ik dat beschermen. Mijn privéleven staat voorop, ook al is het professioneel gezien niet de meest strategische keuze. Ik accepteer nog steeds de meeste verzoeken, maar ik voel me zo gewoon veiliger.

WAT VOELT U DRINGEND OM TE ONDERZOEKEN – OP HET GEBIED VAN FORMAAT, THEMA OF EMOTIONEEL TERRITORIUM?

Ik heb het gevoel dat ik erin geslaagd ben om bepaalde verhalen en stemmen in de hedendaagse kunst te brengen, en nu wil ik hetzelfde doen met de Franse cinema. Het is ook een gebied waar ik nog steeds een groot gebrek voel, misschien minder in wie er vertegenwoordigd wordt, maar zeker in hoe. Ik ben er al over aan het nadenken en werken, maar het kost tijd.

Wat betreft thema's: ik blijf doen wat ik doe en probeer het steeds verder uit te breiden. De laatste tijd voel ik me weer aangetrokken tot de tienertijd, omdat het een periode is waarin alles zo snel verandert en ik die nieuwe verhalen wil blijven vertellen en archiveren.

Denk je dat digitale kunst tegenwoordig serieuzer wordt genomen, of zijn er nog steeds misvattingen waar je tegenaan werkt?

Ja, dat denk ik wel. Maar ik heb nog steeds het gevoel dat er binnen instellingen vaak een gebrek is aan goede apparatuur en professionele technici om de installatie van digitale werken te ondersteunen, en dan met name interactief werk. Soms schiet de manier waarop deze werken door bemiddelingsteams aan het publiek worden besproken en gepresenteerd ook tekort, vooral als het gaat om het overbrengen van het hoe en waarom van het medium, de gebruikte technologieën en de artistieke intenties achter het gebruik ervan.

HOE ZOU UW DROOMPUBLIEK KUNSTWERK ERUIT ZIEN ALS ER GEEN GRENZEN ZIJN?

Ik heb er eigenlijk wel een in gedachten, maar ik wil het liever nog niet beschrijven. Het is iets wat ik hoop in de toekomst te kunnen realiseren, dus ik houd het liever nog even voor mezelf.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2506.25JALOERS Galerij: Zomershow 2025

Terug naar Functies

Er hangt altijd een voelbare buzz rond bij JEALOUS. Dat komt natuurlijk door de tentoongestelde kunst en de opeenvolging van vaak verrassende, altijd boeiende tentoonstellingen. Het personeel is professioneel, zeer gastvrij en maakt graag een praatje en deelt graag hun kennis over elke lopende tentoonstelling. Maar er is nog een derde element dat bijdraagt aan de dynamische sfeer: er zijn twee verdiepingen vol drukke ateliers boven het Shoreditch-terrein, waar een stroom prenten van talloze kunstenaars en supergetalenteerde grafici wordt geproduceerd. Het is een krachtpatser.

"Ik ben op een punt in mijn leven beland waarop ik banger ben om dingen niet te doen, dan om dingen wél te doen."

De galerie, opgericht door Dario Illari en Jacquie Ryle, was niet altijd zoals ze nu is. Van het Italiaanse parachutistenregiment tot de verkoop van terracotta amforapotten op Camden Market: Dario's pad naar JALOERS is allesbehalve doorsnee.

Ter voorbereiding op hun langverwachte Jealous Summer Show spraken we met galerie-oprichter Dario Illari over zijn vroege invloeden, zijn onconventionele route naar de kunstwereld, zijn samenwerking met kunstenaars, het promoten van de galerie, de vreugde van grafische kunst en meer...

"Ik zeg tegen kunstenaars: als je het succes van een prent gaat beoordelen op basis van hoeveel er is verkocht, en als dat niet lukt, dan is het een slechte prent. Als dat je houding is, dan zit je in de problemen."

WAT WAS ALS KIND JE VOOR HET EERST IN CONTACT MET BEELDENDE KUNST? WELKE KUNSTWERKEN TREKKEN JE IN HET BIJZONDER AAN EN/OF SPREEKTEN JE VERBEELDING AAN? WAS ER IEMAND IN JE FAMILIE OF OP SCHOOL DIE JE INSPIREERDE?

Oké, ik groeide op om de hoek van de galerie/studio, in Worship Street, waar mijn ouders een café hadden. Dus ging ik naar school in Spitalfields, een kleine katholieke school gerund door nonnen toen Spitalfields nog een groente- en fruitmarkt was. Er waren twee grote invloeden.

Op een zaterdag gingen we op een tripje naar Tate Britain, en ik zag een sculptuur – ik wist niet dat het een sculptuur was – het was Andy Warhols Brillo Box. En mijn ouders gebruikten Brillo-pads in het café, ze kochten ze in precies dezelfde soort dozen die ik in de Tate zag. Het was mijn eerste keer in een groot museum, de andere kinderen liepen verder en ik stond daar maar te staren. En de juf zei: waarom kijk je hiernaar, vind je het mooi? En ik zei: dit is gewoon een doos! Mijn ouders gebruiken dezelfde Brillo-pads in het café. Ze zei: het is geen doos, want je kunt hem niet openen, je kunt er niet in. Ik staarde en staarde, liep eromheen, en toen had ik dit moment, en ik zei: het is een sculptuur! En ze keek me aan en ze zei: ja, het is een sculptuur. En dat was een moment, ik krijg er nog steeds kippenvel van als ik eraan denk, dat echt mijn ogen opende.

Een andere keer gingen we naar de National Gallery. Het was weer een zaterdag met school, ze leidden ons rond, stopten en praatten over de schilderijen. En ze spraken over die Canaletto, een uitzicht op Venetië, regatta's en al die mensen met maskers. Ze legde uit wat de maskers betekenden, dat het Mardi Gras was, het carnaval vóór de vastentijd, en die gemaskerde figuren, die anonimiteit, het feit dat je niet wist wie die mensen waren, verstoorden een doorgaans rigide klassensysteem. En Canaletto's vader, zijn achternaam was Canale – wat grappig genoeg het Italiaanse woord voor kanaal is – zijn vader was decorontwerper. Canaletto hielp hem met de decors, en theaterdecors hadden die extreme perspectieven, daarom zijn zijn perspectieven zo boeiend. En ik weet dat mensen zeggen: oh Canaletto, hij is niet cool. Maar dat is gewoon stom. Warhol en Canaletto, dat zijn de twee invloeden die mijn interesse in kunst echt hebben gevormd.

JE MAAKT ZELF KUNST EN BENT OOK JALOERS, MEDE-OPRICHTER/DIRECTEUR VAN EEN GALERIJ. HEB JE KUNST GESTUDEERD, ZO JA, WAT EN WAAR? WAT INSPIREERT JE EIGEN PRAKTIJK? HOE ZOU JE ZEGGEN DAT HET ZICH IN DE LOOP VAN DE JAREN HEEFT GEËVOLUEERD?

Ja, ik maak mijn eigen kunst. Ik heb geen kunstacademie gedaan. Ik heb geen universiteit gedaan. Eerlijk gezegd hield ik van kunst, maar mijn ouders, die Italiaanse immigranten waren, kwamen hierheen en wilden beter voor hun kinderen. Ik werkte in het café, maar ze wilden dat ik een kantoorbaan kreeg. Voor hen, als dokter, bankier, advocaat, dat soort banen – niet eens om op te scheppen tegen de familie – wilden ze zien dat hun kinderen 'status' hadden bereikt. Dat zou ik nooit doen. Maar door [hun houding] kon ik mijn kunststudie niet voortzetten.

Dus ik vertrok en ging in Italië wonen. Ik ging een tijdje naar de Verenigde Staten en werkte in Philadelphia bij Urban Outfitters toen ze net begonnen, waar ik wat ontwerpen voor ze deed. Ik ben in die dingen gerold; in de jaren 80 leek het alsof je vrijer kon experimenteren. Toen kwam ik terug en werkte ik bij Benetton, waar ik etalages voor ze ontwierp. Ik deed allerlei klusjes, maar ik was altijd aan het tekenen, kunst maken, want dat was wat ik leuk vond. En toen hadden we een klein filmbedrijf, vóór de digitale revolutie, begonnen we een bedrijf genaamd Badly Made Films. Korte films die we vertoonden op het Portobello Film Festival. Kunst, of het nu ging om beeldhouwkunst, film, schilderkunst, tekenen, enzovoort, ik 'speelde' er veel mee, het intrigeerde me allemaal.

HOE IS JE VAN JE TRAINING NAAR DE BIJDRAGE VAN HET ITALIAANSE PARACHUTEREGIMENT AAN DE AMERIKAANSE NAVO-VREDESMISSIES TOT HET MEDE-OPRICHTEN VAN JEALOUS IN 2008 GEGAAN?

Ik ging naar Italië omdat het hier niet zo geweldig was. Ik had mijn eindexamen. En ik had een plek aan de universiteit in het Verenigd Koninkrijk waar ik sociale antropologie en sociale administratie zou studeren. Ik wilde de wereld verbeteren! Maar zoals ik al zei, met mijn vader werd je een beetje te hard getroffen, dus ging ik naar Italië. Ik verloor twee jaar lang het contact met mijn familie en deed daar mijn militaire dienst. Ik had een dubbele nationaliteit, en die heb ik nog steeds. Ik ging naar de politie om me te laten registreren, want dat was wat je moest doen. Ze vroegen: waar wil je heen? Ik vroeg: wat betaalt het best? Ze zeiden: de Carabinieri, de nationale gendarmerie. Ik zei: oké, dat doe ik wel een jaar. Maar ze zeiden dat ik dat niet kon, omdat ik niet in Italië was opgeleid. Ik vroeg: wat is het op één na best betaalde? Ze zeiden: parachutistenregiment! Uiteindelijk heb ik mijn opleiding gevolgd in Livorno, Toscane, een deel van de basis was van de NAVO. We hebben alle trainingen gevolgd om bij de NAVO te dienen als vredesmacht in Libanon. Ik was negentien! Achteraf gezien kan ik me niet eens meer herinneren wie ik als persoon was. Maar we verdienden drieduizend dollar per maand, dus na een jaar kwam je eruit en had je goed verdiend. Je dacht niet na over de implicaties van het dienen in het leger, van iedereen werd gewoon verwacht dat ze hun dienstplicht vervulden. Zelfs nu nog gaan er zoveel jonge mensen bij het leger, dus ze worden gevormd, beïnvloed en gedwongen om dingen te doen zonder vragen te stellen...

DAAR KOMT HET WOORD INFANTERIE VANDAAN. EEN STRIJDKRACHT VAN KINDEREN, JONGEREN DIE GEMAAKT KUNNEN WORDEN!

Ja, ik denk niet dat het een blijvende impact op mij heeft gehad, maar ja, dat heb ik wel gedaan.

EN WAT WAS DE MOTIVATIE VOOR JE OM EEN GALERIJ EN PRINTSTUDIO OP TE RICHTTEN? WAS ER EEN PERSOONLIJKE ERVARING, GALERIJ OF TENTOONSTELLING DIE JE DEED DENKEN: 'IK KAN DIT!'?

Oké, oké, ik heb altijd al van de ontmoeting tussen kunst en ambacht gehouden. Mijn eerste bedrijfje, ik reed naar Italië en alle Romeinse landen hadden van die geldpotten. Kleine, terracotta, amforavormige kleipotjes waar je je geld in spaarde tot ze vol waren, je sloeg ze open, deed een wens en gaf het geld uit aan goede dingen. Dus ik haalde ze uit Italië, ze waren allemaal handgemaakt, in de zon gedroogd, ik kwam terug, beschilderde ze en verkocht ze in de zomer op Camden Market. Ik nam er honderd mee terug, ik betaalde er twintig of dertig pence per stuk voor en ik verkocht ze voor vier of vijf pond, en daar betaalde ik mijn vakantie mee.

VERWEVENING VAN INTERESSE IN KUNST EN AMBACHT MAAR OOK IN ONDERNEMERSCHAP…?

Absoluut. En dat laatste heb ik van mijn ouders overgenomen. En toen ontmoette ik Jacquie [die later medeoprichter van JEALOUS werd] en ze zei: deze doen het echt goed, waar verkoop je ze? Ik zei: Camden Market. En ze gaat, wat, de hele tijd? En ik zei: nee, alleen in de zomer, dan ga ik weer terug naar mijn gewone baan. Ze zei: ik denk dat dit [op veel grotere schaal] zou kunnen werken, ze had een bedrijfskundediploma. Dus op een gegeven moment kochten we er allemaal meer dan duizend, schilderden ze en verkochten ze op alle markten: Spitalfields, Covent Garden, Camden, Greenwich, op zaterdag en zondag. Mijn broer had één kraam, Jacquie had er een, haar zus had er één, ik had er één en we deden het echt heel goed. We huurden een afgesloten ruimte en uiteindelijk hadden we genoeg geld om een pand in Tottenham te kopen, dat we nog steeds hebben. We noemden het bedrijf Terra Mundi, we namen mensen uit de buurt in dienst met wie ik was opgegroeid. En we begonnen er vier- of vijfduizend per week te verkopen, zowel in de groothandel als in de detailhandel. Ze gingen naar alle grote tuincentra. Toen begonnen we te verkopen in Amerika, Canada, Japan, Frankrijk... Het was een geweldige tijd, waarin we mensen leerden hoe ze ontwerpen konden maken, allemaal met de hand geschilderd. Het was een heel fijne, onschuldige tijd.

Toen was er de wereldwijde financiële crisis, de ineenstorting van de subprime-hypotheekverstrekking, de hele cadeauwereld veranderde! Dus ik dacht: wat kan ik doen? Ik ging naar de Working Men's College in Camden en leerde zeefdrukken. Dat heeft natuurlijk te maken met mijn interesse in Andy Warhol. Toen begon ik een kleine studio in Crouch End, waar ik naartoe was verhuisd. Ik zat ook in een kutband genaamd Mario's Café, want dat was de Britpopscene en zo, en daar hingen we allemaal rond. Dus opende ik de studio, maar het was lastig, want al het geld dat binnenkwam van Terra Mundi stopte ik erin, en het groeide, en groeide, totdat we deze grote klus kregen en niet genoeg ruimte hadden om effectief te werken. Maar toen, dit gebouw waar we nu in zitten, het heeft vier verdiepingen, het was van mijn vader en moeder. Toen zij overleden, lieten ze het aan mijn broer en mij na. Uiteindelijk huurde ik de twee verdiepingen van mijn broer en zo zijn we geworden waar we nu zijn.

Waar let je op bij het bepalen welke kunstwerken je wilt tentoonstellen op Jealous en met welke kunstenaars je wilt samenwerken en ze op de lange termijn wilt ondersteunen?

Oké, nou ja, we vertegenwoordigen geen kunstenaars. We werken met kunstenaars, één project tegelijk. En één ding dat ik heb geleerd, is het verschil kennen tussen artistieke integriteit en financiële haalbaarheid. Wat ik daarmee bedoel, is dat we ooit een tentoonstelling hadden en ik een serie prints maakte, gewoon omdat ik dacht dat ze zouden verkopen. Ze waren oké, maar ze verkochten niet en ik hield alleen een weerspiegeling over van mijn eigen fucking hebzucht. En ik keek ernaar en dacht: ja, ik deed dat alleen voor het geld en het werkte niet. Nu, als mensen hier komen en ik laat ze de prints zien, weet je, trekken ze een lade open en zeggen ze: oh, dat is een hele mooie print! Ik ben het eens, dat is een prachtige print. Ze zullen zeggen: was hij goed verkocht? En ik zeg: nee, ik heb er twee verkocht. Ze zullen zeggen: dat is jammer. Ik zeg: ja, maar dat neemt niet weg dat het een geweldige print is.

Ik zeg tegen kunstenaars: als je het succes van een print gaat beoordelen op basis van hoeveel er is verkocht, en als het niet verkoopt, dan is het een slechte print, dan zit je in de problemen. Je moet je kijk op de dingen veranderen. Ik ga terug naar de prints die we in de lades hebben liggen en denk: je bent prachtig. En als ze verkopen, is dat geen bonus, want we moeten verkopen, maar een verkoop is niet de maatstaf voor een geweldige print.

Ik werk alleen met kunstenaars waar ik een klik mee heb, je moet de persoon kopen. Als mensen naar ons toe komen om prenten te maken, individuele kunstenaars, grote galerieën of musea, kopen ze mijn vaardigheden als graficus niet. Ze weten wat JEALOUS kan. Ze denken: kan ik met deze persoon samenwerken? Ja, hij is oké. En ik doe hetzelfde, als ik met kunstenaars werk, ben ik er om ze te begeleiden en ze bij de juiste drukkers te krijgen. En ik zeg altijd: je moet het ons vertellen als je niet tevreden bent. Als de kunstenaar niet tevreden is, is niemand tevreden.

En dat is het bijzondere aan het hebben van een zeefdrukstudio én een galerie. Normaal gesproken willen mensen kunstenaars in hokjes plaatsen: Anthony Burrill, hij is grafisch ontwerper; Ben Eine, hij is een straatkunstenaar; Michael Craig-Martin, hij is een beeldend kunstenaar. Het is hij is dit, zij is dat, een illustrator of wat dan ook. Het mooie in de studio is dat deze labels vervagen. We hadden de vierentachtigjarige Sir Michael Craig-Martin RA in de studio, tegelijk met bijvoorbeeld een straatkunstenaar, en ze stonden op gelijke voet, de ene kunstenaar praatte met de andere. Het mooie van de zeefdrukstudio is dat het een veilige haven is.

De relatie van een galerie met een kunstenaar is anders. Er hangt een bepaalde spanning. Een galerie komt binnen met een groot budget en vraagt: Dario, kunnen we deze print maken? Ja, natuurlijk, maar ik wil er altijd zeker van zijn dat iedereen die erbij betrokken is er volledig achter staat, dat de kunstenaar tevreden is. En de galerie zegt dan misschien: oh, maar ze klagen altijd. Oh, je laat mijn nieuwe werk niet zien. Oh, mag ik dan meedoen aan deze of gene show? Dan praat je met de kunstenaars en die zeggen: ik maak nieuw werk en zij [de galerie] willen dat ik oude dingen uitbreng... Dus er hangt altijd een bepaalde spanning. In de studio werkt iedereen aan het maken van de allerbeste prints. En mensen waarderen de manier waarop ze hier behandeld worden.

JE DOET VEEL AAN EVENEMENTEN EN BEURZEN BUITEN DE GALERIJ. WAAROM, HOE EN OP WELKE MANIER ZIJN DEZE BELANGRIJK VOOR HET DOORLOPENDE SUCCES VAN JEALOUS?

We doen JEALOUS-shows. We doen online releases. We doen kunstbeurzen en evenementen. De kunstbeurzen, weet je, ik doe ze vooral ten behoeve van de kunstenaars. Ze vinden het leuk om hun werk te exposeren op een beurs, een noemenswaardig evenement. Ja, het is prima om op JEALOUS tentoongesteld te worden, maar het is extra speciaal om te exposeren op de London Original Print Fair in Somerset House, de Woolwich Contemporary Print Fair, die echt goed is. En ik probeer op deze evenementen nieuw werk te lanceren. Ja, ze kunnen de bekendheid van de galerie, studio, website en alles vergroten, maar we doen ze vooral ten behoeve van de kunstenaars. Duur, maar ze dienen een doel. Er zijn er een paar die ik niet doe omdat ik hun ethos niet leuk vind, maar er zijn er veel met wie we een langdurige relatie hebben opgebouwd en die zijn goed. We gaan ook naar scholen, eerlijk gezegd niet zo vaak als we deden sinds we verhuisd zijn van Crouch End. Toch leiden we kinderen rond, praten we over wat kunst is, gewoon om te ontdekken en gesprekken over kunst te openen.

UW LANGVERWACHTE ZOMERSHOW – 14^TH & 15^TH JUNI – VINDT PLAATS IN ST. MICHAEL'S (EEN GEDECOREERDE KERK AAN LEANORD STREET, LONDEN EC2A 4QX). WAT HEEFT JE ER TOE AANGEZET OM DEZE LOCATIE TE KIEZEN? EN WAT ZIJN ENKELE VAN DE UITDAGINGEN BIJ HET OPSTELLEN VAN DE SHOW DAAR? ALS JE DE SCHAALMODEL ZIET DIE JE EERDER HEBT GEMAAKT, LIJKT HET EEN ENORME ONDERNEMING.

Ik ben op een punt in mijn leven beland dat ik banger ben om dingen niet te doen, dan om dingen wél te doen. Omdat ik denk, weet je, succes en falen, die twee bedriegers, het gedicht van Rudyard Kipling. Het belangrijkste is om het te doen. Een ander citaat is van een vriend van me, Aftab, hij zegt altijd: "Een man die geen fouten maakt, maakt niets." Je kunt al genoeg verpesten door gewoon thuis te zitten en tv te kijken! Ik word nog steeds enthousiast van dingen doen.

Wat de locatie betreft, zoals ik al zei, ik ben hier opgegroeid. Ik ken die kerk al jaren omdat het vroeger Lassco's Architectural Salvage was, dus ik ging er altijd naar binnen, het zat vol schatten. Nogmaals, dat was net als naar een museum gaan, ik verzamelde zoveel spullen. Toen ging het dicht en raakte het een beetje verloren, ik denk dat het gebruikt werd als opslagplaats voor bouwmaterialen. Toen liep ik er op een dag langs en zag ik dat het werd aangeprezen als locatie voor evenementen. Ik raakte met ze aan de praat en het bleek dat Gavin Turk er een klein evenement organiseerde. Coldplay bracht er een album uit. Patrick Hughes organiseerde er een evenement. En ik vroeg: hoeveel zou het kosten, een tweedaags evenement, drie dagen toegang? Dat liep op tot bijna twintigduizend dollar, dus toen ik me daar eenmaal voor had vastgelegd, dacht ik: ik ga gewoon alle artiesten die ik ken, mensen die al jaren met me samenwerken, uitnodigen om mee te doen. Ik zei dat ik deze show ga doen, ik zou het geweldig vinden als jij meedoet, ik steek er bakken met geld in, de muren kosten nog eens twintigduizend! Maar ik wil dat het echt goed wordt, ik wil dat het leuk wordt, ik wil dat mensen weer enthousiast worden. Dus dat is de kern van de zaak. En mensen zeiden: je moet entree vragen, en ik haat het om entree te vragen, maar je moet wel iets vragen, want het verplicht mensen om te gaan. En als je niet kunt of wilt betalen, werken we veel samen met The Big Issue en de Tottenham Food Bank, dus als je een voedseldonatie meeneemt naar de Summer Show, mag je gratis naar binnen. En dat doet me wel goed.

Het mooie is dat geen enkele artiest met wie ik heb gesproken nee heeft gezegd, ze willen er niet bij betrokken zijn. En weet je wat? Dat gaat niet over mij, het is een bewijs van JALOERSHEID. De line-up is fantastisch. Het is geweldig. En we hebben al het werk voor de artiesten gefinancierd, we gaan ervoor en zorgen dat iedereen tevreden is. Zoals ik al zei, ik ben banger om dit niet te doen. Het is een geweldig idee. En als het niet quitte speelt, denk ik niet dat ik wou dat ik het niet had gedaan. Want als ik het niet had gedaan, had ik gewild dat ik het wel had gedaan. Dus we doen het.

HET LIJKT EEN GEWELDIGE LINE-UP VAN BETROKKEN KUNSTENAARS TE WORDEN. WELKE WERKEN EN ACTIVITEITEN ZIJN VOOR JOU HET BESTE OM TE ZIEN EN AAN DEEL TE NEMEN?

Nou, zoals ik al zei, ligt de nadruk op plezier, op feestvieren. Onze beveiliging zal hopelijk bestaan uit dragartiesten. Dat zal helpen om de sfeer voor de show te bepalen. En als je binnenkomt, laten we een rad van fortuin draaien. Dus iedereen wint iets. We hebben een JALOERSE stand met live zeefdruk. Je zult niet geloven wat Dave Buonaguidi gemaakt heeft. Ik zal de verrassing niet verklappen, volstaat het te zeggen dat hij 2,65 meter lang is, erg harig en een strak spijkerjack draagt. Maar belangrijker nog, samen met de carnavaleske sfeer zal dit een museumwaardige show voor de artiesten zijn. Ik wil dat mensen weggaan met het gevoel dat dit fantastisch was.

IK MOET JE SAMENWERKING MET UNCLE VERMELDEN. ZIJ HELPEN MET DE STRAATPOSTERS. BOVENDIEN VERKOOP JE KLEINE VERSIES VAN DE POSTERS ALS INZAMELINGSACTIE?

De samenwerking met UNCLE en iedereen daar was gewoon zo aardig. Je zei meteen aan het begin: leg gewoon uit wat je wilt doen, en zij helpen je ermee. Dus, we hebben de straatpresentaties en er komt videografie, enzovoort. En ik bood aan om de kleinere posters te betalen, die we verkopen om geld in te zamelen, en ze zeiden nee, geef het allemaal maar aan de goede doelen die je steunt. Ze hebben echt zoveel voor ons gedaan, ze hadden niet behulpzamer kunnen zijn. Het was geweldig.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2505.25Saba Sams: Gunk

Terug naar Functies

"Het voelt zowel prachtig als eng" is een kruising waar slechts bepaalde dingen onder kunnen vallen. De meeste mensen denken waarschijnlijk aan een bevalling. Voor Saba Sams is het de publicatie van haar debuutroman, die de eerste raakt aan de hand van haar eigen ervaringen met het moederschap. Twee jaar geleden werd Sams geselecteerd voor Granta's Best of Young British Novelists na de release van haar bekroonde bundel korte verhalen. Stuur naaktfoto's. Komt nu Smurrie.

Geschreven tussen kind één en twee, Gunk onderzoekt het concept van een kerngezin. Of beter gezegd, het zet de conventie op zijn kop. Het verhaal speelt zich af in haar geboorteplaats Brighton en draait om Jules, haar ex-man Leon en de negentienjarige Nim die net is begonnen met werken bij Gunk, een studentennachtclub die ze bezitten. Met een gebakken ei op de cover, een speelse knipoog naar gevoelige thema's als vruchtbaarheid en moederschap, werkte UNCLE samen met Saba Sams om Gunk de straten van Londen in.

Ter voorbereiding op de campagne interviewen we Saba, die onlangs de geboorte van baby nummer drie vierde, om inzicht te krijgen in Gunk, Stuur naaktfoto's en het leven in Londen en Brighton.

IN DE EERSTE PLAATS, GEFELICITEERD MET GUNKHOE VOELT HET OM JE DEBUUTROMAN IN DE PUBLIEKE LUCHT TE HEBBEN?

Het voelt zowel prachtig als eng. Gunk is niet langer een document op mijn laptop dat ik op elk gewenst moment kan bewerken, maar een echt boek waar anderen tijd aan kunnen besteden. Dat vind ik geweldig, maar de controle opgeven is ook nooit makkelijk.

UW EERSTE RELEASE, STUUR NAAKT FOTO'S, IS EEN COMPILATIE VAN KORTE VERHALEN OVER DE WERELD VAN HET MEISJESLEVEN EN DE COMPLEXITEITEN ERVAN. HOEVEEL VAN DEZE VERHALEN SPIEGELEN JOUW PERSOONLIJKE ERVARINGEN AF?

Ik denk dat alles wat ik schrijf zowel ik als niet ik is, waar en niet waar. Maar dan neemt de wereld van het verhaal het over en vergeet ik wat wat is.

STUUR NAAKT FOTO'S U HEEFT VERDER NOG MEERDERE ONDERSCHEIDINGEN EN PRIJZEN GEWONNEN, WAARONDER DE SUNDAY TIMES BEST PAPERBACK EN EEN GRANTA BEST OF YOUNG BRITISH NOVELIST. HOE BEVESTIGEND WAS HET OM ZO'N ERKENNING VOOR UW WERK TE KRIJGEN?

Het was onverwacht en bijzonder, maar niets voelt zo goed voor me als het schrijven zelf. Prijzen en onderscheidingen zijn nuttig omdat ze lezers trekken, en als ik lezers heb, kan ik meer schrijven.

GUNK Speelt zich af in je geboorteplaats Brighton. Kun je ons vertellen hoe het was om hier op te groeien?

Brighton voelt heel intens voor mij, misschien omdat het een vrij kleine stad is met een specifieke sfeer, of misschien omdat ik er als kind was en kinderen dingen intenser ervaren. Vooral de seizoenen zijn onmiskenbaar in Brighton, en dat is een belangrijke reden waarom ik Gunk daar heb gesitueerd. Seizoenen zijn tijdsmarkeringen, en ik had een roman over een zwangerschap, waarbij het lichaam een tikkende klok wordt.

JE WOONT NU IN LONDEN MET JE PARTNER EN DRIE KINDEREN. HOE ANDERS IS DAT DAN IN BRIGHTON, EN HOE HEEFT DAT JE SCHRIJFPROCES BEÏNVLOED?

Ik zou mijn volgende boek graag in Bethnal Green willen laten afspelen, waar ik nu woon. De chaos die er heerst, lijkt me wel geschikt voor het soort verhalen dat ik graag schrijf. Laatst hadden een paar daklozen wat meubels verzameld en een hele woonkamer onder de brug bij het station ingericht. Ze hadden kamerplanten en alles. Twee mensen speelden kaart. Ik vond het aanvoelen als een kort verhaal.

WAAR VIND JE DE TIJD OM TE SCHRIJVEN ALS JE MOEDER BENT VAN DRIE KINDEREN?

Eigenlijk niet. Ik heb niet meer geschreven sinds Gunk, en dat was al klaar voordat mijn derde geboren werd. Ik heb niet veel nodig om te schrijven, maar ik heb wel tijd nodig, en tijd is kinderopvang, en dat is duur. Het is niet inspirerend, maar het is waar.

GUNK Je hebt het geschreven toen je eerste kind nog een peuter was en je tweede op komst was. Hoe voelde het om in die tijd te schrijven en hoe heeft het moederschap veranderd waar je over schrijft?

De geboortescène aan het einde van Gunk was het eerste wat ik voor het boek schreef, en mijn dromerigheid over alternatieve gezinssituaties kwam voort uit mijn eigen ervaring met het hebben van jonge kinderen. Dus ik zou Gunk niet hebben geschreven als ik geen moeder was geweest. Op die heel concrete manier heeft het mijn werk veranderd. Maar schrijven terwijl je voor kinderen zorgt, is zwaar. Er is veel schuldgevoel, veel druk en nooit genoeg tijd.

WELK ADVIES ZOU JE JONGERE VROUWEN GEVEN DIE OVER HUN ERVARINGEN WILLEN SCHRIJVEN?

Dat geen enkele ervaring of denkproces te klein is om over te schrijven. Let op. Niets is onbelangrijk, en alles doet ertoe.

KUN JE ONS DOOR HET KUNSTWERK VAN VERTELLEN? GUNK?

Het werd gemaakt door Greg Heinimann, de eigen coverontwerper bij Bloomsbury. Ik wilde een gebakken ei omdat de personages graag gebakken ei-sandwiches eten, en ook omdat eieren te maken hebben met lichamen en zwangerschap en die vieze, smerige substantie delen die zo belangrijk is voor het boek. Greg bakte het ei op de cover zelf, een detail dat ik geweldig vind.

WAT IS DE VOLGENDE STAP VOOR JE NA GUNK?

Zoals ik al zei, ik heb de laatste tijd niet geschreven. Ik klaagde er laatst over bij een vriendin, en ze zei dat ik de hele tijd schrijf, zelfs als ik geen woorden op papier krijg. Het klopt dat ik wat ideeën heb. Dus laten we eens kijken.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2506.25Hoog, zacht en open: Rita Conry over het terugwinnen van de gezondheid van vrouwen via documentairefilms

Terug naar Functies

"Als we echt controle willen over ons eigen lichaam, moeten we ervoor vechten." Een citaat rechtstreeks uit de baanbrekende feministische handleiding uit 1970, Ons lichaam, onszelfHoewel het boek een halve eeuw na de oorspronkelijke publicatie is verschenen, wordt het nog steeds gebruikt om medische dogma's te betwisten, de beweging voor reproductieve rechten te stimuleren en, voor documentairemaakster Rita Conry, als een verwijzing naar hoe ver (of weinig) we zijn gekomen. Om de release van haar nieuwste documentaire te vieren; Hoog, zacht en open, UNCLE werkte samen met Rita om de film en de boodschap ervan via flyposting diep in de straten te verspreiden.

Rita is woedend over de onwetendheid tussen medische professionals en patiënten en richt zich in haar films altijd op de geestelijke gezondheid van vrouwen. Hoog, zacht en open is een hybride documentaire die de vaak over het hoofd geziene psychische bijwerkingen van hormonale anticonceptie onderzoekt. De film weeft een tapijt van achttien anonieme vrouwen, wier gedeelde, maar vaak stille, worstelingen voor het scherm worden gereconstrueerd door acteurs in Londense omgevingen. De film houdt het publiek een sierlijke spiegel voor en is een aangrijpende herinnering aan het belang van peer-to-peer kennisdeling tussen vrouwen.

In het onderstaande interview vroegen we de documentairemaakster Rita Conry om ons mee te nemen in haar bedoelingen met Hoog, zacht en open en haar andere films, en om haar perspectief op Londen te delen en hoe de stad haar carrière heeft gevormd. Door zich open te stellen voor ons, hoopt Rita hetzelfde van degenen die haar werk zien.

WAT IS DE REDEN ACHTER DE FOCUS OP DE GEESTELIJKE GEZONDHEID VAN VROUWEN?

Toen ik opgroeide, waren mijn vrienden en ik behoorlijk bezig met onze geestelijke gezondheid, vooral met de negatieve effecten die hormonale anticonceptie daarop kon hebben. Hoewel me dit nooit door een arts was verteld, was het algemeen aanvaard dat de anticonceptiepil je geestelijke gezondheid negatief kon beïnvloeden. Toen ik las dat een Deens onderzoek een verband had gevonden tussen tieners die de pil slikten en ook antidepressiva gebruikten, was ik helemaal niet verbaasd. Maar het deed me wel twijfelen aan deze kloof in kennis tussen artsen en patiënten. Waarom werden we niet over deze ernstige bijwerking geïnformeerd toen we de pil voorschreven? Het was frustrerend.

Hoe ben je begonnen met het maken van documentaires? Hebben je films altijd al een focus gehad op de mentale gezondheid van vrouwen?

Ik denk dat ik altijd al geïnteresseerd ben geweest in het echte leven en de verhalen van echte mensen, dus documentaires waren een logische keuze toen ik van de filmschool kwam. In de laatste weken voor mijn afstuderen gingen we naar het Sheffield Doc Fest. Je zit dan eigenlijk een week lang de hele dag documentaires te kijken. Ik vond het geweldig dat je na de vertoning met een compleet nieuw perspectief op alles, van de dragqueen Divine tot de Hadron Collider in Cern, naar huis kon gaan.

Hoewel het lastig is om documentaires te maken, is dat je iets interessants moet vinden om over te schrijven! En dat is niet makkelijk. Bij documentaires werken filmmakers en niet-filmmakers samen uit pure passie voor het onderwerp. Op Doc Fest kwam ik soms een Q&A tegen na de film, waarbij de regisseur zei dat hij eigenlijk geen filmmaker was, maar dat hij dit specifieke verhaal gewoon moest vertellen, dus ik wist dat ik moest wachten tot het juiste me te binnen schoot.

Zo kwam het dat ik uiteindelijk twee films over de gezondheid van vrouwen maakte. Mijn eerste documentaire was The UTI Documentary. Ik kampte al bijna dertien jaar met een chronische urineweginfectie en een vriend schreef een artikel over het gebrek aan begrip rond urineweginfecties en stelde voor om een film te maken.

UW FILM SCHEP LICHT OP DE ERVARINGEN VAN 18 VERSCHILLENDE PERSONEN. WAT IS UW ERVARING MET DE GEESTELIJKE GEZONDHEID VAN VROUWEN OF HORMONALE ANTICONCEPTIE?

Net als bij de documentaire over urineweginfecties heb ik mijn eigen link met het onderwerp. Ik heb altijd gemerkt dat hormonale anticonceptie meer negatieve dan positieve bijwerkingen heeft, of het nu gaat om de pil of het Mirena-spiraaltje, maar gelukkig niet zo ernstig als sommige mensen die ik heb geïnterviewd.

HOE BENT U, AFGEZIEN VAN DE VRIENDEN, FAMILIE EN COLLEGA'S DIE U HEEFT GEÏNTERVIEWD, DE ANDERE VROUWEN GEVONDEN DIE IN UW FILM SPELEN?

Ik heb echt mijn best gedaan om verschillende groepen en vreemden te bereiken, maar het kan best lastig zijn om mensen te laten praten over hun mentale gezondheid als ze je niet kennen. Sommige vrouwen die ik in de film interviewde, kwamen volledig spontaan in mijn zoektocht naar deelnemers terecht, wat onze interviews denk ik natuurlijker maakte. Ik raakte bevriend met een van de deelnemers via vrijwilligerswerk en zij stelde me vervolgens voor aan een groep quilters. Daarom hoor je in hun scènes altijd het gezoem van een naaimachine!

HEB JE HET DENKT DAT ER NOG STEEDS EEN TABOE-CULTUUR BESTAAT OVER DE GEESTELIJKE GEZONDHEID VAN VROUWEN?

Ik begon in 2016 met het maken van de film en ik denk dat de gesprekken over mentale gezondheid in het algemeen echt op gang kwamen. Nu ik de film heb afgerond, zijn er veel houdingen veranderd en ik denk dat er veel aandacht is besteed aan het normaliseren en prioriteren van je mentale gezondheid, vooral op het werk. Maar ik denk dat het voor vrouwen altijd al makkelijker was om over hun mentale gezondheid te praten; de mentale gezondheid van mannen lijkt een enorme verandering in houding ten opzichte van die gezondheid te hebben doorgemaakt.

WAT WIL JE DAT MENSEN MEE NAAR HUIS NEMEN VAN HIGH, SOFT & OPEN?

Ik denk dat ik mensen het gevoel wil geven dat ze niet alleen zijn als ze last hebben van deze negatieve bijwerkingen van hormonale anticonceptie. Ik zou ook graag willen dat het een manier is voor mensen om de problemen beter te begrijpen. Hopelijk kunnen mensen dit aan hun partners laten zien, zodat ze beter begrijpen wat ze doormaken.

Ik denk dat de andere belangrijke boodschap van de film is hoe belangrijk het is om op elkaar te leunen, en hoeveel we van elkaar leren wanneer we gewoon rondhangen bij het zwembad of in de kroeg, of op het werk. Het is als een oneindige uitwisseling van informatie en ik wil dat graag een beetje vieren met deze film.

HOOG, ZACHT & OPEN IS DIT NIET DE EERSTE DOCUMENTAIRE DIE JE HEBT GEMAAKT? KUN JE ONS ER IETS OVER VERTELLEN? UTI-DOCUMENTAIREEN NOG ANDERE FILMS WAAR JE BIJ BETROKKEN BENT?

De documentaire over urineweginfecties is ontstaan via een project genaamd Healthy Scepticism, een door Wellcome Trust gefinancierd interdisciplinair project dat zich richt op duurzaamheid en hervormingen in de gezondheidszorg. Urineweginfecties worden vaak verkeerd begrepen en mishandeld, en omdat ik er mijn hele volwassen leven al mee te maken heb, dacht ik dat ik een goede kandidaat zou zijn om deze hiaten in bewustzijn te belichten. Het was een soort blauwdruk voor High, Soft & Open, omdat de thema's zo op elkaar leken: herhaaldelijk naar de dokter gaan met een probleem, een dokter die zegt dat er niets aan de hand is, je leeg en vast voelen, enzovoort...

HOOG, ZACHT & OPEN IS VISUEEL HEEL MOOI EN GEBASEERD OP DE VISUELE ASPECTEN. HOE HEEFT JE TIJD IN LONDEN DE VERHALEN EN DE VISUELE ASPECTEN VAN DE FILMS BEÏNVLOED, EN OP WELKE MANIER HEEFT DE STAD JE ERVARING ALS FILMMAKER BEÏNVLOED?

Ik ben geboren en getogen in Londen en woon hier nog steeds met veel plezier. Ik hou van enorme, overbevolkte steden, ik vind ze vreemd genoeg geruststellend en zou nergens anders kunnen wonen. Ik vind het geweldig hoe alle soorten mensen hier leven en gewoon doen wat ze moeten doen.

Alle interviews in de film vonden plaats met Londenaren, dus het was belangrijk om dit in de beelden weer te geven. Ik moest ook de verschillende omgevingen en situaties overbrengen waarin deze gesprekken over geestelijke gezondheid en anticonceptie kunnen plaatsvinden. Wat uiteindelijk eigenlijk overal is. Ik wilde dat het publiek het gevoel kreeg dat ze door deze omgevingen heen en weer zwierven en fragmenten van gesprekken in heel Londen vastlegden.

HOE VOELT HET OM JE WERK FYSIEK OP STRAAT TE ZIEN?

Het is zo'n persoonlijk project dat het zo surrealistisch en spannend is om het in het wild aan het publiek te zien! Ik raad al mijn vrienden aan om hun ogen open te houden!

WAAR KUNNEN MENSEN HIGH, SOFT & OPEN KIJKEN?

Je kunt de film bekijken via de website Girls in Film of via mijn website en vimeo.
www.girlsinfilm.net/videos/high-soft-open-film
www.ritamariaconry.co.uk

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2506.25jasmijn.4.t

Terug naar Functies

Een stem voor veerkracht en revolutie.

Jasmine is een onverschrokken artiest wiens muziek even onverschrokken als teder is. Ontstaan uit de doe-het-zelfunderground van Manchester, heeft ze een geluid gecreëerd dat zowel rauw als minutieus geperfectioneerd is – een balans die volledig tot zijn recht komt op haar debuutalbum 'You Are The Morning'. Een diep persoonlijk manifest over identiteit, liefde en overleven, de plaat bruist van energie en de uitdagende energie van queer veerkracht. Om de release te vieren, werkte UNCLE samen met Jasmine om hun boodschap in Manchester en Londen te versterken door middel van flyposting, waardoor de thema's zichtbaarheid, solidariteit en verzet veel verder resoneren dan de underground.

'You Are The Morning' getuigt in de kern van veerkracht. Het album bruist van rauwe emotie en verweeft intieme songwriting met een uitgebreide productie, versterkt door bijdragen van indierockgrootheden zoals boygenius. Maar voorbij de sound is de plaat een strijdkreet – een verklaring van aanwezigheid in een wereld die vaak probeert uit te wissen. Het gaat over overleven, over het vinden en vasthouden van de mensen die het leven de moeite waard maken. Het is een liefdesbrief aan de queergemeenschap, aan transgendervreugde, aan de undergroundscene die uit strijd iets moois bouwt. Het is niet zomaar muziek; het is een beweging.

In het interview dat volgt, duiken we diep in de kern van de plaat. Van het songwritingproces tot het gewicht van representatie, van de impact van Manchester tot de transformerende kracht van liveoptredens, niets is taboe. Dit is een artiest die niet bang is om haar waarheid te spreken – die het in feite als een verantwoordelijkheid ziet.

'Jij bent de ochtend' is zo'n persoonlijk en emotioneel rijk album. Hoe voelt het nu het uit is?

Ik voel me vereerd dat het naar buiten komt en mensen bereikt op de manier waarop het dat doet. Queer mensen over de hele wereld vertellen me dat het hen op een manier heeft geraakt die ze nog niet eerder hebben meegemaakt, en oudere transvrouwen hebben me verteld dat ze wensen dat ze iemand als ik hadden om naar op te kijken toen ze in transitie waren, wat de wereld voor me betekent.

Welke boodschap hoop je dat de luisteraars hieruit meenemen?

Het belang van solidariteit. Queer vriendschap, wederzijdse hulp en internationale solidariteit hebben letterlijk mijn leven gered en me gebracht waar ik nu ben. En voor degenen die het nodig hebben, een boodschap van hoop: dingen kunnen en zullen beter worden. Je zult je mensen vinden.

Je hebt het gehad over je songwritingproces, beginnend met voice-memo's en stream-of-consciousness-schrijven. Hoe weet je wanneer een nummer "af" is?

Ik denk niet dat een nummer ooit af is. Ik voel me niet op mijn gemak om een nummer twee keer op dezelfde manier te spelen, dat voelt vies. De nummers op het album zijn al veranderd.

Hoe heeft de aanwezigheid van Boygenius (Julien Baker, Phoebe Bridgers en Lucy Dacus) het geluid en de energie van de plaat beïnvloed?

Op zoveel manieren. Ik denk dat het op veel manieren heel jongensachtig klinkt. Juliens gitaarklank, Lucy's editing- en sequencingvaardigheden en Phoebe's kennis van de studio en leiderschap in arrangementen waren essentiële aspecten. Al hun stemmen dragen de plaat echt.

Veel van je liedjes verkennen liefde en identiteit op een diep persoonlijke manier. Denk je dat muziek je heeft geholpen je ware zelf te vinden en te uiten?

Volledig. In de woorden van Avril, ik ben een rockchick. Maar serieus, mezelf uiten via muziek en schrijven heeft me echt geholpen door mijn donkerste tijden heen en me geholpen om te verwerken en te helen.

Het tijdschrift Diy noemde je een ‘bewijs van het belang van transrepresentatie’. Voel je je als artiest verantwoordelijk om transstemmen in de muziek te vertegenwoordigen?

Ja, een enorme verantwoordelijkheid. Het is een eer om in de schijnwerpers te staan als een willekeurige pop uit Manchester en een stem te zijn voor transbevrijding. De wereld is zo wreed voor transgenders, met name transkinderen, transgenders van kleur, transvrouwelijke mensen en gehandicapte transgenders. Het is eerlijk gezegd angstaanjagend om het huis te verlaten in ons dodelijkste jaar ooit, laat staan om internationaal te toeren als een groep transvrouwen. Degenen die aan de macht zijn, stoken steeds meer haat tegen ons op als afleiding van de echte kwalen van het kapitalisme, en het gevolg is dat transgenders meer dan ooit op straat worden vermoord. We verliezen meer dan ooit onze baan. We zijn meer dan ooit dakloos. Er zijn dit jaar al zoveel directe aanvallen op transgenders geweest in wetgeving over de hele wereld, waaronder Wes Streeting's verbod op toegang tot puberteitsremmers voor transgenders (niet-transgenders krijgen ze nog steeds vrij voorgeschreven). Als gevolg daarvan hebben we een enorme piek gezien in het aantal transgenders dat zelfmoord pleegt. Het vrouwenopvangcentrum van Edinburgh is begonnen met het weigeren van transgenders die aan gewelddadige partners ontsnappen. Transvrouwen worden verkracht en vermoord in mannengevangenissen over de hele wereld, ook hier in het Verenigd Koninkrijk. Dit zijn de echte transkwesties die in de media zouden moeten komen. We zijn slachtoffers, maar in plaats daarvan worden we afgeschilderd als roofdieren, agressors en daders. Ik wil mijn steentje bijdragen om het mainstream-gesprek te veranderen.

Je hebt je openlijk uitgesproken over je werk met trans mutual aid in Manchester. Hoe zie je de kruising tussen je muziek en activisme?

Als je bestaan gepolitiseerd is, heb je niet veel keus!

Hoe heeft Manchester jou gevormd als kunstenaar?

Toen ik hier kwam, ontmoette ik mijn community en werd ik voor het eerst verliefd op transgenders, en daar gaat de plaat over. Dus helemaal!

Wat zijn je favoriete plekken in de stad?

De Peer Hat is een van mijn favorieten. Mijn website is gebaseerd op die pub.

Jullie gaan dit jaar een volledige tournee door het Verenigd Koninkrijk maken. Hoe vinden jullie het om 'You Are The Morning' mee te nemen op tournee?

Ik ben zo blij om meer mensen uit mijn community te ontmoeten, vooral! Ik speel graag live, ik hou van mijn bandleden en ik hou van de impact die onze shows hebben gehad. Transgenders hebben me verteld dat ze hun gekozen families hebben gevonden bij mijn shows, anderen hebben me verteld dat ze hun eigen transidentiteit hebben geaccepteerd door mij te zien, anderen hebben contact opgenomen om te zeggen dat het zien van ons hier als een groep transvrouwen hen hoop heeft gegeven voor hun eigen toekomst. Je kunt geen omelet maken zonder wat eieren te breken!

De albumtitel staat voor een nieuw begin. Wat staat er voor je in het verschiet na deze release en tour?

Er worden nog veel meer shows en festivals aangekondigd. Ik kijk er zo naar uit voor dit jaar. Ik hoop ook dat ik van muziek kan gaan leven en zo meer tijd heb om door te brengen met mijn geweldige partners en mijn gekozen familie. En natuurlijk schrijf ik constant — ik hoop echt dat ik binnenkort meer muziek kan delen!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2507.25Stemmingsring: teken van de tijd

Terug naar Functies

Hoe de met dierenriem geïnspireerde bar van Bushwick het nachtleven van New York belichaamt

Er zijn genoeg plekken waar je feestjes kunt geven, en nog veel meer waar je drankjes kunt krijgen. Maar de plekken die ertoe doen – de plekken die echt aanvoelen alsof ze bij een stad horen – zijn iets heel anders. Misschien is het de muziek, of juist het gebrek daaraan. Misschien zijn het de gezichten achter de bar, of de hoofden die naar de deur draaien als je binnenkomt. Of misschien is het iets minder tastbaars – een gevoel dat deze plek niet alleen een setting is, maar een actief onderdeel van de ervaring zelf.

Mood Ring – op tien minuten lopen van het centrum van Bushwick, Myrtle Avenue en Broadway – is zo'n plek. Geopend sinds 2017, heeft het een eigen plek veroverd in het New Yorkse nachtleven, door de intimiteit van een buurtkroeg te combineren met de energie van een club die de underground voedt.

De cocktails met het sterrenbeeldthema zijn de eerste haak. "Virgo zoekt van 22 augustus tot 23 september naar afgeprijsde drankjes." Maar astrologie alleen zorgt er niet voor dat mensen terugkomen. Wat wel gebeurt, is een ruimte die constant met de stad meebeweegt – een locatie die is vormgegeven door de mensen die het runnen, in plaats van een bedrijfsidentiteit die op meerdere locaties is afgestempeld.

Die flexibiliteit maakt het mogelijk om op manieren te reageren die grotere locaties niet kunnen. Het recente Valentijnsevenement bijvoorbeeld, een vast onderdeel van hun agenda zoals het thema van de bar en de recente wildpostingcampagne met UNCLE suggereren, heeft geld ingezameld voor degenen die getroffen zijn door de branden in LA. Ze hoeven niet te wachten op goedkeuring van een bestuurskamer om dingen te laten gebeuren. Ze worden gedefinieerd door de mensen die ze vullen, van de dj's op de draaitafels tot de vaste gasten aan de bar, en de verbinding die ze bevorderen reikt veel verder dan een transactie.
Er is ook het grotere plaatje – de rol die een locatie als deze speelt in het ecosysteem van een stad. "Als je alleen maar kunt optreden in enorme clubs met hoge entreegelden en hogere verwachtingen, sla je een heel deel van het proces over", zegt medeoprichter Bowen Goh. Mood Ring is, net als andere kleine podia, de plek waar artiesten hun sporen verdienen, waar nieuwe geluiden ontstaan en waar een dj kan experimenteren met een publiek dat openstaat voor het onverwachte. Zonder plekken als deze stort de grassroots-pijplijn in.

En toch, in een stad waar stijgende huren en veranderende trends onafhankelijke horecagelegenheden dwingen te vechten voor hun voortbestaan, blijft Mood Ring evolueren. Net als het steeds veranderende cocktailmenu past de ruimte zich aan het seizoen, het moment en de mensen die er binnenstappen aan. Noem het lot, noem het intuïtie – wat het ook is, het werkt.

Kunt u uzelf en Mood Ring voorstellen?

Bowen Goh: Ik ben een van de oprichters van Mood Ring. We openden in 2017 en hebben ons in de loop der jaren ontwikkeld tot een bar en club waar veel underground en opkomende artiesten uit New York te vinden zijn. We begonnen met een focus op housemuziek, maar naarmate de scene groeide, groeide ook onze programmering. We proberen een dynamische plek te zijn – altijd meebewegend met wat de stad en haar inwoners willen.

Wat was het oorspronkelijke idee voor de ruimte en hoe heeft dat zich ontwikkeld?

Eigenlijk hadden we niet de intentie om een club te openen. Het eerste idee was een klein restaurant, maar mijn zakenpartner was erg betrokken bij de underground techno scene. We gingen naar Berlijn en na een paar nachten daar voelde het idee om een club te openen gewoon goed. Thuis was er in Bushwick een gat voor iets aan de lichtere kant van het dance-spectrum, geen volledige heavy techno, maar iets met wat meer housemuziek. We zagen die kans en gingen ermee aan de slag.

In eerste instantie waren we niet van plan om zoveel evenementen te organiseren als nu, maar de vraag was direct groot. We kregen al vroeg wat aandacht dankzij ons astrologieconcept, en vanaf dat moment ging het als een sneeuwbal. De dj's kwamen, het publiek volgde, en we bleven verbeteringen doorvoeren – beter geluid, een goede booth, meer bewuste boekingen. Mood Ring groeide gewoon uit zijn voegen.

Mood Ring heeft een sterk astrologiethema. Wat was de inspiratie hiervoor?

Astrologie voelde gewoon natuurlijk voor ons. Voordat we überhaupt open waren, zagen we al hoe graag mensen erover praatten, vooral in het nachtleven, waar je voortdurend nieuwe mensen ontmoet. Iemand vragen naar zijn of haar sterrenbeeld is een makkelijke ijsbreker, en we wilden dat de ruimte zo zou aanvoelen, ergens waar je een gesprek kunt beginnen met een vreemde zonder dat het raar aanvoelt.

Het gaf ons ook een manier om dingen fris te houden. We hebben een wisselend cocktailmenu gebaseerd op de dierenriemkalender en door de jaren heen hebben we de look en feel van de ruimte constant vernieuwd. We hebben zelfs een cocktailboek met astrologiethema uitgebracht, wat een leuke manier was om het concept verder te brengen dan de bar.

En hoe beïnvloedt het astrologiethema de algehele sfeer bij moodring?

Het thema was nooit zomaar een gimmick, het werd onderdeel van de cultuur van de plek. Je ziet mensen elkaar binnen enkele minuten na elkaar ontmoeten vragen naar hun sterrenbeelden. Het is grappig, want zelfs als jij niets om astrologie geeft, zal iemand in de kamer dat wel doen. Het creëert een gedeelde taal waar mensen gebruik van kunnen maken, of ze het nu serieus nemen of het gewoon gebruiken als een leuke manier om contact te maken.
Naast de cocktails hebben we Mood Ring altijd behandeld als een ruimte die verandert en evolueert – een beetje zoals mensen astrologie zien als verbonden met cycli en verandering. We vernieuwen de inrichting, veranderen de seizoenen en proberen de energie fris te houden. Ik denk dat dat de reden is waarom mensen steeds terugkomen – er is altijd wel iets anders, al is het subtiel.

Mood Ring is uitgegroeid tot een hub voor dj's en elektronische muziek. Hoe benader je het programmeren en organiseren van evenementen?

Bowen Goh: Vanaf het begin wilden we iets anders bieden dan wat er al was. Recht tegenover ons heb je Bossa Nova Civic Club, een vaste waarde voor zwaardere techno. Dus toen we Mood Ring oprichtten, neigden we naar het andere uiterste van het spectrum: meer house, iets lichters, meer groovend. Destijds was er daar niet veel van in Bushwick, en het was gewoon logisch om die ruimte te creëren.

In de loop van de tijd hebben we ons uitgebreid met clubmuziek, Latijnse avonden en andere genres die weerspiegelen waar mensen in de stad naar neigen. Maar we houden de kern ervan altijd intact: het gaat om energie, beweging en ervoor zorgen dat de ruimte fris blijft.

Mood Ring voelt als een broedplaats voor opkomende artiesten. Zie je het als een springplank voor dj's op weg naar grotere podia?

Ja, dat is iets dat gewoon vanzelf is ontstaan. We zijn een kleine locatie, dus we hebben altijd underground talent aangetrokken: dj's die opkomen, dingen uitproberen en hun volgers opbouwen. Sommige artiesten die hier hebben gespeeld, zijn naar veel grotere podia gegaan, maar een plek als de onze is waar ze die eerste echte connectie met een publiek krijgen.

Ik denk dat veel mensen zich niet realiseren hoe belangrijk dat is. Als je alleen maar in grote clubs kunt spelen met hoge entreegelden en hogere verwachtingen, sla je een heel deel van het proces over. Kleine podia zoals Mood Ring zijn de plekken waar dj's nieuwe sounds testen, een sfeer creëren en uitvogelen wie hun publiek is. We hebben genoeg avonden gehad waarvan je gewoon weet dat er iemand op het punt staat om door te breken. Het is een goed gevoel om die progressie te zien en te weten dat we deel uitmaken van die pijplijn.

Hoe zorg je ervoor dat alles fris blijft en tegelijkertijd trouw aan de oorspronkelijke visie van de ruimte?

We proberen ons oor te luisteren te leggen. Hoewel we onze eigen smaak hebben, gaat het erom waar mensen in de scene enthousiast over zijn. Sommige van de beste avonden die we hebben gehad, zijn voortgekomen uit het vertrouwen in de juiste mensen, of dat nu resident dj's zijn die de menigte begrijpen of collectieven die iets nieuws naar de ruimte brengen.

Tegelijkertijd willen we niet overdrijven. We hebben deze ruimte gebouwd met een duidelijke vibe in gedachten, en hoewel we zijn gegroeid, komen we steeds weer terug bij het idee dat Mood Ring intiem, energiek en net even anders moet zijn dan elders. Dat is wat ons al die jaren heeft gestuwd.

Het nachtleven en de clubcultuur zijn voortdurend in beweging. Wat is volgens jou momenteel de grootste uitdaging voor onafhankelijke gelegenheden in New York?

Bowen Goh: De grootste uitdaging is overleven, eerlijk gezegd. Alles wordt steeds duurder: huur, verzekeringen, salarissen van personeel, drank, zelfs de kosten van een geluidssysteem. Maar dat betekent niet per se dat er meer geld binnenkomt. Mensen gaan minder vaak uit en als ze dat doen, zijn ze selectiever over waar ze hun geld aan uitgeven.

Veel daarvan komt neer op hoe het nachtleven veranderde na COVID. Direct na de lockdowns was er een explosie: mensen waren constant buiten, dronken en feestten. Maar toen kwam de terugslag, toen mensen begonnen te minderen, minder gingen drinken en bewuster gingen nadenken over hoe ze hun avonden doorbrachten.

Bushwick heeft in de loop der jaren grote veranderingen ondergaan. Welke impact heeft gentrificatie volgens jou gehad op de buurt en het uitgaansleven?

Het is veel veranderd, zelfs in de tijd dat we hier zijn. Veel mensen zijn hierheen verhuisd omdat de huur goedkoop was, en dat leidde tot een explosie van bars, clubs en creatieve ruimtes die opengingen.
Nu is het weer aan het verschuiven. De huren zijn omhoog gegaan, er worden meer luxe appartementen gebouwd en dat verandert altijd het soort mensen dat erheen verhuist. Veel van de oudere plekken zijn gesloten en je ziet dat het nachtleven gepolijster wordt, in sommige gevallen zelfs zakelijker. Het is niet per se slecht dat er nieuwe plekken worden geopend, maar als onafhankelijke locaties beginnen te verdwijnen, heeft dat invloed op de hele cultuur.

Wat vind je het leukst aan New York?

Het is een cliché, maar de energie hier is ongeëvenaard. Iedereen is hier om iets te laten gebeuren, of dat nu in muziek, kunst, eten of wat dan ook is. Je voelt het als je buiten bent. Mensen doen niet alleen maar wat ze doen; ze zetten echt hun best achter wat ze doen. Dat houdt het spannend, zelfs als de stad zelf vermoeiend kan zijn.

Welke avond bij Moodring is je het meest bijgebleven?

Eentje die er echt uitspringt was vlak voor de COVID-lockdowns. We hielden een feestje met musclecars voor hun tweejarig jubileum en je kon het gewoon in de lucht voelen: iedereen was in het moment, danste, overal vlogen ballonnen, niemand maakte zich zorgen om iets buiten die kamer.

Destijds hadden we geen idee dat alles op het punt stond te sluiten, maar terugkijkend voelt die avond als een perfecte momentopname van wat we zo leuk vinden aan Mood Ring. Het zijn die momenten waarop je om je heen kijkt en beseft dat je iets hebt opgebouwd waar mensen blij van worden. Dat maakt het de stress van het runnen van een locatie in deze stad waard.

Fotocredits voor het evenement: David Brandon Geeting & Lina Sun Park.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2504.25Aan mijn tieten

Terug naar Functies

Stijl, storytelling en de kracht van representatie.

Stijl draait niet alleen om kleding – het draait om aanwezigheid, attitude en de verhalen die verweven zitten in elke stofkeuze, accessoire en perfect samengestelde look. To My Titas is een gedurfd, modebewust eerbetoon aan de Filipijnse tantes die al moeiteloos elegantie uitstraalden lang voordat sociale media er een trend van maakten. In samenwerking met UNCLE is dit fotoboek niet alleen een ode aan hun onberispelijke stijl – het is een liefdesbrief aan de cultuur, veerkracht en stille kracht van een generatie vrouwen die altijd de kunst van het laten zien en showen hebben begrepen.

Maar dit project gaat verder dan alleen esthetiek. To My Titas combineert redactionele modefotografie met rauwe, persoonlijke verhalen en belicht de levens die deze vrouwen ver van huis hebben opgebouwd, terwijl ze hun erfgoed in elk detail met zich meedragen. Van bijeenkomsten in de kerkzaal tot huisfeesten met karaoke, het boek legt de energie, traditie en gemeenschap vast die de Filipijnse identiteit in de diaspora vormen. Het is een intieme maar opvallend stijlvolle blik op hoe mode en cultuur met elkaar verweven zijn, en bewijst dat erfgoed nooit uit de mode raakt.

In dit interview praten we met de creatieve kracht achter To My Titas Nicole Alonzo, om te praten over de visie, het proces en de prachtige chaos van het werken met een groep legendarische, Facebook-liefhebbende tantes. Van diepe culturele connecties tot invloeden van de high fashion, dit gesprek gaat over meer dan alleen een boek – het gaat over de kracht van representatie en waarom deze verhalen gezien moeten worden. Laten we erin duiken.

Wat inspireerde je om iets voor mijn tieten te creëren? Was er een specifiek moment of een ervaring die je op het idee bracht?

Ik herinner me een gesprek met mijn dochters, die een andere etnische achtergrond hebben dan ik, en we raakten aan de praat over hoe modieus en stijlvol onze tantes zijn. Van de sieraden tot de designertassen, de extravagante culturele kleding die ze graag naar de kerk dragen, of hoe goed ze eruitzien in hun mooiste zondagse outfit. Ik koos ervoor om een fotoboek te maken omdat ik naar fotoboekwinkels ga om inspiratie op te doen of een soort herkenning te voelen door visuele verhalen, en ik realiseerde me dat er geen fotoboeken over mijn Filipijnse erfgoed bestonden. Ik voelde de behoefte om mijn land op de kaart te zetten.

Vertel eens over een aantal thema's in het boek. Hoe heb je de visuele en narratieve elementen gekozen om dit te bereiken?

Ik heb al sinds mijn jeugd een voorliefde voor modebeelden en kleding. Ik volg momenteel een opleiding modecommunicatie aan de UAL en ik weet dat ik mezelf het beste kan uiten door middel van visueel verhalen vertellen in de vorm van mode-editorials. Naast de modebeelden en kleding in mijn fotoboek, begreep ik ook hoe belangrijk het is om deze fantastische vrouwen te interviewen en de culturele artefacten te verzamelen die ze naar hun moederland brachten, om hun verhalen goed weer te geven. Ik wilde echt hun levens vieren die ze in Engeland hebben opgebouwd en hun relaties met elkaar. Deze thema's omvatten onze liefde voor karaoke. Elke keer dat ik naar een Filipijns huisfeest ga, is er karaoke.

Hoe verliep het selectieproces van de tita's die in het boek voorkomen? Waren er uitdagingen bij het vastleggen van hun verhalen?

Qua proces ben ik opgegroeid in een sterke Filipijnse gemeenschap in Nottingham. Mijn vader is voorzitter van de Filipijnse gemeenschap in Nottingham, dus de 'tita's' in mijn fotoboek zijn vrouwen die mij hebben zien opgroeien tot een vrouw. In mijn cultuur noem je iedereen 'tante' of 'tita', zelfs als ze geen bloedband hebben, maar qua cultuur en gemeenschap wel. De grootste uitdaging voor mij was om al mijn tantes op één plek te krijgen, lmao, het zijn erg drukke vrouwen. Ik moest veel Facebookberichten sturen en fysiek bij hen thuis langsgaan om ze te interviewen. Ik woon momenteel in Londen, dus ik moest heen en weer reizen naar Nottingham, waar ik oorspronkelijk vandaan kom, alleen maar om met mijn 'tita's' te praten. Ze zijn dol op hun Facebook.

Welke impact denk je dat mijn tieten zullen hebben op de perceptie van Filipijnse vrouwelijkheid?

Ik hoop dat het mensen helpt beseffen dat we, ongeacht onze cultuur of gemeenschap, allemaal hetzelfde zijn. We hebben allemaal minstens één tante die er altijd goed uitziet om indruk te maken. Ik wilde ook gewoon mijn cultuur vieren door te kijken naar traditionele en hedendaagse perspectieven waar een jonge Filipino naar zou kunnen kijken en zich gezien zou voelen. Ik denk dat ik mensen gewoon wil laten weten hoe trots en sterk onze vrouwen zijn.

Kunt u een aantal bijzondere verhalen of momenten delen die u tijdens het werken aan dit project zijn bijgebleven?

Mijn meest bijzondere momenten waren voor mij de fotoshoot met al mijn tantes. Ze brengen zoveel energie en een gevoel van 'diva' in een ruimte waar ik dol op ben.

Hoe heeft je eigen achtergrond je creatieve praktijk beïnvloed?

Mijn eigen achtergrond heeft bijna alles wat ik in mijn creatieve praktijk doe beïnvloed. Ik was zo enthousiast om de wereld in te trekken en de mode-industrie in te stappen, maar realiseerde me al snel dat de meeste high-end modehuizen me het gevoel gaven dat ik daar niet mocht komen, tenzij ik bekend was. Natuurlijk verandert dit langzaam, maar de uitsluiting is er zeker nog steeds. Hierdoor werd ik gedwongen om naar binnen te kijken en echt te begrijpen welke nichegemeenschappen me aanspreken en me als creatieveling accepteren. Dit project is op zijn beurt een rebelse daad tegenover de mode-industrie. Ten eerste verdienen volwassen vrouwen en mensen het om net zo goed in de schijnwerpers te staan als jongeren, omdat ze ook van mode houden, en ten tweede is mijn cultuur net zo modieus en elegant door onze kleding.

Als je mijn tieten in drie woorden zou moeten beschrijven, welke zouden dat dan zijn?

Kracht, aanpassingsvermogen en stijl.

Welk advies zou u jonge Filipijnse kunstenaars geven als ze hun erfgoed willen verkennen door middel van verhalen?

Kijk naar de mensen om je heen, creëer werk met de communities die je al hebt. Er zit zoveel schoonheid in dat je het misschien niet opmerkt omdat het niet op een campagneadvertentie staat. Droom natuurlijk groot, maar vergeet onderweg niet je roots of wie je bent. Neem die eigenschappen mee naar de industrie; het zal je onderscheiden van de anderen.

Kunt u ons iets vertellen over het campagnebeeld?

Een van de kunstwerken voor de campagne is de voorkant van mijn fotoboek, waarop al mijn tantes op één foto staan, gekleed in hun mooiste kleding, allemaal in verschillende kleuren en designs die hun individuele persoonlijkheden het beste beschrijven. Ik wilde dat de locatie Brits zou uitstralen, maar de poses, stijl, designertassen en sieraden ook mode! Mijn tante links trok halverwege de shoot haar schoenen uit omdat ze zich eraan ergerde en besloot een foto te maken omdat ze dat kon, op Facebook, en ik wist dat het vastleggen van dat moment deze vrouwen en onze cultuur het beste zou beschrijven vanuit een hedendaags perspectief. De rest van de kunstwerken is gemaakt in mijn plaatselijke kerk, gekleed in onze culturele kleding, om onze lokale kerkzaal in Nottingham te presenteren. Veel evenementen die door de Filipijnse gemeenschap in Nottingham worden georganiseerd, hebben in die kerkzaal plaatsgevonden, dus het is een zeer sentimentele ruimte voor mijn tantes en mij. Onze culturele kleding is voor ons net zo sentimenteel als voor Filipino's die niet thuis zijn, dus ik wist dat ik deze twee belangrijke elementen samen moest vastleggen om onze cultuur in Londen het beste te beschrijven.

Hoe heeft Londen het project beïnvloed?

Londen is een zeer multiculturele stad, vol met prachtig erfgoed dat samenkomt op één plek. Door hier te wonen, werd ik gedwongen om naar mijn erfgoed te kijken en hoe mijn gemeenschap me heeft gevormd als een creatieveling die opgroeide in de Midlands.

Welke delen van de stad inspireren jou?

Ik woon momenteel in Whitechapel, en de Bengaalse gemeenschap daar is sterk. Maar ondanks onze culturele verschillen zijn de thema's familie, gemeenschap en stijl (tot aan hun traditionele kledingwinkels, waar ik altijd dol op ben als ik er langs loop) allemaal hetzelfde. In zo'n grote stad zorgt een nichegemeenschap ervoor dat je je verbonden voelt, en dat deed me denken aan mijn eigen gemeenschap thuis in Nottingham.

Wat staat er voor jou als kunstenaar op de planning? Zijn er aankomende projecten waar we naar uit kunnen kijken?

Als kunstenaar werk ik momenteel aan mijn volgende project: het creëren van een fysieke tentoonstelling, samengesteld door BAME-vrouwen die in de Midlands wonen, van mode houden en ook inspiratie halen uit hun culturele erfgoed. Ik ben van plan deze tentoonstelling in Nottingham te houden, omdat daar niets creatiefs gebeurt. Niet omdat er geen creatief talent is, maar omdat er geen financiering naar die regio's gaat, omdat ze allemaal naar Londen worden gepompt. Daarom ben ik van plan deze tentoonstelling te creëren om de fantastische BAME-vrouwen in Nottingham te laten zien.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2506.25MIKE

Terug naar Functies

“Kunst is onze kans om ongrijpbare dingen tastbaar te maken.”

Wat is er nodig om 10 albums met muziek uit te brengen?

Het is geen vraag die we MIKE rechtstreeks voorlegden, maar zijn nieuwste studioalbum, Showbiz!, biedt een antwoord op zichzelf. De in Brooklyn wonende artiest is nog maar midden twintig, maar heeft al veel geleefd, en zijn toewijding aan de overtuiging dat muziek een geleefde ervaring moet zijn, getuigt daarvan.

``Het is net zoiets als: maak je kunst, of is kunst gewoon een onderdeel van je leven?'', vraagt hij. ``Ik denk dat het voor mij altijd het tweede is.''

Michael Bonema kwam als tiener naar New York. Hij werd geboren in het nabijgelegen New Jersey, maar bracht als kind ook tijd door in Philadelphia en Londen. MIKE erkende eerder dat de inmiddels nostalgische vaste waarde, Channel U – het Britse tv-kanaal dat een generatie underground rap- en grimeartiesten een platform bood – zijn brede muzieksmaak beïnvloedde, evenals de R&B uit de jaren 2000 die zijn zussen thuis draaiden.

De rapmuziek die hij maakt – vooral als hij zelf geproduceerd is – heeft de neiging om twee of zelfs drie verschillende beats in één te proppen, waarbij hij soms dezelfde sample op twee verschillende manieren omdraait. Iets voor in de metro en iets voor een dj blackpowerset (zijn produceralias), allemaal in één track. 'Als ik een track maak en ik heb zin om de beat drie keer om te draaien, doe ik dat gewoon. Het is nooit geforceerd – het gaat meer om gevoel,' zegt hij openhartig vanuit zijn huis, de dag na een studiosessie die tot in de vroege uurtjes van een dinsdagochtend duurde. 'Hiphop is al een vrije sport – je hoeft je niet aan regels te houden als je dat niet wilt, en dat is wat me altijd zo enthousiast heeft gemaakt.

Zijn muziek wordt net zo goed gevormd door de mensen en plekken om hem heen als door zijn eigen creatieve impulsen. Of het nu zijn onafhankelijke label 10k is, dat is uitgegroeid van een hecht collectief tot een wereldwijd erkend platform, of Young World, het gratis toegankelijke festival in New York dat nu net zozeer bij de stad hoort als bij hem, MIKE's visie reikte altijd verder dan alleen het maken en uitbrengen van platen.

Zijn samenwerking met UNCLE doet meer dan alleen de promotie van dit baanbrekende tiende album. Het brengt 22 collages – één voor elk nummer op Showbiz! – de straten van New York op. Deze stukken, ontworpen in samenwerking met een goede vriend, zijn niet zomaar promotie, maar een verlengstuk van het album zelf – net zo persoonlijk en kwetsbaar als de muziek zelf. "De collages weerspiegelen elk nummer en zijn heel persoonlijk voor mij", zegt MIKE. "Ik heb het gevoel dat mensen de kwetsbare aard van mijn muziek waarderen, en dit is daar een verlengstuk van."

Deze filosofie strekt zich ook uit tot zijn tournees. Zijn aankomende wereldtournee van 71 data is meer dan alleen zijn grootste tot nu toe – het is een reizende gemeenschapspoging, die minstens 24 andere artiesten op het podium brengt tijdens verschillende data, waaronder Duendita, Navy Blue, Liv.e en Maxo, evenals labelgenoten als Anysia Kym, Sideshow en Jadasea. Op het podium heeft MIKE altijd ruimte gecreëerd voor jongere artiesten, hen geïntroduceerd bij gelijkgestemde menigten, terwijl hij ook rekeningen deelde – en een nummer – met artiesten als Sister Nancy, de dancehall-pionier, wat een intergenerationele essentie aan zijn aanpak toevoegt.

"Alles wat we nu doen, maakt deel uit van iets groters dat al tientallen jaren gaande is", zegt hij. "Zuster Nancy was niet bedoeld om te zijn wie ze is – er waren barrières, systemen die niet gebouwd waren om haar te laten floreren. Maar ze brak er toch doorheen."

“Zo blijft de lineage in stand. Als je echt deel uitmaakt van iets groters, kun je niet bang zijn dat er nieuwe mensen opduiken. Je wilt nieuwe kanshebbers, want dat betekent dat de cultuur leeft. De echte blijven altijd.”

Hoewel er geen eenduidig antwoord is op de vraag wat er nodig is om tien albums met muziek uit te brengen, lijkt het een samensmelting van al het bovenstaande. En het onderstaande…

Hoe lang woon je inmiddels in New York?

Het einde van de negende klas. Ik studeerde af in 2016 en ik was vanaf het begin van de tiende klas in New York. Dus, 2013 – inmiddels twaalf jaar.

Denk je dat verhuizen naar New York je een ander perspectief op de dingen geeft?

Zeker, maar niet op een manier waarop ik me ooit een buitenstaander voelde. Nigerianen in het bijzonder hebben vier, vijf, misschien wel zes thuisbases waar je weet dat je veel Nigerianen zult vinden. Ik ben mijn hele leven blijven rondreizen, dus naar New York komen was niet zo'n grote verandering voor mij – ik kon al begrijpen wat er gaande was.

Ik had neven in de stad en ik ging er elke zomer heen. Ze lieten me zien wat er gebeurde – of het nou de eerste mensen waren die me Pop Smoke lieten zien voordat hij muziek ging maken, of ze lieten me kennismaken met verschillende stijlen, de manier waarop mensen zich kleedden. Ik was in de Bronx en rockte een geweldige Polo, want dat was wat ik zag.

Toen ik er uiteindelijk naartoe verhuisde, woonde ik bij diezelfde neven en nichten, dus het voelde al normaal. En ik denk dat het verhuizen me heeft geholpen om te ontdekken hoe ik in verschillende gemeenschappen kon leven. Misschien niet om de beste redenen, maar het gaf me een breder begrip van hoe ik mijn mensen kon vinden. Dus toen ik in New York aankwam, was het makkelijk om mijn stam te vinden.

Je muziek omarmt die groep altijd, en je albums hebben altijd artiesten en samenwerkingen omarmd. Voelt dit nieuwste album, je tiende album, net zozeer als een gezamenlijke inspanning als een soloalbum?

Ja, ik denk dat elk project altijd een gemeenschappelijke inspanning is. Zelfs als ik alleen schrijf of aan iets werk, de ervaringen die de muziek vormgeven, komen van de mensen om me heen.

Ik werk sinds eind 2023 aan Showbiz! en alleen al als ik denk aan hoeveel er in die tijd is gebeurd, moet het wel een samenwerking zijn geweest. Er zijn mensen die mijn leven op verschillende manieren hebben gered, en daar moet ik dankbaar voor zijn. Het kan een vriend zijn die op me lette, of gewoon de kleine momenten die je perspectief veranderen. Alles speelt een rol in de muziek.

Het is net als, maak je kunst, of is kunst gewoon een deel van je leven? Ik denk dat het voor mij altijd het tweede is. De muziek weerspiegelt wat er om me heen gebeurt, dus het is altijd verbonden met de mensen, plaatsen en energie die eromheen hangen. Daarom voelt elk album – dit album inbegrepen – als meer dan alleen ik.

En waar komt Showbiz!, de naam van dit project, vandaan?

Ik denk dat Showbiz! begon als een idee toen ik op tournee was. We zijn de afgelopen drie jaar non-stop aan het touren geweest en sinds 2017 ben ik serieus muziek aan het maken. Op een gegeven moment voelde het alsof mijn hele leven zo was geworden – alsof ik volledig was gaan leven in wat het betekent om artiest te zijn.

Voor mij gaat Showbiz! over volwassen worden, niet alleen als artiest, maar ook als mens. Over vier jaar word ik 30, wat ik gek vind, want ik heb het gevoel dat ik al zoveel heb geleefd, maar tegelijkertijd heb ik nog niks gedaan. Zo voelt dit album: mezelf ontdekken, beseffen dat dit is wat ik doe, en het volledig accepteren.

Ik had het laatst met mijn maatje over hoe ouders altijd zeggen: 'Leg niet al je eieren in één mandje.' En we dachten: waarom niet? We leggen al onze eieren in één mandje, want dit is het enige mandje dat we hebben. Maar dat betekent niet dat het mandje klein hoeft te zijn. Het kan zo groot zijn als we het zelf maken. Dat is Showbiz!: beseffen dat ik er helemaal in zit, en dat er geen alternatief plan is.

Het album is wederom uitgebracht op je eigen label 10K. Van buitenaf gezien voelde 10K soms als een platform voor jou en je vrienden om muziek uit te brengen. Nu voelt het alsof het die ethos heeft behouden, maar is geëvolueerd en uitgebreid – zowel qua geluid als qua locatie – tot een platenlabel dat kan concurreren met andere indielabels. Wat is de visie voor 10K?

We zien het niet per se als een label – misschien meer als een criminele organisatie. [lacht] Maar nee, echt, vanaf het begin hebben we het altijd als een familiebedrijf gezien. Het idee was om alles zelf te doen, iets te bouwen waar we niet afhankelijk waren van dezelfde industriële systemen waar veel mensen zich gevangen in voelen.

Veel ervan komt neer op het uitzoeken wat ons anders maakt. Hoe staan we naast die andere labels die de middelen hebben om al die gekke shit in de industrie te doen? En ik denk dat we dat antwoord hebben gevonden door gewoon trouw te blijven aan de mensen om ons heen. We hebben homies die podia runnen, mensen die verschillende aspecten van muziek en evenementen behandelen, en een netwerk dat niet alleen over één scene of één stad gaat.

Dus de visie is eigenlijk gewoon om daarop voort te bouwen – om een ruimte te creëren waar kunstenaars hun kunst comfortabel kunnen laten vallen en kunnen doen wat ze moeten doen zonder al die extra bullshit. Als je prioriteit geeft aan de kunst en de kunstenaar, kan het goedkomen. En ik ben dankbaar dat ik deel uitmaak van iets dat dat vooruit helpt.

Je staat op het punt om te beginnen aan een tournee van 71 concerten – je grootste tot nu toe. Hoe belangrijk is toeren voor jou als onafhankelijk artiest, en welke rol speelt het in het voortbestaan van je carrière?

Touren is superbelangrijk. Naast optreden, doen we al drie, vier jaar een aantal van deze steden aan, dus het is meer dan alleen een show – het gaat om de mensen die we onderweg hebben ontmoet. Elke keer dat we ergens nieuws naartoe gaan, voelt het alsof de familie groter wordt.

Ik heb deze theorie dat op een dag alle goede mensen ter wereld zich bij elkaar zullen voegen – of het nu in een grote Instagram-chat is of zoiets, ik weet het niet. Maar elke keer dat ik op tournee ben, voelt het alsof dat al in het echte leven gebeurt. Je gaat naar een plek waar je nog nooit bent geweest en je realiseert je dat er mensen zijn die zich met je kunnen identificeren, die hetzelfde over dingen denken. Het herinnert je eraan dat deze muziek, deze hele reis, groter is dan alleen ik.

En wat betreft het volhouden van wat ik doe, is het alles. Toeren is hoe ik contact maak met mensen, hoe ik blijf groeien, hoe ik overleef als artiest. Optreden is een van mijn favoriete dingen om te doen – het voelt spiritueel, als een kerk of zoiets. Het is waar ik me het meest mezelf voel. Op het podium word je geacht de meester van de ceremonie te zijn, je eigen wereld te creëren, en ik hou elke keer weer van die shit.

Wat is er zo bijzonder aan New York als plek om thuis te komen na al dat toeren?

Man, goed weer, goede benzine, goed eten, daar kom ik op terug. We gaan naar vreemde plekken, dus als ik terugkom, is het gewoon tijd om op te dagen. Maar eerlijk gezegd, zelfs als de wereldtournee stopt, gaan we gewoon naar de stad en gaan we door. Zo gaat het altijd. We reizen de wereld rond in het eerste kwartaal en doen dan alles wat we net in het buitenland hebben gedaan, thuis voor de zomer.
New York is speciaal omdat het je thuis is, maar het is ook geen plek waar je stilzit. Er gebeurt altijd wel iets, er is altijd wel ergens iets te doen. Na een reis is het niet zo dat ik terugkom en dan stop – het is meer een verschuiving in energie. De beweging stopt niet, het komt gewoon terug naar waar het begon.

En New York is in de zomer ook de locatie van Young World, het gratis toegankelijke festival dat jullie nu al vier jaar organiseren. Wat inspireerde jullie om dat festival te starten en wat was het meest lonende aan de oprichting ervan?

Het begon eigenlijk als een heel ander idee. Ik wilde een serie shows doen in verschillende loodsen, waarbij alle podia in het midden zouden staan en het publiek eromheen zou lopen. Dat was eerst de droom, maar toen ik erachter kwam hoe ik dat ook echt kon realiseren, kwam ik terecht bij wat Young World nu is.

Vanaf het begin wilde ik dat het meer zou zijn dan zomaar een show. Ik wilde dat het iets zou zijn dat mensen echt samenbracht, dat voelde alsof het bij de stad hoorde. En door de jaren heen heb ik gezien dat het precies dat deed: het is een plek waar verschillende generaties artiesten en fans samenkomen via hiphop. Dat in real time zien, zien hoeveel het voor mensen betekent, dat is het meest lonende deel.

Waarom is New York de perfecte plek voor een festival als dit?

New York is gebouwd voor zoiets. Het is al een plek waar verschillende generaties, verschillende culturen en verschillende geluiden elkaar altijd kruisen. Dat is waar Young World over gaat: al die werelden samenbrengen in één ruimte.

Zelfs vanaf het eerste moment, toen we de deal met het kunstcentrum in de Lower East Side hadden, was het gewoon logisch. De mensen die erbij betrokken waren, de energie ervan, de manier waarop het iedereen samenbracht – het voelde allemaal als een natuurlijke uitbreiding van wat er al in de stad gebeurde. Toen we het naar het park in Brooklyn verhuisden, werd het nog groter. Dat was het moment waarop ik echt zag hoeveel het voor de gemeenschap betekende.

Nu zijn er mensen die mij niet eens kennen van mijn muziek, maar wel van het opzetten van Young World. Ik liep in mijn buurt en iemand noemde mij "de gast die het parkding doet." Noemde het niet eens Young World - gewoon "het parkding." Dat vind ik gek. Of ik ben in de sportschool en een van de beveiligers die daar al jaren werkt, herkent mij eerst niet, en dan zegt hij: "Oh, jij bent die gast van Young World?" Dat is gek, want dat betekent dat het mensen bereikt die niet alleen naar mijn muziek luisteren.

Dat is wat New York de juiste plek hiervoor maakt. Het is niet langer alleen mijn ding. Het is iets dat nu bij de stad hoort.

Je hebt met een ontwerper samengewerkt om collages te maken voor elk nummer op het nieuwe album. Deze zullen in heel New York te zien zijn als onderdeel van je samenwerking met oom. Wat voegen deze beelden toe aan de beleving van het album?

De beelden zijn net zo belangrijk als de muziek. Ze vertellen het verhaal op een manier die de muziek alleen soms niet kan. Elk project begint met een los idee – iets dat visueel bij me blijft hangen – en van daaruit laat ik het groeien. Bij Showbiz! dacht ik veel na over optreden, over het innemen van een rol, en over hoe het echte leven daarin meespeelt. Zo bid ik bijvoorbeeld voor elke show tot mijn moeder – biddend dat ze het kan zien en dat mensen ervan genieten – en zo heb ik die traditie kunnen verwerken in dit album en in de beelden van 'You're the Only One Watching'.

De collages weerspiegelen elk nummer en zijn heel persoonlijk voor mij. Ik heb het gevoel dat mensen de kwetsbare aard van mijn muziek waarderen, en dit is een uitbreiding daarvan. Het gaat niet alleen om promotie – het gaat erom dat we de kunst op een andere manier kunnen presenteren, los van de muziek. Kunst is onze kans om ongrijpbare dingen tastbaar te maken, en dat is wat deze visuals doen. Ze maken de emoties en ideeën achter elk nummer iets dat je daadwerkelijk kunt zien en ervaren in de echte wereld.

Hoe vindt u het om de kloof tussen de digitale en de echte wereld te overbruggen?

Het is spannend omdat er in het echte leven geen algoritme is. Iedereen kan er langs lopen, ermee interacteren en kennismaken met iets waar ze niet naar op zoek waren. Dat is het deel waar ik van hou: de willekeur ervan.

Het doet me denken aan hoe ik in het leven op dingen ben gezet. Iemand laat je iets zien, neemt je ergens mee naartoe en plotseling verandert je hele perspectief. Dat is wat ik hoop dat hiermee kan gebeuren – mensen die de kunst in hun dagelijkse leven tegenkomen en misschien iets ontdekken dat bij ze blijft hangen.

Over het verbinden met het publiek gesproken: hoe heeft je relatie met sociale media zich ontwikkeld, vooral als onafhankelijk artiest? Het is nog niet zo lang geleden dat je je Instagram-account hebt uitgezet...

Man, ik ga zo weer terug naar privé. [lacht] Sociale media zijn waardeloos, man. Maar tegelijkertijd hebben ze macht. En alles wat macht heeft – als het ten goede kan worden gebruikt, zal het ook tegen ons worden gebruikt. Elk sociaalmediaplatform voelt nu gewoon rechts aan.

Ik ben wel een scroller, hoor. Ik rap, en ik scroll. Dat is echt mijn ding. [lacht] En als je er even goed voor gaat zitten, is het net een hamsterwiel. Mijn vrienden die kinderen hebben, vertellen me over Cocomelon – hoe het gewoon met hun dopamine speelt, met hun hersenen speelt. En dan denk ik… bro, wij zitten ook allemaal op Cocomelon. Sociale media doen hetzelfde met ons, alleen dan anders aangekleed.

Daarom probeer ik mezelf – en andere artiesten – eraan te herinneren dat we nog steeds een vrije wil hebben in dit alles. Je kunt afstand nemen, je kunt het gebruiken zoals je wilt, zonder dat het je overneemt.

Of mensen er nu op straat, via de muziek in een koptelefoon of tijdens een optreden mee in aanraking komen, wat hoop je dat mensen meenemen van het nieuwe album?

Ik hoop alleen dat de muziek mensen een ruimte geeft om zichzelf te voelen. Ik wil dat de shows een veilige plek zijn – een plek waar mensen kunnen luisteren en misschien verbinding kunnen maken met gevoelens die ze hebben gehad, maar die ze niet in woorden konden vatten of konden uitbeelden.

Zelfs buiten de muziek om, met de collages of het zien ervan op straat, wil ik gewoon dat mensen iets ervaren dat bij ze blijft hangen. Misschien inspireert het ze om op een nieuwe manier naar hun eigen leven te kijken, of om na te denken over waar ze zijn en waar ze naartoe gaan. Dat is echt alles waar ik op kon hopen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.25Off Licence Magazine breekt door de ruis met nummer veertien

Terug naar Functies

Off License-tijdschrift heeft zijn naam opgebouwd door onafhankelijke muziek, undergroundcultuur en de creatievelingen die grenzen verleggen te promoten. Met Issue Fourteen richt het blad zijn focus op iets onontkoombaars: het internet. Van de opkomst van sociale media tot de dominantie van streamingplatforms, de digitale wereld heeft de manier waarop artiesten creëren, verbinden en overleven, veranderd. Dit nummer gaat niet alleen over het online tijdperk, maar ook over hoe je er doorheen navigeert. De hoogtepunten, de dieptepunten en alles daartussenin.

Om het gesprek verder te brengen dan de pagina, is Off License een samenwerking aangegaan met UNCLE voor een flypostingcampagne, waarbij de coverillustratie en opvallende citaten uit het nummer te zien zijn in Brighton, Bristol, Londen en Manchester. Zo wordt ervoor gezorgd dat de dialoog daar terechtkomt waar het er het meest toe doet.

In de kern draait Off License altijd om het geven van onafhankelijke stemmen de ruimte die ze verdienen. Of het nu gaat om zorgvuldig geselecteerde coversterren of de verhalen erin, het tijdschrift blijft toegewijd aan kwaliteit boven clickbait. In een landschap waar digitale ruis authenticiteit vaak overstemt, houdt Off License de focus scherp: echte stemmen, echte verhalen en een ongefilterde blik op de cultuur die ertoe doet.

Om te begrijpen hoe editie veertien tot stand kwam en waarom internet een onvermijdelijk thema was, spraken we met de hoofdredacteur Greg Stanley over de veranderende visie van het tijdschrift, de uitdagingen van het digitale tijdperk en wat de toekomst brengt.

WAT HEEFT JE GEÏNSPIREERD OM 'HET INTERNET' ALS THEMA VOOR NUMMER VEERTIEN TE GEBRUIKEN?

Het is moeilijk om één specifiek ding aan te wijzen dat ons inspireerde om ons te richten op het internet als thema voor Issue 14. Het lag al een tijdje op ons Google Doc met goede ideeën en ik denk dat het deels voortkwam uit frustratie, althans voor mij als hoofdredacteur. Hoewel we iedereen die bij het tijdschrift betrokken is altijd aanmoedigen om het thema op hun eigen manier te interpreteren, werd mijn perspectief erop waarschijnlijk gevormd door een gevoel van social media-burnout.

In de zes jaar dat we Offie Mag runnen, is het social media landschap drastisch veranderd. De verschuiving in wat voor soort content goed presteert, heeft direct invloed op ons, niet alleen in termen van bereik, maar ook in hoeveel mensen het tijdschrift en de artiesten zien die we proberen te platformen. We hebben een groot deel van ons publiek en onze verkoop opgebouwd via stilstaande beelden, met name filmfotografie, wat vroeger een heel effectieve manier was om te groeien. Maar toen de zaken naar korte video's gingen, werd het aanpassen aan die verschuiving een uitdaging. Dus in zekere zin werd de beslissing om ons te richten op het internet gedreven door een mix van inspiratie en frustratie, vaak een geweldige motivator om te schrijven.

Dat gezegd hebbende, het probleem gaat niet alleen over de negatieve kanten. We wilden beide kanten onderzoeken. Zonder internet zou Offie Mag niet bestaan, en ook de community van lezers die we hebben opgebouwd niet. Veel van de muzikanten en artiesten die we in dit nummer hebben genoemd, delen hetzelfde dubbele perspectief: internet heeft kansen gebracht, maar ook nieuwe problemen.

Ik heb ook een achtergrond in journalistiek, en hoewel veel van wat ik heb gestudeerd nog steeds relevant is, voelt een deel ervan alweer achterhaald. Toen ik op de universiteit zat, bereidden we ons niet voor op dit ultrakorte videotijdperk waarin we nu zitten. Het medialandschap is zo snel veranderd dat traditionele leringen moeite hebben om bij te blijven.

Uiteindelijk voelde The Internet als het juiste thema op het juiste moment, omdat het zoveel weerspiegelt van wat wij, en de artiesten die we platformen, ervaren - zowel de hoogtepunten als de dieptepunten. Zoals de meeste dingen, weerspiegelt de online wereld de offline wereld, met al zijn kwalen en al zijn goede kanten. Het thema kwam samen als een samensmelting - of misschien beter nog, een algoritme - van al het bovenstaande.

KUN JE HET VERHAAL ACHTER DE SELECTIE VAN DE COVERARTIESTEN VOOR DIT NUMMER MET JE VERTELLEN?

De manier waarop we coversterren uitkiezen is vrij eenvoudig: we denken aan artiesten waar we van houden, sporen een contactpersoon op en hopen dat diegene het leuk vindt.

Liv.e was iemand die ik al jaren wilde interviewen, maar we deden al onze shoots in het Verenigd Koninkrijk, dus ik wachtte op het juiste moment. Toen luisterde ik naar Past Futur.e en dacht, nee, laten we het gewoon doen. Ze had een kleine show in Parijs, we hadden daar goede connecties en Lucy Cullingworth was beschikbaar om te shooten, dus het paste allemaal. Gezien haar onafhankelijke benadering van muziek, paste ze perfect bij het thema van The Internet.

Met Zack Fox stelde mijn partner Fez hem eigenlijk voor nadat we zijn DJ-sets op YouTube bleven bekijken. Eerst dacht ik: ja hoor, want hij heeft op een aantal grote tijdschriftcovers gestaan. Maar hij heeft echt de ethos van Offie Mag verkloot, en het thema Internet voelde als een goed excuus om te mikken op een artiest met een groter platform dan we normaal gesproken nastreven. Bovendien vind ik zijn muziek gewoon heel interessant: zijn Wood Tip EP is veel introspectiever dan de chaotische energie van zijn DJ-sets.

Wat ze allebei bindt, is dat ze online echt hilarisch zijn, of het nu memes, bijschriften of daadwerkelijk geregisseerde content zijn, maar in hun muziek kunnen ze echt oprecht zijn. Dat contrast voelt als de perfecte manier om beide kanten van het internet te uiten.

WELKE INVLOED HEEFT HET THEMA 'HET INTERNET' OP DE INHOUD EN DE VORMGEVING VAN HET TIJDSCHRIFT?

Onze thema's kunnen heel specifiek zijn, zoals de New York-editie, die zich volledig richtte op kunstenaars en verhalen uit de stad. Maar het internet is breder. Omdat het onvermijdelijk is, had elke kunstenaar met wie we spraken iets relevants te zeggen.

Inhoudelijk hebben we onderwerpen behandeld als de druk op artiesten om content voor sociale media te maken, onze verslaving aan telefoons en de uitbuiting van onafhankelijke muzikanten door streamingdiensten. Er zit ook veel nostalgie in dit nummer: DaMetal Messiah heeft een lijst met tracks samengesteld met LimeWire-energie, die inspeelt op die sensatie van het ontdekken van muziek online in de vroege jaren 2000. Ondertussen hebben jongere artiesten die in het tijdschrift voorkomen nog nooit een muziekindustrie zonder internet gekend, dus we hebben een heel breed perspectief.

Voor het ontwerp zijn we niet overboord gegaan met Y2K-esthetiek, maar Daniel Lovrinov heeft een ongelooflijke titelpagina en merch-ontwerp gemaakt met enen, punten en leestekens om "The Internet" en "Offie Mag" te spellen - een knipoog naar digitale code. We hebben ook Elsa Monteith die onderzoekt of korte content muziekvideo's kapotmaakt, wat het thema verbindt in zowel de content als de visuele richting.

BEGIN JE BIJ HET CUREREN VAN ELK NUMMER MET EEN THEMA EN WERK JE DAARVAN, OF VIND JE GEMEENSCHAPPELIJKE BASIS ONDER DE BIJDRAGERS? WAT IS JE CREATIEVE PROCES?

Vroeger deden we het andersom: we begonnen met artiesten die we echt wilden uitlichten en zochten dan een rode draad tussen hen. Zo kreeg Issue 10 zijn Renaissance-thema: Pink Siifu en Fly Anakin zeiden dat underground rap een renaissance doormaakte, en het klikte gewoon. We waren op dat moment ook in Parijs, waardoor het voelde als een toevalstreffer.

Maar nu we overgaan op kwartaalpublicaties, plannen we thema's van tevoren en bouwen we het nummer eromheen. We benaderen artiesten en doen oproepen voor pitches die passen bij onze komende thema's, wat ons helpt om gestructureerd te blijven, vooral omdat we nu betalende abonnees hebben die regelmatige nummers verwachten.

Sommige thema's zijn echt specifiek, zoals New York, waar elk verhaal terug moest grijpen op de stad. Andere zijn losser, zoals The Internet of Nightlife, waar we alles onderzochten, van waarom het nachtleven ertoe doet tot hoe we de clubcultuur kunnen ondersteunen. De thema's vormen op natuurlijke wijze de soorten artiesten die we uitlichten, en het is interessant om te zien hoe dat zich heeft ontwikkeld: onze eerdere tijdschriften waren vooral gericht op rap, terwijl recentere uitgaven zich hebben vertakt naar dancemuziek, experimentele scenes en meer.

HOE EN WAAROM IS OFFIE MAG BEGONNEN?

Er zijn eigenlijk twee antwoorden op deze vraag. Aan de ene kant was ik net klaar met mijn studie en wilde ik mijn werk graag naar buiten brengen. Ik schreef destijds voor voetbaltijdschriften, nog steeds helemaal geobsedeerd door voetbal, maar ik voelde een groeiende drang om over muziek en cultuur te schrijven, met name over onafhankelijke muziek. Rond 2016-2018 was er een golf van underground hiphop, rap en jazz in het Verenigd Koninkrijk die niet zo diepgaand werd behandeld. Als publicaties erover schreven, verdiepten ze zich er niet in op de manier waarop ik dat wilde.

Dus Offie Mag begon als een manier om de industrie te omzeilen. Ik was niet zo goed in pitchen, ik had geen connecties in de industrie en in plaats van te wachten tot een editor een kans op me waagde, besloot ik om gewoon mijn eigen platform te starten. Tegelijkertijd raakte ik meer geïnteresseerd in filmfotografie: mijn moeder had me haar oude Olympus Trip 35 gegeven, een camera die mijn vader haar had gekocht toen ze 21 was. Ik maakte foto's van mijn vrienden, avondjes uit, huisfeestjes en de dingen die om me heen gebeurden. Offie Mag werd de perfecte mix van de twee: schrijven en fotografie op één plek.

De keuze om het tijdschrift te drukken was een volgende stap. Ik had onafhankelijke platenlabels kleine oplagen vinyl en beperkte merchandise zien verkopen, die genoeg verdienden om zichzelf in stand te houden. Dat inspireerde me. Er waren heel veel artiesten met toegewijde fanbases, maar geen diepgaande media-aandacht. Drukwerk voelde als een manier om dat te bieden en tegelijkertijd het tijdschrift financieel levensvatbaar te maken.

Vanaf daar groeide het gewoon organisch. Meer mensen wilden meedoen: journalisten, fotografen, dj's. We lanceerden een radioshow op mijn universiteitsstation en verhuisden vervolgens naar een klein station in Brighton, waar de meest transformerende vriendschap van mijn leven begon te bloeien met Matt Leppier (Brickcellphone), die nu de managing editor is van Offie Mag (op de foto!). Dat leidde tot evenementen, die we in lijn hielden met ons ethos: kleine artiesten boeken, de ticketprijzen laag houden en ons richten op community building.

Aanvankelijk was het publiek van Offie Mag gevestigd in Brighton, maar het gedrukte tijdschrift gaf ons een wereldwijd lezerspubliek. Financieel begon het met wat in feite een onofficiële beurs was: ik was geaccepteerd voor een master in documentaire en ze hadden mijn studielening al opgestuurd voordat ik besloot, letterlijk de dag voordat het semester begon, dat ik het niet zou doen. Dat geld betaalde voor de eerste druk en vanaf daar groeide het uit tot wat Offie Mag vandaag de dag is.

BESCHRIJF OFFIE MAG IN DRIE WOORDEN.

Een echt tijdschrift. Godzijdank voor streepjes.

HOE ZORG JE ERVOOR DAT ELK NUMMER AANSLUIT BIJ JE PUBLIEK EN DAT JE OOK NIEUWE PERSPECTIEVEN INTRODUCEERT?

We denken er niet te veel over na. Door ons te richten op onafhankelijke muzikanten, onafhankelijke labels en onafhankelijk gerunde instellingen, trekken we op natuurlijke wijze lezers aan die om die dingen geven.

We vragen onze bijdragers ook om eerst voor zichzelf te schrijven. Omdat ze uit verschillende achtergronden en plaatsen komen, weerspiegelt het tijdschrift ons publiek zonder het te forceren. De mensen die Offie Mag maken, zijn de doelgroep, dus het voelt authentiek.

Er is altijd een kans dat iemand alleen een tijdschrift koopt omdat hij geobsedeerd is door één coverster, maar dat is een risico dat we nemen. We vertrouwen niet alleen op het bereik van grote namen, we vertrouwen op de duurzaamheid van de curatie en de verhalen die we vertellen.

WELKE INVLOED HEEFT HET CULTURELE LANDSCHAP VAN HET VK OP DE RICHTING EN INHOUD VAN OFFIE MAG?

Hoe kan het ook anders? De grootste invloed is bezuinigingen: de bezuinigingen op overheidsfinanciering die het moeilijker maken om een onafhankelijke artiest, een locatie-eigenaar of een creatieveling van welke soort dan ook te zijn.

Die financiële druk heeft alles gevormd, maar het benadrukt ook hoe belangrijk muziek en cultuur zijn, niet alleen voor entertainment, maar ook voor de gemeenschap, verbinding en welzijn. We bespreken die worstelingen, maar ook de manieren waarop mensen ondanks alles blijven creëren.

WELKE AANSTAANDE PROJECTEN OF EVENEMENTEN KUNNEN LEZERS VAN OFFIE MAG VERWACHTEN?

Ik wil er niet te veel over zeggen, maar als Offie Mag een radioplatform zou starten, zou het waarschijnlijk het beste radioplatform ter wereld zijn.

WAAROM HEB JE BESLOTEN OM JE TE FOCUSSEN OP PRINT IN PLAATS VAN ONLINE?

Een paar redenen, maar mijn favoriet op dit moment is de archiefaard van print. Online content verdwijnt in de vloed van sociale media, maar print maakt dingen permanent.

Er is iets speciaals aan de wetenschap dat iemand over 10, 20, 30 jaar een nummer in een museum, een kringloopwinkel of een rommelmarkt kan vinden en een momentopname kan maken van wat er op dat moment in de onafhankelijke muziek en cultuur gebeurde. Elk tijdschrift is een capsule van een moment, iets tastbaars dat voortleeft.

WAAROM ZIJN GEPRINTE MEDIA BELANGRIJK VOOR OFFIE MAG IN HET DIGITALE TIJDPERK?

Als we niet in print waren gegaan, waren we gewoon een Instagram-pagina of blog geweest. Print zorgde ervoor dat mensen ons serieus namen.

Het voelt ook specialer nu er minder van is. Als een nieuw nummer op iemands deurmat belandt, is het een nieuwigheid. Mensen worden enthousiast om het in hun handen te houden, en dat is iets wat online media niet kunnen evenaren.

WAT ZIJN UW VERWACHTINGEN VOOR DE FLYPOSTING-CAMPAGNE?

Ik hoop dat het voor altijd blijft staan. Ik hoop dat mensen die ons sinds Issue One of Issue Two hebben gesteund het in hun stad zien en denken, oh wow, ze gaan nog steeds door, ze groeien nog steeds.

En wat de posters zelf betreft? Ik hoop dat veel mensen dat citaat van Zack Fox zien, want hij heeft het helemaal goed gedaan—

“Het internet is gewoon een grote vuilnisbelt van de grootste denkers en de domste mensen aller tijden.”

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken01.25Herinneringen schilderen: kunstenaar Emily Manwaring over het behoud van de Caribische cultuur in New York.

Terug naar Functies

“Dit was belangrijk. Dit verdient het om herinnerd te worden.”

Dat is onderdeel van het ethos van de in Queens opgegroeide, in Brooklyn wonende kunstenaar Emily Manwaring. Haar schilderijen en sculpturen leggen momenten, herinneringen en vreugde vast – als een gedeelde camerarol voor de Caribische gemeenschap van New York. Van drukke dansvloeren tot zelfzorg in eenzaamheid, van Haïtiaanse Tap Tap-bussen tot de veranderende straten van Brooklyn, Manwaring verzamelt honderden referenties voor elk stuk dat ze liefdevol samenstelt: smartphonefoto's, voorwerpen die op straat in haar wijk Flatbush zijn gevonden, flyers voor dancehall-raves van weleer en sieraden die verloren zijn gegaan en gevonden op Carnival.

Haar werk – zowel voltooid als in uitvoering – vormt de achtergrond van ons interview terwijl ze kletst vanuit haar appartement tijdens de sombere midwinter in New York. De kunst warmt de scène op, door penseelstreken, geverfde doeken en echte artefacten te combineren om iets transformatiefs te creëren: toekomstige artefacten, archieven van cultuur die, in haar eigen woorden, “niet op de manier bewaard of herinnerd zijn die het verdient.”

Deze benadering is duidelijk zichtbaar in werken als 'Zacht bad, waar twee vrouwen genieten van zonlicht en geluid, een roze iPod Nano naast zich terwijl ze een koptelefoon delen. Het is een scène die even intiem als universeel is – een momentopname van stille vreugde gedeeld tussen vrienden. Voor Manwaring vormen deze momenten van nabijheid, vooral onder vrouwen, de kern van haar kunst. Haar vroege fascinatie voor familiefotoalbums – bevroren frames van liefde en verbinding – inspireerde haar om deze relaties op grotere schaal te eren.

Inspiratie kwam ook van kunstenaars als Kerry James Marshall en Jordan Casteel, die haar allebei lieten zien hoe identiteit ruimte kon innemen op een galeriewand. Maar Manwarings vroege ervaringen in Queens waren net zo vormend. Met beperkte toegang tot de kunsten in haar geboortestad, spijbelde ze vaak van school om galerieën in Brooklyn of Manhattan te bezoeken. Die reizen, samen met haar tijd bij het Studio Museum in Harlem, leerden haar kunst te waarderen als een vorm van verhalen vertellen en behoud.

Manwarings werk is te zien geweest in vooraanstaande galerieën zoals Thierry Goldberg, Great Hall Gallery, Swivel Gallery en Monti 8 in Italië. Ze heeft ook lovende kritieken ontvangen in publicaties zoals The New Yorker, JUXTAPOZ, artneten Het is leuk datOnlangs werd ze geselecteerd om te exposeren in het Brooklyn Museum Tentoonstelling van kunstenaars uit Brooklyn – een belangrijke mijlpaal die haar plek tussen de meest opwindende opkomende kunstenaars van de stad bevestigt.

Toch beperkt haar werk zich niet tot galerieën of instituten – als er al iets is, dan is het het idee om het op straat te hebben dat haar meer opwindt. Haar kunst floreert in de openbare ruimte, waar het direct verbinding kan maken met de gemeenschappen die het weerspiegelt.

Haar samenwerking met UNCLE brengt haar Terug 2 Leven project naar deze openbare ruimtes. Geïnspireerd door de felle kleuren en composities van dancehall-flyers, herinterpreteert dit werk die ontwerpen op een monumentale schaal. "Ik stel me voor dat een tante langs een van mijn wilde posters loopt en zichzelf erin ziet," zegt Manwaring.

Haar kunst archiveert momenten en gedeelde herinneringen en neemt ruimte in waar het er het meest toe doet: op straat, waar vreugdevolle verhalen gevierd kunnen worden door de mensen waar ze bij horen.

HOE PAK JE EEN NIEUW PROJECT OF IDEE AAN? KUN JE ONS DOOR JOUW CREATIEVE PROCES LEIDEN, VAN DE EERSTE INSPIRATIE TOT HET EINDE?

Het begint vaak met een herinnering – een specifiek moment dat bij me blijft hangen – en ik begin na te denken over hoe ik dat tot leven wil brengen. Vanaf daar plan ik de compositie, vooral als ik met een vierkant canvas werk. Ik denk na over wat er in elke hoek gebeurt, wat er uit het frame komt en hoe de vormen samenwerken. Soms breek ik het frame helemaal open en onderzoek ik hoe ik het werk op een compleet andere manier kan presenteren.

Ik gebruik een map vol referenties – honderden foto's voor één schilderij. Het kan een kleur zijn die ik op straat heb opgemerkt, de textuur van een veer op het trottoir of de manier waarop sieraden glinsteren. Ik maak ook mijn eigen referentiebeelden, die een pose, een outfit of de manier waarop licht op een bepaald oppervlak valt, kunnen vastleggen. Al deze stukjes komen samen om iets samenhangends te creëren – een soort samensmelting van al deze kleine inspiraties.

Ik denk ook veel na over 3D-elementen. Wat kan er uit het canvas springen? Hoe kan ik de kijker aarden in de wereld die ik creëer?

VERTEL ONS OVER DE ROL VAN MATERIAAL EN DEZE 3D-ELEMENTEN IN JE WERK… HOE KIES JE ZE?

Mijn vriend en ik verzamelen altijd dingen die we op straat vinden – flyers, objecten, alles waarvan we het gevoel hebben dat het inspiratie kan opleveren. Die materialen komen soms in mijn werk terecht en ik vind het geweldig dat ze een stukje van de wereld inbrengen in wat ik creëer.

Materialiteit is zo belangrijk voor mij omdat het de wereld die ik in mijn kunst creëer, verbindt met de echte, tastbare wereld om ons heen. Wanneer ik objecten als een armband, een ketting of zelfs beton toevoeg, fungeren ze als aardingstechnieken. Deze elementen brengen vertrouwdheid – ze laten mensen stilstaan en denken: "Dat weet ik; dat heb ik gedragen; dat heb ik eerder gezien." Het trekt ze naar het stuk toe en helpt ze zich verbonden te voelen met de wereld die ik afbeeld.

Ik heb bijvoorbeeld een schilderij gemaakt met een hangmat, en ik heb lampen gebruikt om het omhoog te houden. Die lampen waren niet alleen decoratief; ze werden onderdeel van het beeldhouwwerk, onderdeel van de functionaliteit en presentatie van het werk. Het ging erom het werk levend te laten voelen, alsof het in een ruimte bestond in plaats van alleen op een doek.

WE HEBBEN HET AL OVER VREUGDE EN DE CARIBISCHE CULTUUR GEDAAN, MAAR ZIJN ER NOG ANDERE THEMA'S DIE CENTRAAL STAAN IN JE WERK?

Veel van mijn werk draait om vrouwen en de interacties die we met elkaar hebben. Het gaat over wat het voor mij betekent om een vrouw te zijn en de ruimtes waar we verbinding, vreugde en veiligheid vinden. Die momenten van interactie, of ze nu groot of klein zijn, zijn iets dat ik graag verken via mijn schilderijen.

“Back 2 Life” is geïnspireerd op flyers voor dancehall waves, waarbij het nachtleven en de visuele cultuur op zo’n opvallende manier worden gecombineerd. Kunt u ons vertellen wat de inspiratie achter dit stuk is en hoe het past in uw bredere oeuvre?

Back 2 Life is zo'n speciaal stuk voor mij omdat het een verschuiving in mijn praktijk vertegenwoordigt. Het was een van de eerste keren dat ik loskwam van het vierkante frame en de traditionele spieramen om mezelf echt af te vragen: wat probeer ik hier te zeggen? De inspiratie kwam van het rondlopen door Brooklyn, vooral in Flatbush, en het zien van al die ongelooflijke Jamaicaanse en Caribische flyers die overal waren opgeplakt.

Er is iets met de compositie van die flyers – de kleuren, de gezichten, de tekst – dat zo levendig en futuristisch aanvoelt, ook al zijn veel ervan jaren geleden gemaakt. Ik begon ze te verzamelen, bouwde een archief van visuals op, en één flyer in het bijzonder viel me op. Het werd de basis voor Back 2 Life.

Het proces was net zo belangrijk als de inspiratie. Ik begon met het verven van het canvas, waarbij ik de kleuren liet uitlopen en op natuurlijke wijze met elkaar liet interacteren. Dat was alsof ik een levende, ademende basislaag creëerde. Vervolgens begon ik de beelden erbovenop te leggen – de figuren renderen, de levendige tekstelementen toevoegen en de schaal van de flyer opblazen om bijna de ruimte waarin hij staat te domineren.

Wat dit werk zo spannend maakt, is hoe interactief het aanvoelt. Mensen kijken ernaar en vragen zich af: "Is dit een echt evenement? Moet ik het nummer op de flyer bellen?" Het wekt een gevoel van nieuwsgierigheid op, bijna alsof de flyer weer tot leven komt. Voor mij is dit werk een manier om de visuele cultuur van de Caribische diaspora te eren en deze weer op straat te krijgen.

ZIE JE SCHILDEREN ALS EEN NUTTIGE MANIER VAN ARCHIVEREN?

Ik zie schilderen absoluut als een vorm van archivering, vooral voor de Caribische cultuur. Er is zoveel dat niet is bewaard of herinnerd op de manier waarop het dat verdient. Toen ik jonger was, bracht ik uren door met het doorbladeren van mijn familiefotoalbums en dacht ik na over hoe ik die momenten op een nieuwe manier kon eren. Zo begon ik voor het eerst met schilderen, door die foto's opnieuw te maken en te reflecteren op wat ze voor mij betekenden.

Nu is mijn werk uitgegroeid tot niet alleen persoonlijke herinneringen, maar ook collectieve. Ik werk nu aan een stuk dat objecten bevat die je tijdens carnaval zou vinden, zoals sieraden of veren. Dat is een andere manier om deze momenten vast te leggen die zo rijk maar vaak vluchtig zijn.

Voor mij draait schilderen om het zeggen van: "Dit deed ertoe. Dit verdient het om herinnerd te worden." Het stelt me in staat om vluchtige of alledaagse momenten te nemen en ze te transformeren tot iets blijvends, iets waar mensen jarenlang naar kunnen kijken en zich mee kunnen verbinden.

HOE IS BROOKLYN ALS EEN PLAATS OM TE WONEN EN WERKEN VOOR CREATIEVE MENSEN?

Wonen in Brooklyn is gewoon geweldig. Ik wil niet te diep op Flatbush ingaan, want ik wil niet dat ze hierheen komen en al mijn shit gentrificeren. Maar hier zijn is zo speciaal voor mij, het zit vol met Caribische cultuur en het voelt in alle opzichten als thuis.

Ik maak wat ik grounding walks noem, waarbij ik gewoon naar buiten ga en alles fotografeer wat me inspireert, de kleuren, texturen, momenten. Brooklyn heeft zoveel leven en geschiedenis; je ziet iets op straat dat een herinnering van jaren geleden oproept, en plotseling wil ik een heel oeuvre creëren op basis daarvan.

Ik loop over straat en ik ben een weerspiegeling van de straat.

WELKE ANDERE KUNSTENAARS UIT NEW YORK MOETEN WE KENNEN?

Ik moet mijn vriend, Oji Haynes, even noemen, hij is een allround kunstenaar die werkt met fotografie en beeldhouwkunst. Ons huis staat vol met onze creaties en het is zo'n unieke manier om te leven en samen te werken.

Ik moet eigenlijk mijn vrienden noemen. Tyinghe Fleming die in de fotografie werkt en Aicha Cherif die in de cinematografie, regie en productie werkt. Wat ik zo leuk vind aan New York is deze cultuur van wederzijdse steun, we pushen elkaar allemaal om te creëren en te groeien.

WAT IS WAAR JE IN NYC KUNST KUNT BEKIJKEN?

MoMA heeft een speciale plek in mijn hart. Het was het eerste grote museum dat ik als tiener bezocht, vaak spijbelend van school om er uren door te brengen. Die eerste bezoeken hebben mijn begrip van wat kunst zou kunnen zijn gevormd.

Ik hou ook van de galerieën in Chelsea, waar je een aantal van de meest inspirerende hedendaagse shows kunt vinden. En natuurlijk het Brooklyn Museum, het is zo'n dynamische plek die verbonden voelt met de gemeenschap.

FAVORIETE MUZIEKLOCATIE IN NYC?

Brooklyn Paramount is een uitschieter voor mij. Ik heb daar een aantal geweldige shows gezien, zoals Chief Keef en Cash Cobain. Het heeft die echte New Yorkse energie.

Een andere favoriet is Tegenwoordig, waar ik tot in de vroege uurtjes heb gedanst met vrienden. Die DJ-sets betekenen zoveel voor mij, muziek en dansen zijn zulke belangrijke onderdelen van mijn leven. Dansen is absoluut mijn liefdestaal. Als ik geen schilder was, denk ik dat ik een danser zou zijn!

WAT IS JOUW FAVORIETE PLEK OM TE ETEN IN NYC?

Ik zou zeggen Brooklyn. Ik hou van Fisherman's Cove – helaas gaan ze het afbreken vanwege gentrificatie, maar dat is de beste ox tail.

Jouw kunst hoort thuis in het fysieke domein, maar een groot deel van het publiek ontdekt het online. Welke uitdagingen kom je tegen bij het vertalen van de levendigheid van je werk naar digitale ruimtes, en hoe pak je het delen ervan op platforms als Instagram aan?

Instagram is raar, maar ook noodzakelijk. Voor mij is het nu net als LinkedIn, gewoon een manier om contact te maken met mensen en te delen wat ik doe. Ik ben opgegroeid in het Tumblr-tijdperk en ik denk dat ik Instagram nog steeds als een blog behandel, door dingen te posten die me aan verschillende momenten in mijn leven of mijn werk herinneren.

Ik probeer het te gebruiken als een hulpmiddel om mijn proces te laten zien of delen van mijn schilderijen te benadrukken, maar het zal nooit concurreren met het in het echt zien van het werk. Als iemand mijn kunst online ziet, hoop ik dat ze zich aangetrokken voelen om het fysiek te ervaren, omdat het een compleet andere energie is. Sociale media zijn nuttig, maar ik waardeer echte menselijke interacties en de ervaring om kunst in het echt te zien zoveel meer.

WAT VINDT U HET LEUKST AAN HET TENTOONSTELLEN VAN UW KUNST IN DE OPENBARE RUIMTE, NU UW AANSTAANDE SAMENWERKING MET WILDPOSTING IN NEW YORK?

Wat mij het meest opwindt is hoe toegankelijk het is. Kunst zou niet alleen in galerieën of op beurzen moeten bestaan, het zou onderdeel moeten zijn van de wereld, op straat, op plekken waar mensen daadwerkelijk hun leven leiden. Met dit project stel ik me voor dat iemand in Flatbush langs een billboard of een wilde poster loopt en zichzelf erin ziet, en zijn cultuur weerspiegeld ziet.

Er is één scenario dat steeds weer in gedachten komt: tantes, de ouderen in onze gemeenschap, die langslopen en zichzelf of hun verhalen vertegenwoordigd zien. Misschien is het iemand die niet de kans heeft gehad om naar een galerie of museum te gaan, maar die naar die poster kijkt en zich gezien voelt. Dat is wat ik zo leuk vind aan dit format, het is voor iedereen.

Het is niet opgesloten achter gesloten deuren of afhankelijk van wie het zich kan veroorloven om een galerie te bezoeken. Het is er gewoon voor mensen om mee te interacteren, en dat voelt echt krachtig. De straten zitten vol verhalen, en dit is mijn manier om daaraan bij te dragen, om iets terug te geven aan de gemeenschap terwijl ik op een echte, directe manier met mensen in contact kom.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken01.2504.25Wat u aan de stad geeft, geeft het terug: fotograaf Jacob Consenstein over New York

Terug naar Functies

Volgens Jacob Consenstein verkeert de kunst in New York momenteel in een gouden tijdperk.

Het is een grote uitspraak, maar wel een die is gedaan door iemand die de afgelopen tien jaar veel terrein heeft bestreken en net zoveel heeft gedocumenteerd. Jacob was een van de tieners die wegwerpcamera's van de planken van CVS griste – niet om kattenkwaad uit te halen, maar om vast te leggen wat er om hem heen en zijn leeftijdsgenoten in zijn geboortestad gebeurde.

Het ging er niet om een "scene" vast te leggen - labels als deze komen later, achteraf toegepast. Het ging erom instinctief momenten te bewaren die betekenisvol voelden: vrienden die de stad om hen heen op een creatieve manier herinterpreteerden, graffiti die meer werd dan vlekken op muren, skaten en feesten waar rondhangen misschien het belangrijkste voorrecht was, maar het delen van nieuwe muziek en het ontmoeten van gelijkgestemden een onverwachte feestgunst.

Geïnspireerd door degenen die hem voorgingen in straatfotografie, film, muziek en meer, ziet Jacob jonge New Yorkers een lijn van creativiteit voortzetten die, van buitenaf, kan lijken op een overgangsrite voor het opgroeien in de stad. Maar het idee dat de cultuur en creativiteit van New York gewoon 'gebeuren' is een mythe. De concurrentie, de kosten en de constante beweging drijven mensen om verbinding te maken, samen te werken en te creëren.

Voor Jacob wordt deze dynamiek weerspiegeld in de manier waarop kunstvormen elkaar kruisen. Zijn fotografie staat niet zomaar op zichzelf; het mengt naadloos met muziek, schrijven en verhalen vertellen. Projecten zoals zijn zelfgepubliceerde Kunstenaarsreeks – momenteel wheatpasted door UNCLE op stadsmuren – versterken stemmen uit verschillende disciplines, met onder andere MIKE, duendita, Deem Spencer en Sabrina Santiago. Door middel van portretten en interviews legt Jacob niet alleen individuen vast, maar ook de collectieve energie van een stad die floreert op samenwerking.

Het is deze drukte en uitwisseling die Jacobs bredere succes heeft aangewakkerd, van commerciële campagnes met NIKE en adidas tot tentoonstellingen in heel New York. Deze prestaties laten niet alleen zijn talent zien; ze onderstrepen hoe diep zijn werk geworteld is in de ethos van de stad – een ethos die degenen beloont die iets betekenisvols bijdragen aan het voortdurende verhaal.

Deze uitwisseling van energie, inspanning en ideeën is wat New York draaiende houdt. De rijke culturele geschiedenis legt de lat hoog, maar voor Jacob is het een bron van inspiratie en een uitdaging om iets betekenisvols bij te dragen aan de zich steeds ontwikkelende creatieve lijn van de stad. Zoals hij het zegt: "Als je positief bijdraagt en productief bent, geeft wat je aan de stad geeft, je tienvoudig terug."

Zelfs een stad die zo beroemd is om zijn cultuur en creativiteit als deze, heeft mensen nodig die van de bank afkomen, een paar filmcamera's pakken en het laten gebeuren. Gouden eeuw of niet.

INTRODUCEER JEZELF IN JE EIGEN WOORDEN. HOE ZOU JE BESCHRIJVEN WIE JE BENT EN WAT JE DOET ALS FOTOGRAAF?

Mijn naam is Jacob Consenstein. Ik ben fotograaf en regisseur, geboren en getogen in New York. De afgelopen twaalf jaar heb ik me gericht op het vastleggen van streetwear, jeugdcultuur, muziek, graffiti en mode. De laatste paar jaar ben ik me ook meer gaan verdiepen in commercieel en campagnewerk. In de kern zie ik mezelf echter als een creatieveling en een verhalenverteller – iemand die fotografie gebruikt om de cultuur om me heen te weerspiegelen en te versterken.

HOE BEN JE VOOR HET EERST IN DE FOTOGRAFIE GERAAKT EN WAT TREK JE ERIN AAN ALS CREATIEF MEDIUM?

Ik kom niet uit een familie met een achtergrond in de kunsten – mijn ouders waren allebei docenten op community colleges en het grootste deel van mijn uitgebreide familie werkte in het onderwijs of de sociale dienstverlening. Dus ik ben vrij organisch in de fotografie gerold.

Ik stapte over naar een andere middelbare school en kwam terecht bij een school die stages aanbood in plaats van traditionele lessen. Mijn begeleider daar was de eerste die opperde dat een creatief pad überhaupt haalbaar was. Dat idee was me nog nooit eerder voorgelegd. Uiteindelijk verliet ik de middelbare school een semester eerder en stuurde ik koude e-mails naar mensen op plekken waar ik me op dat moment tot aangetrokken voelde, zoals Mass Appeal Magazine en Only NY.

Tegelijkertijd waren mijn vrienden en ik verdiept in graffiti, skateboarden en het geven van feestjes in New York. Ik was zo trots op wat er in die wereld gebeurde dat ik het wilde vastleggen. Ik begon wegwerpcamera's van CVS te stelen om constant foto's te kunnen maken. Uiteindelijk gaf een vriend me in 2014 of 2015 mijn eerste echte camera. Fotografie was het eerste waar ik echt goed in was, het klikte met me op een manier waarop school dat nooit deed.

Vanaf daar bleef ik mijn omgeving documenteren en het gaandeweg uitzoeken. Het was een heel onconventionele route om te komen waar ik nu ben, maar het voelde altijd natuurlijk voor mij.

WAREN ER VROEGE INVLOEDEN, DAT WIL ZEGGEN FOTOGRAFEN, KUNSTENAARS OF MOMENTEN, DIE UW BENADERING VAN FOTOGRAFIE HEBBEN GEVORMD?

Veel van mijn vroege invloeden kwamen rechtstreeks uit mijn omgeving. Ik groeide op in de Upper West Side van Manhattan en was constant omringd door cultuur. Het is de geboorteplaats van hiphop en mijn zus, die acht jaar ouder is dan ik, hield van punk, ska en hiphop. Mijn vader was een Deadhead, mijn moeder hield van disco en de B-52's en ik raakte helemaal in de ban van hiphop en boom bap uit de jaren 90. Die mix van stijlen en culturen heeft me echt gevormd.

Ik was gefascineerd door de cultuur van uptown New York – hoe levendig en rauw het was. De 'oude koppen' op straat, de muziek, de stijl, het inspireerde me allemaal. Ik bewonderde ook downtown kids zoals Harold Hunter en de OG Supreme crew. Ze waren als blauwdrukken voor hoe creativiteit en cultuur elkaar konden kruisen.

Veel van mijn inspiratie kwam ook van streetwear. Toen ik bij die merken werkte, ontmoette ik veel scrappy mensen die coole dingen deden. Een oprichter gebruikte de zeefdruklabs van zijn vrienden bij FIT (Fashion Institute of Technology) om zijn merk te lanceren. Mensen waren gewoon aan het klussen – skateboarders, graffitikunstenaars, muzikanten – ze lieten allemaal dingen gebeuren, en ik vond het geweldig en ik voelde me echt verbonden met de grassroots-aard ervan.

Die passie werd een obsessie. Ik begon me te verdiepen in de cultuur, deed onderzoek en besteedde tijd aan het begrijpen ervan. Mijn leeftijdsgenoten en omgeving waren mijn grootste inspiratiebronnen. Dat zijn ze nog steeds, op veel manieren.

JE FOTOGRAFEERT VAAK OP FILM, WAT SPREEKT JE AAN IN FILMFOTOGRAFIE IN VERGELIJKING MET DIGITAAL? VIND JE HET PROCES OF DE RESULTATEN ANDERS?

Er is iets aan filmfotografie dat tijdloos aanvoelt. Voor mij is het het proces net zo goed als de resultaten. Ik hou van de uitgestelde bevrediging: een foto maken, het rolletje laten liggen tot het klaar is en dan wachten tot het ontwikkeld en gescand is. Dat tragere, fysieke proces zorgt ervoor dat elke opname meer opzettelijk aanvoelt.

Film heeft ook een tastbare kwaliteit die ik erg aantrekkelijk vind. Zelfs met mijn digitale werk, print en scan ik het soms om het meer textuur en leven te geven. Er zit een aangeboren diepte in film die moeilijk digitaal te repliceren is – het voelt menselijker aan en ik denk dat mensen daar van nature op reageren.

Ik begon ook met film. Iemand gaf me een Pentax K1000 en het was de eerste camera die ik had. Ik leerde er de basisprincipes van: hoe ik diafragma, belichting en de mechanica van fotografie moest begrijpen. Die praktische leerervaring heeft mijn aanpak van elke foto die ik maak, gevormd.

Dat gezegd hebbende, ik ben digitale fotografie op zijn eigen manier gaan waarderen. Het is de industriestandaard voor commercieel werk en ik heb er in de loop van de tijd een creatieve relatie mee gevonden. Ik zou niet zeggen dat ik de een boven de ander verkies: ze zijn nu allebei even interessant voor me, alleen op verschillende manieren.

SOCIALE MEDIA PLATFORMEN ZOALS INSTAGRAM WAREN OOIT EERST RUIMTEN VOOR FOTOGRAFIE, MAAR ZE ZIJN NU OVERGEGAAN NAAR VIDEOCONTENT EN ALGORITMEN. WELKE INVLOED HEEFT DIT OP JOU ALS FOTOGRAAF?

Ik denk dat het niet te ontkennen valt dat Instagram en vergelijkbare platforms in de loop der jaren aanzienlijk zijn veranderd. Toen ik voor het eerst op Instagram kwam, voelde het als een plek waar foto's konden worden gewaardeerd als een kunstvorm op zichzelf. Nu, met de push richting videocontent en algoritme-gedreven trends, is het moeilijker voor fotografie om op dezelfde manier op te vallen.

Dat gezegd hebbende, heb ik altijd de waarde ingezien van het fysiek presenteren van werk. Er is iets unieks impactvols aan het zien van kunst in het echt op straat of in een galerie, in plaats van op een scherm. Dat is een deel van wat ik zo leuk vind aan dit project met UNCLE, waarbij het werk in openbare ruimtes bestaat voor iedereen om te zien. Het verwijdert de hiërarchie van galerieën en maakt kunst toegankelijk op een rauwe, directe manier.

De veranderingen in sociale media herinneren me eraan hoe belangrijk fysieke displays van werk zijn. Ze hebben me aangemoedigd om me te richten op projecten als deze, waarbij de kunst buiten de digitale ruimte bestaat.

ZIE JE SOCIALE MEDIA VANDAAG ALS EEN INSTRUMENT OF ALS EEN UITDAGING OM JE WERK TE LATEN ZIEN?

Voor mij zijn sociale media overwegend positief. Ik heb Instagram altijd behandeld als een portfolio – een manier om mijn werk te delen en de verhalen erachter te vertellen. Ik denk dat die mindset me heeft geholpen om geaard te blijven naarmate het platform zich heeft ontwikkeld. Het is een hulpmiddel om verbinding te maken met een community en te laten zien wat ik doe, maar ik probeer de druk van algoritmes of trends mijn creatieve proces niet te veel te laten beïnvloeden.

Natuurlijk heeft social media zijn uitdagingen, vooral met hoe verzadigd het is geworden. Maar ik heb het geluk gehad om een netwerk van mensen te hebben opgebouwd die mijn werk oprecht waarderen. Elke post voelt als een offer aan hen, en ik focus me erop om met elke post iets betekenisvols te creëren. Het is niet zonder frustraties, maar over het algemeen zou ik zeggen dat het een tool is die veel mogelijkheden voor mij heeft geopend.

DE ARTIST SERIES, HET PROJECT WAARAAN JE MET UNCLE HEBT SAMENGEWERKT, BENADRUKT DE PORTRETTEN VAN DE CREATIEVE GEMEENSCHAP VAN NEW YORK. WAT HEEFT JE GEÏNSPIREERD OM JE OP DEZE PERSONEN TE FOCUSSEN EN HOE WEERSPIEGELEN ZE DE CREATIEVE ETHOS VAN DE STAD?

Dit project startte begin 2020 als een manier om de mensen in mijn directe omgeving vast te leggen en te vieren die ik voelde dat ze iets echt speciaals deden. Dit zijn individuen die ik al lange tijd bewonder – mensen met wie ik heb gefeest, samengewerkt of gewoon door geïnspireerd ben.

De focus ligt op kunstenaars in New York die een substantiële bijdrage leveren aan hun vakgebied, of dat nu muziek, schilderkunst of andere creatieve disciplines zijn. Wat hen allemaal bindt, is hun toewijding aan hun vak en hun vermogen om iets unieks te brengen in het culturele landschap.

Voor mij gaat deze serie over meer dan alleen documenteren – het gaat over het weven van een verhaal. Elke kunstenaar die ik uitlicht, vertegenwoordigt een draad in het grotere web van de creatieve gemeenschap van New York. Het zijn mensen waarvan ik geloof dat ze bijdragen aan wat op dit moment voelt als een gouden eeuw in de kunst van New York. Door hun portretten en bijbehorende verhalen wil ik laten zien hoe onderling verbonden en levendig deze scene werkelijk is.

HOE VOELT HET OM JE WERK GEPRESENTEERD TE ZIEN OP DE STRATEN VAN NEW YORK, ALS ONDERDEEL VAN EEN WILDPOSTING-CAMPAGNE, IN PLAATS VAN IN EEN GALERIJ OF ONLINE?

Er zit een rauwheid in het presenteren van kunst in de openbare ruimte die je gewoon niet in een galerie of online krijgt. Het voelt direct, toegankelijk en democratisch – iedereen die voorbijkomt kan ermee in aanraking komen, ongeacht wie ze zijn of waar ze vandaan komen.

Wat ik het mooiste vind, is hoe het de barrières wegneemt die er vaak zijn in de kunstwereld. Er is geen hiërarchie. Het gaat niet om exclusiviteit of gecureerde ervaringen; het gaat erom dat de kunst deel uitmaakt van de stad zelf. Voor mij is dat een prachtige manier om contact te maken met mensen en kunst in hun dagelijkse leven te brengen.

WAT VIND JE HET LEUKST AAN NEW YORK CITY?

Eerlijk gezegd vind ik het moeilijk om over New York te praten zonder bevooroordeeld te klinken – het is zo’n groot deel van wie ik ben en de groei die ik als artiest heb doorgemaakt. De stad heeft die ongelooflijke, ongeëvenaarde energie. Het tempo, de beweging, de constante uitwisseling van ideeën – het creëert allemaal een omgeving waarin creativiteit floreert.

Wat je in New York stopt, komt tienvoudig terug, en dat heb ik zelf ervaren. Er is hier ook een gevoel van geschiedenis. Toen ik opgroeide, werd ik omringd door de verhalen en beelden van mensen die hun stempel op de stad hadden gedrukt. Het is inspirerend om deel uit te maken van die erfenis, om iets bij te dragen aan een plek die al zoveel aan de wereld heeft gegeven.

En natuurlijk zijn de clichés waar: 'Als je het in New York redt, red je het overal.' Het is een lastige stad, maar als je er op de juiste manier doorheen navigeert, betaalt het je terug op manieren die je je nooit had kunnen voorstellen.

WAT VIND JE ZO UITDAGEND AAN CREATIEF ZIJN IN NEW YORK?

New York is een geweldige plek, maar het is ook een van de moeilijkste steden om het te maken, vooral als jonge kunstenaar. De kosten van levensonderhoud zijn torenhoog en zelfstandig werken kan voelen als een zware strijd. Je moet echt op je best zijn om jezelf hier staande te houden en tegelijkertijd zinvol werk te creëren.

WAT HOOP JE DAT MENSEN UIT JE WERK MEE NEMEN, OF ZE HET NU OP STRAAT ZIEN OF ERVAN OP EEN SCHERM LANGS SCROLLEN?

Ik hoop dat mensen de tijd nemen om echt naar mijn werk te kijken en de verbanden erin te zien. In alles wat ik doe, of het nu straatfotografie, portretten of meer conceptuele projecten zijn, vertel ik één onderling verbonden verhaal. Het gaat over cultuur, energie en de dingen die mensen samenbrengen.

Wat ik mensen wil laten begrijpen is dat mijn werk niet over geïsoleerde momenten gaat; het is allemaal met elkaar verweven. Ik denk aan mensen als Wolfgang Tillmans, die enorm verschillende projecten kunnen presenteren en ze toch het gevoel kunnen geven dat ze deel uitmaken van een groter, samenhangend verhaal. Dat is het soort impact dat ik hoop dat mijn werk heeft.

Of het nu iemand is die langs mijn foto's op straat loopt of er online doorheen scrollt, ik wil dat ze even stilstaan en de diepte en substantie achter de afbeelding zien. Elke foto is meer dan alleen een moment – het is onderdeel van een groter cultureel gesprek, een weerspiegeling van de energie en beweging die om ons heen plaatsvindt.

Uiteindelijk wil ik dat mensen iets voelen, dat ze zich verbinden met het verhaal dat ik vertel en dat ze misschien zelfs geïnspireerd raken om anders naar hun omgeving te kijken.

WELK ALBUM HEB JE VOOR HET LAATSTE KEER GELUISTERD?

Ultimate Love Song Collection van Doris. Het is zo'n geweldig luisterstuk - 41 minuten aan prachtig gemaakte liedjes. Het is een underground pareltje dat ik ben tegengekomen en ik heb het bijna elke keer van begin tot eind afgespeeld.

WAT IS JE FAVORIETE PLEK IN NEW YORK OM LIVEMUZIEK TE ZIEN?

Brooklyn Paramount. Het is een prachtig oud theater in het centrum van Brooklyn dat onlangs is heropend. De hoge plafonds zorgen ervoor dat het open en levendig aanvoelt, zelfs als het vol zit. Elke show die ik daar heb gezien was ongelooflijk.

Heeft u advies voor mensen die op straat langs uw werk lopen terwijl het nog op de muren van New York City hangt?

Neem even de tijd om echt te kijken. Lees de passages en leer meer over de kunstenaars die worden uitgelicht. Iedereen in deze serie doet iets substantieels in muziek, schilderkunst of andere kunstvormen. Het is een kans om je bezig te houden met werk dat je misschien nergens anders ziet, het staat allemaal voor je neus.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken12.2404.25Nadina Ali, een visionaire stem in kunst en maatschappelijke verandering.

Terug naar Functies

Nadina Ali is een multidisciplinaire kunstenaar uit Londen wiens gedurfde, tot nadenken stemmende werk de kracht van design gebruikt om gemarginaliseerde stemmen te versterken en urgente sociale problemen aan te pakken. Ali staat bekend om haar opvallende typografische posters en visueel aantrekkelijke slogans en inspireert mensen om te reflecteren, te converseren en te handelen. Haar nieuwste project draait om het verspreiden van positiviteit en eenheid, waarbij ze haar kenmerkende stijl combineert met berichten die het huidige klimaat van verdeeldheid en onrecht uitdagen. Ze is een partnerschap aangegaan met UNCLE om deze berichten net op tijd voor het einde van het jaar op straat te brengen, met als doel een frisse start vol positiviteit, vriendelijkheid en verbinding te inspireren terwijl we het nieuwe jaar ingaan.

Ali's creatieve reis is diep beïnvloed door haar persoonlijke ervaringen als kind van Oost-Afrikaanse immigranten die opgroeide in Frankrijk en later haar artistieke stem vond in Londen. Haar werk is gevormd door een verlangen om anderen te empoweren, gesprekken over ongemakkelijke waarheden te normaliseren en zinvolle actie aan te moedigen. Geïnspireerd door protestslogans, creëert ze haar eigen statements met een focus op probleemoplossing en impactvolle storytelling. Ali's posters, waaronder haar nieuwste serie Less Is More, zijn krachtige tools geworden om maatschappelijke problemen met optimisme en helderheid aan te pakken.

In dit interview duikt Ali in de inspiraties achter haar werk, het creatieve proces van het verfijnen van haar gedurfde typografische stijl en de rol van openbare kunst bij het aanjagen van sociale verandering. Lees verder voor een boeiende Q&A met Nadina Ali, waarin ze haar missie bespreekt om vriendelijkheid, verbinding en activisme te inspireren door middel van kunst.

WAT INSPIREERT JOU?

Mensen die zich uitspreken tegen onrecht.

WAT IS VOOR U BELANGRIJK AAN UW KUNST?

Bewustwording creëren over onderwerpen en problemen waar mensen zich mogelijk niet van bewust zijn, het normaliseren van gesprekken die ongemakkelijk kunnen zijn, mensen aanmoedigen om zich uit te spreken over de dingen die voor hen belangrijk zijn en zoveel mogelijk mensen in staat stellen om actie te ondernemen voor positieve maatschappelijke verandering.

HOE HEB JE JE STIJL VERFIJND?

Door veel typografisch te experimenteren, kon ik bepalen welke stijl de meeste visuele impact heeft.

WAAR KOMEN JE SLOGANS VANDAAN?

Ik bedenk mijn eigen slogans en gebruik vaak protestslogans als referentiepunt.

WAT IS JE FAVORIETE ONDERDEEL VAN HET CREATIEVE PROCES?

Probleemoplossing.

WELKE KUNSTENAARS VIND JE OP DIT MOMENT LEUK?

Malala Andrialavidrazana, Jasleen Kaur, Deborah Segun, Alma Singer.

Vertel ons meer over het ontwerp van de posters.

De posters komen uit een serie slogans die ik in 2021 ben begonnen met de naam 'Less Is More'. Ik stelde me de serie voor als dagelijkse adviezen waar mensen, waaronder ikzelf, baat bij zouden kunnen hebben. Het formaat van de posters volgt de gedurfde en kleurrijke typografische stijl die ik momenteel gebruik en is bedoeld om net zo opvallend te zijn als een advertentie, behalve dat ze bedoeld zijn om positiviteit te verspreiden.

WAT DOET DE CAMPAGNE?

De campagne richt zich op de huidige staat van de wereld, waar het lijkt alsof onverdraagzaamheid, haat en onrecht op een recordhoogte zijn. Zowel 'Minder waanzin, meer vriendelijkheid' als 'Minder verdeeldheid, meer verbinding' voelden als het soort positieve berichten dat de wereld op dit moment nodig heeft. Ik hoop dat die berichten zullen bijdragen aan het samenbrengen van mensen door aardig te zijn voor elkaar en verbinding te maken met elkaar.

HEEFT UW FRANSE ERFGOED IMPACT OP UW WERK?

Als kind van Oost-Afrikaanse immigranten uit een land dat eerder door Frankrijk werd gekoloniseerd, en als iemand die in Frankrijk is geboren en opgegroeid maar zich nooit geaccepteerd voelde als Fransman, is het moeilijk voor mij om mijn Franse erfgoed op een feestelijke manier te eren. De uitdagingen waarmee ik te maken heb gehad als ondervertegenwoordigd individu, hebben echter zeker mijn praktijk beïnvloed en mijn verlangen om gemarginaliseerde stemmen te versterken via mijn werk.

HOE HEEFT LONDEN JE STIJL BEÏNVLOED?

Het gaf mij de mogelijkheid om stoutmoediger te zijn.

FAVORIETE PLEKKEN IN LONDEN?

Shoreditch, het Southbank Centre, Somerset House, Black Cultural Archives.

WAT IS HET BESTE AAN WONEN IN LONDEN?

Toegang tot een overvloed aan fantastische kunst- en cultuurevenementen.

WAT IS ER VOOR U?

Meer openbare kunst.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.24VOYA is een grensverleggende kracht in de moderne muziek.

Terug naar Functies

VOYA zijn snel synoniem geworden met het verleggen van creatieve grenzen, en hebben hun plek verdiend als een van de meest boeiende nieuwe acts om in de gaten te houden. Door de rauwe energie van postpunk te mengen met de weelderige texturen van synthpop, rijdt het duo op een golf van momentum die geen tekenen van vertraging vertoont. Hun debuutsingle, '2 Verlegen 4 Liefde' zal in première gaan tijdens een headline show in Venue MOT Unit 18 in Londen, een passend podium voor hun gedurfde en theatrale artisticiteit. Door samen te werken met UNCLE om hun impact te vergroten, heeft VOYA al golven gemaakt, waaronder het winnen van de prestigieuze Triskel Award voor Best Emerging Act. Of je nu gebiologeerd bent door avant-garde optredens of op zoek bent naar een eclectische stijl, dit debuut zal je nieuwsgierigheid zeker boeien.

Het middelpunt van deze campagne is hun liveshow – volledig samengesteld door VOYA, het belooft meer te zijn dan een concert, het evenement is een multi-sensorische ervaring, een combinatie van livemuziek, DJ-sets en een betoverende vampiercabaretact. Voor degenen die het geluk hebben erbij te zijn, staat het op het punt een onvergetelijke avond te worden van smakeloze glamour en schaamteloos spektakel. De avond wordt verankerd door hun debuutsingle, '2 Shy 4 Love', een spookachtig meeslepend nummer dat emotionele kwetsbaarheid combineert met een glinsterende knipoog naar de new wave uit de jaren 80, allemaal gebracht met een hypnotiserende diepte en filmische flair.

In een exclusief interview onthult VOYA de inspiraties achter hun muziek, hun creatieve benadering van liveoptredens en wat het betekent om erkend te worden met onderscheidingen zoals de Triskel Award. Ze delen inzichten in het maken van '2 Shy 4 Love', de invloeden die hun geluid vormgeven en waarom de levendige culturele scene van Londen een perfecte achtergrond is voor hun artisticiteit. Terwijl ze zich voorbereiden om hun onderscheidende visie te onthullen, staat VOYA klaar om het synthpop- en postpunklandschap opnieuw te definiëren met gedurfde ambitie en onmiskenbare stijl.

HOE IS DE LIEDTITEL '2 SHY 4 LOVE' ONTSTAAN?

Oh, ik weet het niet. Bij dit specifieke nummer hadden we niet het gevoel dat we het hadden geschreven, maar het kwam voort uit het gevoel wat de muziek ons gaf. De tekst leek op dat moment passend. Ik bedoel, ik denk niet dat het te herkenbaar voor me is. Ik ben zeker niet verlegen als het op romantiek aankomt. 'Love', ik geniet ervan. Dus misschien is het geschreven vanuit het perspectief van iemand anders, een ander personage, die oude kastanje.

KUN JE ONS MEER VERTELLEN OVER DE INSPIRATIE ACHTER HET LIEDJE EN HOE HET DE KWETSBAARHEID BELICHAAMT?

Nogmaals, ik denk dat we uit de eerste gevoelens putten, zonder er te veel over na te denken. Er zijn thema's van isolatie en het voelen van onzichtbare dingen die samenhangen met verlegenheid. Er is een element van angst: de angst om niet opgemerkt te worden en te proberen gezien te worden, alleen om afgewezen te worden. Maar eerlijk gezegd, het is niet zo diep. Wiebel gewoon met je kont en glimlach, alsjeblieft!

HOE HEBBEN JE MUZIKALE INVLOEDEN JE BENADERING VAN MUZIEK EN OPTREDENS BEÏNVLOED?

Wat betreft muzikale invloeden, ik weet niet zeker of het zozeer gaat om specifieke artiesten die ons vormen, maar om onze persoonlijkheden die van nature aangetrokken worden tot vergelijkbare genres. Het is cyclisch, alsof we mestkevers zijn en van nature van mest houden. We hebben een voorliefde voor theatraliteit en maximalisme, wat de muziek weerspiegelt waar we ontzag voor hebben.

VERTEL ONS OVER HET KUNSTWERKONTWERP?

De promotieposter is ontstaan uit de afkeer, glamour en het verval van het oude Hollywood, van invloeden van Sunset Boulevard tot Kenneth Angers' 'Hollywood Babylon', die Josh Quinton op magische wijze heeft opgeroepen met zijn handgemaakte collagestijl, die ons allemaal van onze sokken blies - het is een echte sexy poster.

HOE VOELT HET OM HOOFDLIJN TE ZIJN IN DEZE SHOW?

Ik bedoel, we hebben deze hele avond gecreëerd, dus headlinen voelt natuurlijk correct. Maar als je een avond cureert, is het bevredigend om je voorkeuren en interesses te delen met een publiek. Ik denk dat we een microkosmos hebben gemaakt van iets heel louche en fantastisch voor 28 november.

DE TRISKEL AWARD EN DE ERKENNING VAN DE WELSH MUSIC PRIZE ZIJN ENORME PRIJZEN. WELKE INVLOED HEEFT DIE ERKENNING OP VOYA ALS BAND GEHAD, EN WAAR KIJK JE NU NAAR UIT?

De Triskel Award, die ons werd toegekend door de Welsh Music Prize, was absoluut verrukkelijk om te ontvangen. Voor een band die nog geen enkele digitale vorm van muziek heeft uitgebracht en pas twee jaar live optredens heeft gehad, voelt het glorieus en bevredigend voor het ego om erkend te worden door de "muziekindustrie". We zijn echter over het algemeen erg voorzichtig met awardsystemen. De awardavond was ongelooflijk, hoewel er alleen maar afschuwelijke tropische bieren waren. Geen greintje witte wijn op de rider.

Muziek en de meeste kunst lijken te gaan over communicatie met een publiek. Je stelt een vraag met je kunst en hoopt op een antwoord in de vorm van een reactie. Dat is onze volgende stap: de muziek delen zodat zoveel mogelijk mensen ermee in contact kunnen komen. Dat is tenslotte de done thing.

SYNTH-POP EN POST-PUNK HEBBEN EEN GROTE RESURGENCE. HOE VOEGT VOYA IETS NIEUWS TOE AAN DEZE KLASSIEKE GELUIDEN, EN WAT BETEKENT HET OM DEEL UIT TE MAKEN VAN DEZE GOLF?

Oh mijn God, ik denk dat synthpop en new wave altijd op de helling liggen. Het is als een van die zware heuvels die je moet beklimmen tijdens een familiebijeenkomst in de winter. Slechts een paar familieleden houden vol, en degenen die overblijven, kunnen ervan genieten en er bovenop nog wat van profiteren.

We zijn hier niet aan begonnen met het denken over genres. Zoals de meeste luisteraars van muziek in de 21e eeuw, zijn we zo hoerig met onze toewijding aan stijl.

HOE HEB JE DE SFEER VAN DEZE AVOND VOOR JE VOORGESTELD?

Smakeloos, luidruchtig en op smaak gebracht met witte wijn. Die moeten we zelf verzorgen, want het is onze show.

WAAROM IS VENUE MOT UNIT 18 DE IDEALE LOCATIE?

Om eerlijk te zijn, het was de enige plek die ons mee wilde nemen! Overal in Londen is vijf maanden van tevoren volgeboekt—naar verluidt heb ik het over jou, Royal George Tavern.

HOE HOOP JE DAT HET PUBLIEK ZAL VOELEN ALS ZE DIT EVENEMENT VERLATEN?

We proberen niet te veel verwachtingen te hebben. Het is bijna onmogelijk om een bepaalde emotie bij iemand te injecteren. Het enige wat je kunt doen is de stukken die er goed uitzien op de muren van de locatie gooien en kijken wat blijft hangen. Misschien verlaat het publiek de locatie nooit. Misschien beginnen we allemaal een Zuid-Londense sekte in die kamer en leven we daar harmonieus.

MET DE MIX VAN DJ'S, BANDS EN ZELFS EEN VAMPIER-CABARETACT, IS ER EEN THEATRAAL ELEMENT AAN DEZE AVOND. HOE BELANGRIJK ZIJN VISUELE MATERIALEN EN VERHALENVERTELLINGEN VOOR DE ERVARING DIE JE WILT CREËREN?

Ja, de line-up is werkelijk extravagant, van de frisse nieuwkomers in de post-punk scene, Nexus_0, tot de meest wilde en viscerale band die ik de laatste tijd heb gezien, Jeanie and the White Boys. De live acts sluiten af met ons, VOYA, en de avond wordt perfect afgerond door een trio van dj's en bekende persoonlijkheden in de Londense underground scene: Josh, Quinton, Jeannie Crystal en Tiss Vampiric.

Ik ontdekte al deze ongelooflijke acts via de louche smeltkroes van creativiteit in Londen. Het begon toen ik een dansverkenningsworkshop begon met Martin Tomlinson, voorheen van het muziekproject Selfish Cunt. Martin nam Jeannie Crystal mee naar VOYA's optreden in de Bermondsey Social Club, waar ze oprecht respect en aanbidding voor VOYA leek te hebben. Vanaf dat moment wisten we dat we met haar moesten samenwerken.

Later stelde Jeanie me voor aan Josh Quinton tijdens haar Jeanie and the White Boys show. Josh en ik klikten meteen, we raakten verbonden door onze gedeelde liefde voor Mr. Bean. Via Josh ontdekte ik hun DJ night STUD, die Tiss van Tiss Vampiric mede had gecreëerd. Samen zijn ze de bewakers van de energie van deze avond, terwijl de rest van ons slechts spelers zijn in hun wereld.

WAAROM IS LONDEN EEN BELANGRIJKE LOCATIE VOOR UW OPTREDEN?

Het belang van Londen is onmiskenbaar. Ten eerste woon ik er, dus het is erg handig! Maar het is ook een mekka van multiculturalisme en storytelling. De klassenkloof is groot in zo'n gecondenseerde ruimte, dus je zult natuurlijk contrasten ervaren. Dat is allemaal geweldig en verrijkend. Het is leuk om uitgedaagd te worden. Weet niet, je wilt gewoon Londen spelen, weet je. "Geef Londen een kans," weet je?

HEEFT DE STAD INVLOED OP JE MUZIEK?

Op dit moment bedenk ik deze antwoorden tijdens een herfstwandeling op het platteland van Zuid-Wales, en ik kan de schreeuwen van de chaos in Londen hier horen - het vraagt om invloed. Ik neem vaak stiekem fragmenten op van plekken als Unfold en Club_Are voor inspirerende diefstal. Hoe serieus en onderdrukkend de stad ook kan zijn, het is zo fucking dwaas - als een speeltuin vol angstige 30-jarigen.

Kom dus gerust langs en aanschouw deze fantastische belevenis.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.2404.25Het duo NERVIO maakt surrealistische verhalen waarin ze experimentele thema's binnen het filmmaken onderzoeken.

Terug naar Functies

ZENUWIG, het visionaire regisseursduo dat bekendstaat om hun experimentele aanpak van cinematografisch vertellen, is een partnerschap aangegaan met UNCLE om hun creatieve wereld naar de straten van Londen te brengen. Deze samenwerking heeft geleid tot een reeks posters geplaatst in de stad, waardoor het publiek wordt aangetrokken tot NERVIO's unieke universum. Deze activatie was bedoeld om Londenaren te betrekken bij hun gedachte-prikkelende thema's van identiteit en transformatie, door hun kunst rechtstreeks naar het stedelijke landschap te brengen. De campagne is niet alleen een visuele ervaring, maar ook een kans voor de gemeenschap om verbinding te maken met de dynamische verhalen waar NERVIO om bekend staat.

Centraal in deze samenwerking staat NERVIO's nieuwste film, een boeiende verkenning van identiteit, bewustzijn en de grenzen van de realiteit. De film speelt zich af in een fictief onderzoekslab en duikt in de levens van individuen wiens essentie verandert terwijl ze worden getransporteerd naar nieuwe, surrealistische rijken. NERVIO's aanpak is onverzettelijk en rauw, en legt de emotionele intensiteit van hun personages vast terwijl ze diepgaande transformaties ondergaan. Dit project markeert een cruciaal moment in hun reis, omdat het hun eerdere werken met elkaar verbindt en het toneel zet voor de volgende fase van hun filmische verkenningen.

In dit interview vertelt NERVIO over de inspiraties achter hun film, het creatieve proces en de thema's waar ze het meest gepassioneerd over zijn. Van hun unieke mix van mode, kunst en film tot de meeslepende technieken die ze gebruiken, NERVIO bespreekt wat het betekent om een verhaal te creëren dat zowel visueel verbluffend als intellectueel boeiend is. Terwijl hun werk zich blijft ontwikkelen, deelt het duo inzichten in wat komen gaat, en biedt een blik op de toekomst van hun experimentele verhalen vertellen.

KUN JE ONS VERTELLEN OVER DE OPRICHTING VAN NERVIO? WAT INSPIREERDE JULLIE OM DIT REGISSEURSDUO TE CREËREN?

NERVIO is ontstaan uit onze gedeelde passie voor visuele experimenten en storytelling. We hadden een ruimte voor ogen waar onze diverse achtergronden in bewegend beeld en mode samen konden komen. NERVIO is meer dan alleen een regisseursduo. Het is een creatief lab waar ideeën worden omgezet in surrealistische, tot nadenken stemmende verhalen. Het is een dynamische ruimte voor het verkennen van thema's als identiteit en bewustzijn door middel van filmische ervaringen, terwijl we tegelijkertijd opwindende samenwerkingen stimuleren met andere creatievelingen waarmee we in de loop der jaren in contact zijn gekomen, wat nieuwe mogelijkheden creëert.

NERVIO COMBINEERT EXPERIMENTELE CINEMA MET IMMERSIEVE VERHALENVERTELLEN. HOE HEB JE DEZE AANPAK ONTWIKKELD EN WAT KAN JE ER MEE UITDRUKKEN DAT TRADITIONELE FORMATEN MOGELIJK NIET KUNNEN?

Als regisseursduo verkennen we voortdurend onconventionele technieken, of het nu gaat om mixed media, abstracte beelden of surrealistisch geluidsontwerp dat inspeelt op emoties en ervaringen die niet gemakkelijk kunnen worden overgebracht via traditionele formaten. Voor ons gaat storytelling niet alleen over het presenteren van een verhaal, maar over het creëren van een ervaring die kijkers naar een andere dimensie trekt. Deze creatieve vrijheid stelt ons in staat om het publiek op een meer visceraal niveau te betrekken en hen uit te nodigen om onze films te ervaren als iets transformerends en ongefilterd.

WELKE INVLOED HEEFT UW ERVARING IN VISUELE CULTUUR, MODE EN KUNST OP NERVIO'S ESTHETIEKE EN THEMATISCHE FOCUS?

Onze achtergronden in mode, kunst en visuele cultuur hebben de esthetiek van NERVIO sterk gevormd. Manuels benadering van bewegende beelden en Celia's expertise als creatief directeur en stylist hebben ons in staat gesteld een kenmerkende visuele taal te creëren. We putten uit diverse invloeden, van symboliek in kunst, haute couture, indiefilms en experimentele technieken, om omgevingen te creëren die resoneren in onze projecten in film, mode, muziek en meer.

VERTEL ONS OVER JE FILM.

Onze film, NERVIO, dient als de narratieve genesis voor onze personages en thema's in zowel eerdere als toekomstige projecten. Het speelt zich af binnen het fictieve "Existence Integration Program" en introduceert NERVIO als een onderzoekslab dat in de zenuwstelsels van zijn proefpersonen hackt, ze herconfigureert en exporteert naar andere rijken die het gewone overstijgen, en zo kanalen worden in NERVIO's imaginarium.

In de film wilden we het moment vastleggen waarop hun identiteit verandert, waarbij we ons richtten op hun rauwe reacties voor de camera terwijl ze de transformatie meemaken. Het verhaal bouwt op naar het cruciale moment waarop onze personages op het punt staan deze nieuwe rijken te betreden, wat een glimp biedt van de werelden die we in toekomstige films willen verkennen.

WAT WAS DE INSPIRATIE?

We zagen NERVIO als een reis door onderling verbonden ideeën en werelden, geïnspireerd door het concept van kwantumrealiteiten. Het Existence Integration Program fungeert als de katalysator die onze personages creëert en verbindt ze door films heen, van eerdere werken zoals Elizabeth en An Ode to Teenagehood tot die welke we voor de toekomst voorzien. Dit programma overbrugt realiteiten, waardoor onze personages kunnen evolueren en door verschillende dimensies kunnen bewegen, waardoor een samenhangend maar open universum ontstaat.

HOE DENK JE DAT HET PUBLIEK MET ZE IN CONTACT KOMT?

Met een open verhaal nodigen we het publiek uit in een wereld die aanvoelt als het begin van iets groters. In plaats van duidelijke antwoorden te geven, creëren we een portaal. Een introductie tot een reis die zich zal blijven ontvouwen.

Deze aanpak moedigt kijkers aan om zich te verdiepen in de personages en het universum als een mysterie, wat nieuwsgierigheid opwekt en hen uitnodigt om zich voor te stellen wat er daarna komt. Het gaat meer om het neerzetten van het toneel voor een voortdurende verkenning dan om het afronden van een enkel verhaal.

JE HEBT GEZEGD DAT DE FILM "VISUEEL MEESLEPEND EN SUBTIEL VERONTRUSTEND" IS. WELKE TECHNIEKEN OF ELEMENTEN HEB JE GEBRUIKT OM DEZE UNIEKE SFEER TE CREËREN?

We gebruikten contrasterende belichting, dynamische soundscapes en surrealistische beelden om een omgeving te creëren die zowel verleidelijk als licht desoriënterend aanvoelt. De combinatie van schaduw, abstract geluid en levendige kleuren draagt bij aan een atmosfeer die hypnotiserend maar toch verontrustend is, wat het thema van de film van herconfiguratie en transformatie weerspiegelt.

HOE VIND JE DE POSITIEVE REACTIES DIE JE TOT NU TOE HEBT ONTVANGEN? EN WELKE IMPACT HOOP JE DAT JE WERK OP HET PUBLIEK HEEFT?

We zijn ongelooflijk dankbaar voor de positieve feedback, van de erkenning van onze vorige films van Nowness Picks en ASVOFF tot het succes van het festivalcircuit van dit jaar met de film NERVIO. Het is bemoedigend om te zien dat mensen zich met ons werk verbinden. Uiteindelijk willen we dat onze projecten zowel visueel opvallend als intellectueel stimulerend zijn en we hopen dat het publiek zich bezighoudt met de thema's en esthetiek van de film.

HOE DENK JE DAT HET POSTERMEDIUM VOOR DEZE CAMPAGNE ZAL WERKEN IN VERBAND MET DE FILM?

De posters dienen als een verlengstuk van de visuele wereld van de film en bieden het publiek een glimp van de sfeer in de openbare ruimte. Door samen te werken met Uncle aan deze campagne kunnen we nieuwsgierigheid opwekken voordat mensen de film überhaupt hebben gezien.

WAAROM IS LONDEN BELANGRIJK VOOR JOU?

De energie en diversiteit van de stad voeden onze creativiteit en inspireren ons om te experimenteren. De creatieve scene van Londen staat open voor nieuwe ideeën, waardoor we NERVIO kunnen opbouwen als een merk dat de levendige, vooruitstrevende geest van de stad weerspiegelt.

WELK EFFECT HOOPT U DAT DE POSTERCAMPAGNE ZAL HEBBEN OP DE KIJKERS DIE DEZE IN DE STEDELIJKE RUIMTE VAN LONDEN TEGENKOMEN?

We hopen dat de posters nieuwsgierigheid en verwondering opwekken en mensen meenemen in de creatieve wereld van NERVIO. Door ze in stedelijke ruimtes te plaatsen, nodigen we het publiek uit om mee te stappen in onze reis en een glimp op te vangen van onze visie, in de hoop een blijvende indruk van onze wereld achter te laten.

HOE ZIE JE NERVIO GROEIEN IN HET CREATIEVE LANDSCHAP VAN LONDEN, EN WAAR ZOU JE HET NU NAAR TOE WILLEN NEMEN?

We zien NERVIO als een platform dat zich blijft ontwikkelen en onze experimentele aanpak naar nieuwe doelgroepen en contexten brengt. We willen interdisciplinaire projecten verkennen en mogelijk samenwerken met artiesten en merken in verschillende media. Londen is nog maar het begin; ons doel is om NERVIO naar internationale podia te brengen, onze samenwerkingen uit te breiden en nieuwe wegen in kunst, mode en meeslepende verhalen te verkennen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.2404.25Aftellen naar 2029: Samen de hartslag van het Britse nachtleven redden.

Terug naar Functies

'The Last Night Out' is een urgente PSA-campagne die is opgezet om bewustzijn te creëren over de snelle achteruitgang van Britse nachtclubs, een probleem dat een iconisch en levendig deel van de Britse cultuur dreigt uit te wissen. Nachtclubs, vitale pijlers van economische en culturele vitaliteit, met name voor jongere generaties en creatievelingen, sluiten in een alarmerend tempo. De campagne wil daarom de datum benadrukken waarop, op basis van recente gegevens, alle nachtclubs gedwongen zouden kunnen worden te sluiten, en doet dat in de stijl van een nachtclubevenement. NTIA heeft dit initiatief samen met McCann (Adam Taylor-Smith en Stephen Yeates) en ze kwamen naar UNCLE om hun krachten te bundelen en het bereik ervan in het Verenigd Koninkrijk te vergroten. Samen bundelen we onze expertise om ervoor te zorgen dat de campagne weerklank vindt in de gemeenschappen die het het hardst nodig hebben.

Met het huidige tempo van drie nachtclubsluitingen per week, wordt voorspeld dat al deze locaties op 31 december 2029 verdwenen zouden kunnen zijn - een hypothetische "laatste avond uit" die de campagne gebruikt als een grimmige strijdkreet. Door het ontwerp van opvallende evenementenposters brengt de campagne "The Last Night Out" het probleem visueel tot leven, wat doet denken aan de opvallende advertenties die doorgaans nachtlevenevenementen promoten. In de kern verdedigt de campagne het idee dat nachtclubs meer zijn dan alleen plekken om te dansen - ze zijn broedplaatsen voor jeugdcultuur, artistieke innovatie en gemeenschapsverbinding. Nachtclubs zijn al lang een plek waar mensen, met name jongvolwassenen, zich vrij kunnen voelen om zichzelf te uiten, nieuwe kunstvormen te ontdekken en gelijkgestemde individuen te ontmoeten. Het verlies van deze locaties zou niet alleen het einde betekenen van gekoesterde sociale ruimtes, maar ook een flinke klap voor de lokale economieën en creatieve industrieën.

Het interview dat we met het team deden, duikt in de motivaties achter deze campagne en de bredere betekenis ervan. We bespreken de missie van de campagne, de alarmerende daling van nachtclubs en de implicaties van deze trend voor Britse gemeenschappen. Door de sluitingsdatum te kaderen als 31.12.29 hopen ze een gevoel van urgentie te creëren dat overheidssteun en publieke actie inspireert, met stappen zoals petities en e-mails naar lokale parlementsleden.

WAT LEIDDE TOT DE CREATIE VAN DE CAMPAGNE “THE LAST NIGHT OUT”?

Eerder dit jaar kwamen we een statistiek tegen waaruit bleek dat er elke week meer dan 3 nachtclubs sluiten en dat ze in dit tempo allemaal in 2030 verdwenen zouden zijn. Dat is behoorlijk schokkend.

Dus namen we die stat en herformuleerden het, wat — in nachtclubtermen — 31.12.29 de laatste avond zou maken. Dus we wilden die datum, en de problemen waarmee nachtclubs kampen, tot leven brengen op een manier waarop nachtclubs dat zouden doen, namelijk via een wereld van prachtig en opvallend evenementposterontwerp.

WAAROM ZIJN NACHTCLUBS ZO BELANGRIJK VOOR HET CULTURELE EN SOCIALE LANDSCHAP VAN HET BRITSE KONINKRIJK?

Nachtclubs zijn meer dan geluidsinstallaties en polsbandjes. Het zijn vitale organisaties die carrières bieden, vriendschappen aanwakkeren, generaties artiesten inspireren en mensen een plek bieden waar ze hun eclecticisme echt kunnen vieren als één familie na zonsondergang. En ze zijn ook op economisch vlak van vitaal belang. Banen, carrières en artistieke inspanningen lopen gevaar als nachtclubs mogen verdwijnen.

WELKE IMPACT ZOU DE SLUITING VAN ALLE BRITSE CLUBS IN 2030 HEBBEN OP GEMEENSCHAPPEN EN LOKALE ECONOMIEËN?

Michael Kill, CEO van NTIA, verwoordde dit heel goed toen hij zei: "Onze industrie draait niet alleen om entertainment; het draait om identiteit, gemeenschap en de economie. Het verlies van onze locaties betekent het verlies van banen, cultuur en een vitaal onderdeel van het sociale weefsel van het Verenigd Koninkrijk. Clubs als Fabric, Ministry of Sound, FAC 251 en SubClub zijn meer dan locaties: ze zijn culturele mijlpalen die creativiteit, gemeenschap en de hartslag van onze steden bevorderen. Zonder dringende interventie zal 31 december 2029 de laatste avond zijn en het einde van een tijdperk dat generaties heeft gedefinieerd."

WELKE ROL SPELEN NACHTCLUBS BIJ HET STIMULEREN VAN MUZIEK, KUNST EN JEUGDCULTUUR IN HET VK?

Nachtclubs zijn de perfecte omgeving voor jongeren om dingen over zichzelf te ontdekken en geïnspireerd te raken door anderen. Ze zijn als broedplaatsen voor creatieve expressie en zijn altijd ruimtes geweest die mensen een gevoel van vrijheid geven. Op hun best zijn ze een plek waar niemand wordt beoordeeld. Er zijn niet veel plekken of ruimtes zoals deze waar mensen echt vrij kunnen zijn om te experimenteren en te leren over hoe ze gezien willen worden.

HOE KRIJGT HET FORMATISEREN VAN 31.12.29 ALS 'THE LAST NIGHT OUT' DURGENSITEIT IN DE BOODSCHAP?

We hopen dat het de trieste realiteit van deze sluitingen moeilijker maakt om te negeren. Door de dag des oordeels te benadrukken en mensen te laten beseffen dat het echt niet zo ver weg is, hopen we dat het tot actie kan leiden.

WAT ZIJN DE GROOTSTE UITDAGINGEN WAARMEE BRITSE NACHTCLUBS TE MAKEN KRIJGEN EN DIE BIJDRAGEN AAN HUN SNELLE SLUITING?

Het financiële landschap is behoorlijk slecht geweest voor Britse nachtclubs sinds het begin van covid. We hebben de overheid nodig om duurzame financiële steun te bieden om deze industrie in leven te houden. Maar er zijn ook een aantal beleidsmaatregelen en regelgevingen die hervormd moeten worden. We hebben een herziening nodig van de vergunningswetten, bedrijfstarieven en planningsbeleid om een ondersteunende omgeving te creëren waarin de industrie zichzelf weer kan opbouwen.

WELKE STAPPEN KUNNEN HET PUBLIEK, LOKALE OVERHEDEN EN SPELERS UIT DE INDUSTRIE ONDERNEMEN OM NACHTCLUBS TE REDDEN?

Het publiek kan helpen door de petitie die de overheid uitdaagt om een programma voor erfgoedbescherming op te zetten, waardoor belangrijke nachtclubs de status van cultureel beschermd erfgoed krijgen.

Ze kunnen hun parlementslid ook een e-mail sturen met deze vooraf ingevulde email dat duurt maar een paar minuten.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.24Grenzen verleggen en vrijheid vinden in muziek met TAALIAH.

Terug naar Functies

TAALIAH is een baanbrekende muzikant, DJ en producer die bekend staat om haar opwindende geluid en introspectieve benadering van muziek. TAALIAH woont in Glasgow en haar reis wordt gekenmerkt door een autodidactische, onverschrokken benadering die haar van de lokale underground scene naar een internationaal podium heeft geleid. Om de release van haar nieuwste album te vieren Grammatica In oktober werkte UNCLE met haar samen om het artwork van het album te presenteren op prominente locaties in haar geboortestad Glasgow en in Londen.

TAALIAH is geen onbekende in het uitstippelen van haar eigen pad, ze moest opkomen in de underground scene van Glasgow en doorbreken tot een steunpilaar van het elektronische genre. Dit nieuwe album weerspiegelt thema's van glamour en veerkracht, terwijl ze de grenzen van het genre verlegt met haar fusie van hyperpop en industriële geluiden. Haar muziek spreekt niet alleen tot de clubcultuur in haar geboortestad, maar ook tot de bredere Britse muziekscene.

Naast muziek deelt TAALIAH inzichten in de uitdagingen en verwachtingen waarmee ze in de muziekindustrie worden geconfronteerd, zowel persoonlijk als creatief. Van haar autodidactische aanpak tot het navigeren door de levendige clubcultuur van Glasgow. Terwijl ze naar de toekomst kijken, biedt TAALIAH een visie van authenticiteit, veerkracht en artistieke vrijheid, terwijl ze ons eraan herinnert dat de volgende stap soms zo simpel is als rust.

HOE IS DE NAAM VAN JE LAATSTE PUBLICATIE 'GRAMARYE' ONTSTAAN?

Ik kwam het tegen in een essay van Terre Thamelitz waarin hij glamour en weelde in relatie tot transgenderheid onderzocht.

WAT KUNNEN WE VAN HET ALBUM VERWACHTEN?

Emotie.

HOE VERSCHILT HET VAN VORIGE RELEASES?

opzet.

JE VORIGE DISCOGRAFIE RAAKT THEMA'S VAN IDENTITEIT, LIEFDE EN MAATSCHAPPELIJKE KWESTIES. HOE HEB JE DE EMOTIONELE DIEPTE IN BALANS GEBRACHT MET HET ENERGIEVOLLE GELUID?

Ik denk niet dat het wederzijds uitsluitende elementen zijn. En eerlijk gezegd denk ik dat mensen dat aan mijn muziek toeschrijven vanwege wie ik ben, en niet vanwege de inhoud van de nummers zelf. Mensen zien gemarginaliseerde identiteiten die kunst creëren en categoriseren het inherent als politiek, zelfs als de betreffende artiest misschien niet eens aan die dingen heeft gedacht toen hij het werk maakte. Bijvoorbeeld, als ik een nummer maak over het arbeidersklasse-zijn, dan maak ik gewoon werk over mijn eigen ervaring. Maar omdat die ervaring niet genormaliseerd is in de muziekindustrie, wordt het inherent geconsumeerd als een politieke boodschap.

WELKE ROL HEEFT MUZIEK IN JE LEVEN GESPEELD?

Een verhelderende.

HOE NAVIGEER JE DOOR DE VERWACHTINGEN DIE JE IN DE MUZIEKINDUSTRIE KRIJGT, ZOWEL OP MUZIKAAL ALS PERSOONLIJK GEBIED?

Ik heb een enorme weerstand tegen autoriteit.

WAT DENKT U ERVAN IN DEZE AUTODITUDE AANPAK EN HOE HEEFT HET UW CREATIEVE PROCES BEÏNVLOED?

Ik vind het heerlijk om dingen zelf uit te zoeken. Ik geloof dat het je in staat stelt om je eigen paden en werkwijzen te vormen, in plaats van dat je door mensen op specifieke paden wordt geleid.

JE HEBT JE STERK UITGEBRACHT OVER HET BELANG VAN HET VERTEGENWOORDIGEN VAN GEMARKEERDE GEMEENSCHAPPEN VIA JE MUZIEK. HOE ZIE JE JE ROL ALS ARTIEST EN ACTIVIST IN DE TOEKOMST?

Door mijn leven te leven.

HOE BEÏNVLOEDT DE CREATIEVE EN CLUBCULTUUR VAN GLASGOW JE WERK ALS DJ EN PRODUCER? DENK JE DAT DE STAD UNIEKE KANSEN BIEDT VOOR OPKOMENDE ARTIESTEN?

Ik denk dat Glasgow dingen mogelijk maakt. Het is klein genoeg om jezelf te vinden en te experimenteren met nieuwe manieren van werken. Er is een echte gemeenschapsgerichte geest verankerd in de stad.

INSPIREERT DE STAD U OF BEÏNVLOEDT UW WERK?

Nee, ik word geïnspireerd door ervaring en niet door de omgeving.

WAT IS JE FAVORIETE MUZIEK HOTSPOT IN GLASGOW?

Om platen te kopen, struin ik graag rond op de Barras Market naar kleine juweeltjes. Voor nieuwe platen, absoluut Assai Records. EXIT doet echt geweldige dingen op het gebied van clubruimtes. Old Hairdressers en Stereo zijn mijn beproefde en vertrouwde.

WAT IS ER VOOR U?

Rust uit.

Hoe wil je muzikaal herinnerd worden?

Ik wil een ster worden, zo simpel is het.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2410.24'IT'S ALL YOUR FAULT. Said everyone!' is een slogan die een tweede blik verdient van kunstenaar Micah Purnell.

Terug naar Functies

Micha Purnell is een in Manchester gevestigde kunstenaar die bekend staat om het combineren van gedurfde beelden met tot nadenken stemmende boodschappen die maatschappelijke normen uitdagen. Met een achtergrond die diepgeworteld is in de esthetiek van clubcultuur en spirituele thema's, onderzoekt zijn werk complexe ideeën zoals schuldcultuur en collectieve verantwoordelijkheid. Door middel van openbare kunstinstallaties en campagnes wil hij reflectie en dialoog opwekken in alledaagse ruimtes, en artistieke en filosofische ideeën in het publieke bewustzijn brengen. UNCLE werkte met hem samen aan zijn nieuwste campagne, die mensen ertoe aanzet om naar binnen te kijken en hun eigen rol in het in stand houden van zondebokken te onderzoeken, en persoonlijke verantwoordelijkheid aan te moedigen.

Als kunstenaar wordt Purnell geïnspireerd door alles van religieuze geschriften tot moderne reclame, waarbij hij de twee combineert om unieke stukken te creëren die zowel visueel als intellectueel aanspreken. Hij haalt zijn inspiratie uit de stad Manchester zelf, waar stedelijke en politieke omgevingen een groot deel van zijn creatieve reis hebben gevormd. Met opmerkelijke projecten die variëren van covers van Guardian Magazine tot stadioninstallaties, probeert Purnell betekenis te geven aan de plekken waar mensen ze het meest waarschijnlijk tegenkomen. Deze campagne in het bijzonder maakt slim gebruik van humor en gedurfd ontwerp om een gesprek te creëren over collectieve verantwoordelijkheid, terwijl mensen voorzichtig worden uitgedaagd om hun eigen houding en gedrag te heroverwegen. Door dit te doen, hoopt Purnell een verschuiving te inspireren naar meer zelfbewustzijn, empathie en uiteindelijk een harmonieuzere samenleving.

In dit interview bespreken we het concept achter zijn recente serie in meer detail en duiken we in de ontwikkeling van zijn werk door de tijd heen, inspiraties en hoe Manchester een rol heeft gespeeld in het vormgeven van zijn creatieve visie. Via dit gesprek biedt Purnell inzicht in de grotere culturele en filosofische ideeën die zijn kunst beïnvloeden, evenals zijn hoop voor de publieke ontvangst van zijn nieuwste campagne.

WAT IS HET CONCEPT RONDOM DEZE REEKS WERKEN?

Het idee is een verrassend, grappig, maar relevant stuk, in vette hoofdletters en felle kleuren, dat aanvankelijk overkomt als een schaamteloze verklaring waarin staat 'HET IS ALLEMAAL JOUW SCHULD', waarbij de schuld bij de lezer wordt gelegd, maar met de clou 'Iedereen zei!' Alle schuld intrekkend. Tot op zekere hoogte.

WAAROM KOMT DE SLOGAN 'HET IS ALLEMAAL JOUW SCHULD. IEDEREEN ZEGT HET!' ZO PROMINENT VOOR?

De uitdrukking wordt gebruikt om een publiek of intern gesprek op gang te brengen over de cultuur van schuld en zondebokken.

HOE HEEFT DEZE REEKS WERKEN zich in de loop van de tijd ontwikkeld?

Het thema is onderdeel van mijn voortdurende denken over de zondeboktheorie, een vroeg psychoanalytisch idee dat uitlegt hoe individuen of groepen hun eigen frustraties, angsten, vrees of destructieve neigingen projecteren op een andere geschikte groep of doelwit. Het is een verdedigingsmechanisme van onbewuste ontkenning door de eigen pijn, omgezet in schuld, te projecteren op anderen.

WAT DOET DE CAMPAGNE?

De zondebok is in feite onschuldig, maar benadrukt het trauma van degenen die zondebokken maken. De filosoof René Girard gelooft dat als iemand een openbaring heeft van, of geconfronteerd wordt met de kennis van zijn eigen zondebok, hij dat niet meer kan doen, zo gemakkelijk kan het de cirkel doorbreken. Jung zei: 'Als mensen zich bewust waren van wat ze deden, zouden ze geen zondebok maken, omdat het idee om mensen te straffen voor misdaden die ze niet hebben begaan, diep in strijd is met ons ethisch gevoel.'

VERTEL ONS OVER DE BELANGRIJKSTE MOMENTEN IN JE CARRIERE?

Het produceren van werk voor een Guardian magazine cover en Wembley Stadium zijn belangrijke hoogtepunten van mijn commerciële carrière, omdat mijn drijfveer altijd is geweest om de geesteswetenschappen naar de openbare ruimte te brengen. Openbare ruimten zijn de plekken waar mensen zijn, maar commerciële motieven overheersen.

WELKE IMPACT HEEFT DE STAD MANCHESTER OP UW WERK?

De clubflyposteresthetiek van eind jaren 90, gemengd met de zwart-witte spirituele en politieke slogans in het Friends Meeting House op Mount Street, gaf geboorte aan wat ik vandaag de dag nog steeds doe in dezelfde stad. Stedelijke omgevingen hebben meer ruimte gegeven aan een tegenconsumentenverhaal dankzij mensen als Uncle en anderen.

Ik heb zelf een voortdurende dialoog met het publiek weten te creëren via drie speciaal gebouwde kunstborden genaamd Add-Art (www.addart.gallery) die worden gehuisvest door mensen die bereid zijn risico's te nemen voor een betere stad. Dit is wat Manchester de place to be maakt. Er is ruimte voor ons allemaal en mensen zijn bereid risico's te nemen.

WELKE KUNSTENAARS INSPIREREN JOU?

Zoals hierboven aangegeven, is dit tweeledig. Voor de betekenis en inhoud bestond een groot deel van mijn werk uit vroege lezingen van de wijsheidsgeschriften in de Bijbel, zoals Prediker en Spreuken. Hedendaagse invloeden moeten Barbara Kruger, Jenny Holzer en Douglas Coupland zijn. Als het echter om visuals gaat, ben ik dol op voetbal en sportreclame. Nike en Adidas hebben allebei geweldige reclamebureaus die doordachte reclame maken (hoewel om hun zakken te vullen). Ik vind het geweldig om de visuals en de vaardigheid van reclame te gebruiken en ze te mengen met betekenisvolle thema's om de mensheid verder te brengen, dieper te graven en elkaar vergevingsgezinder te zijn.

WELKE VERBORGEN PARELTJES IN MANCHESTER VIND JE LEUK? / WAT IS JE FAVORIETE DING AAN WONEN IN MANCHESTER?

Mensen zijn de verborgen juweeltjes. Als je de tijd hebt om stil te staan en alles te zien wat er gebeurt, versterkt de steun om door te zetten een gezonde, trotse drive naar een betere wereld. En natuurlijk is de drive het eindspel, er is geen voltooiing, het zit in het doen, in de kleine productieve manieren die dingen mogelijk maken.

SPEELT CULTUUR EEN SLEUTELROL IN UW CREATIVITEIT?

Ik denk dat het moet, maar ik ben er zo bij betrokken dat ik niet weet hoe het in mijn werk tot uiting komt. Ik streef ernaar om een doe-het-zelfcultuur bij anderen te bevorderen. Al te vaak kan men de behoefte voelen om te wachten op het geld, de middelen, de gereedschappen, de ruimte, de steun, de toestemming om verder te gaan. Je moet doorgaan met wat je hebt, hoe klein ook. Wat je ook wilt voor de toekomst, je moet bereid zijn om het nu te ontwerpen, op welke kleine manier dan ook, omdat deze dingen de neiging hebben om te groeien. Elke kleine daad in de goede richting is een zaadje ernaartoe. En door het te perfectioneren, verbeter je je vakmanschap. Door deze onbewuste methode ben ik gesteund, aangemoedigd, gefinancierd en gepubliceerd zonder te pushen, te solliciteren of te vragen — er is een tijd om deuren te pushen, maar vrijgevigheid wekt vrijgevigheid op, dus ga gewoon door.

WAT HOPEN JE MENSEN UIT DEZE CAMPAGNE?

Ik hoop dat het wordt ontvangen als een luchtig stukje kameraadschappelijke, grappenmakende grappen, waar we allemaal schuldig aan zijn. En als we onze eigen verantwoordelijkheid nemen, komen we dichter bij harmonie.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2410.24Solardo's housemuziek en aandacht voor mentale gezondheid bij The Drop in Manchester ter gelegenheid van Wereld Geestelijke Gezondheidsdag.

Terug naar Functies

Headstock's nieuwe evenementenserie, The Drop, is een dynamisch initiatief dat de kracht van housemuziek combineert met een missie om de mentale gezondheid in de muziekindustrie te ondersteunen. Gemaakt in samenwerking met Skiddle en het beroemde duo uit Manchester Solardo, The Drop wil de positieve impact vieren die elektronische dancemuziek kan hebben op mentaal en emotioneel welzijn. De evenementenserie richt zich op het vergroten van het bewustzijn rondom de crisis op het gebied van geestelijke gezondheid binnen de industrie, terwijl de opbrengst ook wordt gedoneerd aan belangrijke goede doelen die degenen die erdoor zijn getroffen, ondersteunen. UNCLE is een partnerschap met hen aangegaan om hun posters op straat in Manchester te brengen en het woord te verspreiden over The Drop, een gratis evenement dat op 10 oktober plaatsvindt ter ere van Wereld Geestelijke Gezondheidsdag.

'The Drop' benadrukt de belangrijke rol die muziek speelt in de strijd tegen de crisis in de geestelijke gezondheid, met name in een industrie die kampt met een hoog stress- en angstniveau. Het team van Headstock benadrukt hoe housemuziek, net als lichaamsbeweging, wetenschappelijk is bewezen stress en depressiesymptomen te verminderen. Met de steun van vooraanstaande artiesten en muziekgemeenschappen richt het evenement zich op de therapeutische voordelen van elektronische dansmuziek via een gedeelde en meeslepende ervaring. The Drop biedt een unieke rave-ervaring in de vroege avond, die mensen de kans biedt om te dansen, te ontspannen en deel te nemen aan de positieve effecten zonder de druk van een traditioneel avondje uit.

In dit interview reflecteert Headstock op de inspiratie achter The Drop, het potentieel om uit te breiden en de betekenis van de lancering in Manchester, een stad met een rijke geschiedenis in elektronische muziek. Ze duiken in hoe het evenement de muziekindustrie ondersteunt en licht werpt op het belang van bewustzijn van mentale gezondheid. Zorg ervoor dat je het debuut van The Drop ziet en volg hun reis terwijl ze streven naar een blijvende impact via muziek en community.

KUN JE MEER VERTELLEN OVER DE INSPIRATIE ACHTER 'THE DROP' EN HOE HET TOT LEVEN KWAM?

Wij zijn grote fans van housemuziek en geloven in de kracht ervan om ons humeur te verbeteren. Daarom wilden we graag een evenementformat ontwikkelen dat zich richt op de positieve impact die elektronische dancemuziek kan hebben op onze mentale gezondheid, terwijl we tegelijkertijd de transformerende kracht van het genre op ons mentale en emotionele welzijn belichten. We wilden ook een evenement creëren dat mensen ondersteunt die in de muziekindustrie werken. Met dat in gedachten zijn we verheugd dat alle opbrengsten van de kaartverkoop naar een aantal goede doelen en doelen voor mentale gezondheid in de muziekindustrie gaan.

WAAROM HEB JE BESLOTEN OM DEZE EVENEMENTENREEKS TE LANCEREN OP WERELDDAG VAN DE MENTALE GEZONDHEID?

Wereldgezondheidsdag is zonder twijfel het belangrijkste moment op de wereldwijde agenda voor geestelijke gezondheid. Daarom hebben we besloten om de serie op deze datum te starten, zodat we een zo groot mogelijk statement konden maken.

WELKE ROL ZIET U VOOR MUZIEK IN DE BESTRIJDING VAN DE MENTALE GEZONDHEIDSCRISIS, MET NAME IN DE MUZIEKINDUSTRIE?

Headstock gelooft stellig in de kracht van muziek en gedeelde ervaringen om een positieve impact te hebben op onze mentale en emotionele gezondheid. Op een vergelijkbare manier dat lichaamsbeweging ons humeur kan verbeteren, is wetenschappelijk bewezen dat housemuziek symptomen van stress en angst vermindert, terwijl het ook gevoelens van depressie vermindert door de climax van de afgifte van dopamine en endorfine. Muziek speelt een vitale belangrijke rol als het gaat om het helpen van ons om een goede mentale gezondheid te behouden.

HOE IS DE REACTIE VAN ARTIESTEN EN DE MUZIEKGEMEENSCHAP OP DE INITIATIEVEN VAN HEADSTOCK?

We hebben de afgelopen jaren veel geluk gehad met ons talent en de muziekgemeenschap als geheel staat echt achter wat we proberen te doen. De afgelopen jaren hebben we samengewerkt met artiesten variërend van New Order en James Bay tot Becky Hill, Faithless en Nothing But Thieves. We hebben zelfs Brandon Flowers van The Killers zover gekregen om een van onze initiatieven te steunen, wat een 'knijpmomentje' was.

HOE IS DE SAMENWERKING TUSSEN HEADSTOCK, SKIDDLE EN SOLARDO TOT STAND GEKOMEN?

We werken al een paar jaar samen met Skiddle aan verschillende initiatieven voor geestelijke gezondheid en ze zijn een van de oprichters van MUSIC 85258, de tekstondersteuningsdienst voor geestelijke gezondheid in de muziekindustrie die Headstock eerder in 2024 lanceerde in samenwerking met Shout. Toen we het idee van The Drop voor het eerst aan het team van Skiddle presenteerden, wilden ze er heel graag bij betrokken worden. Wat Solardo betreft, wilden we de nieuwe evenementenserie lanceren met talent uit Manchester, gezien onze roots in Manchester, en Solardo leek de perfecte keuze om de boel op gang te brengen, vooral gezien hun opbeurende stijl!

WAT HOOPT U DAT DEZE EVENEMENTENREEKS ZAL BEREIKEN OP HET GEBIED VAN BEWUSTZIJN EN HET ONDERSTEUNEN VAN GOEDE DOELEN VOOR GEESTELIJKE GEZONDHEID?

Uiteindelijk willen we de briljante liefdadigheidsinstellingen die er zijn om de mentale gezondheid van iedereen die in de muziekindustrie werkt, te ondersteunen, in het zonnetje zetten. Mensen die in de muziek- en live-evenementen werken, zijn veel vatbaarder voor mentale problemen dan de rest van de bevolking. Daarom is het van vitaal belang dat we alles doen wat we kunnen om bewustzijn te creëren over de ondersteuning en diensten die worden aangeboden. Op een kleine manier hopen we dat The Drop het levensreddende werk van deze liefdadigheidsinstellingen kan ondersteunen.

ZIJN ER PLANNEN OM 'THE DROP' IN DE TOEKOMST NAAR MEER STEDEN UIT TE BREIDEN OF OP GROTERE SCHAAL UIT TE VOEREN?

In eerste instantie is het plan om The Drop de komende 12 maanden in Manchester op te zetten, om talent uit het Noordwesten en daarbuiten te promoten. Hoewel we op dit moment nog geen concrete plannen hebben om de evenementenserie uit te breiden naar andere steden, zouden we het evenement graag naar andere regio's in het Verenigd Koninkrijk willen brengen.

WAT KUNNEN BEZOEKERS VERWACHTEN VAN HET UNIEKE FORMAT VAN EEN VROEGE AVONDRAVE DIE OM 9 UUR EINDIGT?

We wilden een intieme rave-ervaring creëren voor mensen die graag dansen, maar zonder de druk van een avondje uit. The Drop is niet gepositioneerd als een sobere rave, maar is perfect voor iedereen die wil ontspannen - met of zonder drankje - na een zware werkdag. En met een finish om 9:10 uur kunnen mensen zelf beslissen of ze hun avond ergens anders willen voortzetten - of naar huis willen gaan, waar ze om XNUMX:XNUMX uur in bed kunnen liggen!

WAAROM WERD MANCHESTER GEKOZEN ALS STAD OM DEZE EVENEMENTENREEKS TE LANCEREN EN WAAROM IS HET EEN IDEALE LOCATIE VOOR DERGELIJKE INITIATIEVEN?

Onze roots liggen in Manchester – net als die van Skiddle – dus het was volkomen logisch om de boel in onze thuisstad te beginnen. En als je daar nog aan toevoegt dat Manchester algemeen wordt beschouwd als de muziekhoofdstad van het Verenigd Koninkrijk, dan konden we de serie eigenlijk nergens anders lanceren!

HOE IS HET EVENEMENT BELANGRIJK VOOR DE STAD?

Manchester heeft een ongelooflijke geschiedenis als het gaat om elektronische muziek, met wereldwijd erkende merken zoals Hacienda, Sankeys en Warehouse Project. We hopen dat The Drop op den duur zijn eigen stempel op de stad kan drukken, terwijl het de naald kan verschuiven als het gaat om de positieve rol die muziek moet spelen met betrekking tot onze mentale gezondheid.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2410.24Handgemaakt verzet: het gerecyclede Parijse label ISIS DÜNYA is geen trend.

Terug naar Functies

ISIS DÜNYA is geen trend.

Het in Parijs gevestigde modelabel is geworteld in gemeenschap, identiteit en verzet tegen mainstream fast-fashionmerken. Dit is niet iets dat je een seizoen lang rockt, dit is iets waaraan je je vlag vastknoopt. En de vlag van DÜNYA is een upcycled keffiyeh met Arabische letters.

Alle kledingstukken die je op de website van Isis Dünya kunt kopen, zijn handgemaakt, van de luipaardprint-hijabs die modellen dragen naast drukke straten in Parijs, tot de KHALID-badpakken met stippen die op een Ducati-motorfiets worden gedragen. De onafhankelijke ontwerper achter het merk dat aanslaat bij immigranten van de eerste, tweede en derde generatie, LGBTQ+-gemeenschappen, opkomende dj's, onafhankelijke muzikanten en meer, geeft toe dat het een 'constante uitdaging' is om duurzaamheid en creativiteit in evenwicht te brengen, vooral als je het opneemt tegen grote corporate merken.

Maar nu haar nieuwste campagne op het punt staat om de website en de straten van haar geboortestad te betreden, lijkt ze net zo opgewekt en veerkrachtig als de boodschap die haar levendige merk uitdraagt. Isis heeft samengewerkt met giganten als adidas en Nike, en unieke community-geleide namen als Red Star en Palestina FC. Haar werk omvat cultureel rijke maar opmerkelijk openhartige lookbooks en creatieve workshops die de volgende generatie gemarginaliseerde ontwerpers en kunstenaars willen helpen en inspireren om door te breken.

Terwijl de nieuwste campagne zich voorbereidt om live te gaan, niet alleen op de website van het merk maar ook in de straten van Parijs, behoudt ISIS DÜNYA een opgewekte en veerkrachtige energie - een die de uitdagende toon van haar collecties weerspiegelt. OOM x ISIS DÜNYA samenwerking versterkt deze boodschap, met de iconische keffiyeh in het midden van de ontwerpen. Voor Isis gaat het niet alleen om het opnemen van een traditionele stof in haar ontwerpen; het gaat om het versterken van het politieke gewicht dat de stof heeft. De keffiyeh, zegt ze, 'wordt vaak toegeëigend in de modewereld zonder veel begrip van de culturele betekenis ervan. Het vertegenwoordigt de strijd van een onderdrukt volk.'

De opnieuw ontworpen keffiyeh-print in roze, zoals te zien in de campagnebeelden, brengt een extra laagje flair en geeft de boodschap dat mode zelf verzet is. Een mix van bikini's, jassen, broeken en tweedelige sets, traditionele symbolen van verzet, vermengen zich met moderne streetwear en speelse silhouetten die je niet alleen in de flyposting-campagne zult zien, maar ook gedragen door gelijkgestemde klanten van DÜNYA over de hele wereld.

Haar ontwerpen gaan net zo goed over culturele verhalen als over mode: of ze nu stoffen gebruikt die doordrenkt zijn van geschiedenis of gewoon de verschillende gezichten en lichamen van haar modellen laat zien, ze daagt de nauwe hokjes uit waarin de mode-industrie mensen vaak probeert te plaatsen. Ze viert niet alleen haar eigen cultuur, maar ook die van het moderne Parijs, waar ze zegt: 'We groeien allemaal samen op.'

Niet voor het eerst brengt ISIS DÜNYA haar boodschap van de schermen van sociale media naar de straten. Volgens haar gaat mode niet alleen over wat mensen dragen; het is een hulpmiddel voor activisme, een manier om gesprekken te beginnen over de kwesties die er het meest toe doen, van identiteit en representatie tot duurzaamheid en verzet.

In het volgende interview duiken we dieper in de reis van Isis, haar creatieve proces en de betekenis van haar nieuwste collectie. We leggen uit hoe DÜNYA het verhaal binnen en buiten de wereld van modetrends opnieuw vormgeeft.

KUNT U EERST IN UW EIGEN WOORDEN UZELF VOORSTELLEN?

Ik ben 29 jaar oud. Ik ben de oprichter van ISIS DÜNYA, een modemerk dat zich richt op diversiteit, duurzaamheid en gemeenschap. Ik ben dit merk begonnen omdat ik als Algerijnse en Turkse vrouw de representatie in de mode toen ik jonger was echt miste. Het doel is om een platform te creëren voor iedereen, maar ook specifiek voor minderheden zoals de LGBTQ+-gemeenschap en People of Colour, en om te vechten tegen kapitalisme en deze enorme corporate merken.

Waren er sleutelmomenten tijdens je jeugd die de richting waarin je bent gegaan hebben beïnvloed?

Al van jongs af aan was ik geïnteresseerd in mode, niet alleen in trends of de catwalk, maar ook in hoe mensen je zien op basis van wat je draagt. Ik groeide op in een middenklassegezin en voor mij waren kleren een manier om aan mijn omgeving te ontsnappen. Mijn grootmoeder kwam tijdens de Algerijnse oorlog naar Frankrijk en werd journalist voor een groot tijdschrift, maar ze begon met niets. Kleding speelde een grote rol in haar vermogen om door deze nieuwe wereld te navigeren, en dat is me echt bijgebleven. Kleren waren een manier om mezelf uit te drukken en stereotypen uit te dagen, of ik nu sportkleding droeg of iets eleganters.

JE HEBT GESPROKEN OVER HOE DE MODEMARKT GEDOMINEERD KAN WORDEN DOOR SNELLE MODEMERKEN. WELKE UITDAGINGEN KRIJG JE ALS ANTI-SNELLE MODE?

Het is een constante uitdaging. Een duurzaam merk zijn kost veel logistiek en creativiteit. Elke dag is een gevecht om trouw te blijven aan mijn waarden, en hoe groter het merk wordt, hoe ingewikkelder het wordt. Ik maak vooral unieke stukken, en hoewel ik daar van hou, is het moeilijk om dat internationaal op te schalen. Ik ben begonnen met het produceren van kleine series, misschien 10 of 20 stuks, maar het is niet gemakkelijk om te groeien en tegelijkertijd duurzaam te blijven. Ik krijg veel weerstand van retailers omdat ze bang zijn voor mijn aanpak. Ze geven de voorkeur aan grote, trendy merken met massaproductie, maar ik denk dat het mijn taak is om die mentaliteit te helpen veranderen.

KUNT U ONS DOOR UW CREATIEVE PROCES LEIDEN BIJ HET ONTWERPEN VAN EEN NIEUW WERK?

Mijn proces is heel instinctief. Ik werk niet zoals andere ontwerpers die eerst iets schetsen en dan met de productie beginnen. Ik begin met de materialen. Ik ga naar mijn leveranciers, verzamel verschillende stoffen en plan van daaruit wat ik kan maken. Soms heb ik 10 meter van één stof en ontwerp ik op basis daarvan iets. Ik maak ook moodboards, waarbij ik kijk naar wat het afgelopen seizoen werkte en hoe ik het vanaf daar kan laten evolueren. Zodra ik de stukken heb, verkoop ik ze online of bij pop-ups.

Een ander belangrijk onderdeel van mijn proces is maatwerk, waarbij klanten naar mijn atelier komen en we een gesprek hebben over wat ze nodig hebben. Ik vind het geweldig om kleding te kunnen maken voor mensen die een rol hebben gespeeld in het creatieve proces – misschien door me te vertellen wat ze het prettigst vinden om te dragen of juist wat ze niet prettig vinden om te dragen. Het is een heel persoonlijke reis en dat is wat ik het leukst vind.

JE KLEDING INTEGREERT ELEMENTEN VAN JE EIGEN CULTURELE ERFGOED. KUN JE UITLEGGEN HOE JE ACHTERGROND JE ONTWERPEN BEÏNVLOEDT?

Mijn ontwerpen zijn geïnspireerd door een mix van invloeden. Natuurlijk spelen mijn Algerijnse en Turkse afkomst een rol, maar ik wil me niet tot dat beperken. Ik werk met veel niet-westerse materialen en technieken uit landen als Sub-Sahara Afrika, India en Latijns-Amerika. Ik wilde me niet alleen op één culturele identiteit richten, want dat voelt voor mij uitsluitend. Parijs, waar ik ben opgegroeid, is zo divers en mijn vrienden komen van overal — mijn twee beste vrienden waarmee ik ben opgegroeid, komen bijvoorbeeld uit Vietnam en Mali. Dat zie je terug in mijn werk. Het gaat om het vieren van wereldwijd erfgoed, niet slechts één.

JE INSTAGRAM HEEFT EEN OPENHARTIGE, ONGEPLANDE VOEDING. VEEL VAN JE KLANTEN EN VRIENDEN ZIJN TE ZIEN IN JE FEED EN DRAGEN JE KLEDING BUITEN. IS DAT IETS OPZETTELIJK DAT JE HEBT BEDENKT IN EEN MARKETINGPLAN, OF GEBEURT HET GEWOON OP ORGANISCHE WIJZE?

Het is absoluut organisch. Ik ben de enige die de creatieve richting voor mijn Instagram beheert. Ik doe alles zelf: de marketing, de foto's, zelfs het naaien. Nu heb ik wat hulp van assistenten, maar de meeste content die je ziet is spontaan. Ik post een foto als het op dat moment goed voelt. Het is heel instinctief.

EN HOE WAARDEVOL IS DE IMPACT VAN SOCIALE MEDIA VOOR JOU ALS ONAFHANKELIJK MERK?

Instagram is een krachtig communicatiemiddel, vooral voor mensen zoals ik die niet per se vertegenwoordigd zijn in de mainstream mode. Als ik workshops geef op modescholen, vooral in meer arbeidersklassegebieden, zie ik de impact die mijn werk heeft op jongere, bruine meisjes. Ze kunnen naar me kijken en zich gezien voelen, wetende dat ze in deze ruimte kunnen bestaan zonder zich te conformeren aan de stereotypen.

Er is een Franse term, beurette, die in de jaren '90 vaak werd gebruikt om modieuze Arabische vrouwen op een heel reductieve manier te beschrijven - denk aan Kim Kardashian, met alles altijd perfect, glamoureus en zwaar gecureerd. Maar ik groeide op zonder echt in dat beeld te passen, en dat wilde ik ook niet. Mijn stijl en mijn realiteit zijn anders dan wat er doorgaans wordt verwacht. Ik ben een Arabische vrouw die in Parijs woont, met mijn vrienden omgaat, naar technofeestjes gaat, gewoon mijn leven leeft. Dat is wat ik probeer te weerspiegelen op mijn Instagram: authenticiteit. Het is niet gecureerd voor perfectie; het is gewoon ik en wat ik elke dag ervaar.

WAT IS TOT NU TOE HET HOOGTEPUNT VAN JE CARRIÈRE GEWEEST?

Een van de grootste hoogtepunten voor mij is het bijwonen van workshops in populaire gebieden en het vertegenwoordigen van jonge meisjes. Als ik een kamer binnenkom, zie ik dat ze zich door mij vertegenwoordigd voelen - een bruin meisje dat in de mode werkt - en dat geeft ze hoop. Het gaat niet alleen om het zijn van een ontwerper, het gaat erom ze te laten zien dat ze kunnen zijn wat ze maar willen. Dat is iets wat ik echt koester.

Ik voel een verantwoordelijkheid om de jongere generatie te vertegenwoordigen, met name meisjes van Arabische afkomst. Het gaat er niet om een vals beeld te creëren; het gaat erom de vele manieren te laten zien waarop je als Arabische vrouw kunt bestaan, zonder in één hokje te hoeven passen.

WAT ZIJN JE PLANNEN VOOR DE SAMENWERKING MET UNCLE? WAARVOOR GA JE DE FLYPOSTING CAMPAGNE GEBRUIKEN OM TE PROMOTEN?

De campagne zal de lancering zijn van mijn nieuwe collectie. De collectie is gecentreerd rond traditionele stoffen, met name de keffiyeh, een symbool van verzet in de Palestijnse cultuur. Voor mij is mode diep politiek en ik wil dat deze collectie dat weerspiegelt.

Deze collectie is belangrijk omdat het de aandacht vestigt op de verschillende culturele en historische verhalen die vaak over het hoofd worden gezien of als handelswaar worden gezien in de mainstream mode. De keffiyeh is niet zomaar een stuk stof; het draagt gewicht en betekenis. Het is een symbool van Palestijns verzet, maar het is ook door velen in het Westen toegeëigend zonder de betekenis ervan volledig te begrijpen. In deze collectie wil ik die betekenis terugbrengen, om mensen te herinneren aan de oorsprong ervan en waar het voor staat.

Ik wil dat deze campagne met UNCLE niet alleen mijn collectie promoot, maar ook de boodschap dat mode een hulpmiddel kan zijn voor activisme. De flypostingcampagne past hier perfect bij, vooral in een stad als Parijs, waar straatcultuur en kunst zo diepgeworteld zijn in de structuur van de stad. Het gaat niet alleen om het verkopen van kleding; het gaat om het starten van gesprekken. Ik hoop dat wanneer mensen deze posters zien, ze stoppen, nadenken en misschien zelfs dieper ingaan op het verhaal achter de collectie.

HOE VOELT HET ALS JE WERK IN DE OPENBARE RUIMTE WORDT GEDEELD, IN PLAATS VAN ALLEEN ONLINE?

Allereerst ben ik dankbaar dat ik de posters niet zelf hoef op te hangen. Ik heb het al eerder zelf gedaan, door 's avonds posters op te hangen op de straten van Parijs. Het is niet zo glamoureus als het klinkt, het is echt een gevecht! Ik herinner me een van de eerste keren dat ik het probeerde, ik ging om 5 uur 's ochtends naar buiten en hing posters op in het hele stadscentrum, maar kwam een paar uur later terug en zag dat de meeste al waren weggehaald. Het duurde niet eens tot de volgende dag! Het was frustrerend, maar ook wel grappig. Mijn vrienden lachten om hoe ik er zoveel moeite in had gestoken, om het vervolgens allemaal zo snel te zien verdwijnen.

Dus, om eerlijk te zijn, voelt het geweldig om eindelijk een team achter me te hebben, dit goed te doen met UNCLE, en te weten dat mijn werk daar langer zal blijven hangen. Het is een compleet andere ervaring om je kunst in de echte wereld te zien, niet alleen op een scherm.

WE ZIJN BLIJ OM HET OP STRAAT TE ZIEN! WAAROM DENK JE DAT MODE ZO'N EFFECTIEF INSTRUMENT IS VOOR WAT JE PROBEERT TE BEREIKEN?

Want zonder dat je een woord hoeft te zeggen, kunnen mensen aan de hand van wat je draagt, zien waar je voor staat.

HEB JE LANGETERMIJNDOELEN VOOR ISIS DÜNYA ALS MERK?

Ja, absoluut. Een van mijn grootste doelen op de lange termijn is om mijn eigen workshops te creëren, om een ruimte te hebben waar ik mijn vaardigheden en ervaringen direct kan delen met jongere generaties, met name in gemeenschappen die niet vaak toegang hebben tot dit soort mogelijkheden.

Ik heb al workshops gegeven voor verschillende merken zoals Adidas en Nike, en zelfs op prestigieuze modescholen in Parijs. Maar in de toekomst zou ik graag mijn eigen onafhankelijke workshops willen opzetten. Ik wil een omgeving creëren waar jongeren, vooral die uit gemarginaliseerde milieus, kunnen leren en zien dat er veel verschillende paden in de mode zijn. Toen ik 16 was, werd ik van een modeschool gestuurd omdat ze me niet zagen passen in hun beperkte idee van wat een student zou moeten zijn. Ik was niet geïnteresseerd in de fabrieksmatige opleiding die ze gaven, maar ik wist dat ik iets wilde creëren, iets anders wilde maken.

Daarom hoop ik met mijn eigen workshops aan jongeren te laten zien dat ze zich niet aan de verwachtingen van anderen hoeven te conformeren en dat er in de mode ruimte is voor iedereen, ongeacht waar ze vandaan komen.

WAT IS JE FAVORIETE DING AAN PARIJS?

De diversiteit. Parijs is zo rijk aan verschillende culturen, en dat is wat het zo levendig maakt. In tegenstelling tot andere steden waar gemeenschappen meer gescheiden zijn, groeien we in Parijs allemaal samen op. Die diversiteit is een kracht, vooral als het gaat om creativiteit.

EN TOT SLOT, WAT IS JE MINST FAVORIETE DING AAN PARIJS?

Er is veel hypocrisie in de mode-industrie hier. Soms werken merken met mij samen omdat ik word gezien als een symbool van diversiteit of duurzaamheid, maar zij geven niet echt om die waarden. Ze willen er gewoon goed uitzien. Het is frustrerend om gebruikt te worden voor 'greenwashing' of voor merken die inspringen op trends waar ze niet echt in geloven.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2409.24Vier culturele diversiteit en versterk alternatieve stemmen door middel van muziek met marges United.

Terug naar Functies

Margins United is een collectief dat is ontstaan uit Eastern Margins om de cultuur van Oost- en Zuidoost-Azië in elektronische muziek te promoten. Het collectief wil alternatieve en ondervertegenwoordigde stemmen uit de Aziatische diaspora verheffen en vieren, door muziek te gebruiken als platform om het gebrek aan diversiteit in de industrie aan te vechten. In de loop van de tijd heeft Margins United een levendige community opgebouwd, door samen te werken met artiesten en makers om ruimtes te bieden waar de cultuur van Oost- en Zuidoost-Azië kan floreren en gevierd kan worden. UNCLE is een partnerschap aangegaan met Margins United door posters te gebruiken om het woord te verspreiden van hun aankomende evenement bij EarthH in Hackney, dat een diverse line-up belooft die alles viert waar het collectief voor staat.

Met hun unieke evenementen brengt Margins United mensen uit alle lagen van de bevolking samen om alternatieve Aziatische cultuur te ervaren door middel van muziek, kunst en creatieve expressie. Hun missie is om representatie te bieden aan gemarginaliseerde gemeenschappen, met name binnen de domeinen van elektronische muziek, door line-ups te cureren die opkomend en gevestigd talent uit hun gemeenschap laten zien. Hun evenementen zijn een plek geworden voor zowel viering als verbinding, en creëren een gevoel van eenheid onder artiesten en publiek.

Duik in hun interview, waarin ze moeiteloos deze belangrijke onderwerpen met helderheid en overtuiging onderzoeken. Margins United weet precies waar ze voor staan en waarom. Mis hun evenement deze week niet, of volg ze om op de hoogte te blijven van toekomstige gebeurtenissen.

HOE IS HET COLLECTIVE MARGINS UNITED ONTSTAAN?

Eastern Margins startte in 2018 om de vertegenwoordiging van de Oost- en Zuidoost-Aziatische cultuur in elektronische muziek te bevorderen.

WAT IS VOOR JIJ HET DOEL VAN HET COLLECTIEF?

Om de alternatieve cultuur uit de marges van Oost- en Zuidoost-Azië en haar diaspora te verheffen en te vieren.

WAT IS DE INSPIRATIE VOOR DE NAAM 'MARGINS UNITED'?

We vechten allemaal onze eigen gevechten — voor identiteit, voor representatie, voor creatieve vervulling. We zijn sterker verenigd.

WAT WAS DE DRIJVENDE KRACHT ACHTER DE CONCEPTIE VAN DE NACHT?

Als de rook is opgetrokken en de lichten aangaan tijdens de rave om 4 uur 's ochtends, zie je gezichten zoals de jouwe naar je terugkijken.

HOE WERD DE LINE-UP BEPAALD?

Dit is onze community waar we al eeuwig bij horen. We hebben artiesten die zich bij ons hebben aangesloten voor onze allereerste shows, en we zijn samen gegroeid.

WAT IS HET DOEL VAN DE NACHT?

Zoals met het collectief — om de alternatieve Aziatische cultuur te verheffen en te vieren.

HOE KUNNEN WE MINDFUL ZIJN IN EEN RUIMTE ALS DEZE?

Denk niet, voel. De Margins is voor iedereen!

VERTEL ONS MEER OVER HET KUNSTWERK.

De flyers zijn een fysieke manifestatie van het innemen van ruimte. Letterlijk onze cultuur op de straten en muren van Londen plakken, op de luidst mogelijke manier. Ze zijn ontworpen door onze goede vrienden, Cha Chaan Teng (bekijk ze eens! @888.cct op Instagram).

HOE IS HET COLLECTIEF VERBONDEN MET DE STAD LONDEN?

Londen heeft een van de rijkste wandtapijten van muzikaal multiculturalisme ter wereld. We zijn enthousiast om daar een draad in te zijn en worden eindeloos geïnspireerd door de energie, intensiteit en urgentie van de stad. Druk maakt diamanten.

WELKE GEBEURTENISSEN ZIJN HET MEEST memorabel EN WAAROM?

De meest memorabele gebeurtenis is altijd de volgende.

WAAROM EARTH HACKNEY ALS LOCATIE?

Waar anders kun je Hyper Bubblegum Grunge Month horen rocken in een omgebouwde art-decobioscoop?

WAT IS DE VOLGENDE STAP VOOR MARGINS UNITED?

We willen het concept overal mee naartoe nemen. Margins United gaat over saamhorigheid, eenwording. Wat dacht je van deze ervaring, maar dan terug naar de Barangays van DJ Love's geboortestad Davao City?

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2409.24Fluff and Flow: Stephanie Uhart is een van de meest opwindende outsiders in de modewereld.

Terug naar Functies

De pluis die opgeklopt moet worden, is slechts één taak die in een van Stephanie Uharts opvallende ontwerpen zit. Het werk van de modeontwerper is gedeeld in Vogue, AnOther Magazine en Elle, waar het glorieuze proces achter haar impressionistische kledingstukken onlangs is gedeeld. Tijdens London Fashion Week zal Uharts werk de muren van de stad sieren waar ze tien jaar geleden als studente vanuit Chili naartoe verhuisde.

Stephanie's werk is onconventioneel maar innemend en dat was haar reis naar dit punt ook. Ze beschrijft zichzelf als een buitenstaander van de mode-industrie, en het feit dat haar superzintuiglijke stukken op muren worden gepost in plaats van op de catwalks van de laatste LFW is heel toepasselijk. Haar gedurfde, op maat gemaakte en ja, pluizig mode, zijn niet het resultaat van overdreven geplande, minutieus geschetste, catwalk-or-bust-ontwerpen. Maar eerder impulsieve improvisatie.

Stephanie creëert elk stuk zoals het bij haar binnenkomt, soms zonder te weten hoe het gedragen zal worden of wat het stuk zal zijn als het af is. Elk item kanaliseert een andere emotie die de ontwerper op dat moment voelt, en kan dus worden aangeraakt met alles van de angst om een laatstejaarsproject van de universiteit te schrappen met nog een week te gaan tot de deadline, tot het vreugdevolle genoegen van ongebreidelde creativiteit en een staat van flow.

Haar reis in de mode was ook 'non-lineair'. Uhart werd geboren en getogen in Chili en groeide op omringd door kunst, dankzij haar ouders, die kunsthandelaren zijn. Deze constante blootstelling aan verschillende kunst die kwam en ging, legde de basis voor haar creativiteit in de mode, hoewel ze dat niet altijd zo zag. Toen ze naar Londen verhuisde om te studeren aan Central Saint Martins, een van 's werelds toonaangevende kunst- en designscholen, realiseerde ze zich al snel dat ze niet helemaal paste in het plaatje van de traditionele modestudent. Waar anderen hun ontwerpen misschien nauwgezet zouden plannen en uitvoeren, was Uharts aanpak veel instinctiever.

Ze voelde zich meer aangetrokken tot de artistieke kant van mode, een ruimte waar ze emoties en texturen kon verkennen zonder de beperkingen van de verwachtingen van de industrie. Haar afstudeercollectie, gemaakt tijdens het hoogtepunt van de pandemie, was een keerpunt. Nu de gebruikelijke druk van deadlines en modeshows was weggenomen, was Uhart vrij om te experimenteren en de grenzen van haar creativiteit te verleggen. Het resultaat was een collectie die diep persoonlijk was, een ware weerspiegeling van haar emotionele staat tijdens die tumultueuze tijden.

Dit gevoel van vrijheid is een kenmerk van haar werk geworden. Haar stukken zijn beschreven als 'draagbare sculpturen' en hebben geleid tot aandacht van de eerder genoemde hoofdpersonen in de modewereld. Maar ondanks deze lofbetuigingen blijft Uhart een soort buitenstaander in de mode-industrie, een positie die ze lijkt te omarmen.

Haar werk past niet in het traditionele modeverhaal, en dat is precies wat het zo aantrekkelijk maakt. Het is passend dat haar nieuwste collectie, Lucide waanideeën, zal niet op de catwalks van London Fashion Week worden getoond, maar op de straten van de stad. Door de flypostingcampagne van UNCLE worden haar ontwerpen direct aan de mensen gepresenteerd, waarbij ze de exclusieve wereld van modeshows omzeilen en in plaats daarvan deel uitmaken van de make-up van de stad.

Hoewel zachtere catwalks zeker lonken.

KUN JE BEGINNEN MET JEZELF IN JE EIGEN WOORDEN TE INTRODUCEREN?

Zeker! Ik ben Stephanie Uhart, een modeontwerpster oorspronkelijk uit Chili, nu woonachtig in Londen.

KUN JE MET ONS VERTELLEN OVER DE REIS DIE JE TOT MODEONTWERPER HEEFT GELEID?

Mijn reis naar de mode was niet helemaal rechttoe rechtaan en het is nog steeds iets waar ik mee worstel, zelfs bij het definiëren van mezelf als modeontwerper. Ik heb formeel mode gestudeerd, maar mijn ervaring op de universiteit was meer aan de artistieke kant van de dingen. Ik had vaak het gevoel dat ik niet helemaal paste in de traditionele mode-industrie. Het is een ruimte waar ik bekend mee ben, maar ik neig meer naar een artistieke richting, wat het ingewikkelder maakt hoe ik mezelf zie binnen de industrie.

Mijn echte werk in de mode begon eigenlijk tijdens mijn tijd op de universiteit. Terwijl ik tijdens de pandemie aan mijn afstudeercollectie werkte.

DENK JE DAT HET STUDEREN EN MAKEN VAN JE EINDPROJECT TIJDENS DE LOCKDOWN IMPACT HEEFT OP HET EINDRESULTAAT?

Absoluut, ik vond een soort creatieve vrijheid die ik nog niet eerder had ervaren. De gebruikelijke druk van modeshows en deadlines was er niet, omdat alles zo onzeker was midden in een wereldwijde crisis. Onze docenten maakten zich ook echt zorgen om ons, denk ik – ik schrapte bijvoorbeeld mijn hele project een week voor de deadline en mijn docenten waren daar verrassend relaxed over. We kregen de vrijheid om te verkennen zonder de gebruikelijke beperkingen, en voor mij betekende dat dat ik me echt concentreerde op mijn emoties en hoe die vertaald konden worden in vormen en texturen.

Zonder de gebruikelijke afleidingen en vergelijkingen met mijn leeftijdsgenoten, begon ik een uniek proces te ontwikkelen waarbij mijn emoties de kern van mijn ontwerpen werden. Het was een kans om risico's te nemen, om dingen anders te doen, en toen begon mijn werk tot leven te komen op een manier die voor mij waar aanvoelde. Ik probeerde niet iemand anders te imiteren; ik was puur gefocust op hoe ik me voelde en hoe ik dat kon uiten via mijn ontwerpen.

Zijn er, afgezien van je studie, nog andere cruciale momenten die een grote invloed op je hebben gehad?

Toen ik opgroeide, was ik altijd omringd door kunst. Mijn ouders zijn kunsthandelaren, dus ons huis was constant gevuld met verschillende stukken die kwamen en gingen en ik raakte geobsedeerd door deze kunst terwijl ze thuis waren. Die blootstelling heeft me ongetwijfeld beïnvloed, hoewel ik me dat toen niet realiseerde.

Interessant genoeg heb ik altijd al een zwak gehad voor fluffy texturen. Ik weet nog dat ik dat probeerde te verwerken in mijn werk tijdens mijn BA, maar ik had moeite om het juiste materiaal te vinden. Pas toen ik per ongeluk ontdekte dat ik garen kon borstelen om die fluffy textuur te creëren, viel het echt op zijn plek. Vanaf dat moment heb ik nooit meer achterom gekeken.

UW ONTWERPEN STAAN NU BEKEND OM HUN UNIEKE TEXTUREN EN VORMEN. KUNT U ONS DOOR HET PROCES LEIDEN VAN HOE EEN VAN UW WERKEN WORDT GEMAAKT, VAN CONCEPT TOT EINDPRODUCT?

Mijn proces is vrij intuïtief en niet erg lineair, waardoor ik het vaak moeilijk vind om het uit te leggen aan anderen in de mode-industrie die misschien een meer traditionele aanpak verwachten. Ik begin niet met een gedetailleerde schets of een patroon. In plaats daarvan begin ik met een idee, dat vaak voortkomt uit een emotie of een visuele referentie die bij me is blijven hangen.

Ik experimenteer graag direct met de materialen, daar gebeurt voor mij de echte magie. Als ik bijvoorbeeld met garens werk, begin ik te spelen met texturen, borstel ik ze, draai ik ze en kijk ik hoe ze reageren. Het is een heel praktisch proces. Ik weet niet altijd hoe het eindresultaat eruit zal zien als ik begin, en dat is een deel van de opwinding voor mij.

Soms heb ik een vaag idee, maar dat ontwikkelt zich meestal gaandeweg. Ik werk direct met de materialen, zodat ze mij kunnen leiden. Als iets niet werkt, deconstrueer ik het en begin ik opnieuw, wat frustrerend kan zijn, maar ook lonend als ik het eindelijk goed heb. De spontaniteit en vrijheid in deze aanpak zijn essentieel voor mijn werk en het stelt mij in staat om stukken te creëren die organisch aanvoelen en trouw zijn aan het moment waarin ik me bevind.

IS DE MODE-INDUSTRIE BEVORDEREND VOOR UW WERKSTIJL?

Ik heb een heel moeilijke ervaring gehad met de mode-industrie omdat ik niet de plek kan vinden waar ik echt pas. Er is een bepaalde verwachting van hoe dingen gedaan moeten worden — van ontwerpers wordt verwacht dat ze alles minutieus hebben gepland, van gedetailleerde schetsen tot precieze patronen. En dat ze collecties maken en t-shirts. Maar voor mij voelt die aanpak te rigide. Mijn stijl is spontaner en ik heb de vrijheid nodig om te improviseren terwijl ik bezig ben.

Ik denk dat de industrie er baat bij zou hebben om meer open te staan voor verschillende manieren van werken. Niet elke ontwerper gedijt onder dezelfde omstandigheden en er zou ruimte moeten zijn voor degenen onder ons die design meer experimenteel benaderen. Soms komen de meest innovatieve ideeën uit onverwachte hoeken, uit momenten van improvisatie in plaats van strikte planning.

Ik denk niet dat het het type industrie is waar je je werk in een bepaalde vorm kunt dwingen zodat je er geld mee kunt verdienen. Ik heb het gevoel dat als ik mezelf zou dwingen om iets te doen voor geld, ik dan iets heel anders doe en dit als hobby houd.

ER ZIT EEN GEVOEL VAN SPEELSHEID EN GEKHEID IN JE ONTWERPEN, MET NAME IN HET GEDURENDE GEBRUIK VAN KLEUR EN TEXTUUR. IK KAN ME NIET VOORSTELLEN DAT IEMAND ZICH NIET GELUKKIG OF TENMINSTE GELUKKIGER VOELT ALS ZE JOUW KLEDING DRAAGT. IS DIT OPZETTELIJK EN WAT HOOP JE DAT HET DEGENEN DIE JOUW KLEDING DRAGEN TE BRENGEN?

Ik ben zo blij dat je dat zegt! Ik wil dat mijn werk een gevoel van vreugde en lichtheid oproept. Mode kan vaak zo serieus zijn en ik denk dat het belangrijk is om er wat plezier in te brengen. De felle kleuren en overdreven texturen zijn bedoeld om een statement te maken, om op te vallen en opgemerkt te worden, maar ook om verschillende gevoelens uit te drukken.

Ik weet niet of ik dit altijd in elk stuk bereik. Sommige zijn echt stressvol. Sommige zijn echt vredig, maar ik weet niet of ik dat echt communiceer of niet. Maar ik zou graag op een punt komen waarop ik met mijn ontwerpen zeg wat ik wil zeggen.

Ik zie mijn stukken bijna als draagbare kunst. Het is niet alleen kleding; het is een ervaring. Als iemand een van mijn ontwerpen draagt, wil ik dat ze zich empowered voelen, hun individualiteit omarmen en plezier hebben met mode. Het gaat om het creëren van stukken die op emotioneel niveau resoneren, die een gevoel van geluk en zelfvertrouwen bij de drager oproepen.

ALS JE ER EEN MOEST KIEZEN, WAT ZOU DAN TOT NU TOE EEN HOOGTEPUNT ZIJN VAN JE REIS IN DE MODE?

Er zijn er zoveel geweest, maar ik zou zeggen dat de eerste was toen Adut Akech een van mijn BA-stukken droeg voor AnOther Magazine. Het was een stuk dat ik maakte tijdens mijn studententijd, dus het was surrealistisch om te zien dat het werd gedragen en gewaardeerd op zo'n platform. Ze mailden me en ik dacht: 'Is dit echt? Is dit een grap? Dit is krankzinnig.'

Wat het nog specialer maakte, was het feit dat ze een handgeschreven bedankbriefje voor me achterlieten. Ze waren ontzettend aardig en het was zo'n positieve ervaring om met ze te werken. Ik heb nog steeds exemplaren van het tijdschrift als aandenken.

IS ER EEN FEEDBACK OF EEN REACTIE OP JE WERK DIE JE STERK AANSPREEKT?

Iets wat echt bij me resoneert, is wanneer mensen mijn werk beschrijven als draagbare sculpturen in plaats van alleen kleding. Ik vind dat geweldig, want zo zie ik mijn stukken ook. Het zijn niet alleen kledingstukken; het zijn kunstvormen die op een miljoen verschillende manieren gedragen kunnen worden.

Het is fascinerend om te zien hoe stylisten en dragers mijn ontwerpen interpreteren. Ik heb voorbeelden gehad van stylisten die me drie verschillende foto's van dezelfde jurk stuurden en vroegen of het drie verschillende jurken waren! Ik hou van die veelzijdigheid: het laat zien hoe mijn stukken kunnen worden getransformeerd en aangepast aan de visie van iemand anders, bijna alsof ze onderdeel worden van de kunst van iemand anders. Dat is echt belangrijk voor mij, om iets te creëren dat niet beperkt is tot één manier van dragen, maar kan worden geïnterpreteerd en opnieuw uitgevonden door degene die het draagt.

NOEM ÉÉN PERSOON DIE JE GRAAG IN JE WERK ZOU ZIEN…

Dat is echt een moeilijke. Er zijn er een paar, maar ik ga voor Rosalia. Ik hou van haar muziek en hoe ze de Spaanse taal gebruikt.

NU DE LONDON FASHION WEEK NADERT, ZAL JE COLLAB MET UNCLE OP STRATEN ZIJN. WAT KUNNEN WE VERWACHTEN VAN JE NIEUWSTE COLLECTIE DIE IN DE POSTERCAMPAGNE GAAT? ZIJN ER NIEUWE THEMA'S OF IDEEËN DIE JE AAN HET VERKENNEN BENT?

Weet je, ik heb eigenlijk nog nooit op de traditionele manier aan de Fashion Week meegedaan, dus ik ben erg enthousiast over de timing van deze samenwerking, omdat het perfect samenvalt met de lancering van mijn nieuwe collectie. Lucide waanideeën. Deze collectie voelt als een evolutie van mijn vorige werk, dat meer over perceptie ging. Er zit meer diepgang in Lucide waanideeën, en ik heb geëxperimenteerd met verschillende vormen en tinten. Terwijl mijn eerdere werk fellere kleuren bevatte, heb ik deze keer wat meer gedempte tinten verwerkt, maar met verschillende situaties die zich binnen de ontwerpen voordoen. Ik experimenteer ook met andere materialen. Er is veel nylon, wat texturen oplevert die lijken op een pufferjack, dus ik ben ook enthousiast om te delen hoe mijn aanpak zich ontwikkelt.

HOE LANG IS DEZE COLLECTIE IN DE WERKZAAMHEID?

Het kostte me ongeveer twee jaar om deze collectie te voltooien, en gedurende die tijd ging ik door verschillende emotionele fasen. Het thema vat die reis echt samen, van stress en angst tot momenten van geluk.

HOE VOELT HET OM JE WERK NIET ALLEEN ONLINE TE DOEN, MAAR OOK IN DE FYSIEKE RUIMTE?

Het voelt echt krankzinnig. Het is iets wat ik altijd heb geassocieerd met grote merken: het idee om je werk op posters te zetten. Dat ik deze kans nu krijg, is surrealistisch. Ik weet niet precies hoe het gaat aflopen, maar het is ongelooflijk spannend om mijn werk in een fysiek formaat als dit te zien. Het geeft me ook de kans om meer te spelen met de fotoshoot, om ervoor te zorgen dat de boodschap echt doorkomt in de afbeelding. Het gaat niet alleen om het maken van een lookbook; het gaat om het maken van iets dat op grotere schaal resoneert.

WE ZITTEN AL ZO LANG IN HET SMARTPHONE-TIJDPERK, DAT WORDT GEDOMINEERD DOOR INSTAGRAM EN KLEINE SCHERMEN. HOE VOELT HET ALS JE WEET DAT JE AFBEELDINGEN OP EEN VEEL GROTERE SCHAAL WORDEN WEERGEGEVEN?

Het is zo gek, en eerlijk gezegd, de timing had niet beter gekund. Persoonlijk probeer ik minder tijd op mijn telefoon door te brengen. Ik ben het echt zat, en ik denk dat veel mensen hetzelfde voelen. Het is vermoeiend om alles voor social media te doen. Soms vraag ik me zelfs af of ik een carrière zou hebben zonder Instagram. Zou ik iets doen als ik het niet had? Dit is dus een heel ander niveau van blootstelling, en het voelt als een verfrissende verandering.

NU WIJ ONS RICHTTEN OP DE STAD WAAR JE WERK TE ZIEN IS, WAT VIND JE LEUK AAN LONDEN?

Ik vind het geweldig hoe divers en leuk Londen is. Het is een stad waar je echt kunt zijn wie je wilt zijn zonder je beoordeeld te voelen. Er is hier een vrijheid die echt bij me resoneert, vooral in de modescene. Mijn ouders wonen in Parijs en de sfeer daar is compleet anders. Londen, met al zijn culturen en gevarieerde gebieden, voelt als de perfecte plek voor het soort mode dat ik creëer.

WAT IS DE GROOTSTE UITDAGING ALS ZELFSTANDIG ONTWERPER?

Het moeilijkste is om het grootste deel van de tijd alleen te werken. Hoewel ik hulp heb gehad van stagiaires en vrienden, ben ik vaak de enige die alles afhandelt. Het kan erg hectisch worden, vooral als ik meerdere taken tegelijk moet uitvoeren. Als er iets misgaat, ligt het helemaal bij mij en die verantwoordelijkheid kan overweldigend zijn.

WAT VIND JE HET LEUKST AAN ONAFHANKELIJK ZIJN?

Ik hou van de vrijheid om mijn eigen keuzes te maken in elk aspect van mijn werk. Of het nu gaat om ontwerpen, modellen casten of beslissen hoe ik mijn werk op social media presenteer, ik kan op mijn eigen manier creatief zijn. Het is ook geweldig om samen te werken met vrienden aan verschillende aspecten van mijn merk.

WAAROM DENK JE DAT MODE BELANGRIJK IS ALS KUNSTVORM?

Ik denk dat mode belangrijk is omdat het een vorm van zelfexpressie is waar iedereen zich mee bezighoudt, of ze zich dat nu realiseren of niet. Zelfs als je alleen een wit T-shirt en jeans draagt, is dat nog steeds een statement. Het is jouw manier om jezelf aan de wereld te presenteren, en dat is iets unieks aan mode. Je kunt niet rondlopen en zeggen: "Dit is de muziek waar ik naar luister", op dezelfde manier dat je kunt laten zien wie je bent met wat je draagt. Mode is een kunstvorm waaruit je kunt kiezen om jezelf uit te drukken, en het is krachtig omdat het iets is dat je draagt en met je meedraagt waar je ook gaat. Het is alsof je rondloopt in een kunstwerk dat je hebt gekozen om te vertegenwoordigen wie je bent. Dat is echt krachtig voor mij.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2409.24Campbell Addy's visie op identiteit en cultuur door de lens van zwarte en queer verhalen.

Terug naar Functies

Campbell Addie is een Brits-Ghanese kunstenaar, fotograaf en creatief directeur. Hij staat vooral bekend om het documenteren van een reeks hedendaagse momenten geïnspireerd door de kruising van zwartheid, queerness en wereldwijde cultuur voor tijdschriften als Time, Dazed en Harper's Bizarre. Sindsdien heeft hij NiiJournal opgericht, een tijdschrift dat mainstream verhalen uitdaagt en de complexiteit van identiteit onderzoekt. Door middel van fotografie, art direction en storytelling wil het tijdschrift ondervertegenwoordigde stemmen verheffen en een ruimte creëren waar uiteenlopende ervaringen kunnen worden gedeeld en gevierd. UNCLE is een partnerschap aangegaan met Addy voor de release van Issue #4: PRIDE en heeft de teaser-coverafbeelding verspreid over Londen.

Deze cover van het nummer herinterpreteert zelf de Ghanese vlag om commentaar te leveren op recente politieke spanningen rondom LGBTQ-rechten in Ghana, waarbij de nadruk ligt op de menselijke impact achter wetgevende beslissingen. Met bijdragen van een scala aan kunstenaars, dichters en fotografen probeert het tijdschrift een genuanceerd portret te geven van wat het betekent om zwart en queer te zijn in de wereld van vandaag, waarbij zowel de worstelingen als de vreugden van deze identiteiten worden benadrukt.

Gedurende het interview reflecteert Addy op de invloeden die zijn artistieke visie hebben gevormd, van zijn dubbele erfgoed en ervaringen in Londen tot de politieke landschappen die zijn werk beïnvloeden. We bespreken het belang van authenticiteit en diversiteit in zijn creatieve proces en de rol van kunst bij het navigeren door complexe culturele verhalen. Vooruitkijkend naar de toekomst, drukt hij de wens uit om nieuwe perspectieven te blijven verkennen en zijn horizon te verbreden, gedreven door een toewijding om mensen te verbinden door gedeelde verhalen en ervaringen.

VERTEL ONS MEER OVER 'PRIDE', HET AANSTAANDE NUMMER VAN UW TIJDSCHRIFT, NIIJOURNAL.

NiiJournal Issue #4: PRIDE? onderzoekt de ingewikkelde relatie tussen queerness, Blackness en de bredere diaspora. Voor dit nummer onderzoek ik hoe queerness en identiteit zich over de hele wereld manifesteren, specifiek door de lens van zwarte en queer artiesten. We onderzoeken culturen en landen zoals Brazilië, Nigeria, Japan, Engeland en meer. Het is belangrijk voor mij dat dit nummer van Pride documenteert hoe het eruitziet om zwart en queer te zijn in 2024, bijna als een tijdsgeest.

WAT IS DE BETEKENIS VAN UW HERINTERPRETATIE VAN DE GHANESE VLAG VOOR DE OMSLAG?

Op 28 februari probeerde mijn land, Ghana, een wetsvoorstel aan te nemen om het bestaan van de queer- en LGBTQ-gemeenschap te criminaliseren. Dit bracht mij ertoe een gedicht te schrijven met de titel 28 februari, waarin ik mijn angst, zorgen en vragen belicht voor degenen die niet begrijpen welke grote impact dit op ons volk zal hebben. Om dit te benadrukken, wilde ik een serie afbeeldingen maken die symbolisch deze kwestie aankaarten. Door de Ghanese vlag op de cover te plaatsen en de zwarte ster te vervangen door een zacht zwart model, wilde ik twee dingen becommentariëren: ten eerste dat we allemaal zwarte sterren zijn, en ten tweede dat mensen vaak vergeten dat achter de wetgeving echte mensen zitten. Ik wilde een afbeelding maken die mijn trots voor mijn land en ook mijn twijfelachtige trots laat zien, en degenen die zich verzetten tegen het bestaan van mensen zoals ik eraan herinnert dat we in de kern allemaal maar mensen zijn.

KUN JE INFORMATIE VERDIENEN OVER DE INHOUD EN THEMA'S VAN ZWARTHEID EN QUEERNESS DIE JE IN HET TIJDSCHRIFT HEBT ONDERZOCHT?

Zonder te veel te verklappen, onderzoeken we queerness op verschillende manieren in het tijdschrift. Ten eerste zijn er de coververhalen van mijzelf en IB Kamara en de Braziliaanse kunstenaars MAR+VIN. Mijn coververhaal belicht de verschillende facetten van onderdrukking waarmee zwarte mensen te maken kunnen krijgen als wetsvoorstellen zoals die van 28 februari worden aangenomen, variërend van fysieke aanvallen tot het onderdrukken van het parlement en de onbewuste vooroordelen die kunnen ontstaan als dergelijke wetgeving wordt toegestaan. Aan de andere kant van de wereld onderzoeken we queerness in Japan, met een queer stel, Koji en Shiba, die een zoon op een gezonde manier opvoeden. Ik wilde niet alleen de dingen laten zien die ons schaden, maar ook de hoop en vreugde die kunnen bestaan als mensen zichzelf mogen zijn zonder dat hun bestaan in twijfel wordt getrokken. We laten verkenningen zien van artiesten als Cameron Ugbodu, die voor het eerst terugkeert naar zijn geboortestad Benin om zijn familie te ontmoeten, en een prachtig verhaal dat zich afspeelt in het noorden van Engeland door George Hutton, waarin hij een voetballegende Arthur Wharton bespreekt wiens invloed misschien verloren is gegaan vanwege zijn ras en de tijd in de geschiedenis, maar die op een gegeven moment een van de beste atleten was. Ik wilde de verschillende aspecten van zwartheid en queerness vanuit verschillende hoeken bespreken, zodat iedereen die het tijdschrift oppakt, kan begrijpen dat we gelaagde, prachtige wezens zijn en dat ons bestaan van vitaal belang is voor iedereen.

HEEFT HET ARTISTIEKE EN CULTURELE LANDSCHAP VAN LONDEN BEÏNVLOEDING VAN DEZE THEMA'S?

Ja! Londen is een smeltkroes van immens talent, culturen en verschillen. Ik ben altijd blootgesteld aan een veelheid aan mensen, waardoor ik dat mondiale perspectief op dit probleem kon toepassen. In zo'n diverse omgeving zijn, heeft mijn vermogen gevormd om globaler te denken bij het in opdracht geven en cureren van het probleem.

WELKE INVLOED HEEFT DE POLITIEK OP DEZE RICHTING GEDAAN EN GAAT U OVER HET ALGEMEEN ONDERWERPEN AAN DIE UIT DAT LANDSCHAP KOMEN?

De poging om de wet door te voeren, heeft mij aanzienlijk beïnvloed en belast met het maken van dit huidige verhaal en het gedicht van 28 februari. Politiek heeft direct invloed op dit probleem omdat het mij direct raakt. We raken Gaza aan met een gedicht van Swati Ved en het huwelijk met een ander gedicht van Kai Isiah Jamal. Wanneer je hele wezen gepolitiseerd is, is het vaak moeilijk om geen werk te maken dat daarop reageert. Ik probeer te spreken vanuit een plek van feiten en subtiele emoties, zodat mijn tegenargument op politiek commentaar niet gemakkelijk kan worden betwist.

VERTEL ONS MEER OVER HET POSTERONTWERP ZELF, DAT ROND EEN STERRENAFBEELDING DRAAIT.

Toen ik met mijn team en CBC Next Gen aan het logo-ontwerp werkte, wilde ik iets creëren dat synoniem was met de universele thema's die we aanraken terwijl we verschillende culturen over de hele wereld verkennen. We wilden iets dat iedereen kon herkennen en verwerken, ongeacht culturele of taalverschillen. Het stermotief voelde daar perfect voor. Ik wilde dat NiiJournal een logo zou hebben, niet alleen een woord, dat het vertegenwoordigt - iets positiefs en abstracts. De ster is ook overgenomen van mijn originele handtekening. Het symboliseert het deel uitmaken van NiiJournal. De ster vertegenwoordigt mensen als sterren, wat laat zien dat we allemaal samen op deze planeet zijn en dat we allemaal kunnen stralen. Het is een eindeloze tekening met één lijn die ons allemaal in eenheid verbindt.

WAT HOOP JE DAT MENSEN VAN DIT PROBLEEM ZULLEN ONTHOUDEN?

Ik wil dat mensen meer meenemen dan alleen de verschillende verhalen; ik wil dat ze begrijpen dat we niet monolithisch zijn. In de context van de huidige rassenrelaties in het Verenigd Koninkrijk en de rest van de wereld, wil ik dat mensen zien dat we allemaal mensen zijn en dat veel van de problemen waarmee we worden geconfronteerd dezelfde zijn als die waarmee anderen worden geconfronteerd, zelfs degenen die zich tegen ons verzetten. Ik wil dat mensen begrijpen dat onze verschillen, hoewel ze misschien een kloof lijken te creëren, ons in feite samenbrengen. Ik hou van het proces van het begrijpen en ontdekken van nieuwe mensen, en ik hoop dat dit nummer nieuwe perspectieven biedt van verschillende kunstenaars, fotografen, dichters, schilders en schrijvers. Ik wil dat het een verkenning van ontdekking is voor iedereen die het tijdschrift oppakt.

UW BRITS-GHANESE ERFGOED IS EEN PROMINENTE INVLOED OP UW WERK. KUNT U ENKELE SPECIFIEKE CULTURELE ELEMENTEN UIT UW ACHTERGROND DELEN DIE UW ARTISTIEKE VISIE BIJZONDER HEBBEN GEVORMD?

Als kunstenaar geboren en getogen in het Verenigd Koninkrijk die ook veel tijd in Ghana heeft doorgebracht, heb ik altijd in dualiteit geleefd. Ik leun daar nu echt op omdat ik geloof dat het naast elkaar plaatsen en mengen van verschillende elementen een aantal van de meest opwindende en creatieve resultaten kan opleveren. Als het op mijn werk aankomt, probeer ik vaak ingrediënten te mengen om iets nieuws en interessants te ontdekken. Wonen in zowel het Verenigd Koninkrijk als Ghana heeft me altijd een gevoel gegeven van hoe groot de wereld is en heeft me geïnspireerd door hoe vergelijkbaar de mensheid is ondanks onze verschillen in locatie. Het is een nederige ervaring. Muziek is ook een belangrijk onderdeel van mijn creatieve proces. Van het luisteren naar Ghanese highlife tot Missy Elliot, de visualisatie van muziek - van art direction tot styling - helpt me echt. Voor het eerste nummer van NiiJournal luisterde ik naar Yeezus van Kanye West. Voor NiiJournal Issue 2 werd ik geïnspireerd door Nina Simone en Solanges A Seat at the Table. Voor dit nummer luister ik naar Ghanese highlife.

HOE HEEFT JE ERVARING ALS STUDENT IN LONDEN BIJGEDRAGEN AAN JE ARTISTIEKE STIJL, MET NAME IN DE CONTEXT VAN JE ZELFONTDEKKING?

Als jonge, niet-stedelijke jongen verhuisde ik naar Londen en ging studeren aan Central Saint Martins. Dat was een geestverruimende ervaring. In Londen zijn was als een smeltkroes van creativiteit en scenes. Ik kon onopgemerkt werken, ongezien, creëren zonder druk, waardoor ik veel vertrouwen in mezelf en mijn creatieve visie kon opbouwen. Ik ben mijn vrienden en mijn universiteit dankbaar voor die mooie, vormende jaren. Het was een geweldige tijd om in Londen te zijn.

WELKE INVLOED HEBBEN UW PRESTIGIEUZE PRIJZEN OP UW BENADERING VAN KUNST?

Ik zou zeggen dat ze mijn aanpak niet hebben veranderd. Ik probeer er niet te veel over na te denken. Ik ben erg dankbaar voor alle prijzen en erkenning die ik heb gekregen, vooral de Isabella Blow Award, wat een enorme eer is. Ik laat het echter niet in mijn hoofd komen, dus denk ik er vaak niet over na. Het winnen van een prijs heeft mijn benadering van kunst niet beïnvloed, maar het heeft me wel geholpen me zekerder te voelen in mijn werk.

HOE NAVIGEER JE TUSSEN VERSCHILLENDE MEDIUMS?

Ik eer en respecteer elk medium als een prachtige ziel waarmee ik in contact kom. Ik zorg ervoor dat alles wat ik doe authentiek is. Of ik nu een fotograaf ben die een foto maakt, een schilder die een schilderij maakt of een regisseur die een film maakt, ik zet verschillende hoeden op en respecteer elke rol.

JE WERK BESTAAT VAAK UIT OPVALLENDE BEELDVORMING DIE UITEENLOPENDE VERHALEN VASTLEGT. HOE KIES JE JE ONDERWERPEN?

De meeste van mijn ideeën komen als verhalen en vertellingen die zijn geïnspireerd door het echte leven. Ik probeer authenticiteit te behouden door ervoor te zorgen dat de casting trouw blijft aan het idee.

KIJK JE UIT NAAR DE TOEKOMST? IS ER IETS DAT JE GRAAG WILT ONTDEKKEN EN BEREID BENT TE ONTHULLEN?

Ik wil meer van de wereld ontdekken. Ik ben op een punt in mijn carrière dat ik meer mensen wil zien en meer diversiteit wil ervaren. Ik wil graag mijn horizon verbreden, zodat mijn geest geïnspireerd kan blijven.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2409.24Anthony Burrill verspreidt hoop en bevordert eenheid in onzekere tijden.

Terug naar Functies

UNCLE is een partnerschap aangegaan met Hoop niet haten en Antonius Burrill voor de release van zijn 'Hold on to Hope'-zeefdruk, waarmee hij een campagne lanceerde om een boodschap van optimisme te versterken in het onzekere sociale klimaat van vandaag. We plakten een versie van de print door heel Londen, waarbij we grote blokken gebruikten op drukbezochte locaties om zoveel mogelijk ogen op de boodschap te krijgen.

Deze prent valt samen met de 20e verjaardag van 'Hope, Not Hate', wat een erfenis van voortdurende weerstand tegen intolerantie in het Verenigd Koninkrijk weerspiegelt. Het symboliseert het begin van een beweging die oproept tot actie van de gemeenschap en dient als herinnering dat hoop blijft bestaan en een betere toekomst binnen handbereik is.

“We staan op een kruispunt. We kunnen onze gemeenschappen bij elkaar houden of het risico lopen uiteen te vallen langs raciale en religieuze lijnen. We kunnen samen in eenheid staan of het risico lopen de vooruitgang te verliezen die is geboekt door generaties die dapper hebben gestreden tegen vooroordelen, haat en discriminatie vóór ons.”

De afgelopen maanden hebben gemeenschappen in het Verenigd Koninkrijk te maken gehad met geweld en haat van extreemrechtse groeperingen, maar hebben hierop gereageerd met inspirerende daden van verzet en solidariteit — van lokale bewoners die bijeenkomen om de schade op te ruimen tot kinderen die vriendschapsarmbandjes maken om geld in te zamelen voor slachtoffers. Hoop leeft en UNCLE staat aan de goede kant van de geschiedenis en sluit zich aan bij de strijd om hoop te verdedigen te midden van onrust.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2408.24Revival herdefinieert slow fashion door gedurfd design, cultureel erfgoed en duurzaamheid.

Terug naar Functies

Heropleving Londen is een slow fashion label dat zich op het kruispunt van duurzaamheid en stijl bevindt en zich richt op het hergebruiken van textielafval in eigentijdse en expressieve kleding. Opgericht met een missie om opnieuw te definiëren hoe mode wordt gecreëerd en geconsumeerd, legt Revival de nadruk op zero-waste design en capsulecollecties in beperkte oplage. De gedurfde en creatieve stukken van het merk vieren individualiteit en blijven tegelijkertijd toegewijd aan het milieubewustzijn. UNCLE werkt samen met Revival om de visie te promoten om slow fashion zowel verantwoord als spannend te maken, terwijl de grenzen van innovatie en duurzaamheid worden verlegd.

De kleding van Revival London belichaamt een unieke mix van nostalgische invloeden uit de R&B uit de jaren 90 en het West-Afrikaanse erfgoed van de oprichter. Gedurfde silhouetten, gedeconstrueerde elementen en levendige patronen zijn de belangrijkste kenmerken van de ontwerpen, waarbij culturele rijkdom wordt gecombineerd met moderne esthetiek. Het gebruik van hergebruikte kledingstukken maakt het mogelijk om unieke stukken te creëren die fris en eclectisch aanvoelen, met veelzijdige stijlen die op meerdere manieren gedragen kunnen worden. De collecties van Revival zijn statementmakend en toch duurzaam, en bieden een nieuwe visie op mode die even ethisch als opvallend is.

In dit interview duikt Rosette (oprichter van Revival) in de inspiraties achter het merk, van vroege mode-experimenten in Londen tot de invloed van cultureel erfgoed en duurzaamheid. Tijdens het gesprek bespraken we hoe de stad het merk beïnvloedde en wat hielp bij het vormgeven van Revival's visie op een meer bewuste modetoekomst.

WAT INSPIREERT JOU?

Ik ben echt geïnspireerd door het R&B-muziektijdperk van de jaren 90. Ik denk gewoon dat die tijd zo cool was en dat het de mensen niets kon schelen, ze droegen wat ze leuk vonden en waren gedurfd en expressief met hun uiterlijk. Ik haal ook inspiratie uit mijn West-Afrikaanse afkomst (Ghana en Nigeria), aangezien dat een groot deel van mijn identiteit is. Ik hou van enkele van de gedurfde silhouetten en stijlen uit culturele kledij en ik probeer die in mijn werk te integreren. Deze twee invloeden vormen mijn ontwerpen, waarbij nostalgie wordt gecombineerd met culturele rijkdom om iets speciaals en onderscheidends te creëren.

Hoe ben je in de mode geraakt?

Mijn reis naar de mode begon toen ik vanuit Accra, Ghana naar Londen verhuisde en voor het eerst kruissteken ontdekte in jaar 6! Die eerste vonk zorgde ervoor dat ik op de middelbare school kunst en textiel ging studeren, en vanaf dat moment was ik verslaafd. Ik kreeg mijn eerste kleine naaimachine van £ 50 van John Lewis en begon mijn kleding aan te passen met behulp van YouTube-tutorials, wat er uiteindelijk toe leidde dat ik een modediploma behaalde en van mijn passie een carrière maakte. Tijdens dat diploma heb ik een cursus 'deconstructie-reconstructie' gevolgd, waarbij ik een oud kledingstuk uit elkaar haalde en er iets anders van maakte. Toen wist ik dat upcycling/herwerken de route was die ik in de mode wilde volgen.

WAT WAS HET EERSTE DAT JE HEBT GEMAAKT?

Ik denk dat het eerste dat ik op school maakte een korte broek met Afrikaanse print was! Het was mijn eerste poging om mijn erfgoed om te zetten in iets dat ik met mijn handen had gemaakt. Het was zeker niet de beste pasvorm, maar ze waren toch schattig.

WAT BETEKENT MODE VOOR JOU?

Mode draait voor mij om creatieve zelfexpressie. Het is voor mij een krachtige manier om mijn persoonlijkheid, humeur en creativiteit met de wereld te communiceren zonder een woord te zeggen. Bovendien geeft mode mij zelfvertrouwen. Ik leef echt volgens de mantra ‘er goed uitzien, je goed voelen’. Als ik mijn baggy triple denim fit of een sexy tweedehands bodyconjurk draag, voel ik me de stoerste b!

Wat vind je het leukst aan het leven als ontwerper?

Ik hou ervan om iets “lelijks” of ongewenst te transformeren in iets moois en unieks dat niemand anders bezit. Het creatieve proces van het opnieuw bedenken en hergebruiken van materialen is ongelooflijk lonend. Het geeft mij gewoon leven.

HOE HEBT U UW EIGEN PERSOONLIJKE STIJL VERFIJND?

Mijn stijl is door de jaren heen zeker geëvolueerd. Ik experimenteerde met van alles: de ene dag kleedde ik me wat meer grunge-achtig, de volgende dag als een echte tomboy, en de volgende dag ging ik preppy en meisjesachtig. Ik was erg experimenteel toen ik jonger was. Nu heb ik mijn stijl verfijnd tot een basis van de jaren 90 en een beetje tomboy-achtige sfeer, wat echt bij mij past, maar ik vind het nog steeds leuk om rond die basis te buigen.

WAAROM IS DUURZAAMHEID ZO’N BELANGRIJK ONDERDEEL VAN UW MERK?

Duurzaamheid is cruciaal voor Revival London omdat ik geloof in het creëren van mode die er niet alleen goed uitziet, maar ook goed doet. Het gaat erom het milieu te respecteren en ervoor te zorgen dat onze impact op de planeet positief is en niet schadelijk. Ik beloofde mezelf dat ik geen merk zou beginnen dat er nog meer toe zou bijdragen dat de tonnen textielafval op stortplaatsen terecht zouden komen en het milieu zouden beschadigen. Ik probeer in elk aspect van mijn leven te leven volgens het gezegde: 'laat een plek beter achter dan je hem hebt aangetroffen'.

HOE VERANDERT HET WERKEN MET HERGEBRUIK TEXTIEL HET ONTWERPPROCES EN WAT ZIJN ENKELE VOORDELEN?

Het werken met hergebruikt textiel maakt het ontwerpproces uitdagender, maar ook lonender. Het dwingt me om creatief na te denken over hoe ik gebruik kan maken van wat beschikbaar is, wat vaak leidt tot innovatieve en onverwachte ontwerpen. Meestal schets ik een paar ontwerpen, maar als ik de naden van het kledingstuk losmaak en met materiaal speel, kunnen de oorspronkelijke ontwerpen volledig evolueren en in iets anders veranderen. De voordelen zijn duidelijk: elk stuk is volkomen uniek en speciaal, en we verminderen of besparen de koolstof-, water- en co2-uitstoot door oude materialen nieuw leven in te blazen.

WAT ZIJN ENKELE VAN DE KERNONTWERPELEMENTEN VAN JE KLEDING?

Kernontwerpelementen van Revival London omvatten gedurfde, excentrieke en gedeconstrueerde kenmerken, geïnspireerd op de originele teruggewonnen kledingstukken. Er zijn ook elementen van mijn West-Afrikaanse roots vermengd met de esthetiek van de jaren 90 en Y2K, die duidelijk zichtbaar zijn in onze silhouetten en vormen. Revival London heeft een sterke focus op het creëren van veelzijdige, statement-stukken die op meerdere manieren gedragen kunnen worden.

WAAR VIND JE INSPIRATIE IN LONDEN?

Londen zit vol inspiratie. Ik vind overal inspiratie omdat de stad zo divers is, dus er zijn mensen van over de hele wereld, vandaar de verschillende straatstijlen. Het kan 30 minuten duren om mensen te kijken in een drukke straat in Oost-Londen en ik ben gevuld met inspiratie voor een eclectisch nieuw ontwerp. Ik bezoek ook graag fotografie-, kunst- en modetentoonstellingen (meestal de nostalgische en cultureel gerichte tentoonstellingen), omdat deze mijn ogen openen voor de reizen van verschillende mensen, hun inspiratie en de creatieve concepten waarin ze zich hebben verdiept om hun eigen versie van kunst te creëren.

WAT HOUD JE VAN LONDEN?

Ik hou van de energie en diversiteit van Londen. Het is een stad waar je elke stijl, cultuur en trend kunt vinden, die allemaal naast elkaar bestaan. Die smeltkroes van invloeden is ontzettend inspirerend voor een ontwerper. Er is ook altijd wel iets te doen, zodat ik me nooit verveel of me afvraag wat ik moet ontdekken.

HOE HEEFT LONDEN U ALS ONTWERPER GEVORMD?

Londen heeft mij gevormd door mij bloot te stellen aan een breed scala aan culturen en stijlen, waardoor ik buiten de gebaande paden ben gaan denken en diverse elementen in mijn ontwerpen heb verwerkt. Het is een stad die creativiteit en innovatie stimuleert, wat essentieel is geweest voor mijn groei als ontwerper.

HOE ZOU U UW MERK DEFINIËREN?

Revival is een zero-waste, slow fashion label gericht op duurzaamheid en gespecialiseerd in het hergebruiken van textielafval voor creatieve zelfexpressie. Als slow fashion merk creëert Revival limited edition capsulecollecties met hergebruikte kledingstukken die worden gedeconstrueerd en opnieuw ontworpen tot hedendaagse stukken. De visie van het merk is om bewustere en circulaire manieren te inspireren om mode te creëren en te consumeren; maakt slow fashion sexy.

Wat is de volgende stap voor een heropleving?

We willen wereldwijd uitbreiden, met plannen om pop-upwinkels en evenementen te organiseren in Europa, de VS en Azië. We breiden ons productaanbod ook uit met de introductie van een herenkledinglijn, wat erg spannend is omdat ik nog nooit looks voor mannen heb gemaakt. Verderop zullen we ook textielinnovatie onderzoeken en hoe technologie kan worden gebruikt om de grenzen van duurzame en circulaire mode te verleggen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2408.24Hoe REBIRTH een filmische reis creëerde door verdriet, gemeenschap en veerkracht in de zwarte Britse geschiedenis.

Terug naar Functies

UNCLE werkt samen met de creatieve geesten erachter US-MAN-DERE in combinatie met hun film REBIRTH – een cruciaal moment in de Black British History. Het collectief zelf bestaat uit een in de gemeenschap gewortelde verzameling filmmakers die door hun gedeelde geschiedenis hun creatieve vaardigheden hebben ontwikkeld, wat tot dit moment heeft geleid. Hun toewijding aan het verheffen van lokale stemmen en het bevorderen van betrokkenheid van de gemeenschap heeft van REBIRTH niet alleen een filmische prestatie gemaakt, maar ook een bewijs van de kracht van samenwerking en gedeelde culturele ervaring. We voerden een flyposting-campagne door heel Londen, met als hoogtepunt een activatie op onze megasite Brick Lane Bridge, waarbij het collectief gratis lelies uitdeelde als symbool van eenheid.

REBIRTH is meer dan alleen een film; het is een aangrijpende verkenning van verlies en het proces van genezing. UMD heeft een verhaal gecreëerd dat zowel diep persoonlijk als universeel herkenbaar is, een allegorisch gedreven stuk dat zeker velen zal raken door gedeelde ervaringen. De film speelt zich af tegen de achtergrond van het steeds veranderende Londense landschap en legt de essentie vast van een gemeenschap die worstelt met de krachten van gentrificatie, ontheemding en de blijvende geest van haar inwoners. Door middel van rijk gelaagde verhalen en krachtige beelden nodigt REBIRTH het publiek uit om na te denken over de manieren waarop geschiedenis, herinnering en plaats met elkaar verweven zijn.

Terwijl je verder leest naar het interview van UNCLE, ontdek je het ingewikkelde proces achter het maken van REBIRTH, van het samenstellen van een toegewijd team van makers tot de innovatieve methoden die ze gebruikten om de film te financieren en te promoten. Ze onthullen vervolgens hun inspiraties, de uitdagingen die ze onderweg tegenkomen en de diepgaande impact die ze hopen dat REBIRTH zal hebben op het publiek, vooral op degenen die de straten en verhalen delen die op het scherm worden afgebeeld.

VERTEL ONS OVER HET CONCEPT ACHTER DE FILM?

Met REBIRTH wilden we niet alleen een cruciaal moment in de zwarte Britse geschiedenis onderzoeken, maar ook onderzoeken hoe mensen die geteisterd zijn door verdriet, zichzelf weer bij elkaar brengen. Door inspiratie uit de renaissancekunst en onze eigen regiestijlen wilden we iets krachtigs allegorisch bouwen op de omstandigheden in de echte wereld die op hun beurt ons leven en ons werk vormgeven.

HOE HEB JE HET TEAM VAN CREATORS SAMENGEBRACHT?

We weten allemaal dat er een dorp voor nodig is en WEDERGEBOORTE was niet anders. Bij een filmproductie draait alles om de macht van mensen en gelukkig hebben we het genoegen gehad om samen te werken met getalenteerde creatievelingen tijdens het lange traject van het maken van onze film. Onze cameraman Charlie Knight met wie we eerder aan een ander project hadden samengewerkt, bijvoorbeeld. Als alternatief probeerden we ook onze lokale gemeenschap in Newham te bereiken en jonge aspirant-filmmakers te vinden die ons werk graag wilden volgen en ondersteunen op de set en tijdens de postproductie. Als UMD is het altijd belangrijk om geweldig werk te leveren, maar het is net zo belangrijk om impact te maken en deuren te openen voor ons jongere zelf.

Naast de bemanning vertrouwden we ook op vrienden en familie die ons graag wilden helpen het concept werkelijkheid te maken. We willen dat de gemeenschap een belangrijk onderdeel is van wat we hier bij UMD doen, en dat was het geval in deze film. We spraken met lokale bedrijven over hun betrokkenheid en dachten erover om lokale locaties te gebruiken waar we zijn opgegroeid.

WAT HOPEN JE DAT MENSEN UIT DE FILM ZELF KUNNEN NEMEN?

Aangezien de bezienswaardigheden en scènes in de film opzettelijk doen denken aan onze kinderbuurten en de verdwijnende winkelstraten, wilden we ‘REBIRTH’ bouwen als een dramatische herinnering aan het verleden. Ons doel is om iets te creëren dat resoneert met het publiek en dat gesprekken op gang brengt over waar verdriet en verlies ons naartoe leiden. Vooral waar worstelende gemeenschappen van alle kanten met druk te maken krijgen.

HOE WORDT DE FILM ONDERSTEUND DOOR ANDERE ONDERNEMINGEN?

5 jaar in de maak “REBIRTH” is een werk van liefde, bloedzweet en tranen geweest. Van het aanvragen van talloze subsidies zonder resultaat, tot november 2022 toen we ons eerste ja ontvingen met dank aan Westfield East Bank Foundations for Future London. Vanaf dat moment, wetende dat iemand in ons geloofde, veranderden de getijden en wisten we dat we onze grootse visie op elke mogelijke manier moesten manifesteren.

Door buiten de gebaande paden te denken, hebben we contact opgenomen met onze gemeenschap en een fondsenwervende bijeenkomst georganiseerd bij Peckham Levels om ons kleine budget te vergroten; Dit trok een menigte van 350 mensen aan die elk indirect gedeeltelijke investeerders werden in onze film REBIRTH, waardoor de essentie van de gemeenschap werd verrijkt.

Naarmate het momentum groeide, kwamen er mogelijkheden om kapitaal aan te trekken via sidequest-ondernemingen en steun in natura; we kregen de opdracht van Hive Curates x Alice Billings Connect, een gemeenschapsgericht initiatief, dat ondervertegenwoordigde creatievelingen met betaalbare studioruimtes en place-making-mogelijkheden in staat stelt een documentaire te maken genaamd “Beyond The Market” over Market Village in Stratford Market om zijn erfenis te behouden en erfgoed in een snel herontwikkelende wijk (interessant feit dat deze vorig jaar eigenlijk bijna gesloten was, maar dankzij de geest van de gemeenschap en het belang ervan voor de lokale economie werd gered). Later bood Hive Curates bij de première de mogelijkheid om REBIRTH ook voor een particulier publiek te vertonen.

Samen met de documentaire A Good Growth Hub x A New Direction gaf LIFT ons in samenwerking met LIFT de opdracht om een videoserie van 10 afleveringen te produceren – Local Insiders: Digital Jobs – met als doel inzicht te bieden in het landschap van enkele carrières in de sector van digitale technologie, waarbij de noodzaak van de lokale gemeenschap wordt benadrukt om toegang te bieden tot voortgezette leer-, werkgelegenheids- en netwerkmogelijkheden.

Bovendien hebben we bij het maken van REBIRTH geprobeerd iets terug te geven aan de gemeenschap door contact te leggen met lokale bedrijven en locaties te gebruiken in gebieden waar onze regisseur is opgegroeid, waardoor de film diep in de structuur van onze gemeenschap is ingebed. Van een lokale NGO, het Spring Garden Cafe en de volkstuin in Newham, die voedsel leveren voor onze shootdagen – wat duurzaamheid en lokale betrokkenheid bevordert. Deze partnerschappen en keuzes waren van cruciaal belang om van deze productie een gemeenschappelijke onderneming op zichzelf te maken.

WAAROM WIL JE EEN FLYPOSTING-CAMPAGNE UITVOEREN?

We wilden het bereik van dit belangrijke verhaal en de geest van REBIRTH maximaliseren, maar onszelf ook onder de aandacht brengen als USMANDERE. Zoals op een aantal posters staat geschreven, zijn we hier om de cultuur tot leven te brengen, en we proberen de bredere gemeenschap van Londen en zijn groot aantal gelijkgestemde creatieven met ons mee te nemen in die missie. Ons doel was om de straten onder water te zetten en de stad te waarschuwen dat REBIRTH en UMD hier officieel zijn, zodat iedereen er getuige van kan zijn.

HOE DENK JE DAT DIT DE CAMPAGNE ZAL VERHOGEN?

Door de Block Party Scene tot leven te brengen, samen te komen als crew en onze feestscène opnieuw uit te vinden in de film. Het uitdelen van gratis lelies aan het voorbijlopende publiek en het vastleggen van de reactie op dat intieme moment.

HOE IS DE FILM VERBONDEN MET LONDEN?

We zijn gekomen om het grootste deel van de film op te nemen in de stad waar we wonen om voort te bouwen op die gemeenschapszin en om samen te werken met de mensen met wie we ons leven al delen. Dat is de reden waarom wanneer ons publiek op play drukt, ze slaapkamers zullen zien waar leden van onze crew letterlijk in zijn opgegroeid, straten waar castleden in speelden. Op de manier waarop het DNA een deel van ons is, werd het natuurlijk een onderdeel van REBIRTH en zijn productie.

WAAROM WIL JE ZO GRAAG DAT HET RESONEERT MET MENSEN IN DE STAD?

Omdat we dezelfde straten, ervaringen en dromen delen, was het logisch om onze film in de gemeenschap te verankeren. We streven ernaar betekenisvolle gesprekken op gang te brengen over identiteit, verdriet en groei, waardoor het een verhaal wordt dat werkelijk van ons allemaal is en onderdeel is van een gedeelde discussie over wat we hebben meegemaakt, niet alleen op die dag, maar op de vele dagen tijdens Black British Een geschiedenis waarin verdriet plotseling de kop opsteekt en de veerkracht van binnenuit naar boven komt.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2408.24Kunstenaar Fiona Banner, ook bekend als The Vanity Press, gebruikt nevenschikking om de mondiale eenheid te bevorderen.

Terug naar Functies

DISARM is een openbare tentoonstelling van kunstwerken van kunstenaars Fiona Banner in opdracht van ONGEVEER in samenwerking met OOM. De creatie zelf heeft sinds de creatie vorm gekregen in meerdere media, met als hoogtepunt een vertoning op de digitale schermen van Piccadilly Circus. Deze schermen staan bekend om hun commerciële inhoud en bieden een krachtig platform voor een campagne gericht op politiek en sociaal commentaar. Het zal dagelijks om 20:24 uur (BST) op dat scherm worden vertoond, plus andere wereldwijd tot de 31e.^st Augustus. Om de boodschap van de campagne kracht bij te zetten, hebben we ook een nationale flyposting gefaciliteerd, waarmee we de aandacht en steun voor de agenda ervan vestigden.

Het kunstwerk presenteert een opvallende nevenschikking: militaire vliegtuigen, doorgaans geassocieerd met vernietiging, die het woord 'DISARM' spellen. Deze visuele verklaring daagt kijkers uit om de implicaties van militaire macht en het vaak niet onderzochte nationalisme dat met dergelijke vertoningen gepaard gaat, te heroverwegen. Hoewel het gebrul van de vliegtuigen en hun formaties opwindend en mooi kan zijn, worden ze ook onderstreept door de grimmige realiteit van nationalistische trots en de obsceniteit van oorlog. Het doel van het kunstwerk is om tot nadenken en gesprekken over vrede en overdaad aan te zetten, vooral via de onderlinge verbondenheid van landen over de hele wereld waarvan we hopen dat ze naar eenheid streven.

UNCLE voerde een diepgaand interview met Fiona Banner om de volledige reikwijdte van het concept van het kunstwerk te verkennen. Het gesprek onthult het creatieve proces achter het stuk, de persoonlijke betekenis ervan voor de kunstenaar en de inspiratiebronnen die tot de creatie ervan hebben geleid.

WAT IS HET CONCEPT RONDOM DEZE REEKS WERKEN?

DISARM staat op het megascherm van Piccadilly Circus, Londen – Piccadilly Lights… Een superopenbaar kruispunt…Het is een openbaar kunstwerk dat twee maanden lang dagelijks plaatsvindt.

DISARM maakt gebruik van de diepgewortelde en directe impact van een militair luchtparade, op zichzelf al een heel publiek optreden, en ondermijnt de gebruikelijke chauvinistische boodschap van militaire macht, zodat de vliegtuigen in formatie het woord DISARM spellen.

Een paar keer per jaar gaat er een luchtparade dwars over mijn atelier. Het is raar spannend, zo'n kort moment van extreem weer, van obsceen ego en nationalistische dwaasheid, ja, maar het raakt je ook diepgeworteld, iets aan de vliegtuigen hoog in de lucht die zo presteren, is emotioneel, beangstigend... mogelijk mooi.

We rennen altijd naar buiten om het te zien als we het gebrul horen... en praten daarna over hoe klote het is. De laatste tijd spellen ze CR, de initialen van de koning, dat soort dingen – overmoed wordt groot geschreven.

Circusspot Piccadilly is in veel opzichten een centrum van de gevestigde orde, en het scherm is het topkapitalisme; in normale tijden is het een zich voortdurend herhalend dekkleed van onbeantwoorde consumentistische verlangens. De luchtparade is een onderbreking of overname daarvan, het speelt in op die excessieve en perverse energie – het woord 'ontwapenen' verwijst ook naar die excessen, en naar onze strijdlustige relatie met de natuur, en ook met het leger.

De postercampagne gaat daar lang over. Vliegposters voor een voorbijvlucht...straatposters zijn altijd geanimeerd omdat ze ervaring hebben met passeren.

WAAROM STAAT HET WOORD ‘ONTWAPENEN’ ZO PROMINENT VOOR?

Door het woord DISARM letter voor letter te spellen, roepen de vliegtuigen op tot hun eigen ondergang, of op zijn minst ontmanning. Het is een moment waarop taal zijn grenzen ontmoet.

Het werk is grandioos als een luchtparade, en niet, ontwapenen is een groot woord, en ook een fysiek woord, het verwijst ook terug naar de huiselijke sfeer van ons eigen lichaam, ontwapenen is een groot woord, en ook een fysiek woord. Arm.

Ik dacht dat er een naïviteit schuilt in het maken van de uitspraak ‘ontwapenen!’, dat wil zeggen dat het woord los is geraakt van zijn realiteit – hoe gebruik je dat woord op een manier zodat het het cliché herstelt, of anders gezegd dat het woord met impact spreekt, zijn eigen complexiteit spreekt.

Tijdens zijn toespraak op de grootste mondiale conferentie over ontwapening dit jaar zei VN-secretaris-generaal Antonio Guterres: “Er is iets heel erg mis als een ontwapeningsconferentie jaar na jaar tot geen betekenisvolle ontwapening leidt.” Het woord is taboe geworden, en het enige waar we ons momenteel mee bezig houden is het opvoeren van de wapens. In de wapenindustrie draait alles om controle, maar de controle is uit de hand gelopen. Het is genormaliseerd.

Er is momenteel heel weinig echt publiek gesprek over vrede. Het lijkt een tijd om te zeggen Ontwapen!

HOE HEEFT DEZE REEKS WERKEN zich in de loop van de tijd ontwikkeld?

Het begon als een serie storyboards of tekeningen, en werd langzaam gerealiseerd. Het werd mij duidelijk dat de vliegtuigen uit verschillende, niet-geallieerde landen moesten komen. D – Flying Leopard, I – Typhoon, S – Flanker, A – Falcon, R – Golden Eagle, M – Lightning, dus er is discussie over het medium van de taal.

De actie vindt plaats tussen de vogels, de lucht... de verveling van een onopvallend landelijk landschap... het geluid dat op de eerste plaats komt en wacht tot de vliegtuigen in het beeld uitbarsten.

Zoals elke luchtparade is het buitengewoon saai en buitengewoon opwindend…. Wachten en de buitensporige actie, dan wachten…. Bovendien is er de perversiteit dat de vliegtuigen zijn vernoemd naar krachten van de natuur… dus we kijken naar de natuur? Ik besefte dat de soepelheid van de natuur een belangrijk tegengif was voor de brullende anti-natuur van de vliegtuigen… de ruimte tussen de letters die het woord mogelijk maakt.

Jaren geleden maakte ik een serie werken genaamd Chinook. Eén betrof een chinook die een luchtballet uitvoerde tijdens een vliegshow. Misschien ben ik dit werk al een hele tijd langzaam aan het maken zonder het te beseffen.

WAAROM WORDEN JE VAAK GETROKKEN DOOR THEMA’S VAN HET MILITAIRE?

Ik ben opgegroeid in de ene wapenwedloop, en er was er nog een rond de tijd dat ik echt als kunstenaar begon te werken. Koude oorlogen vormden het behang voor het opgroeien in de jaren zeventig en later in de jaren tachtig – onze primitieve donkere kant die tot uiting kwam in de geavanceerde technologie.

VERTEL ONS OVER DE SAMENWERKING MET CIRCA ART?

Ik leerde Josef O'Conner kennen toen hij erover nadacht om Circa te starten en hij vroeg mij toen om iets te maken voor Piccadilly Lights. Naarmate de tijd verstreek, waren we het erover eens dat het iets actiefs moest zijn, een gebeurtenis, iets dat verandering impliceerde of opriep. Ik had onlangs samen met Greenpeace enorme sculpturen in zee gezet, als onderdeel van een actie tegen de destructieve visserij... en een ander bij de voordeur afgeleverd op DEFRA. Ontwapenen is een ander stukje taal in actie, het speelt in op het publieke karakter van Piccadilly Lights. Terwijl ik hieraan heb gewerkt, zijn er verschillende conflicten opgelaaid en is de mondiale context veranderd. Het was moeilijk om een moment te vinden waarop het werk niet voelt als een reactie op een specifieke context.

HEEFT HET OPGROEIEN IN LIVERPOOL UW CREATIVITEIT GEVORMD?

Het is moeilijk om deze dingen te weten. Er zit vaak een onderkant van humor in, als een manier om dingen te zeggen in mijn werk – iets fysieks en verbonden met taal… misschien zit er een element van bravoure in…

VERTEL ONS OVER ENKELE VAN DE MEEST PROMINENTE MOMENTEN IN UW CARRIÈRE? WORDT UITGESCHREVEN IN DE MUSEUM VOOR MODERNE KUNST VAN OP DE SHORTLIST VOOR DE TURNER PRIJS ENZ.

De meest prominente momenten waren menselijke... interacties in de achterkamer... de dingen die tot stand komen... het lineaire cv, of carrièremomenten zijn eigenlijk niet de grote momenten, ik probeer ze niet tot mijn markers te maken.

WELKE IMPACT HEEFT DE STAD LONDEN OP JE WERK?

Soms is het beperkend, soms is het een bevrijding. De wrijving is belangrijk.

WAT ZIJN ENKELE VERBORGEN GOEDEREN IN LONDEN WAAR JE VAN HOUDT?

De gaten en tussenstukken, de gemeenschappelijke tuinen…. laten we ze beschermen!

FAVORIETE DING AAN WONEN IN LONDEN?

De mix van menselijke stemmen en accenten.

SPEELT CULTUUR EEN SLEUTELROL IN UW CREATIVITEIT?

Altijd voornamelijk door osmose. Ik ben dankbaar dat ik nu leef, maar nu is het in veel opzichten ook rotzooi...

WAT HOPEN JE MENSEN UIT DEZE CAMPAGNE?

Het lijkt soms misschien klein, stom en naïef, maar als je erin gelooft, vind dan een manier om het te zeggen.

Sta voor verandering.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2407.24Radio opnieuw bedacht: Refuge Worldwide's visie voor Berlijn en daarbuiten

Terug naar Functies

Radio bestaat al meer dan honderd jaar. Hoewel je waarschijnlijk al een jaar of tien geen knop hebt aangeraakt of een antenne hebt uitgetrokken, is het format nog steeds in ontwikkeling en geven organisaties als Refuge Worldwide duidelijke signalen af over hoe radio niet alleen nog steeds relevant is, maar ook van vitaal belang.

Dit dynamische online radiostation uit Berlijn is het geesteskind van mede-oprichters George Patrick en Richard Akingbehin, die probeerden een platform te creëren dat anderen verwelkomt zoals de creatieve gemeenschap van de stad hen verwelkomde. Refuge is ontstaan uit een reeks fondsenwervende partijen die in 2015 zijn gestart voor creatieve en sociale doelen en werkt solidair met andere grassroots- en non-profitorganisaties. Sinds ze in 2021 de radio zelf hebben opgericht, hebben ze steun verleend aan de huisvesting van vluchtelingen, programma's en muziekonderwijs ontwikkeld voor gemarginaliseerde mensen, en steun verleend aan sociale gelijkheidsgroepen, daklozenorganisaties en een opvangcentrum voor vrouwen en jongeren die op de vlucht zijn voor huiselijk geweld. Ondertussen is het radiostation uitgegroeid tot een essentieel gemeenschapscentrum dat niet alleen goede muziek platformen biedt, maar ook onderwijst en empowert, één show, één evenement en één workshop tegelijk.

In de kern zet Refuge Worldwide zich in voor het verheffen van gemarginaliseerde gemeenschappen en het aanpakken van de onevenwichtigheden die de muziekindustrie en de bredere samenleving doordringen. De educatieve afdeling van de zender biedt een scala aan workshops op het gebied van dj'en, muziekproductie, journalistiek en fotografie, gericht op het bieden van kansen aan degenen die historisch over het hoofd zijn gezien. Deze workshops gaan niet alleen over het opbouwen van vaardigheden; ze gaan over het bevorderen van vertrouwen, creativiteit en het gevoel ergens bij te horen. Zoals George uitlegt: “We zijn begonnen met een opendeurbeleid, waarbij mensen gratis gebruik konden maken van de studio. Dit was een startpunt voor wat later de workshops zouden worden, met als doel iedereen in de omgeving en daarbuiten te betrekken.”

De organisatie heeft veel doelen en veel mogelijkheden om deze te bereiken, waaronder momenteel een wildposting-campagne door heel Berlijn als onderdeel van een samenwerking met UNCLE. Maar in de breedste zin van het woord omschreef Richard de missie van Refuge en zijn rol in het bredere ecosysteem van zijn geboortestad: “Ons doel is om mensen naar posities te verheffen waar ze het toneel kunnen beïnvloeden en veranderen. Of ze nu hoofdartiesten worden of hun eigen kleine evenementen beginnen, de impact is groot, niet alleen op individuen, maar op de hele gemeenschap.”

Berlijn staat op de mondiale kaart van de clubcultuur dankzij de weekendlange raves en etablissementen als Berghain – een (beruchte) club waar hedonisme een ordelijke rij vormt voor een selectief deurbeleid dat het tegenovergestelde is van dat van Refuge. Ondanks al zijn wereldwijde bekendheid is Berlijn niet zonder uitdagingen voor een project als dit; gentrificatie, stijgende kosten van levensonderhoud en een gespannen politiek klimaat waarin extreemrechts in Duitsland aan populariteit wint. Maar de rauwe creatieve geest en openheid van de stad voor nieuwe ideeën maken het een plek die Nadia Wise, een van de velen die een show op het station organiseert, omschrijft als 'hoopvol'.

En Refuge Worldwide belichaamt die hoop. Via hun Oona Bar, radiohub of hun onlangs geopende culturele ruimte NM1 en via hun workshops, via hun evenementen en via radio.

Om meer te horen over het station en zijn verhaal, had UNCLE een gesprek met de twee oprichters, die presentatrice Nadia Wise van de ontbijtshow uitnodigden om deel te nemen aan de discussie en het perspectief van een bewoner te geven.

EERSTE DINGEN EERST: KUN JE JEZELF IN JE EIGEN WOORDEN VOORSTELLEN...

George: Ik ben George, een van de mede-oprichters van Refuge Worldwide. Ik ben opgegroeid in Glasgow en woon al tien jaar in Berlijn. We zijn Refuge begonnen als een serie fondsenwervende feesten om de gemeenschap hier te ondersteunen. Tijdens de lockdown besloten Richard en ik dat uit te breiden naar een online platform om de gemeenschap om ons heen te blijven dienen.

Richard: Ik ben Richard, ook uit Groot-Brittannië en half Nigeriaans. Ik ben ook al tien jaar in Berlijn, waar ik in verschillende muziekgerelateerde rollen heb gewerkt. George nodigde me uit om Refuge Worldwide, het radiostation, op te richten op basis van de evenementen die hij al organiseerde. De timing was perfect, tijdens de pandemie en het hoogtepunt van Black Lives Matter, waardoor ik mijn energie wilde steken in iets waardevols voor de gemeenschap en mijzelf.

Nadia: Mijn naam is Nadia Wise. Ik kom oorspronkelijk uit de Verenigde Staten, maar heb twintig jaar in Londen gewoond voordat ik drie jaar geleden naar Berlijn verhuisde. Ik ben DJ, platenverzamelaar en voormalig feestpromotor. Ik ben ruim twee jaar geleden begonnen met radio maken bij Refuge Worldwide. Ik begon met een experimenteel hoorspel en ging verder met verschillende themashows, waarbij ik verschillende genres en vertelmethoden verkende. Ik houd ervan om muziek te delen en verhalen te vertellen over mijn passie ervoor.

WAT WAREN ENKELE VAN DE MOTIVERENDE FACTOREN IN DE EERSTE DAGEN VAN VLUCHT WERELDWIJD?

George: Een van de belangrijkste motivaties achter het starten van Refuge Worldwide was het steunen van de lokale gemeenschap die mij had omarmd toen ik van Groot-Brittannië naar Berlijn verhuisde. Ik wilde iets teruggeven aan deze gemeenschap, wat leidde tot het oorspronkelijke idee om fondsenwervende feesten te organiseren. Deze evenementen waren volledig vrijwillig, waarbij mensen gratis speelden en werkten. Dit zorgde voor een goede reputatie en vertrouwen binnen de stad, wat ons hielp toen we tijdens de lockdown (pandemie) besloten om uit te breiden naar een online platform.

Daarnaast speelde mijn passie voor muziek, of deze nu uit de clubscene komt of uit nichegenres van over de hele wereld, een belangrijke rol. Het creëren van een platform dat deze interesses combineert met een engagement voor sociale kwesties was iets waar ik sterk over dacht. Tijdens de eerste feesten merkte ik dat veel aanwezigen niet volledig betrokken waren bij de kwesties waarvoor we geld inzamelden. Deze observatie benadrukte de behoefte aan een platform dat mensen beter in contact zou kunnen brengen met deze oorzaken, waardoor ze zich bewuster zouden worden en hen zouden kunnen aanmoedigen om zorg te dragen. Radio, met zijn vermogen om verhalen te vertellen, leek het perfecte medium om te gebruiken.

Richard: De muziekscene was extreem onevenwichtig op het gebied van ras, geslacht, economische achtergrond en meer. Eén van onze motivaties was om een divers radioprogramma te creëren dat kansen biedt aan mensen die deze nog nooit eerder hebben gehad. Dit omvat educatieve workshops in verschillende sectoren, allemaal gericht op het aanpakken van deze onevenwichtigheden.

EN NADIA, WAT IS HET OVER RADIO ALS MEDIA-FORMAAT WAAR JE VAN HOUDT ALS GASTSER VAN EEN REGELMATIGE SHOW OP HET STATION?

Nadia: De creatieve vrijheid en het vermogen om op een unieke manier met luisteraars om te gaan, maken het voor mij tot een zeer persoonlijke en bevredigende ervaring. Vóór Refuge wist ik niet zoveel van radio, maar ik had een soort 'ontmoeting' met Richard, wat slechts een kort gesprek was, heel informeel, waarvan ik niet echt wist dat het een ontmoeting was. Ik praatte veel over muziek, en hij zei: 'Dat is cool. Wat dacht je van 20 maart?' en ik dacht: 'Oké', en toen besefte ik niet echt dat dit mijn eerste show zou worden. Dus ik ging naar binnen en uit dat gesprek en uit mijn enthousiasme maakte hij op dat ik heel goed zou zijn voor de radio, ook al wist ik dat zelf niet. Hij heeft een geweldige intuïtie van programmeren en geloven in mensen.

KUNNEN JULLIE, TWEE STICHTERS, TERWIJL RICHARD BLOIST, DE MENSEN OOK VERTELLEN WAAROM RADIO ZO GOED WERKT OM JE MISSIE TE HELPEN?

George: Er zijn zoveel redenen. Ik bedoel allereerst dat het heel gemakkelijk is om te beginnen. We willen iets dat niet intimiderend is, iets dat een beetje romantisch is. Toen we begonnen was het makkelijk. Dit zijn alleen Rich en ik, op onze laptops thuis. Mensen sturen ons mixen en die kunnen we over de hele wereld uitzenden. Je kunt een feest geven in een stad en daar heb je een paar honderd mensen. Maar als je de muziek over de hele wereld uitzendt en luisteraars hebt in meer dan honderd landen, is dat een geweldig gevoel.

Het is zo'n geweldige luisterervaring in vergelijking met Spotify of SoundCloud of waar je je muziek ook vandaan haalt. Weer een gastheer hebben, daarom blinkt Nadia daarin uit. Het is als iemand die de show kan verankeren, iemand die als een vriend voor de luisteraars wordt, iemand die een bekende stem heeft en mensen willen afstemmen om ze te horen, of ze nu aan het chatten zijn, of ze aan het nerden zijn of gewoon aan het filmen zijn. Een uurtje lang aan de slag met een van hun vrienden. Ik denk dat dat is wat radio zo boeiend maakt in vergelijking met al deze nieuwere modellen of media. Daarom duurde het zo lang. Het gaat zo'n 100 jaar terug en elke keer als er een nieuw stukje technologie is, lijkt radio te evolueren naar dit nieuwe tijdperk van online gemeenschapsradio.

Richard: George zei het vrijwel allemaal! Maar ik denk dat we nog iets kunnen toevoegen aan het 'geen videobeleid' dat we hebben. Het is iets dat voor ons steeds unieker wordt omdat steeds meer stations video-inhoud aanbieden, hetzij volledig, altijd, of alleen voor specifieke shows. Maar voorlopig proberen we het bij deze ouderwetse aanpak te houden.

WAAROM HEB JE BESLOTEN GEEN VIDEO-INHOUD TE GEBRUIKEN OP HET STATION?

Richard: Eén van de redenen daarvoor is om de toegangsdrempel zo laag mogelijk te houden, zodat mensen met een gerust hart en idealiter met zo min mogelijk stress hun muziek op de radio kunnen komen draaien. Ik realiseer me dat sommige mensen het nog steeds stressvol vinden, maar ik denk dat we proberen er een zo gezellig, ontspannen en comfortabel mogelijke omgeving van te maken. Als het je niet bevalt wat je hoort, kun je het gewoon uitschakelen. Het is niet zoiets als betalen voor een optreden in een club waar je hebt betaald om daar te zijn of een drankje hebt gekocht en moet blijven. Als je het niet leuk vindt, kun je gewoon een andere show kiezen. Er is dus een echte vrijheid die je hebt voor de gastheer om zich te uiten in een heel ontspannen omgeving, en dat stelt ons echt in staat een platform te bieden aan mensen met heel weinig technische vaardigheden.

Ze groeien erg snel; mensen die bang zijn om zelfs maar de microfoon aan te raken bij show één, bij show twee zeggen ze een paar dingen, bij show drie zeggen ze nog wat meer, en al snel blijven ze gewoon de hele tijd praten en je kunt ze niet de mond snoeren... en dat is geweldig.

JE BENT NU EEN TIJDJE GEVESTIGD IN OONA BAR IN NEUKÖLLN. HOE BELANGRIJK IS HET DAT HET RADIOSTATION EEN EIGEN RUIMTE HEEFT?

Nadia: Het hebben van een speciale ruimte voor Refuge Worldwide is ongelooflijk belangrijk. Het is niet alleen een plek om uit te zenden; het is een gemeenschapscentrum waar mensen samen kunnen komen, ideeën kunnen delen en kunnen samenwerken. Het is waar de magie gebeurt.

George: Ik denk dat het heel belangrijk is dat je dat online netwerk en die gemeenschap naar een fysieke ruimte kunt brengen. Het brengt een glimlach op ieders gezicht. Het is een soort ankerpunt voor het team, het is de plek waar bewoners zelfstandig kunnen rondhangen, of waar mensen misschien iets willen drinken en naar geweldige muziek willen luisteren.

EN ER ZIJN PLANNEN VOOR EEN NIEUWE VLUCHTRUIMTE, TOCH?

George: Ja, ik spreek je nu vanaf daar! Wat we momenteel hebben is een heel kleine ruimte, dus al die dingen waar we het over hebben – onderwijs, een groeiend team, een bar, een professionele radiostudio – en dat allemaal op 45 vierkante meter? Het was meteen lastig, vooral met de populariteit van de zender. Stel dat er vier mensen langskomen voor een drankje, drie teamleden die een videogesprek willen voeren, je een fotoshoot of een workshop achterin wilt hebben - het is gewoon chaos, de beste soort chaos, die ik... Ik ben een grote fan van – maar naarmate de werk- en onderwijsafdeling groeide en het team groeide, werd het voor ons heel duidelijk dat we een andere ruimte nodig hadden.

Toen het station zoveel groter werd, met meer partnerschappen, meer projecten en meer bewoners, werd het te verleidelijk om een grotere ruimte te hebben die zou kunnen functioneren als kantoor, werkplaatsruimte en evenementenruimte.

U HEBT VERMELD DAT DE ‘ONDERWIJSARM’ VAN DE VLUCHT ALTIJD GROEIT. KUNT U IETS MEER UITLEGGEN OVER DE WORKSHOPS DIE U GAST?

Richard: Onze educatieve initiatieven begonnen met veel DJ-workshops en breidden zich vervolgens uit. We realiseerden ons dat alleen focussen op DJ-workshops niet genoeg was, dus zijn we educatieve workshops gaan aanbieden in verschillende sectoren, zoals journalistiek, fotografie en muziekproductie. Elke keer dat we deze workshops organiseren, is ons selectieproces erop gericht de onevenwichtigheden in de muziekscene en daarbuiten aan te pakken. We streven ernaar mensen naar posities te tillen waarin ze de scène kunnen beïnvloeden en veranderen, of ze nu hoofdartiesten worden of hun eigen kleine evenementen starten.

We zijn met onze workshops ook onderweg geweest, hebben door Europa gereisd en evenementen georganiseerd waarbij we feesten combineren met educatieve sessies. Deze aanpak is een van onze kenmerkende formaten geworden. Als we een stad bezoeken, voegen we er een educatief aspect aan toe om te laten zien dat we niet alleen maar vaste promotors zijn. Dit inspireert clubs en locaties om hun ruimtes te gebruiken voor educatieve doeleinden, waardoor mensen kunnen groeien en genieten.

George: Oorspronkelijk werd er een belofte gedaan toen we een crowdfunding deden om de huur van de locatie van het radiostation te helpen verkrijgen. De belofte was dat de ruimte voor iedereen in de omgeving zou zijn. We hebben dat afgetrapt door een opendeurbeleid te voeren, waarbij mensen gewoon gratis naar de studio konden komen. Dit was een toegangspunt tot wat later de workshops zouden worden. Het was van cruciaal belang om over deze toegankelijke uitrusting van topklasse te beschikken waar letterlijk iedereen in de buurt toegang toe had. We kwamen er echter achter dat niet iedereen in de buurt van dit aanbod op de hoogte was, waardoor we ons netwerk moesten uitbreiden. We bouwden relaties op met non-profitorganisaties en collectieven en nodigden gemarginaliseerde mensen uit verschillende lagen van de bevolking in de stad uit om deel te nemen.

We gingen samenwerken met een vriend van ons, Gaby D'Annunzio, die een andere groep leidde genaamd Open Music Lab. Deze organisatie werkt met kansarme en gemarginaliseerde mensen die nieuw zijn in de stad. Met de expertise van Gaby hebben we ideeën met elkaar uitgewisseld en verschillende manieren ontwikkeld om informatie te verspreiden en de juiste mensen te bereiken. Onze workshops begonnen de aandacht te trekken en we kregen steun van merken en pers, waardoor we verder konden uitbreiden.

Uiteindelijk kregen we een telefoontje van Apple, die een project wilde runnen met de naam Creative Studios in Berlijn. Ze wilden onze contacten en expertise gebruiken om een vier weken durend podcastprogramma te maken met 40 studenten. De ontwikkeling van dit programma en de middelen van Apple hebben ons naar een nieuw niveau gebracht. We huurden Gaby fulltime in en zij bracht haar dagen door met het opstellen van programma's, het leggen van verbindingen en het opbouwen van relaties in de stad. Vanaf dat moment gingen de zaken steeds sterker.

DE WERELD KENT BERLIJN ALS EEN VAN DE BESTE STEDEN TER WERELD VOOR ELEKTRONISCHE MUZIEK, DJ'S EN CLUBCULTUUR, MAAR WAT ZIJN ENKELE VAN DE UITDAGINGEN WAARMEE JE WERELDWIJD LOPEN IN BERLIJN?

Nadia: Mijn minst favoriete ding over Berlijn is het politieke klimaat op dit moment. De toenemende controle die de overheid heeft over creatieve ruimtes en organisaties, samen met bezuinigingen en sluitingen van locaties, vormen aanzienlijke uitdagingen. Dit maakt deel uit van hetzelfde soort gentrificatie en commercialisering dat wereldwijd plaatsvindt. Ik waardeer de diversiteit in Berlijn, die de stad levendig maakt, maar er heerst ook een cultuur van angst als gevolg van censuur. Als we de recente protesten ter ondersteuning van Palestina als voorbeeld nemen: mensen worden gearresteerd, lastiggevallen en het zwijgen opgelegd, wat werkelijk zorgwekkend is. Desondanks bieden plaatsen als Refuge en bepaalde alternatieve locaties echte veilige plekken waar mensen openlijk en zonder angst over kwesties als Palestina kunnen praten. Maar over het geheel genomen vormt de politieke en economische druk een grote uitdaging voor het in stand houden en laten groeien van ons project.

George: Het is heel moeilijk om verder te kijken dan wat Nadia heeft aangestipt. Het politieke klimaat en de uitdagingen die gentrificatie met zich meebrengt, zijn belangrijke kwesties. Stijgende huurprijzen, zowel voor particulieren als voor locaties en collectieven, vormen een groot probleem. Dit verandert het landschap van Berlijn en maakt het moeilijker om de ruimtes te behouden die creatieve gemeenschappen bevorderen. We worden geconfronteerd met dezelfde problemen die iedereen heeft, zoals een gebrek aan ruimte en vertegenwoordiging in de branche. Hoewel Refuge deze problemen probeert aan te pakken, is de strijd zeker ook fysiek op straat. We zien dit elke week in het nieuws, met demonstraties en protesten, of het nu gaat om universiteiten of culturele instellingen waarvan de financiering wordt weggenomen. Ik ben erg blij dat Refuge dit onafhankelijke platform heeft en dat we niet afhankelijk zijn van overheidsfinanciering, zodat we nog steeds een stem kunnen geven aan degenen die gehoord moeten worden zonder gecensureerd of bedreigd te worden.

WAAROM DENK JE DAT BERLIJN ALS STAD WERKT OM WERELDWIJD TOELICHTING TE ONDERHOUDEN EN ZOVEEL VAN HET WERK DAT JE DOET?

Richard: De creatieve geest van Berlijn blijft, ondanks uitgehold door gentrificatie en stijgende kosten van levensonderhoud, een sleutelfactor. Vergeleken met andere hoofdsteden heeft Berlijn nog steeds een rauwheid en een drang naar radicale kunst. Er zijn nog steeds veel ruimtes waar kunstenaars kunnen oefenen en hun werk kunnen presenteren. Deze stad biedt een unieke mix van comfort en creatieve mogelijkheden. Bovendien het voorrecht om op een plek te wonen waar dingen gebeuren algemeen functie en vangnetten bestaan, is aanzienlijk.

George: Berlijn is in veel opzichten uniek. De stad heeft een geschiedenis als toevluchtsoord voor creatieve en gemarginaliseerde gemeenschappen. Dit creëert een vruchtbare bodem voor projecten zoals de onze. Toen Rich en ik hierheen verhuisden, werden we omarmd door deze gemeenschap, wat een belangrijke motiverende factor voor ons was. De openheid van de stad voor nieuwe ideeën en het rijke culturele erfgoed maken het tot een ideale locatie. De uitdagingen waarmee we worden geconfronteerd, zoals gentrificatie en het politieke klimaat, versterken ook de behoefte aan ons werk. Wij willen deze problemen aanpakken en een positieve impact hebben op de gemeenschap.

Nadia: Berlijn is anders dan een deel van de rest van Duitsland vanwege de diverse bevolking, wat de stad voor mij levendig en opwindend maakt. Er zijn hier zoveel migranten die de stad echt geweldig maken. De creatieve en artistieke vrijheid is ongeëvenaard. Hoewel het politieke klimaat uitdagingen met zich meebrengt, maakt de aanwezigheid van gelijkgestemde mensen en ondersteunende gemeenschappen zoals Refuge Worldwide het een hoopvolle plek. De segregatie van de muziekscene per genre was voor mij verrassend, maar het samenkomen van gelijkgestemde mensen met gedeelde waarden stemt mij optimistisch. Het is een plek waar echte gesprekken en samenwerkingen kunnen plaatsvinden.

Beeldcredits: Sebastian Luna Cortes, Karl Magee en Lena Brecht

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2407.24St Ambroeus FC: De Milanese club waar voetbal meer is dan een spel.

Terug naar Functies

Voetbal, met zijn eindeloze reeks clichés en versleten zinnen, lijkt vaak in cirkels te spreken. Cirkels draaiden rond in een gang van onzekerheid totdat ze in rij Z werden geschopt. Het wordt zo vaak gespeeld voor geparkeerde bussen en in droomtheaters, dat we soms vergeten dat dit prachtige spel – dit spel van twee helften – ‘meer is dan alleen maar’. een spel.'

Maar ver weg van de top van het internationale voetbal, in de schaduw van terreinen als San Siro, en op velden waar vrijwilligers de lijnen markeren, vind je dat laatste idioom nog steeds waar.

Betreed St Ambroeus FC, een baken van eenheid, diversiteit en gemeenschapszin in het hart van Milaan. St Ambroeus FC, opgericht in 2018 door de fusie van twee voetbalteams en twee opvangcentra voor vluchtelingen en asielzoekers, The Black Panthers en The Corelli Boys, overstijgt de grenzen van de sport om iets werkelijk opmerkelijks te worden – een symbool van hoop ook in een wereld vaak verdeeld door angst en vooroordelen, waarbij gebruik wordt gemaakt van een sport die maar al te vaak van de basis wordt verwijderd door bestuur en rijkdom.

“In het voetbal zit iedereen op hetzelfde niveau, draagt hetzelfde shirt en vecht voor hetzelfde doel”, zegt Phillip, een speler en bestuurslid wiens reis bij St Ambroeus FC de recente vooruitgang van de club weerspiegelt. Wat begon als een simpele wens om een nieuwe club te vinden om voor te voetballen, is uitgegroeid tot een toewijding aan een zaak die groter is dan hijzelf: een zaak die de menselijke ervaring viert, ongeacht ras, religie of achtergrond. Daarbij viert de club niet alleen doelpunten en laatste wanhopige tackles. Het viert wat het betekent om Milanees te zijn.

St Ambroeus FC ontleent zijn naam aan Sant'Ambrogio (Saint Ambrose). Ambrosius, geboren rond 340 na Christus in Trier, kreeg bekendheid als bisschop van Milaan aan het einde van de 4e eeuw. Hij speelde een cruciale rol bij het bemiddelen in politieke geschillen en het verdedigen van de onderdrukten, en verwierf een reputatie als de ‘Vader van de Kerk’ in Milaan. Zo'n 1600 jaar later werd Ambrosius gezien als beschermheilige van deze voetbalclub.

De club heeft meerdere teams op verschillende niveaus van het Italiaanse competitiesysteem en heeft spelers uit Afrika bezuiden de Sahara, Latijns-Amerika, Azië, Oost-Europa en meer. Ze komen allemaal samen op de velden van Milaan en omliggende gebieden, waar ze het opnemen tegen andere amateurteams. Maar de impact van St Ambroeus FC strekt zich uit tot ver buiten het veld. Via een groot aantal sociale initiatieven probeert de club de gemarginaliseerden te verheffen en te versterken, van het verstrekken van warme kleding en voedsel aan daklozen tijdens de wintermaanden tot het ondersteunen van vluchtelingen die op de vlucht zijn voor conflicten.

Ook buiten het veld – meer specifiek op de zijlijn – bevindt zich de georganiseerde 'Ultras'-supportersgroep van de club, The Pirates. De Italiaanse voetbalcultuur staat bekend om zijn supergepassioneerde supporters, waarvan er vele politiek actief zijn. Maar op het niveau waarop St. Ambroeus opereert, overtreffen ze het aantal aanhangers van de oppositie met honderd tegen één – soms letterlijk. Zoals Philip ons vertelde, is hun club de enige club in zijn soort die supporters heeft en de verbinding tussen spelers, fans, president, vice-president en secretaris is naadloos als een vrij vloeiende zet met een derde man run. Dit is de reden waarom ze, als onderdeel van de samenwerking van UNCLE met de club, besloten dat The Pirates en de spelers centraal zouden staan in de campagne die nu overal in Milaan te zien is.

Als de meest diverse stad van Italië biedt Milaan een vruchtbare voedingsbodem voor de missie van St Ambroeus FC, door een mix van culturen en ervaringen te creëren die het weefsel van de club en zijn geboortestad verrijken. Hun verhaal dient als bewijs van de blijvende kracht van de gemeenschap en bewijst dat clichés in het voetbal, net als in het leven, vaak een diepere waarheid verbergen – een waarheid die de grenzen van taal en cultuur overstijgt om mensen te verenigen voor een gemeenschappelijk doel.

Stel jezelf voor in je eigen woorden...

Mijn naam is Phillip, ik kom uit Milaan. Ik ben 27, Joods van mijn vaders kant van de familie, die de eerste persoon in mijn familie was die naar Milaan verhuisde. Ik heb mijn hele leven voetbal gespeeld, tot ik 25 was toen ik op het punt stond het op te geven, maar een vriend van mij stelde voor om bij St Ambroeus FC te gaan.

Ik kwam naar een sessie met twee van mijn vrienden met wie ik eerder had gevoetbald en we besloten mee te doen. Na ongeveer zes maanden bij de club – en nadat ik een blessure had opgelopen waardoor ik niet kon spelen – werd ik lid van de raad van bestuur als een van de vrijwilligers die helpen de organisatie te runnen en de machine te laten werken – omdat hoe meer mensen er betrokken zijn, hoe beter het werkt. Al snel werd het een deel van mijn leven.

KUN JE ONS IETS MEER VERTELLEN OVER ST AMBROEUS FC EN WAT HET VERSCHILT VAN JE GEMIDDELDE LAGERE VOETBALCLUB?

De club is de vrucht van de arbeid van twee organisaties die dateren van vóór de geboorte van St Ambroeus FC in 2018. Er waren twee opvangcentra voor vluchtelingen en asielzoekers in Milaan, waar veel mensen waren die wilden voetballen. Ze hadden elk een team, The Black Panthers en The Corelli Boys, en deze teams werden samengevoegd onder St Ambroeus met als doel te laten zien dat, ongeacht je achtergrond of hoe lang je al in Milaan bent, je Milanees bent, samen als één club. Sint-Ambroeus helpt veel mensen zich ergens bij te horen en bij een stad te horen.

Het hebben van deze wortels in antifascisme, antiracisme en antiseksisme heeft de club en de beslissingen die zij neemt gedefinieerd en zorgt er ook voor dat de zaken heel natuurlijk aanvoelen. Zelfs in die beginperiode hadden asielzoekers een plek nodig om te voetballen, dus die werd voor hen geregeld. En alles heeft dit organische gevoel.

Dit is de reden waarom we veel supporters hebben en ik denk dat we de enige club in onze competitie zijn die groepen fans heeft bij wedstrijden – ook al zitten we in de laagste divisie van het Italiaanse voetbal.

DE CLUB HEEFT NU MEERDERE TEAMS, DIE ACTIEF ZIJN IN HET ITALIAANSE LEAGUE-SYSTEEM, OP JEUGD-NIVEAU EN OP NIVEAUS DAARtussen. Waar ter wereld komen jouw spelers vandaan?

In het begin kwam iedereen in het team uit landen ten zuiden van de Sahara. Vervolgens hebben we het opengesteld voor alle landen en nog twee teams gecreëerd; een damesteam en nog een amateurteam voor heren. Dus nu hebben we spelers bij de club van over de hele wereld. Er zijn veel Afrikaanse spelers, sommige uit Latijns-Amerika, Azië – een paar jongens uit Leeds.

Ons eerste team was verdeeld in een derde Italiaanse en Europese spelers en tweederde uit de rest van de wereld, en met deze structuur wonnen we het kampioenschap in ons eerste seizoen en promoveerden we.

De competitieregels voor ons eerste elftal maken het echter ingewikkeld, omdat je voor elke wedstrijd een bepaald aantal Italiaanse staatsburgers en een bepaald aantal jonge spelers moet hebben ingeschreven, anders moet je het resultaat verspelen. We moesten dus meer Italiaanse spelers voor dit team nemen en het veranderen in ongeveer tweederde Italiaanse spelers. Maar in andere competities – ons tweede elftal en onze damesteams – gelden deze regels gelukkig niet, dus we kunnen tegen wie we willen spelen.

Van ons eerste elftal met 30 spelers hebben we 15 nationaliteiten en nog veel meer als je kijkt naar onze andere teams en ons jeugdteam, dat bestaat uit jonge mensen die ook nieuw zijn in Milaan.

WAT IS HET MET VOETBAL DAT HET TOESTAAT OM HET VOERTUIG TE ZIJN VOOR VERANDERING IN EEN PROJECT ALS DIT?

Op het voetbalveld doen alle zaken die er buiten het veld toe doen er niet meer toe. Op het veld staat iedereen op hetzelfde niveau, draagt hetzelfde shirt en vecht voor hetzelfde doel. Het is ook de meest gevolgde sport omdat het om het team gaat, en niet om het individu.

Het gevoel en de emotie die voetbal je geeft, komt doordat je deel uitmaakt van een team. Je deelt je energie en je droom met andere mensen. Het geeft je iets meer in je ziel dan andere sporten.

BUITEN DE SPORT IS DE CLUB ZEER ACTIEF IN EEN AANTAL ANDERE PROJECTEN. KUNT U ONS VERTELLEN OVER HET WERK DAT U BUITEN DE PITCH DOET?

We hebben veel projecten, waarvan we sommige elk jaar uitvoeren, zoals het ondersteunen van daklozen met warme kleding en voedsel in de winter. Dit is iets dat we bijvoorbeeld elke kerstperiode doen. Dan zijn er nog andere lopende projecten. We werken samen met een restaurant in de stad dat mensen uit kansarme milieus inhuurt en met hen hebben we samengewerkt om voedsel naar de grens van Oekraïne te brengen, niet lang nadat de oorlog uitbrak. We huurden een bus en leverden spullen, en namen ongeveer 50 mensen als vluchtelingen mee terug naar Italië.

Sinds afgelopen september bieden we een dienst aan die de inzetbaarheid van mensen die in Italië aankomen, bevordert, zoals het verkrijgen van een rijbewijs en/of het leren van de taal. En onze supportersgroep van de ultras, The Pirates, heeft onlangs wat werk verricht om de slachtoffers van een aardbeving in Marokko te helpen, door voetbal te gebruiken om gemeenschappen daar weer op te bouwen – ze zijn er al drie keer geweest en organiseren binnenkort een fototentoonstelling om dit werk te laten zien. en het bewustzijn over deze zaak vergroten.

JE HEBT REEDS VERMELD DAT EEN CLUB VAN DIT FORMAAT EEN MENIGTE HEEFT VOOR ZIJN SPELEN, DAT IS ONGEHOORD. DUS HOE IS HET SPELEN VOOR DEZE TOEGEWIJDE SUPPORTERS VAN ST AMBROEUS?

Het is ongeloofelijk. Sommige andere teams hebben natuurlijk een of twee supporters, maar zoiets als dit niet. Het is wat mijn energie voedt als ik speel, het geeft me kracht in mijn spieren en geeft me het ritme van de wedstrijd, zelfs als onze spelmaker dat niet doet.

Ik ken ze nu persoonlijk, het zijn mijn vrienden of meer nog, ze zijn als een familie. Voor hen spelen is echt een eer en het is een eer om hen te vertegenwoordigen terwijl ze negentig minuten lang zingen. Dit is waarom mensen voetbal spelen. Het project gaat verder dan het spel en dat is wat mij aan het spelen houdt.

ZIJN VEEL VAN DE SUPPORTERS DIE VERZAMELEN IN ST AMBROEUS OP ZOEK NAAR IETS DAT DE SPORT OP HET HOGERE NIVEAU – ZOALS AC MILAN EN INTERNAZIONALE WEDSTRIJDEN IN SAN SIRO – ONTBREEKT?

We wilden een beetje lastig zijn en ingaan tegen de op geld gerichte manieren van het moderne voetbal. De club heeft dus een vuistslag gemaakt tegen racisme en ook tegen het moderne voetbal.

Velen van ons steunen Milan of Inter, maar komen samen voor St. Ambroeus, maar onder de supporters zijn er velen die buiten de club helemaal niet veel interesse hebben in voetbal. Dit is iets waar wij trots op zijn. Van de kernsupportersgroep, die ongeveer 40 mensen telt, zijn velen van hen ook vrouwen en meisjes, wat volgens ons belangrijk is omdat het helpt om deze sport voor meer mensen toegankelijk te maken, wat niet altijd het geval is op hogere niveaus.

WELKE INVLOED OP DE CLUB HEBBEN DE SUPPORTERS?

Om te helpen bij het runnen van de club en de groei ervan om meer projecten te kunnen doen, heeft er een herstructurering plaatsgevonden waarbij we stemmen hebben gehad voor een president en vice-president en andere rollen. Ik denk dat we nu de enige club ter wereld moeten zijn waar de vice-president ook hoofd van de ultras is. Deze man denkt aan St Ambreous voordat hij naar bed gaat. Hij stopt niet.

We willen dat de structuur zo horizontaal mogelijk is en dat we de lasten van het werk helpen verdelen. Hoe meer je de verantwoordelijkheid kunt spreiden en toch efficiënt kunt houden, hoe beter het leven voor ons en de club zal zijn.

WAAROM WERKT MILAAN ZO GOED VOOR EEN PROJECT ALS DIT?

Man… Milaan is de etnisch meest diverse stad van het land. Echte Milanezen die het Milanese dialect spreken, zijn bijna uitgestorven. Overal waar je komt adem je mondialisering, dus het is waarschijnlijk gemakkelijker om dit hier te doen dan in andere delen van Italië. Er zijn hier ook veel hulpmiddelen en diensten die ons helpen en waarmee we kunnen samenwerken.

WAT IS JOUW FAVORIETE AAN MILAAN?

Iedereen aan wie u deze vraag stelt, zal hetzelfde zeggen. Je houdt ervan, maar je haat het.

Zoals ik al eerder zei, is Milaan een van de gemakkelijkere steden om in te integreren, maar het is nog steeds niet gemakkelijk. Net als heel Italië heeft Milaan naar mijn mening problemen met inclusie. Ik ben geen socioloog, dus ik zou het niet leuk vinden om uit te leggen waarom en het verkeerd te begrijpen, maar projecten zoals de onze helpen de stad aan deze goede reputatie.

HOE KUNNEN MENSEN ONDERSTEUNEN WAT DE VOETBALCLUB DOET?

Mensen kunnen worden partners – leden van de club die inspraak hebben in de bedrijfsvoering en een actieve rol spelen in het ondersteunen van de club. Tot onze socio's behoren spelers, bestuursleden en fans, die allemaal onze bijeenkomsten kunnen bijwonen. Dit lidmaatschap kost 50 euro en helpt ons met de lopende kosten van al onze projecten.

We hebben ook merchandise die we over de hele wereld verzenden en mensen doen donaties via onze website. In Italië hebben we een systeem waarbij mensen 5% van hun jaarsalaris of inkomsten doneren aan een goed doel. Dit wordt meestal gebruikt om aan de kerk te doneren, maar mensen kunnen nu de voetbalclub kiezen aan wie ze willen doneren.

EN TOT SLOT: HOE IS DIT SEIZOEN VERLOPEN?

Vorig seizoen zijn we dus teruggedegradeerd naar het negende niveau van het Italiaanse voetbal, maar dit seizoen hebben we opnieuw goed gespeeld. Op het moment dat ik je spreek, hebben we nog steeds een kans op promotie. En ik ben ook persoonlijk weer gaan fitnessen en heb onlangs mijn allereerste doelpunt voor het team gescoord, terwijl ik voor het eerst ook de aanvoerdersband droeg. We wonnen die wedstrijd met 5-0, maar eigenlijk had het 10-0 moeten zijn.

BIJWERKEN:

St Ambroeus FC sloot het seizoen 2023/24 af met een promotie en deed dit met een team van 30 spelers die 15 verschillende nationaliteiten vertegenwoordigden… allemaal Milanezen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2407.24Navigeren door dualiteiten met creatieve UNGA over hoop, wanhoop en artistieke visie.

Terug naar Functies

‘HOPE / THE END’ is een project dat diep resoneert met het huidige sociaal-politieke klimaat. Wij zijn een samenwerking aangegaan met de maker AVVN met een flyposting-campagne, met als doel de publieke aandacht te vestigen op zijn aangrijpende werk dat thema's van hoop en wanhoop in een complexe wereld behandelt. Zijn kunst is gebaseerd op een unieke mix van zowel licht als donker gevoel, met als doel resoneren met een publiek over de hele wereld dat met soortgelijke gevoelens worstelt.

De kunst van UNGA overstijgt louter esthetische aantrekkingskracht en heeft tot doel tot nadenken aan te zetten en kijkers aan te moedigen zich bezig te houden met de sociaal-politieke kwesties die in zijn stukken worden afgebeeld. Zijn aankomende projecten, waaronder een muurschildering in Parijs, zetten deze missie voort en streven ernaar kunst toegankelijk en impactvol te maken voor het bredere publiek. Zijn verleden omvat samenwerking met muzikanten als Pearl Jam, Beck, U2 en Kendrick Lamar, wat een belangrijke rol heeft gespeeld in zijn creatieve proces.

In dit interview benadrukt hij de dualiteit van menselijke emoties en zijn persoonlijke gevoel van hopeloosheid over de toekomst, zowel regionaal als mondiaal. Toch benadrukt hij ook de noodzaak om de hoop als dagelijkse praktijk te behouden, ondanks de harde realiteit. Dit genuanceerde perspectief is essentieel voor zijn boodschap en spoort kijkers aan om het naast elkaar bestaan van deze emoties te omarmen in plaats van de een boven de ander te verkiezen.

WAT INSPIREERDE JE OM HET DIPTYCH “HOPE / THE END” TE MAKEN?

Ik voel me hopeloos over mijn regio en in het algemeen over waar de wereld naartoe gaat. Ik heb het gemaakt voor mezelf en anderen die op dit moment misschien een boodschap van hoop nodig hebben. Tegelijkertijd wil ik de realiteit niet negeren. Beide kanten bestaan in mij, en het is oké om onzeker en verward te zijn over deze nachtmerrieachtige realiteit.

KUN JE DE THEMA'S HOOP EN BLEEKHEID DIE OP DE POSTERS WORDEN AFGEBEELD, nader uitwerken?

Ik heb het gevoel dat er altijd hoop en wanhoop in ons bestaan, en het is belangrijk om de hoop dagelijks op een actieve manier in praktijk te brengen en de realiteit dat gevoel van hoop niet te laten verslaan, omdat het essentieel is om verandering te bewerkstelligen. Ik begrijp dat als je een dierbare hebt verloren, je op dit moment geen hoop kunt zien. Dit is heel menselijk, maar ik wil mensen (en mezelf) eraan herinneren dat er nog steeds hoop is – ook al is het nu moeilijk te zien.

Welke boodschap hoop je dat de kijkers wegnemen met betrekking tot de dagelijkse dilemma's waarmee de mensheid wordt geconfronteerd?

Vaak wordt het conflict gezien als een keuze tussen twee kanten, maar ik wijs dit af. Zowel de Israëlische regering als Hamas geven niets om de levens van hun eigen volk. Ik kies de kant van degenen die in vrede willen leven, ongeacht of ze Israëli's of Palestijnen zijn. Het is oké om gemengde gevoelens te hebben en van perspectief te veranderen, dit is geen voetbalwedstrijd.

OP WELKE MANIEREN HEBBEN DE FYSIEKE EN POLITIEKE OMSTANDIGHEDEN IN HET MIDDEN-OOSTEN UW WERK BEÏNVLOED?

Opgroeien in Israël heeft mij en mijn werk diepgaand gevormd, het is nooit ver van de oppervlakte. Het heeft mij de veerkracht en menselijkheid in mensen laten zien, ondanks ontberingen. Het leerde me echter ook hoe mensen door hun omstandigheden kunnen worden gemanipuleerd en gehersenspoeld.

WAT IS JE ERVARING MET SAMENWERKEN MET MUZIKANTEN ALS PRIMUS, PEARL JAM, BECK, U2, THE ALCHEMIST EN KENDRICK LAMAR?

Muziek was altijd onze belangrijkste inspiratiebron. We zijn begonnen met het maken van posters voor optredens en albumhoezen voor onze lokale scene in Haifa. Samenwerken met muzikanten waar we van houden is een droom. Zelfs met artiesten van wie we niet naar muziek luisteren, is het vinden van een connectie een lonende uitdaging.

HOE BEÏNVLOEDEN DEZE SAMENWERKINGEN UW CREATIEVE PROCES EN DE THEMA’S DIE U ONTDEKT?

Het maken van kunst voor muzikanten houdt in dat we een delicaat evenwicht moeten vinden tussen onze visuele stijl en hun geluid, waardoor we soms uit onze comfortzone worden gehaald en nieuwe creatieve uitdagingen worden geboden. We beginnen ons vaak af te vragen: “hoe zou deze muziek eruit zien als het een schilderij was?”

HOE HEEFT LONDEN UW WERK BEÏNVLOED?

Londen heeft me geleerd de subtiliteit in kleur en de kracht van understatement te waarderen, een contrast met de helderheid en onbezonnenheid die nodig is in het Midden-Oosten. Nu waardeer ik de nuances in tinten en tonen. Komend uit het Midden-Oosten, waar je luid moet zijn om gehoord te worden, niet alleen als je praat, maar ook gewoon omdat de zon zo brutaal is dat er geen ruimte is voor die subtiliteiten, iets wat ik erg waardeer, maar na al die Sinds ik in Londen woon, kan ik ook de schilderijen met zes verschillende soorten grijs waarderen.

VINDT U INSPIRATIE IN DE STAD?

Absoluut. Londen verrast me voortdurend, elke keer als ik denk dat ik de stad begin te kennen, ontdek ik een heel nieuw gebied waar ik nog nooit ben geweest. Ik ben hier een immigrant, maar niemand heeft me ooit het gevoel gegeven dat het niet mijn stad is en ik beschouw dit niet als vanzelfsprekend.

AAN WELKE AANKOMENDE PROJECTEN OF CAMPAGNES WERKT U MOMENTEEL?

We hebben zojuist de grootste muurschildering voltooid die we ooit hebben geschilderd, een hangar die 10 keer groter was dan alles wat we ooit hebben geschilderd. Het kostte ons 4 weken met een team van 20 helpers, dus we zijn nog steeds aan het herstellen... Het volgende project zal in oktober in Parijs zijn waar we gaan schilderen buiten een nieuw metrostation in de stad.

HOE HOOP JE HET PUBLIEK VERDER MET JE KUNST TE BETREKKEN?

Ik hoop openbare kunst te maken die langer meegaat dan muurschilderingen, zoals sculpturen in de openbare ruimte of het werken met kunst in de metro om een metrostation te maken. Het feit dat iedereen onze kunst op elk moment en gratis kan zien, vind ik veel spannender dan het bij rijke mensen thuis te laten hangen...

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2407.24Van schelpen tot straatkunst: Olly Walker's Heremietkreeften en Stedelijk Protest.

Terug naar Functies

Heremietkreeften zijn schaaldieren die zijn geëvolueerd om lege schelpen van weekdieren te bezetten in een poging hun kwetsbare exoskeletten te beschermen. Alleen vandaag de dag, nu onze oceanen en dus de strandhabitats vol zitten met het weggegooide afval van de samenleving, zijn de krabben gedwongen om van flessen, blikjes, plastic bekers en dergelijke hun stacaravans te maken.

De aanblik van zulke kwetsbare, andere wereldse wezens, gekoppeld aan het afval dat voortkomt uit onze nalatige consumptiemaatschappij, is meer dan verontrustend; het voelt voelbaar verkeerd. Het is een vernietigend bewijs dat de handel altijd elk gevoel van rentmeesterschap, van zorg voor de planeet aarde, lijkt te overtroeven.

Kunstenaar en curator observeren deze erbarmelijke situatie Olly Walker heeft een doorlopende sticker nagestreefd, opgeplakt en nu, met dank aan UNCLE, een posterproject met heremietkreeften die uit merkblikken tevoorschijn komen.

Door deze buitenbeentjes op locaties van stedelijke ontwikkeling te plaatsen, worden ze een verwijzing naar en metafoor voor gentrificatie en ontheemding. Een misselijkmakend teken van mondiale bedrijven en financiële imperatieven die niet alleen een meedogenloze impact hebben op niet alleen de natuurlijke wereld, maar op ons hele leven.

“Het is oorspronkelijk gebaseerd op mijn ervaring toen ik in Hackney woonde en zag hoe bewoners systematisch uit hun huizen en buurten werden verdreven door projectontwikkelaars wier enige echte focus ligt op winst ten koste van de lokale bevolking en de infrastructuur die ooit bloeiende gemeenschappen in stand hield. meende de kunstenaar. “En dit gebeurt met armere, gemarginaliseerde mensen in grote steden over de hele wereld. Het heremietkreeftkunstwerk is een visueel bezwaar tegen de oogkleppende houding van deze ontwikkelaars en planningsregimes. Het is een protest tegen de moedwillige vernietiging, niet alleen van tastbare voorzieningen zoals bingozalen, pubs en gemeenschapscentra, maar ook van de historische, sociale banden van mensen met de plaatsen waar ze wonen en werken, en de wijken waarin ze zijn opgegroeid.”

We spraken met Olly om te praten over zijn HOME SWEET HOME-project, maar ook over zijn lange betrokkenheid bij veel creatieve projecten.

HOME SWEET HOME IS EEN LOPEND PROJECT MET POTENTIEEL VEEL ITERATIES. KUN JE PRATEN OVER DE VERSIE DIE DE KRAB ZIET GEVANGEN IN EEN MONTANA GOLD SPUITBUS?

In de jaren negentig en de jaren negentig was het Londense East End een magneet voor straatartiesten van over de hele wereld. In een tijd vóór sociale media was het mond-tot-mondreclame die mensen ertoe aanzette nieuw, opwindend werk te komen bekijken.

HET GEBIED IS SINDS DIE DAGEN VEEL VERANDERD…

Ja, overal zijn nieuwe gebouwen verrezen en muren die ooit beschilderd konden worden, zijn door de ontwikkeling verdwenen of overgenomen door straatkunstagenten.

WAT WAS ER EENS EEN ONAFHANKELIJKE GESCHILDERDE STRAATKUNST-, PASTE-UP- EN GRAFFITI-SCÈNE VERVANGEN DOOR MUURSCHILDERINGEN DIE TECHNISCH SLIM MISSCHIEN ZIJN, MAAR IN BASIS ALLEEN ADVERTENTIES ZIJN?

En mijn Montana Gold-krabben 'komen tussenbeide' in deze muurschilderingadvertenties. Nogmaals, het is een commentaar op gentrificatie, maar het herinnert ons er ook aan dat de verplaatsing van bedrijven niet alleen gaat over het verlies van woningen, maar over de materialistische coöptatie van onze stedelijke omgevingen en de effecten die dit kan hebben op het sociale en mentale welzijn.

JE BENT EEN KUNSTENAAR EN CURATOR, DAT HEBBEN WE VASTGESTELD, MAAR JE BENT OOK EEN AFICIONADO VAN STRAATKUNST, EEN ONTWERPER EN PRODUCER (die in de wereld van boeken, films en mode heeft gewerkt). KUNT U ONS VERTELLEN OVER EEN PAAR VAN DE 'HOOGTEPUNTEN' (EN ZELFS MISSCHIEN ENKELE 'MINDERWAARDEN') VAN UW LANGE EN RIJK GEVARIEERDE CARRIÈRE IN DE KUNSTEN?

Ja, sommige van die [vroege] ervaringen waren geweldig. Ik ontwierp boeken voor Steve Lazarides [uitgever, fotograaf, verzamelaar en curator die een belangrijke rol speelde bij het populariseren van straatkunst] en daarbij ontmoette ik ook de kunstenaars. Dus ik ontmoette JR, Vhils, Paul Insect die ik al kende, Ben [Turnbull], zo hebben we elkaar ontmoet, en eh, Johnny Yeo die zojuist de koning heeft geschilderd! Wanneer je deze kunstenaars ontmoet en getuige bent van hun arbeidsethos, was dat wat mij ertoe aanzette om echt de straatkunstroute te bewandelen en langzaam afstand te nemen van een deel van het bedrijfswerk dat ik deed.

Ik had het geluk dat ik die ervaringen had, want zonder die artiesten te ontmoeten zou je nooit de andere kant zien van hoe dat allemaal werkt en hoe ongelooflijk inspirerend ze zijn.

IS DAT OOK DE OORSPRONG VAN HOE JE STENCIL- EN STREET ART-POSTERBOEKEN ONTSTAAN?

Ja, dat gebeurde via een contactpersoon bij Laurence King [wereldleidende uitgever van kunstboeken] die ongeveer had gezien wat ik deed en we kwamen op het idee om stencilboeken te maken. En dat betekende opnieuw werken, zij het op afstand, met veertig van de beste artiesten ter wereld. Die ervaringen drijven je ertoe om nog beter, creatiever te zijn en meer werk te produceren. Ze leidden ook tot mijn curatorschap bij de Saatchi Gallery en Urban Nation [een museum gewijd aan straatkunst, graffiti en hedendaagse stedelijke kunst] in Berlijn, dus je bent opnieuw in het gezelschap van enkele van de beste kunstenaars op dat gebied. Vervolgens neem je het geleerde mee en pas je het toe in je eigen werk. En ik denk dat ik nu een punt heb bereikt waarop alles wat ik doe me opwindt. Omdat ik geen ontwerpstudio meer heb om te runnen, wat betekent dat ik er geen werk in hoef te stoppen dat ik niet bepaald wil doen. Ik hoef geen lonen, huur en dat soort dingen te betalen.

Momenteel werk ik samen met Katherine Hamnett aan haar enorme campagne om mensen te laten stemmen. Met JackArts is dat een geweldige kans. Op dezelfde manier ben ik net deze op maat gemaakte verpakking aan het samenstellen voor een speciaal platenproject met John Gosling om de soundtracks van de modeshows van Alexander McQueen uit te brengen. Nogmaals, dat is spannend omdat het soort unieke projecten zijn. En dus denk ik dat ik geluk heb dat deze dingen op mij afkomen. Maar je moet natuurlijk wel wat beenwerk doen. Je moet jezelf een beetje uitleven. Ik hoef nooit meer ergens voor te pitchen en de designwereld zit tegenwoordig vol met mensen die wanhopig op zoek zijn naar werk en dat kan een beetje zielvernietigend zijn.

EN JE HEBT NOG NIET ZO LANG GELEDEN EEN FILM GEPRODUCEERD MET DR.D?

De filmkant ervan is briljant. En dat was een ander project met een hele ploeg zeer getalenteerde filmmakers, weet je, de DOP's [directeuren van de fotografie], de regisseur, de redacteur, ze staan allemaal hoog aangeschreven in de industrie en [tijdens Covid] waren we allemaal zonder werk. Dus kwam ik op het idee om met Dr.D samen te werken en het werd een geweldig project.

Vreemd genoeg is een van de leuke dingen ervan dat er geen geld bij betrokken was. Er was dus geen enkele invloed van een 'klant' als zodanig. Geen geld staat soms gelijk aan vrijheid. En opnieuw deed John Gosling de soundscape voor de Dr.D-film. Suse hielp ook [Susan Hansen is Europa's meest geciteerde straatkunstwetenschapper]. Het was een samenkomen van zeer getalenteerde en enthousiaste mensen. Aanvankelijk had de filmploeg Dr.D nog nooit ontmoet, of gezien wat hij doet. En ze waren overdonderd door hun betrokkenheid bij het project. Opnieuw de energie, de betrokkenheid en het werk van de kunstenaar dat hij op straat neerzet, het verandert de manier waarop je denkt over straatkunst en activisme, het biedt je een andere kijk op straatkunst en activisme. waarin we de stad en de maatschappelijke vraagstukken die zich daar voordoen kunnen beleven.

ENIGE LAAG?

Het is op zichzelf niet echt een dieptepunt, maar één ding dat mij wel irriteert, is wanneer mensen de teksten niet goed proeflezen! Verder is het allemaal goed.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2407.24De Lower East Side van New York ontsluiten via een door de gemeenschap geleid fotografieproject met WORTHLESSSTUDIOS.

Terug naar Functies

WAARDLOZE STUDIO'S is een organisatie die zich inzet voor het bevorderen van creativiteit door kunstenaars te voorzien van de nodige ruimte, materialen en technische ondersteuning om hun artistieke visies te verwezenlijken. UNCLE werkte met hen samen aan hun opmerkelijke recente imitatie “FREE FILM: NYC LES”, een openbare kunstproject waarbij zowel aspirant- als professionele fotografen worden betrokken bij het documenteren van specifieke wijken in New York City met behulp van analoge film. We brachten hun posters naar de straten van de stad om de aandacht te vestigen op de tentoonstelling die zich richt op de Lower East Side van Manhattan.

Hun projecten leggen de nadruk op artistieke activering, betrokkenheid van de gemeenschap en educatie, met als doel verder te gaan dan alleen het maken van kunstwerken. Deze 'gemeenschap eerst'-houding blijft niet onopgemerkt in de straten van New York, die gedijen in het samenbrengen van facties en het verenigen ervan in een geschiedenis die wordt aangedreven door de stad zelf. De opdracht van dit project – “ONE SQUARE MILE”, richt zich op de Lower East Side en creëert een collectief archief van beelden die de essentie van het gebied samenvatten. De tentoonstelling is al doordrenkt van een diepe geschiedenis en fungeert als een punt van kameraadschap voor de inwoners van Manhattan en daarbuiten.

In het interview dat we hielden, gingen we in op het concept en de doelstellingen van de studio en hoe elke fotograaf die aan de tentoonstelling bijdraagt, verbonden is met de locatie zelf en met het bredere culturele verhaal van New York City. We onderzoeken ook het werk dat ze buiten dit project doen en hoe hun residentieprogramma haar leden naar een hoger niveau tilt via publieke activiteiten zoals workshops en educatieve cursussen. WORTHLESSSTUDIOS heeft meer te bieden dan je op het eerste gezicht zou verwachten, en UNCLE kon niet wachten om er dieper op in te gaan.

KUNT U HET CONCEPT EN DE DOELEN ACHTER FREE FILM: NYC BESCHRIJVEN?

GRATIS FILM: NYC is een openbaar kunstproject waarbij een gemeenschap van fotografen, zowel ambitieuze als professionele, wordt betrokken bij het documenteren van specifieke wijken in New York City met behulp van analoge film. Elke keer dat het programma wordt geactiveerd, delen we gratis 100 rollen 35 mm zwart-witfilm uit aan lokale fotografen. Ze brengen filmopnamen terug die op een specifieke prompt zijn gemaakt, dit keer “ONE SQUARE MILE”, en we ontwikkelen, scannen en cureren een show en boek. We zijn geïnteresseerd in het creëren van een collectief archief van beelden die een tijd en plaats beschrijven, en de afgelopen twee jaar stond NYC hierbij centraal.

HOE HEB JE DEZE BUURT GEKOZEN ALS CONTACTPUNT VOOR DEZE ITERATIE VAN HET GRATIS FILMPROJECT?

We zijn begonnen met een open oproep aan fotografen die zich hebben aangemeld voor een specifieke buurt waar zij een bijzondere relatie mee hebben. Ze namen hun intrek in onze omgebouwde Airstream Darkroom uit de jaren 1970. Tijdens de residentie werd de geselecteerde fotografen gevraagd om activiteiten te organiseren die open waren voor het publiek, zoals workshops en fotowandelingen, evenals jeugdeducatieprogramma's in samenwerking met onze institutionele partners, waarvan we hebben vastgesteld dat ze de lokale gemeenschap dienen, door middel van kunst en fotografie. De relatie die de Photographer in Residence heeft met de buurt vormde de rode draad in de programma's.

HOE ZIJN DEZE BUURT GEBONDEN MET EEN BREDER NYC?

We laten de foto's van de ruim 150 fotografen uit ons boek en onze tentoonstelling het verhaal vertellen. Net als bij eerdere edities van FREE FILM hebben we de neiging veel overlap te zien in culturele motieven, stijlen en iconografie in de hele stad, ongeacht in welke buurt je je bevindt. Er is echter een duidelijke houding en geografie die kan worden gezien en gevoeld in de stad. elke buurt laat zien hoe uniek en verbonden de individuen in de buurt zijn als gemeenschap.

Wat zijn enkele van de meest gedenkwaardige of impactvolle foto's die je van de deelnemers hebt ontvangen?

Bij deze vraag komen er een paar beelden in mijn hoofd, allemaal heel verschillend. We hadden echt hartverwarmende momenten van gezinnen die speelden tijdens een parade rond Sunset Park, een groep jonge mannen die basketbal speelden onder de FDR Drive met de Brooklyn Bridge als achtergrond rond de Lower East Side, een paar beelden van jonge meisjes die renden en speelden met de open brandkranen tijdens de heetste zomer van de Bronx tot nu toe. Anderen zijn zeer iconische plaatsen zoals de Williamsburg-brug, een paar kerken in Harlem, Lady Liberty gezien vanaf Red Hook. Elke buurt had zijn eigen charme en verrassende beelden.

WAT ZIJN ENKELE VAN DE GROOTSTE UITDAGINGEN DIE U HEEFT GEKOMEN BIJ DE UITVOERING VAN DIT PROJECT?

De grootste uitdaging in eerste instantie was om de Airstream door de stad te rijden, door de smalste straten terwijl de auto's dubbel geparkeerd stonden, maar het team slaagde er altijd in om het probleemloos te laten werken.

Met de hulp van picturehouse + thesmalldarkroom konden we alle rollen en scans behouden om terug te sturen naar de deelnemende fotografen, zonder enige verwarring bij het aanleveren van scans en negatieven.

Het bewerken van het boek was ook een grote uitdaging, aangezien we meer dan 15,000 afbeeldingen verzamelden. Het bewerken tot 124 gepubliceerde afbeeldingen was een grote inspanning, die werd aangepakt door de Resident Photographers en het WORTHLESSSTUDIOS-team.

HOE IS HET PROJECT SINDS DE AANLEIDING GEËVOLUEERD, EN WELKE TOEKOMSTIGE RICHTSNOEREN VOORZIEN U DAARVAN?

Het project begon in 2018 toen Neil Hamamoto het concept ontwikkelde om gratis 35 mm-films uit te delen aan vreemden als pop-upproject in Canal Street in Lower Manhattan. De deelnemers aan FREE FILM: CANAL hadden 24 uur de tijd om alle 36 opnames te maken met de opdracht “CANAL” en het filmrolletje aan ons terug te sturen. We brachten een week door in de donkere kamer om de film te ontwikkelen en gebruikten onze vergroters om zilvergelatineafdrukken te maken van de geselecteerde films die ons echt opvielen. We waren verbaasd over de manier waarop mensen het concept in zo weinig tijd in zoveel richtingen brachten. Als organisatie die kunstenaars wil helpen door middel van materialen, ruimte, fabricage en één-op-één begeleiding, zien we de toekomst van dit project als een op huisfotografen gericht programma dat helpt hun oeuvre en kennis van het proces naar een hoger niveau te tillen. Onze Photographer in Residence-aanvraag staat nu open voor inzendingen op https://www.worthlessstudios.org/photographer-in-residence

WELKE IMPACT HOOPT U DAT “FREE FILM: NYC LES” FREE FILM ZAL HEBBEN OP DE LOKALE GEMEENSCHAP EN DE BREDE KUNSTSCÈNE?

De missie van WORTHLESSSTUDIOS om ruimte, materialen, technische assistentie en middelen te bieden aan kunstenaars om hun creatieve visies te verwezenlijken, wordt duidelijk weerspiegeld in FREE FILM. Een van onze doelen is om fotografen te helpen analoge fotografie te blijven maken, en anderen te helpen er weer mee aan de slag te gaan. Door jarenlang met de deelnemers te praten, is het project een gemeenschapsbouwer voor hen geweest – ze zijn terechtgekomen in een gepassioneerde groep analoge fotografen waar ze dieper in hun kunstpraktijken kunnen graven.

Onze hoop is dat deze fotografen verbonden blijven met fotografie, het blijven beoefenen en ermee groeien, en een gemeenschap opbouwen tussen henzelf en WORTHLESSSTUDIOS.

HOE HEB JE DE VISUELE COMPONENT VAN HET PROJECT ONTWERPEN?

Voor de tentoonstelling FREE FILM: NYC wilden we een scène creëren die doet denken aan elk buurtprogramma: de Airstream geparkeerd voor een groene, met graffiti bedekte bouwmuur. Omdat de Airstream altijd ter plaatse was, besloten we hem naar binnen te brengen en een meeslepende omgeving te creëren voor de foto's eromheen. Vervolgens laten we de foto’s voor zich spreken.

Bij het ontwerpen van de posters en advertenties voor dit project hebben we ons gericht op het vergroten van het bewustzijn van onze beschikbare bronnen en programma's, vandaar ons op leesbaarheid en duidelijkheid gerichte digitale ontwerp.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2406.24Young Women's Trust en Lemonade Dolls hebben plezier met een serieuze boodschap in de aanloop naar de verkiezingsdag.

Terug naar Functies

Voor de nieuwste samenwerking van UNCLE zijn we een partnerschap aangegaan met Jongevrouwenfonds en Limonade poppen over hun 'Swing It, Girls'-campagne, oorspronkelijk gemaakt door Havas Londen. Het maakt op joviale wijze gebruik van ondergoedmotieven en insinuaties om vrouwen aan te moedigen een actieve rol te spelen bij de komende algemene verkiezingen in Groot-Brittannië. Ook met de Britse komiek en acteur Jayde AdamsHet is ontworpen om vrouwen sterker te maken en te betrekken bij het politieke discours. De campagne benadrukt de cruciale rol die vrouwen spelen bij het vormgeven van de toekomst en benadrukt een aanzienlijke genderkloof onder onbesliste kiezers: 20% van de vrouwen vergeleken met 10% van de mannen.

We hebben de beelden voor de campagne door heel Londen laten zien, met een aantal belangrijke locaties specifiek in Oost-Londen, omdat dit het trefpunt is van veel vrouwen die ze hopen te bereiken. Door een mix van gedurfde beelden en impactvolle boodschappen wil het kunstwerk vrouwen inspireren om hun stemrecht uit te oefenen en de uitslag van de verkiezingen te beïnvloeden. Dit gecombineerd met een sociale film dat begint met het parodiëren van typische ondergoedadvertenties voordat Jayde Adams dringende politieke kwesties begint te bespreken die vrouwen aangaan, zoals de gezondheidszorg voor vrouwen en gendergerelateerd geweld.

In ons exclusieve interview met het team duiken we in de motivaties achter hun ‘Swing It, Girls’-campagne, die hun inzet voor politiek engagement, de dagelijkse veerkracht van vrouwen benadrukt en hoe zij politieke participatie net zo eenvoudig willen maken als het aantrekken van een beha.

WAAROM BESLUITEN LEMONADE POPPEN DE CAMPAGNE ‘SWING IT, GIRLS’ TE LANCEREN?

Lemonade Dolls is altijd een bedrijf geweest dat hun politiek aan hun broek draagt en historisch organisaties als Choose Love steunt. Ze zijn een van de populairste nieuwe startups in Groot-Brittannië en hebben een van de meest inclusieve merken die er zijn. We spraken ze in januari en het was een no-brainer. Sindsdien zijn we er allemaal all-in geweest, tieten eerst.

HOE KOMT U OP DE NAAM?

Je babbels in je beha zwaaien is een dagelijkse gebeurtenis voor vrouwen – welke shit we ook aan het doen zijn. Overvolle schema's, onbetaalde zorg of gezondheidsproblemen voor onszelf, we moeten allemaal komen opdagen en ze in onze moedigere houders gooien en doorgaan met onze dagen. 'Swing it, meiden' herinnert ons eraan dat het enige wat ons in de weg staat om een stem te hebben bij deze verkiezingen, het aantrekken van onze beha's en het naar de stembus gaan. Politiek moet voor iedere vrouw net zo toegankelijk en haalbaar zijn als het aankleden in de ochtend.

WAT DOET DE CAMPAGNE?

De campagne is erop gericht terugtrekking aan te pakken, puur en eenvoudig. We maken ons er allemaal schuldig aan dat we na een lange dag thuiskomen, onze beha uittrekken en lekker gaan liggen – we bevinden ons tenslotte in een tijdperk van bedrot. Maar hopelijk zal deze campagne vrouwen overal ter wereld eraan herinneren dat we macht hebben, ook al hebben we daar soms geen zin in.

Waarom is het belangrijk dat vrouwen zich met de politiek bezighouden?

Politiek is leven. Het leven is politiek. De bus waarmee je elke ochtend naar je minimumloonbaan rijdt, is weer te laat, de wegwerkzaamheden houden je nog meer op onderweg, je gaat naar je werk, wordt ongesteld, en je hebt geen tampons meer, en dat kan.' Ik kan het me op dit moment niet veroorloven... Ja. Allemaal politiek. We leven en ademen het, en we worden onevenredig getroffen door de dingen die (vaak) bevoorrechte blanke mannelijke politici namens ons voor ons beslissen.

WELKE LANGETERMIJNDOELEN HOOPT U TE BEREIKEN?

Op de lange termijn hopen we meer vrouwen bij de politiek te betrekken, en het wordt een onderwerp waar vrouwen niet bang voor zijn. Ik ben zelf opgegroeid in een huishouden waar de vrouwen niet stemden. Het was niet voor hen; het was iets dat gebeurde in het grote enge Londen met de jongens. Dus als we er een gespreksonderwerp van kunnen maken waar vrouwen net zo gemakkelijk over kunnen praten als bh-maten, dan zijn we aan de winnende hand.

KUN JE DE SYMBOLIEK ACHTER HET KUNSTWERK VOOR DE CAMPAGNE VERKLAREN?

Onze designwereld neigt zwaar naar de wereld van protest, maar botste met de delicate bh-wereld (kanten en zijde) en een modern palet dat vrouwen aanspreekt – waarbij met name de kleur roze wordt teruggewonnen als iets dat krachtig is. (Roze wordt normaal gesproken gezien als een 'zwakke, vrouwelijke' kleur, maar daarop zeggen wij: fuck you). De symboliek in de hele designwereld kijkt naar de overeenkomsten tussen politiek en beha’s – en overbrugt opnieuw die kloof voor vrouwen. Het moet net zo toegankelijk aanvoelen als voor vrouwen om te bekijken en te bespreken, net als een DD-beker.

HOE HOOPT U DAT DE STRAATPOSTERS ZULLEN BIJDRAGEN AAN DE ALGEMENE IMPACT VAN DE CAMPAGNE?

Mensen die onevenredig zwaar worden getroffen door de politiek zijn gewone mensen die op straat hun uiterste best doen om eten op tafel te krijgen en kleding op de rug van hun kinderen. De straten zijn de plekken waar de teruggetrokken vrouwen hun dagen doorbrengen terwijl ze achter kinderen, partners en bazen aan rennen. Hopelijk zullen ze deze onderweg zien, puur en eenvoudig.

ALS IEDEREEN ÉÉN DING VAN DE CAMPAGNE KAN NEMEN, WAT ZOU JE DAN HOOPEN?

STEM OBVS. Het maakt niet uit op wie of wat je stemt, het gaat erom dat je jouw stem vindt. Zwaai je tieten in je beha. Ga daar weg. Steek dat vakje over.

HOE KUNNEN MENSEN DEZE CAMPAGNE STEUNEN?

Om niet als een influencer te klinken... 'like, share, comment'. Stuur het naar je moeder. De beste vriend van je moeder. Je buurman met de pasgeborene. Je bejaarde oma. Je tienernichtje dat net oud genoeg is geworden om te stemmen. Iedereen die zich identificeert als vrouw. Deel. Maak ze bewust.

WELKE ROL HEEFT LONDEN GESPEELD IN DE ONTWIKKELING VAN DE CAMPAGNE?

Londen is duidelijk (terecht of ten onrechte) het centrum van politieke besluitvorming. Dit betekent dat we ons hebben gericht op die symbolische, 'verre' plekken die we altijd op nieuwskanalen hebben gezien en genegeerd, zoals Westminster – droog, benauwd, saai – waar we onze beha's naartoe brachten. Hopelijk hebben we hun aandacht.

HOE KUNNEN MENSEN DE OORZAAK STEUNEN?

Doneer aan de Young Women's Trust en steun het geweldige werk dat zij doen. (Of als je op zoek bent naar een nieuwe bh, koop er dan een en wij doneren namens jou). De YWT helpt vrouwen in het hele land met kwesties die vrouwen het meest raken, en vult daarmee in wezen de kloof op waarin de politiek vrouwen in de steek laat. Stemmen en doneren zullen dus een tweeledige bijdrage leveren aan de rechten en kwesties van vrouwen, meer dan u zich ooit zult realiseren.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2406.24Manchester's Finest is een baken dat onafhankelijke vestigingen naar de voorgrond van de stad brengt.

Terug naar Functies

Manchesters beste begon meer dan tien jaar geleden als een klein passieproject, met als doel de beste onafhankelijke lifestyle-locaties in Manchester onder de aandacht te brengen. Nu zijn ze uitgegroeid tot een universeel knooppunt waar mensen in de hele stad naartoe komen voor aanbevelingen. Dit gebeurt via hun verschillende online kanalen die respectievelijk honderdduizenden volgers verzamelen. Dit organische groei onderstreept de honger van het publiek naar echte, lokale ervaringen en de waardevolle rol die Manchester's Finest speelt bij het voldoen aan die vraag. UNCLE zal de komende maanden met hen blijven samenwerken om hun aanwezigheid in de straten van de stad te vergroten.

Hun gebruikelijke proces voor het selecteren van aanbevolen vestigingen is zowel dynamisch als gemeenschapsgedreven. Er is geen strikte formule; in plaats daarvan worden selecties gemaakt op basis van persoonlijke ervaringen, teamontdekkingen en aanbevelingen van het publiek. De teamleden en lokale bewoners zoeken voortdurend naar nieuwe en opwindende plekken en zorgen ervoor dat ze eerlijke beoordelingen uit de eerste hand geven. Door deze praktische aanpak kunnen ze de authenticiteit en betrouwbaarheid van hun aanbevelingen behouden.

Deze postercampagne belicht de wijk Levenshulme, door het team omschreven als “een werkelijk fascinerende microkosmos van wat er geweldig is aan de hele stad”. De redenering en het belang achter deze selectie worden besproken in het volgende interview dat we met het team hebben gehouden, samen met de culturele nadruk van het merk en hoe ze de unieke mix van traditie en moderniteit van de stad kunnen laten zien.

HOE BEGON HET BESTE VAN MANCHESTER?

Manchester's Finest begon meer dan 10 jaar geleden als een passieproject – het was een eenvoudige blog die we gebruikten om onafhankelijke lifestyle-locaties waar we van hielden onder de aandacht te brengen. Het bleek dat wat we deden echt weerklank vond in een gemeenschap die zich begon te ontwikkelen; mensen wilden graag ontdekken en betrokken raken bij wat onze stad te bieden had.

De blog groeide snel uit tot meerdere sociale accounts en een website die nu een vertrouwde bron biedt voor iedereen die op zoek is naar samengestelde aanbevelingen.

WAT KOMT ER BIJ HET SELECTEREN VAN DE AANBEVOLEN INSTELLINGEN?

Er is niet echt één vaste regel voor de manier waarop we plaatsen selecteren die we willen uitlichten. Het kan voortkomen uit goede persoonlijke ervaringen of uit aanbevelingen. We hebben een wekelijkse serie 'Suggested By You' waarin ons publiek ons in sociale reacties en DM's informeert over eet- en drinkgelegenheden die we 'moeten' bezoeken – het is echt een populaire serie – en we zijn er zo vaak geweest veel plaatsen die we daardoor nog niet eerder hadden geprobeerd.

We zijn echter altijd zelf op pad en proberen alles uit de eerste hand. Ons team woont allemaal lokaal en deelt voortdurend informatie over nieuwe plaatsen die ze spotten die opengaan of waar ze zijn geweest om te eten, drinken, winkelen enz... We genieten van het eten, we praten met de eigenaren, we krijgen de sfeer van de plaats. Zo kunnen wij je eerlijk vertellen wat echt de moeite waard is om te bekijken. Het is een zware klus, maar iemand moet het doen!

WAAROM IS HET BELANGRIJK VOOR U OM ONAFHANKELIJKE RUIMTEN TE KAMPEREN?

Het ondersteunen van onafhankelijken is voor ons bij Manchester's Finest van cruciaal belang, omdat deze plekken onze stad haar unieke karakter en charme geven. Het is iets dat we vanaf het begin hebben gedaan: onafhankelijke bedrijven zijn de levensader van de stad en pionieren op het gebied van innovatie, waarbij ze ervaringen, producten en diensten aanbieden die je niet in grotere ketens aantreft. Zij brengen de creativiteit en variatie die onze stad tot zo’n levendige en diverse plek maakt.

Het steunen van lokale bedrijven heeft ook een positieve impact op onze gemeenschap – deze plaatsen zijn eigendom van en worden beheerd door mensen die veel om onze stad geven – ze dragen niet alleen economisch, maar ook cultureel en sociaal bij. Door hen te steunen helpen we een bloeiende lokale economie in stand te houden en zorgen we ervoor dat belangrijke hulpbronnen hier blijven, voor het plezier van iedereen.

Ons team vindt het ook geweldig als we het voorrecht hebben om te delen in de reis van groei en succes voor een lokaal bedrijf, maar ook voor eigenaren en ondernemingen die van buiten de stad komen en er hun thuis van maken. Er heerst een echt gevoel van kameraadschap en steun in Manchester, wat het tot een unieke stad maakt.

HEBBEN AL UW SELECTIES IETS GEMEENSCHAPPELIJK?

In termen van de letterlijke selectie kunnen plaatsen enorm variëren in wat ze doen en aanbieden – het ene moment kunnen we in een rustiek café zijn, het volgende moment bij een optreden of een ambachtswerkplaats, of in een restaurant op Michelin-niveau – maar wat ze allemaal gemeen hebben is dezelfde kerneigenschappen: passie, integriteit en geweldig in wat ze doen.

VERTEL ONS OVER LEVENSHULME?

We denken dat Levenshulme een heel fascinerende microkosmos is van wat er geweldig is aan de hele stad.

De A6 is een van de hoofdwegen hier (beroemd vanwege de late night busroute 192!) en loopt dwars door het centrum van 'Levy', dat historisch gezien een meer arbeiderswijk (lees 'goedkoper') deel van Zuid-Manchester was. woon in vergelijking met plaatsen als Didsbury.

Levenshulme heeft de afgelopen jaren enorme veranderingen ondergaan – een bekend verhaal, maar een grote toestroom van kunstenaars, creatievelingen en andere gemeenschappen zijn naar het gebied verhuisd voor lagere huurprijzen of om een voet op de vastgoedladder te krijgen. Dus nu heb je een generatie mensen die daar zijn opgegroeid, plus immigranten en nieuwkomers met verschillende achtergronden: Aziatisch, Brits, Frans, Indiaas, Italiaans, Iers, Jamaicaans, Libanees, Turks. Deze diverse keukens en culturen verdringen zich allemaal tegen elkaar naast de meer 'old school' klassieke etablissementen die steunpilaren zijn: traditionele vette lepels, clubs voor werkende mannen en erfgoedlocaties zoals The Antiques Village, allemaal binnen een kleine, gemakkelijk te navigeren straal.

WAAROM HEB JE ER VOOR GEKOZEN DIT GEBIED VOOR DE CAMPAGNE TE BENUTTEN?

Vorig jaar hebben we onze nieuwe 'Plaatsen'-directory gelanceerd, om een nuttige bron op onze website te zijn voor ons publiek en bezoekers van de stad door al onze aanbevelingen in elke wijk van Greater Manchester samen te stellen. Deze nieuwe 'Buurtgids'-campagnes zijn daar dus een natuurlijk verlengstuk van – we kiezen enkele van de beste plekken en duiken wat dieper en achter de schermen met onze videoploeg, een presentator en iemand die op de plek woont waar we ons op concentreren .

We creëren geschreven en visuele inhoud om echt in de huid van een plek te kruipen. Levy leek om alle bovenstaande redenen een goed beginpunt, maar we zullen er binnenkort meer over vertellen.

Praat ons door het posterontwerp?

We hebben het eenvoudig gehouden en hoogtepunten uit onze videogids geselecteerd om de krantenkoppen te halen en de aandacht van mensen te trekken. Wanneer u vervolgens de QR-code scant, kunt u onze volledige videogids bekijken.

WAT IS DE VOLGENDE VOOR MANCHESTER'S BESTE?

We willen meer naar buiten gaan, weg van onze schermen, om onze eigen evenementen te creëren en onze community in het echte leven te ontmoeten. We hebben de afgelopen twee jaar een barbecue- en muziekfestival 'Live From the Grill' georganiseerd, een leuke afsluiting van de zomer die we willen opschalen. En we hebben onlangs een bier gelanceerd in samenwerking met brouwerij Manchester Union – we willen zeker meer van dit soort dingen doen – creatieve samenwerking aan producten met lokale producenten enz. We hebben geen gebrek aan ideeën… alleen maar tijd!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2405.24CONGREGATIES Parijs zag hoe 'Marcher les murs' vreemden verenigde om getuige te zijn van een samengestelde kunstenaarsselectie.

Terug naar Functies

Op 26 mei 2024 waren de noordelijke straten van Parijs getuige van het tweede hoofdstuk in de CONGREGATIONS-serie, getiteld 'Marcher les murs' of 'Walking the Walls'. Het bestond uit een reis langs een speciaal samengesteld parcours van 4 km dat langs verschillende contactpunten van het Parijse landschap liep. Tijdens deze verkenning waren er vijf optredens van individuele stukken van kunstenaars die inspiratie haalden uit de thema's van het evenement – lees er meer over hier.

De dag hoopte een gesprek op gang te brengen over de homogenisering die plaatsvindt binnen de wijken van Parijs en die blijft resulteren in de onderdrukking van de hedendaagse kunst die de autoritaire structuren achter deze privatisering bekritiseert. Tijdens het hele evenement werden performatieve artistieke gebaren gebruikt om de ruimtes waarin ze plaatsvonden tijdelijk te verstoren en vervolgens collectieve actie te inspireren.

Beginnend op Square Marmottan, een kleine groene oase tussen het opwindende landschap van de omgeving, was het eerste optreden Puer Deorum. Ze besteedden tijd aan het maken van plaquettes uit klei die langzaam een pad vormden dat de herinnering aan de liefde volgde via een ontroerend stuk proza dat erop was gegraveerd. Dit proces was doordacht en gaf mensen de tijd om de boodschap te lezen en in zich op te nemen terwijl deze werd geschreven – een unieke manier om tekst in zich op te nemen.

Velen waren hier verzameld om niet alleen naar Deorum te kijken, maar ook naar het begin van de middag. Er werd veganistisch eten rondgedeeld, samen met zines vol illustraties en een tekst van Dita Hashi later voorgelezen worden. Dit bracht een gevoel van gemeenschap met zich mee, de verbondenheid van de aanwezigen die spoedig samen aan een ontroerende reis zouden beginnen. Dit werd mogelijk gemaakt door Gribaudiplytas die een op maat gemaakte trolley-achtige structuur ontwierp en bouwde die het kernonderdeel van de dag vormde. Het bevatte alles wat nodig was en werd gebruikt om de menigte bij elkaar te brengen, en fungeerde als middelpunt en baken voor de processie.

Eenmaal vertrokken we richting La Chapelle Eric Androa Mindre Kolo begon een ontroerend stuk performancekunst. Zijn lichaam kronkelde door de straten van Parijs terwijl hij de vlag van de Democratische Republiek Congo stevig vasthield terwijl hij een megafoon gebruikte om een zenuwslopende sirene af te blazen voor degenen die luisterden. Hij gebruikte tape om looppaden af te snijden, en was niet bang om met de mensen om hem heen te communiceren, alsof hij wilde dat de passiviteit zou stoppen; hij gebruikte zijn lichaam als vat voor de grote pijn en conflicten die hij moest uitbeelden. Vanwege de aard van deze onmiskenbare daad begonnen de CONGREGATIES mensen op straat aan te trekken die zich bij onze entourage voegden, gefascineerd door wat er gebeurde.

Terwijl de groep verder ging, werden posters uit de kar getrokken, waarbij hun ontwerpen de onderzochte thema's duidelijk maakten. Als daad van rebellie tegen negatieve politieke agenda's werden ze op muren geplakt om het moment te markeren en intriges te wekken bij mensen die in onze voetsporen traden, en de wandeling toepasselijk door lieten gaan, zelfs tijdens onze afwezigheid.

Vervolgens werden we naar een nis vlak bij de hoofdstraat geleid, ingeklemd tussen twee locaties Lucie Camous begonnen hun lezing en uitvoering van 'Filer Droit' of 'Fly Straight'. Hierbij werd gebruik gemaakt van ongemakkelijke en ontwrichtende bewegingen naast een fluctuerende toon van de stem om te contrasteren met de gesproken woorden, waardoor een onsamenhangende ervaring ontstond die de gesproken woorden alleen maar verdiepte. Ondanks een poging om de groep in beweging te krijgen, gingen de prestaties door, wat de weerstand tegen conformiteit onderstreepte.

Ten slotte hadden we een driedelige lezing van Marie-Julie Chalu, Dat zette luisteraars aan om na te denken over hoe onze toekomst eruit zou kunnen zien. Zelf sprak ze over haar fixatie op een plek waar zwarte vrouwen veilig en gehoord kunnen worden. Hun stem is een stem die zo vaak over het hoofd wordt gezien in onze samenleving en die we uiteraard moeten blijven verheffen. Het sentiment van utopieën voelde als een passend einde van onze dag, toen we nog een maaltijd deelden en de hoop bespraken op wat er zou kunnen gebeuren als we doorgaan met het meenemen van wat vandaag werd gedeeld naar de toekomst.

De dag legde de essentie vast van het Parijse verzet tegen conformiteit, door intieme lezingen te combineren met opwindende optredens. Deze momenten van eenheid en verzet staan centraal in de CONGREGATIONS-serie, ondersteund door UNCLE terwijl we cultureel activisme blijven verdedigen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2405.24Yard Sale stijgt van pizzafeestjes in de achtertuin naar een Time Out-kampioen van Londen.

Terug naar Functies

Pizza uit de garageverkoop heeft sinds hun conceptie nu tien jaar geleden een onderscheidende niche veroverd in de Londense pizzascene. De naam van het merk is ontstaan uit pizzafeestjes in de achtertuin in Homerton en is een eerbetoon aan het bescheiden begin en het gemeenschapsgevoel dat altijd centraal heeft gestaan in de identiteit. Oprichters James en Nick hebben hun liefde voor handgemaakte pizza omgevormd tot een bloeiend bedrijf, waarbij ze een buurtgevoel behouden dat resoneert met hun klanten en hun merkethos definieert. UNCLE werkte met hen samen omdat we ons aansluiten bij een diepe verbinding met de straten van Londen, wat een drijvende kracht is achter het werk dat we in de stad doen.

Hun nieuwste samenwerking met ontwerper SportBanger markeert de 10^th jubileum van het merk. Hun partnerschap heeft geresulteerd in de limited edition merchandise die het merk met een stijlvolle flair vertegenwoordigt dankzij de creatieve instincten van de Londense modemagnaat. Dit is gecombineerd met onze campagne in de straten die mensen als Shoreditch, Peckham, Hackney, Clapton en Soho moeilijk hebben getroffen om de erfenis van de wijken waar Yard Sale Pizza begon te eren. Zowel de kledingdrop als de posters zijn voorzien van de slogan 'Self Made'. om het unieke standpunt dat het merk heeft gecultiveerd verder te benadrukken.

We spraken met hun team om te praten over toppings, afhalen en het omslagpunt van hun succes. Het interview belicht ook hun gedachten over de levenscyclus van pizza's en waarom alles goed doen het verschil maakt, maar ook hun erfgoed aanroert en hoe Londen een rol speelde in wie ze nu zijn geworden.

VERTEL ONS OVER HOE DE NAAMWERFVERKOOP ONTSTAAN?

We begonnen aanvankelijk met het organiseren van pizzafeestjes voor onze vrienden in de achtertuin van ons huis in Homerton waar we toen samen woonden, vanuit een handgemaakte pizzaoven, dus het is geïnspireerd op die begindagen en het buurtgevoel dat altijd zo belangrijk is geweest voor ons en het merk.

WAT ONDERSCHEIDT U VAN DE CONCURRENTIE?

We steken zoveel liefde en energie in het streven om onze pizza zo goed mogelijk te laten bezorgen in Londen, we bezorgen elke pizza met de hand via onze interne bezorgservice, en we hopen dat onze samenwerkingen en branding tot de beste behoren die er zijn.

HOE HEEFT HET ZIJN VAN EEN ONAFHANKELIJKE START-UP DE ONTWIKKELING VAN HET MERK GEÏNFORMEERD?

We stellen mensen altijd op de eerste plaats en hebben geleerd hoe belangrijk het team om u heen is bij het opbouwen van een bedrijf als het onze. We zijn altijd gemeenschaps- en lokaal van hart geweest en door onafhankelijk te blijven, worden we nog steeds gedreven door dezelfde waarden en gerund door de mensen die we waren toen we begonnen met die handgemaakte oven in de achtertuin.

SAMENWERKINGEN MET GROTE NAMEN ZIJN INTEGRAAL VOOR HET MERK. WAT ZIJN ENKELE HOOGTEPUNTEN?

Er zijn door de jaren heen een aantal fantastische geweest, maar het was een bijzondere om pizzachef Frank Pinello uit New York in 2018 te laten komen!

KOMT EEN SAMENWERKING MET SPORTSBANGER, GEEF ONS DE DETAILS?

Als het ging om het vieren van 10 jaar onafhankelijkheid, onze Londense roots en ons team, was er niemand met wie we liever wilden samenwerken. We hebben een extreem coole en supergelimiteerde release van bomberjacks en T-shirts uitgebracht (nu verkrijgbaar via onze website), plus een nieuw ontwerp van onze bezorgersjassen, bromfietsdozen en pizzadozen voor deze maand.

WAT IS DE POPULAIRE PIZZA DIE U AANBIEDT?

De klassieke Marg zal altijd nummer één zijn... maar onze Holy Pepperoni staat al vanaf dag één op het menu en is nooit ver achtergebleven.

EVENTUELE TOPCOMBINATIE-IDEEËN DIE NOOIT UITGEKOMEN ZIJN?

We hebben een aantal heel bijzondere pizza's gehad die helaas de ontwikkelingskeuken niet hebben gehaald... maar zeg nooit nooit.

HOE SPEELDE LONDEN EEN ROL IN DE ONTWIKKELING VAN YARD SALE?

Londen heeft altijd deel uitgemaakt van ons DNA – we zijn hier allebei opgegroeid en we wilden altijd al een merk en team dat de stad weerspiegelde. Of het nu gaat om de voetbalteams, de streetwearcultuur of de pizzascene die we nu tot de beste ter wereld rekenen: Londen heeft altijd de geest van het merk bepaald.

WAAROM HEB JE ER VOOR GEKOZEN OM ZICH OP BEPAALDE WIJKEN IN LONDEN TE FOCUSEREN?

We hebben altijd al willen zijn waar mensen wonen, zowel omdat we een leveringsgericht bedrijf willen zijn als omdat we het gevoel willen hebben dat we deel uitmaken van wat mensen leuk vinden aan hun buurt. We zijn begonnen in Hackney zoals we dat wisten, maar naarmate we ons over de stad hebben uitgebreid, is er een soortgelijke geest, steun voor onafhankelijke bedrijven en liefde voor pizza, die we in de hoofdstad hebben gevonden.

ZIE JIJ HET MERK UITBREIDEN BUITEN DE STAD?

Absoluut. Het maakt zeker deel uit van onze plannen voor de toekomst, maar we hebben een heleboel buurten die we graag eerst in Londen willen openen!

WAT IS DE VOLGENDE VOOR WERFVERKOOP?

We hebben een geweldige maand gehad met het vieren van onze 10e verjaardag – vooral met onze samenwerkingen met Bleecker Burger en Sports Banger – maar we hebben een aantal spannende plannen in petto voor de Heren Euro's die in juni van start gaan, en een nieuwe winkelopening in september. Meer volgt nog!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2405.24Congregaties Parijs: een inleiding tot het creatieve aanbod van een aankomend Parijs evenement.

Terug naar Functies

OOM presenteert congregaties Parijs 'Marcher les murs' vindt plaats op 26 mei en er zijn zes optredens van artiesten te zien terwijl we een pad rond het noorden van de stad volgen. Na het succes van Congregaties Milaan 'Lingua Lunga' UNCLE wilde sindsdien graag blijven samenwerken met Ludovica Bulciolu en Brenna Horrox om nog een evenement te faciliteren. Deze is gevestigd in Parijs en onderzoekt de verschillende culturele patronen die in de stad zijn geworteld.

Voordat het evenement plaatsvindt, hebben we de verschillende artiesten die de hele dag zullen optreden opgesplitst om context te geven aan toekomstige bezoekers en licht te werpen op het werk dat de artiesten tot nu toe hebben gedaan, waarbij we hun relevantie voor de thema's van het evenement onderzoeken.

Ten eerste hebben we Eric Androa Mindre Kolo, een beeldend performancekunstenaar die vaak de banden tussen het Afrikaanse continent en Europa onderzoekt via een politieke lens die put uit de historische context. Hierdoor combineert hij pijlers van spiritualiteit, autobiografie en begrip en wil hij het lichaam gebruiken als ontvanger en emotiezender.

Volgende is Marie-Julie Chalu, bekend als een culturele maker met een overvloed aan projecten op haar naam. Tot haar passies behoren het onderzoeken en verkennen van muziek voor projecten als 'Archives du R&B français' en 'Zouk Vintage', het faciliteren van onafhankelijke media voor 'NOIR CINEMA' en het onderzoeken van utopieën of (afro)diasporische culturen via 'afropea'.

Puer Deorum is een interdisciplinaire kunstenaar die radicale verbeelding gebruikt als basis voor hun stukken, in de hoop context te geven aan datgene wat niet gecontextualiseerd kan worden. Het gebruik van abstracte methoden die niet-lineair en toch vertrouwd zijn, in de hoop dat degenen die zich engageren dit onbekende kunnen waarnemen. Ze putten vaak uit de volkscultuur, psycho/sociaal-politieke geografieën en de alledaagse effecten van het alledaagse.

Kunstenaar Lucie Camous benadert hun werk met een gevoeligheid die belichaamd wordt in intimiteit, normaliteit en grenzen, in overeenstemming met de delicate kwesties die hen omringen. Dit leidt tot werk dat het kruispunt is van artistieke, theoretische en activistische opvattingen, dat altijd culmineert in experimenten.

Hierna volgt Gribaudiplytas wiens gekozen mediums zeer fysiek zijn, waaronder lassen, beeldhouwen, naaien en installatie. Hun werk heeft een basis in het landschap en hoe zowel de stad als het platteland worden beïnvloed door de destructieve aard van menselijke hebzucht en hoe dat vervolgens elke dag gevolgen heeft voor levende wezens.

Ten slotte hebben we Dita Hashi die voornamelijk met woord en installatie werkt om artistieke expressie rond de cultuur tot stand te brengen, vaak ook geholpen door bewegend beeld. Ze heeft de opdracht gekregen om voor het evenement een tekst te schrijven “die reflecteert op de verstrengeling tussen gentrificatie, hedendaagse kunst, opsluiting, taal en bezetting”.

Woon het evenement bij op 26 mei om 1 uur en vind meer op de congregaties Instagram voor dit en andere aankomende projecten.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2405.24Magazine ARCCA creëert een ruimte om samenwerking door middel van creativiteit te bevorderen.

Terug naar Functies

ARCCA staat als een onafhankelijk tijdschrift dat opereert binnen de creatieve ruimte. Bovenal verdedigen ze het werk van gemeenschapsbouwers en faciliteren ze een plek waar belangrijke gesprekken kunnen worden gevoerd over muziek, media, kunst, liefdadigheid en alle andere creatieve facetten – de essentie van ARCCA ligt in het vermogen om mensen met elkaar te verbinden. Voor hun nieuwste nummer werkte ARCCA samen met UNCLE om hun boodschap naar de straten van Londen te brengen met posters met de omslagafbeelding van hun nieuwste nummer.

Het nummer is getiteld 'Build Together' en heeft tot doel verbindingen te smeden tussen individuen die elkaar normaal gesproken niet kruisen, transformatieve ervaringen te delen en daarbij de volgende generatie kunstenaars te laten floreren. Deze zin omvat zowel de mogelijkheid om een stem te hebben als aanwezig te zijn op het moment van creativiteit.

In een verhelderend gesprek met Fleur en Danny, de oprichters van ARCCA, onderzocht UNCLE de impact van hun werk op de moderne cultuur, waarbij ze het belang van authenticiteit in hun groei en aanhoudend succes benadrukte. Ze deelden hun visie op de toekomst van ARCCA en blikten terug op hun begin, waarbij ze ook benadrukten hoe de stad Londen de ontwikkeling van de publicatie heeft aangestuurd.

VERTEL ONS OVER HET AANKOMENDE PROBLEEM?

ARCCA: Samen bouwen viert creatieve gemeenschapsopbouw, over verschillende praktijken binnen gemeenschapswerk, muziek, film, jeugdwerk, liefdadigheidsinstellingen en kunst heen. De stemmen op de pagina's begeleiden elkaar om zichzelf beter te begrijpen; ontmoet mensen waar ze zijn; omarm het steeds veranderende landschap waar we allemaal onze weg in proberen te vinden. Dit nummer heeft tot doel de punten te verbinden tussen mensen die elkaar anders misschien niet kruisen, momenten te delen om na te denken over hun levensveranderende werk en daarbij een nieuwe golf van gemeenschapsbouwers te inspireren en te genereren.

Hoe ben je op de titel ‘SAMEN BOUWEN’ terechtgekomen?

We merkten dat bijna elk gesprek terugleidde naar deze call-to-action. Samen bouwen gaat over lesgeven, aanmoedigen, ondersteunen en het delen van vaardigheden. Het is door saamhorigheid dat we toegang kunnen krijgen tot een collectieve kracht om vanaf de grond op te bouwen.

HOE EN WAAROM BEN JE ARCCA BEGONNEN? HOOR GRAAG MEER OVER JE VERHAAL.

Fleur startte ARCCA tien jaar geleden op vijftienjarige leeftijd als een ruimte waar jongeren zich kunnen uiten. In essentie en zonder het noodzakelijkerwijs te beseffen, is ARCCA ontstaan als een jeugdproject; een creatief communityplatform van en jonge mensen. Danny kwam er twee jaar geleden bij en samen begonnen ze de noodzaak in te zien van het creëren van een creatief platform voor stemmen binnen gemeenschapsgerichte ruimtes. Door aan deze print te werken (ons grootste project tot nu toe) hebben we geleerd dat we de kracht van onze publicatie willen gebruiken om verbinding, viering en verandering in jeugd- en gemeenschapsomgevingen teweeg te brengen. Door ons creatieve netwerk te verbinden met lokale gemeenschappen en manieren te vinden om betekenisvolle referentiepunten voor mensen te creëren, is dit de volgende stap op onze reis.

BESCHRIJV ARCCA IN DRIE WOORDEN?

Gesprek, verbinding, reactie.

HOE SELECTEER JE DE AANBEVOLEN KUNSTENAARS IN ELK NUMMER?

De kunstenaars en beoefenaars die we in ARCCA presenteren, fungeren als een vat voor iets veel groters. Ze wijden hun praktijk aan faciliteren – ze openen de deur en creëren meer ruimte. Ze creëren projecten, ruimtes en kunstwerken die tot iets meer spreken, iets dat ons allemaal zal overleven, iets dat van generatie op generatie kan worden doorgegeven. Ware kunst is iets creëren dat door zoveel mogelijk mensen kan worden vastgehouden en dat door elke hand die het aanraakt een nieuwe betekenis kan krijgen.

WAAROM IS PRINTMEDIA BELANGRIJK VOOR ARCCA?

Afdrukken is fysiek. Ruimte is fysiek. Gesprek en verbinding zijn fysiek. We moeten ervoor zorgen dat het fysieke niet terzijde wordt geschoven en dat we tijd en energie investeren om het levend te houden. ARCCA: Samen bouwen is een fysiek archief dat de mondelinge geschiedenis van gemeenschapsopbouw onderzoekt. De kracht van print zorgt voor een gevoel van aanwezigheid en directheid. Het lezen van een tijdschrift of boek is een zeer persoonlijke maar toch zeer verbonden ervaring. Gedrukte media maken zorgvuldig beheer mogelijk, een voortdurende stroom van leerervaringen, pagina voor pagina, en maken het mogelijk grenzen te verleggen. We willen de manier waarop publicaties momenteel worden gebruikt in twijfel trekken en nieuwe manieren overwegen om stemmen zorgvuldiger en nauwkeuriger te documenteren.

HOE HEEFT LONDEN ARCCA GEVORMD?

De stromingen in Londen zijn sterk, ze kunnen op zoveel niveaus naast je en tegen je in stromen. De meeste stemmen uit Londen in de print reageren op de stad. Ze ondersteunen mensen die daar geen ruimte voor hebben; ze verheffen elkaar op autodidactische wijze in zelfgebouwde ruimtes; ze werken met de onzekerheid van de stad om gevoelens van vertrouwdheid en thuis te creëren. Londen is er in overvloed, we moeten er alleen voor zorgen dat we de juiste middelen in de goede richting sturen.

HOE HEEFT DE CULTUUR VAN DE STAD HET MEEST VERBAND MET HET MAGAZINE?

De Londense cultuur maakt het zo magisch. We hebben zoveel ongelooflijke perspectieven die naast elkaar leven en geweldige dingen doen. Als je je ogen open hebt, kun je op de meest actuele, geëngageerde en alledaagse manier omgaan met de cultuur van de stad. Het zijn de interacties die we hebben met vreemden bij de bushalte, muzikanten op de Overground, marktkramen vol ingewikkelde patronen, jonge mensen die in het park spelen, doe-het-zelf-raveflyers die op gebouwen zijn geplakt, mensen die buiten het café zitten te genieten van de zon. Het ligt allemaal vlak voor ons, en hoe meer we dat waarderen, hoe meer we ermee bezig zijn, hoe meer we verbinding kunnen maken.

WAT IS DE VOLGENDE VOOR ARCCA?

Onze volgende stap is het tot leven brengen van de pagina's.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2404.24Ik wed dat je dit niet wist over Men's Minds Matter, hoe een organisatie licht werpt op het verband tussen gokken en het zelfmoordcijfer onder mannen.

Terug naar Functies

De geest van mannen is belangrijk heeft 'We verliezen meer dan geld' gelanceerd, samenvallend met het Grand National weekend, om het duidelijke verband tussen gokken en zelfmoordcijfers onder mannen te benadrukken. De campagne liep in combinatie met een van de belangrijkste gokevenementen in Groot-Brittannië om de impact van het onderwerp te maximaliseren. UNCLE werkte zonder aarzeling samen met de liefdadigheidsinstelling om de boodschap te verspreiden door tijdens het evenement door heel Londen te vliegen.

Men's Minds Matter zelf is een organisatie voor zelfmoordpreventie en -interventie, die zich richt op het onevenredige aantal zelfmoorden onder mannen in Groot-Brittannië en de verstrekkende gevolgen van de geestelijke gezondheidsproblemen van mannen op de samenleving erkent. Hun innovatieve aanpakmodel is al geïntegreerd in delen van de NHS en heeft tot doel levens te redden.

Het team van Men's Minds Matter sprak met UNCLE om de diepere boodschap achter de poster te onthullen, die de vorm aanneemt van een advertentie met weddenschappen.

WAT IS DE BETEKENIS VAN HET STARTEN VAN DE CAMPAGNE TIJDENS DE GRAND NATIONAL, HET GROOTSTE WEDEVENEMENT VAN HET VK?

Er zal zaterdag voor honderden miljoenen ponden worden gegokt – en de meesten van ons zullen deze week honderden advertenties van gokbedrijven te zien krijgen. Er zal meer dan ooit op het spel worden gezet – en waarschijnlijk meer dan ooit verloren gaan. Dit is uiteraard een moeilijke tijd voor mensen die worstelen met een verslaving, maar ook een kans voor iedereen om te herwaarderen hoe wij tegen gokken aankijken.

De innovaties in de manier waarop bookmakers ons geld afpakken, zijn niet ingehaald in de manier waarop we probleemgokkers helpen. Wij vinden dat het tijd is dat daar verandering in komt.

WAAR KOMT DE SLOGAN “WIJ VERLIEZEN MEER DAN GELD” VANDAAN?

Bij gokken wordt vaak alleen aan het concept 'verliezen' gedacht in een financiële context. Maar dit is slechts een klein deel ervan. Als je met een gokprobleem leeft, verlies je veel meer. Vrije tijd, persoonlijke relaties, het plezier van het kijken naar je favoriete sport op tv. En uiteindelijk, helaas, in sommige gevallen je leven. Financiële problemen spelen een grote rol in de druk die gokken op het leven van mensen legt, maar er is een veel breder beeld waar vaak geen rekening mee wordt gehouden.

Hoe daagt de campagne de sociale perceptie van mannelijkheid en de relatie daarvan met gokken uit?

Het probleem met gokken neemt toe onder vrouwen, maar blijft nog steeds vooral een mannenprobleem. Er is een sterk verband met mannelijkheid als het gaat om het proberen zelfverzekerder over te komen. Mannen zijn over het algemeen impulsiever en in bepaalde omgevingen – zoals het kijken naar sport, in pubs of uiteraard in casino's – is er een aantrekkelijke status die gepaard gaat met de schijn van openheid voor risico's, en 'een van de jongens'.

Dit alles houdt verband met het idee van wat een man zou moeten zijn en hoe hij zich zou moeten gedragen. Elk dergelijk gedrag schaadt uiteindelijk mannen – en is een perspectief dat de moeite waard is om te veranderen.

WELKE LANGETERMIJNDOELEN HEEFT DE CAMPAGNE?

Er zijn veel geweldige campagnes en campagnevoerders geweest die erop gericht waren de samenleving de manier te laten veranderen waarop we allemaal naar de gokindustrie kijken – van Gokken met levens, aan Paul Merson. Natuurlijk zijn wij voorstander van meer regelgeving op het gebied van gokreclame, maar op sociaal vlak streven wij ernaar een meer ondersteunende omgeving te creëren voor alle probleemgokkers. Een die hen aanmoedigt om steun te zoeken, en anderen aanmoedigt om hen met meer sympathie te behandelen. Het kan een onzichtbaar probleem zijn. En zelfs als het zichtbaar is, kan het gemakkelijk worden weggewuifd door groepen vrienden, en wordt het vaak zelfs als een lachertje gezien.

ALS IEDEREEN ÉÉN DING VAN DE CAMPAGNE KAN NEMEN, WAT ZOU JE DAN HOOPEN?

Dat ondanks hoe de advertenties van gokbedrijven eruit zien, gokken niet zomaar een spel is. Natuurlijk zal voor de overgrote meerderheid van de mensen een opwelling hier en daar geen problemen veroorzaken. Maar het invasieve karakter van gokken – van voortdurende reclame tot het 'casino in je zak', oftewel je smartphone – betekent dat het een hellend vlak is. Als meer mensen dit weten, zullen meer mensen gepakt worden voordat het te laat is.

HOE KUNNEN MENSEN DEZE CAMPAGNE STEUNEN?

Deel het natuurlijk. Maar denk ook meer aan je vrienden. Zoveel vriendschapsgroepen hebben iemand die gokt, ook al heeft hij geen probleem. Velen van ons zullen zich schuldig maken aan het aanmoedigen van onze partners om te fladderen, of dat nu direct is of door verliezen licht te maken. We willen gewoon dat mensen nadenken over wat er onder de oppervlakte gebeurt.

WELKE WERKZAAMHEDEN DOET DE ORGANISATIE IN LONDEN?

Dr. Luke Sullivan ontwikkelde het model van psychologische beknelling met betrekking tot suïcidale crises terwijl hij meer dan tien jaar als klinisch psycholoog bij de NHS in Zuid-Londen werkte. We werken ook samen met de West End-podiumproductie Magic Mike Live!

WELKE ROL HEEFT DE STAD GESPEELD IN DE ONTWIKKELING VAN DE MENSENGEEST?

Het leven in de stad kan zijn eigen unieke uitdagingen met zich meebrengen voor de geestelijke gezondheid en het welzijn van mensen. Omdat we in Londen gevestigd zijn, zijn we dus perfect geplaatst om een breed scala aan mensen te helpen. Het biedt veel mogelijkheden voor groei en partnerschappen – van campagnes als deze tot ons werk met Magic Mike Live.

HOE KUNNEN MENSEN DE OORZAAK STEUNEN?

Wij zijn altijd op zoek naar meer vrijwilligers en fondsenwervers. Als u over vaardigheden beschikt die ons kunnen helpen, of als u geïnteresseerd bent in zelfmoordpreventie, neem dan contact met ons op.

OP WELKE WERKZAAMHEDEN IS DE ORGANISATIE HET MEEST TROTS?

Onze eerste grote marketingcampagne – 'Als je denkt dat er iets aan de hand is, breng het dan ter sprake'. We namen de echte laatste berichten die mannen stuurden voordat ze zelfmoord pleegden, en plaatsten ze op reclameborden in het hele land. Het was een voorrecht om de verhalen van drie nabestaanden te mogen vertellen – en we zijn zo dankbaar voor hun passie om te voorkomen dat nog meer gezinnen hetzelfde meemaken.

De campagne heeft prijzen gewonnen en is genomineerd, en heeft het traject van onze organisatie echt veranderd.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2404.24Artiest gglum verkeert in een indiedroom terwijl haar muziek een nieuw geluid opwekt in Londen.

Terug naar Functies

glunder is een artiest die de laatste jaren van haar carrière op de radar is geweest en zowel op de BBC-radio als op menig Spotify Editorial-afspeellijst staat. Ondanks dat ze zich nog in de beginfase van haar carrière bevindt, hanteert ze haar dromerige indiegeluid met finesse en verrukt ze de luisteraars met haar experimentele aanpak. gglum's nieuwe plaat 'The Garden Dream' is nu uit.

Haar muziek is een boeiende mix van zwevende doe-het-zelf-elementen, die samen een tapijt vormen dat diep resoneert met haar publiek. Het is het soort geluid dat als soundtrack dient voor menig moment in het leven, vaak dromerig zoals de titel doet vermoeden. De productie is vaak grillig, en toegegeven, dwaas of luchthartig, vertelde ze aan UNCLE, waarin ze haar creatieve proces beschreef als een reis waarin ze grenzen verlegde, met als doel schoonheid te vinden in het onconventionele en onvolmaakte.

In een recent gesprek met UNCLE bood gglum inzicht in haar aankomende album en hoe dit de essentie weerspiegelt van de stad die haar omringt. Met de steun van UNCLE sierden haar kunstwerken tegelijk met de release de straten van Londen. Door dromerige beelden en haar toewijding om de dingen op haar eigen manier te doen, blijft gglum indie-enthousiastelingen boeien met haar unieke stijl en authentieke benadering van het maken van muziek.

HOE IS DE NAAM VOOR JE LAATSTE RELEASE 'THE GARDEN DREAM' ONTSTAAN?

Oorspronkelijk wilde ik het 'Years of Slaughter' noemen, maar daar was niemand echt enthousiast over, dus besloot ik dat The Garden Dream zou werken. Het album was per ongeluk behoorlijk geïnspireerd door een reeks nare dromen die ik had, waarvan de belangrijkste een droom was die ik The Garden Dream noemde, waarin ik in een tuin werd begraven en gemarteld (behoorlijk opbeurend spul).

WAT KUNNEN WE VAN HET ALBUM VERWACHTEN?

Een stelletje janky-geluiden en mooie geluiden die samenkomen om iets in het midden te maken. Ik wilde iets maken dat ik nergens anders echt hoorde, en benadrukte hoe lelijk ik dingen kon maken terwijl het toch leuk klonk. Het is heel eerlijk denk ik.

HOE VERSCHILT HET VAN VORIGE RELEASES?

Tot nu toe denk ik dat ik nog steeds aan het uitzoeken was wat ik aan het doen was, maar ook de nummers gaandeweg uitbracht. Iedereen keek hoe ik in realtime uitvond hoe ik muziek wilde schrijven. Dit album voelt als een nauwkeurige weergave van wat ik graag schrijf, zonder te proberen me zozeer te conformeren aan wat ik denk dat mensen van mij willen.

Tot welke thema's voel jij je aangetrokken in je muziek?

Er is mij verteld dat ik de neiging heb om behoorlijk gewelddadige teksten te schrijven naast mooie liedjes, waardoor ik moest giechelen. Het was mij nog niet echt eerder opgevallen. Ik denk ook dat ik veel schrijf over mijn wanhopige pogingen om verbinding te maken met anderen – sommige succesvol en andere niet. Het is heel erg mijn dagboek en ik probeer mijn ware gevoelens te ontleden over dingen die je in je echte leven soms niet aan mensen kunt vertellen.

WELKE ROL HEEFT MUZIEK IN JE LEVEN GESPEELD?

Muziek is de kern van mijn hele leven geweest. Al het andere komt daaruit voort. Al mijn vriendschappen, mijn hobby's, mijn werk, mijn herinneringen. Het is eigenlijk best magisch. Er is zoveel in mijn leven om dankbaar voor te zijn en het is waarschijnlijk het centrum van al mijn geluk en lijden haha.

Hoe beslis je over kunstwerken/creatieven voor singles/albums?

Veel ervan zijn gewoon dingen die op hun plaats vallen. Als het goed voelt, dan voelt het goed. Ik denk dat als je over die dingen nadenkt, je er soms toe kan leiden dat je afdwaalt van wat de muziek moet uitbeelden, hoewel ik me soms afvraag of dat de juiste aanpak is. Ik denk dat ik nog niet echt heb vastgelegd wat ik wil dat mijn beelden zijn. Dat is spannend, want het betekent dat er een hele wereld aan dingen te ontdekken valt!

WELKE HEEFT DE KOMING UIT LONDEN IMPACT OP JE MUZIEK?

Ik denk dat je, als je in Londen opgroeit, niet echt beseft hoe anders het is dan de rest van Groot-Brittannië, totdat je nieuwe mensen van buiten Londen ontmoet. Alles is binnen handbereik, er is altijd wel een kans op de weg, je hoeft er alleen maar naar te zoeken. Het kan zo simpel zijn als het maken van een vriend op school die ook graag muziek speelt, om je open te stellen voor een heel netwerk van ongelooflijke mensen en plaatsen.

INSPIREERT DE STAD U OF BEÏNVLOEDT UW WERK?

Ik denk dat ik de neiging heb om veel te schrijven over vormende ervaringen als tienerschurk die door de stad rent. Ik weet dat veel mensen het daar niet mee eens zijn, maar ik woon graag in Londen. Ook al heb ik hier altijd gewoond, het voelt nog steeds spannend, er is altijd wel iets nieuws te doen bij je voor de deur. Hoe meer herinneringen je creëert, hoe meer er valt te schrijven denk ik.

WAT IS JE FAVORIETE MUZIEKHOTSPOT IN LONDEN?

Vroeger was ik dol op Ormside, maar ik ga niet meer zo uit, haha. Weet je wat, ik zou moeten zeggen: Railway Tavern in Tulse Hill. Mijn favoriete soort optredens om naar toe te gaan, zijn de optredens die mijn vrienden spelen en ik heb zoveel goede herinneringen aan het kijken naar optredens daar door de jaren heen. Ik kom daar altijd iemand tegen die ik ken, dus het voelt als een schattig klein knooppunt.

WAT IS ER VOOR U?

Ik ga dit jaar veel optreden, waar ik super enthousiast over ben. Ik heb er veel aan gewerkt om de liveset spannender te maken voor mij en hopelijk ook voor het publiek. Het zal heel leuk zijn om eindelijk mijn nieuwe muziek te spelen, want ik heb er zo lang op gewacht.

Hoe wil je muzikaal herinnerd worden?

Het idee om waargenomen te worden vind ik behoorlijk bizar, wat ironisch is gezien de aard van muziek maken. Ik vind het niet erg als ik helemaal niet herinnerd word, ik wil gewoon muziek maken en plezier hebben.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2407.24Alleen in New York: de muziek en vriendschap van H31R zijn het resultaat van de creatieve cultuur van de stad.

Terug naar Functies

JWords en maassai. Een innovatieve muziekproducent en een poëtische, rappende verteller die elkaar ontmoetten tijdens een rustig optreden in New York, belichamen het goede aan de underground muziekcultuur van de stad.

Hun zelfbenoemde ‘rare en groovy’ kijk op hiphop, gezamenlijk bekend als H31R (uitgesproken als erfgenaam/lucht), omarmt de tradities van het zelf en het sociale bewustzijn die te vinden zijn in de aangekondigde East Coast-rap uit het midden van de jaren negentig, vermengd met een ethos: sonisch en holistisch – om nooit achteruit te gaan.

H31R – 'Achteruit' (officiële video)

Maassai is geboren en getogen in Brooklyn en is er trots op dat hij uit de stad komt waar rap vandaan komt. Direct beïnvloed door de hiphopcultuur groeide de artiest op met vocalisten en kreeg ze haar eerste ervaring met het deelnemen aan muziek via de kerk. Maar tegen de tijd van Maassai's EP C0n$truct!0n, uitgebracht in 2019, was het duidelijk dat ze invloeden van heinde en verre op zich nam. Met productie van de invloedrijke keiyaA op dat debuutproject, een compositie uit South Carolina's Contour op 2021's Met de verschuivingen – en het vermogen om zang vrijelijk te verweven met raps of subgenres met scènes – maassai's muziek galvaniseert verschillende delen van 'wat is wat' in de undergroundmuziek, terwijl het avant-garde blijft.

Grace Jones | massaai

Dat maakt JWords de ideale partner. JWords groeide op in New Jersey en maakte deel uit van een band in de relatief kleine muziekscene van Union City voordat ze haar groeiende productiecredits volgde over de George Washington Bridge naar New York. Het zou een uitdaging moeten zijn om het lawaai te doorbreken in een stad waar beatmakers tien cent verdienen en iedereen en hun huisgenoot een SP-404 heeft, maar JWords doet dat met versnelde, clubklare drums en het omarmen van synthesizers. en drummachines waar maar weinigen mee experimenteren. Een maandelijkse residentie op het cruciale creatieve contactpunt van New York, The Lot Radio, is voor JWords een ruimte geworden om in realtime met muziek te experimenteren, waarbij vrienden in de ether worden uitgenodigd voor uitzendingen die de nieuwe golf van expressieve undergroundmuziek van New York verdedigen.

JWords en Keenyn Omari @TheLotRadio 02-19-2024

De vriendschap van het duo reikt verder dan de studio en het podium en vormt de hoeksteen van hun nieuwste gezamenlijke album Hoofdruimte. De plaat raakt aan zelfacceptatie en authenticiteit, thema's die op organische wijze ontrafelen dankzij het comfort van het creëren onder degenen die voor elkaar zorgen.

Uitgebracht eind 2023 door het in Londen gevestigde Big Dada Recordings, een onafhankelijk level gerund door mensen van kleur voor gekleurde artiesten. Hoofdruimte heeft verder een publiek voor H31R opgebouwd buiten Brooklyn, waar de beatmaker en tekstschrijver elkaar oorspronkelijk ontmoetten. Ze gaan binnenkort voor het eerst door Europa toeren zonder de achterkant van de plaat, terwijl een samenwerking met UNCLE ervoor zal zorgen dat hun album op passende wijze in heel New York wordt gepleisterd - de stad waar hun plaat samenkwam en een stad waar levensveranderende vriendschappen kunnen ontstaan. worden gemaakt bij het volgende optreden dat u bijwoont.

HeadSpace – Album van H31R | Spotify / https://h31r.bandcamp.com/album/headspace

VERTEL ONS OVER DE TIJD DIE JULLIE VOOR HET EERST ONTMOETEN…

JWoorden: We kennen elkaar sinds het begin van de herfst van 2017. We traden allebei op tijdens een showcase-evenement. Ik speelde een beatsset en Maassai deed een liveset met een saxofonist en een drummer. Ze zong en deed poëzie. Pas daarna wist ik niet eens dat Maassai een rapper was. Ik dacht dat ze een zangeres was, omdat haar stem zo geweldig was. Toen hoorde ik haar rappen en ze waren nog verbazingwekkender.

massaai: Nou, dat komt omdat... JWords mijn hele set niet heeft gezien.

JWoorden: Ik was eigenlijk boven aan het roken. Maar toen ik naar beneden kwam, waren het gewoon geweldige geluiden.

EN Jullie twee zijn nu heel veel vrienden geworden buiten de muziek. WELK EFFECT HEEFT DAT OP DE MUZIEK DIE JE MAAKT? KUN JE ALS RAPPER WAT KWETSBAARDER ZIJN OVER EEN PRODUCENT WAAR JE DICHT BIJ BENT, OF NEEM JE ALS PRODUCER MEER KANSEN?

massaai: Over het algemeen houd ik er niet van om muziek te maken met mensen die ik niet mag. Samen in een groep zijn, is een soort relatie. We moeten met elkaar overweg kunnen, om elkaar geven en elkaar respecteren om het te laten werken. En maak ook de belofte om samen te werken.

JWoorden: Het duurde waarschijnlijk vier jaar voordat we samen muziek begonnen te maken. We maakten samen nummers die in elkaars soloprojecten werden gebruikt, maar zelfs toen wisten we dat het zoiets was van 'We moeten een album maken, we moeten een groep maken.'

massaai: We hebben onze vriendschap eerst verder gecultiveerd voordat we in de problemen raakten door samen in een groep te zitten.

HOE IS JE CREATIEVE PROCES ALS GROEP?

JWoorden: Ik maak veel muziek in mijn eentje, maar er zijn specifieke beats die ik ga maken met Maassai in gedachten. Ik weet welke stijl ze wil en wat ze leuk vindt. Dingen die een beetje onorthodox zijn. Laten we zeggen dat ik een heel goede beat maak, de eerste persoon naar wie ik het vaak wil sturen is Maassai, en meestal voelt zij het.

Een perfect voorbeeld hiervan was de Achteruit verslaan. We hadden een aankomende studiosessie geboekt en dus liet ik haar de beat zien, en ze had dat nummer er binnen een kwartier op geschreven.

massaai: Ze zal mij ook pakjes (met beats) sturen. Ik ga ze doornemen en kijken wat mij aanspreekt.

EN WELKE BEATS SPREKEN JE AAN?

massaai: Ik hou van de gruizige, rare beats en de echt groovy beats. Dus ergens tussen de twee waar ze een soort Hip Hop of housey groove in zich hebben, gemixt met heel veel spul. Alle beats van J zijn raar.

JWoorden: Ik denk dat degenen met een baslijn en een paar dreunende trappen degenen zijn waar Maassai naar toe neigt. Hoewel ik denk dat ze op bijna al mijn beats zou kunnen rappen, zelfs de hele snelle.

bovenruimte IS NIET DE EERSTE RELEASE VAN H31R VE·LOC·I·TY IN 2020. HOE VERSCHILT HET NIEUWE ALBUM VAN HET VORIGE?

JWoorden: ve·loc·i·ty was een geval waarin we gewoon alle nummers verzamelden die we samen hebben, terwijl deze iets meer georganiseerd en doordacht aanvoelt met een thema in gedachten. Wederzijdse ervaringen. Omdat we vrienden zijn en veel met elkaar omgaan, maken we veel soortgelijke ervaringen mee. Deze was meer gebonden aan groei

massaai: En ik denk dat deze sonisch gezien meer samenhang heeft. Het klinkt allemaal alsof het past, terwijl het album overal was – wat ook cool was. We waren ook jonger op het laatste album, dus er is meer angst en woede. ik denk Hoofdruimte is volwassener en volwassener. We hebben meer vrede met de wereld om ons heen.

Ook al zijn delen daarvan klote, het gaat erom dat je dat begrijpt en accepteert, en zegt: 'we zijn er.'

EEN ANDER VERSCHIL IS DAT bovenruimte WERD UITGEBRACHT MET EEN PLATENLABEL, ZOALS VOLLEDIG ONAFHANKELIJK. HOE VIND JE DIE ERVARING?

massaai: Het was geweldig om dat ondersteuningssysteem te hebben. Wij hebben vrijgelaten ve·loc·i·ty op Bandcamp, heel snel uit het niets, vonden veel mensen het gelukkig leuk. Door met Big Dada aan dit album te werken, is het, zoals J zei, doordachter, en hebben we feedback op dingen kunnen krijgen.

En we hadden nog steeds volledige creatieve controle. Alle concepten en creatieve richtingen zijn wij allemaal, maar het label is er als ondersteuningssysteem om ons te ondersteunen bij het doen wat we willen doen. Als artiesten die dat in het verleden niet hebben gehad, is het geweldig om deze ervaring te kunnen hebben.

JWoorden: Door het label te laten pushen, hebben we meer internationale pers gekregen, hebben we nieuwe oren gekregen en nieuwe fans gekregen... het team was geweldig om mee te werken - en het zijn ook voornamelijk vrouwen die ons hebben geholpen, wat is belangrijk voor ons.

Wat was het met Big Dada dat hen tot een aantrekkelijke optie maakte om mee te werken? WAS U VOORAF OP DE HOOGTE VAN HUN GESCHIEDENIS EN HUN IDENTITEIT?

JWoorden: Belangrijk was dat ze ons benaderden en niet andersom. En dan kijk je door hun geschiedenis en de iconische artiesten die met hen uitbrengen – MF DOOM bijvoorbeeld. Dat soort benadering van hiphop past goed bij ons geluid.

massaai: Het leek alsof ze de zaken vanuit een heel ethisch standpunt benaderden. Ze worden gerund door People of Color (POC) voor POC-artiesten. Het leek alsof het ze iets kon schelen. Als we deel zouden uitmaken van een label, voelde het goed dat we deel zouden uitmaken van zo'n label.

JWoorden: Ze geven om ons, als mensen.

maasaai: En zij staan voor iets waar wij ook voor staan. Dat is cool.

BIG DADA HEEFT DE PLAAT OOK OP VINYL UITGEBRACHT. IS DAT EEN BELANGRIJK oriëntatiepunt voor jullie allebei?

JWoorden: Het is belangrijk. Ik heb het gevoel dat ons werk goed bestaat in fysieke formaten. Het laatste project dat we samen hebben uitgebracht, was uitverkocht op cassette, dus het is groots om mensen dit op vinyl te laten steunen. Vooral omdat het zo duur is, dus dat is een andere manier waarop het label heeft geholpen. Het is een droom die uitkomt.

massaai: Dit is mijn eerste keer op vinyl, ooit. Ik vind de cover ook iconisch. Onze vriend Yatta, een fotograaf, heeft deze foto's van ons gemaakt. Het is de voor- en achterkant van de platenhoes is één foto. Ik ben erg blij met hoe dat eruit kwam.

OVER DAT 'FYSIEKE' THEMA GAAT ER EEN FLYPOSTING-CAMPAGNE VAN OOM, DIE DIT PROJECT OVERAL IN NEW YORK PLAATST. Hoe zat het met die prospect die je aansprak?

massaai: In de eerste plaats is het ziek. Dat wil iedereen!

JWoorden: Het voelt alsof deze sociale-mediasites doodgaan. Ik denk dat het zo ziek is om promo in het echt te zien. Het hebben van die in-real-life verbinding zal zo geweldig voelen. Soms voelt het als zoveel werk om op Instagram te posten. Het voelt dus goed om op deze manier promotiewerk te doen.

massaai: Door de manier waarop het algoritme ook online werkt, wordt onze muziek aan een specifieke doelgroep getoond. Dus willekeurige mensen die gewoon over straat lopen en kunnen zien waar onze muziek voor staat, om onze ideeën aan een geheel nieuwe demografische groep mensen bloot te kunnen stellen, dat is spannend.

ER IS NU EEN SPANNENDE CLUSTER VAN MENSEN DIE ALTERNATIEVE HIP HOP MAKEN IN NEW YORK. MENSEN ZOALS AKAI SOLO, NAPPY NINA, STAS THEE BOSS, MIKE EN ARMAND HAMMER. MET VEEL VAN DEZE HEBT U SAMENGEWERKT OF IN DEZELFDE LINE-UP OPGESTAAN ALS, DUS WAT IS HET GEMEENSCHAPPELIJKE ETHO DAT U DEELT?

massaai: Iedereen die je zojuist hebt genoemd, het is een eer om samen met hen op een lijst te staan. Het zijn allemaal kunstenaars die hun eigen ding doen, grenzen overschrijden en de status quo niet volgen.

JWoorden: Ja, ze zijn allemaal super onorthodox en creëren hun eigen weg. Het is super gaaf om met elkaar geassocieerd te worden, want we maken niet echt vergelijkbare muziek, maar we kunnen nog steeds een gemeenschap zijn. Er is geen concurrentie, niemand trapt elkaar op de tenen. We kunnen met elkaar samenleven en van elkaar houden. Het voelt alsof we over twintig jaar terug kunnen kijken en zeggen:; 'Wauw, we zijn iconisch…. Legendarisch.' (lacht)

WAT IS HET BESTE AAN NYC ALS KUNSTENAAR ZIJN?

JWoorden: De toegang tot zoveel dingen, zoals de willekeurige kansen en willekeurige optredens die zo nuttig zijn als het om inkomsten gaat. En dat ik met zoveel geweldige mensen om kan gaan.

massaai: Ik ga niet eigenwijs zijn, maar New York wel een van de beste steden ter wereld. Als ik me wat eigenwijser zou voelen, zou ik zeggen dat het de beste stad ter wereld is. Er verandert ook veel, dus er zijn voor- en nadelen. Het is erg luidruchtig. Je bent constant actief, maar je zult je nooit vervelen.

EN WAT IS HET SLECHTSTE DEEL VAN NEW YORK CITY?

JWoorden: Gentrificatie. Alle appartementen zijn momenteel super duur. Het voelt alsof ze ons daar weg proberen te schoppen. Ik vind het echter zo leuk, ik wil al mijn kleine munten daar uitgeven en dat is rot.

massaai: Ja, er verandert ook veel. Het is super duur.

MAASSAI, OP SCHADUW ZELF (TRACK 7), JE ZEGGT DAT 'WIJ VOELEN NIET GEZIEN WORDEN.' Waar ging die songtekst over?

massaai: Dat was een spel met gemeenschap. Het is een toneelstuk over deze act dat soms wordt opgevoerd. Soms gaat zichtbaarheid gepaard met spektakel, een soort optreden. En dat je, als je presteert in plaats van authentiek te zijn, jezelf niet de ruimte geeft om daadwerkelijk gezien te worden.

Maar het is soms moeilijk om niet te presteren. Kwetsbaar zijn is moeilijk, dus de tekst is er niet om degenen te veroordelen die zich aan het spektakel conformeren, het is slechts een bewijs van hoe ik in mijn leven wil zijn – en hoe Jen in het hare wil zijn – gebaseerd op de gesprekken die we hebben had.

Als er één les was waarvan je hoopt dat luisteraars ze uit het album halen, wat zou dat dan zijn?

JWoorden: De mijne zou gaan over authenticiteit en trouw blijven aan jezelf. In dit leven gaan we veel groei-ervaringen meemaken en dat is oké. Je hoeft jezelf niet schuldig te voelen. Er zijn mensen die van je houden en het is belangrijk om je tot die mensen te aangetrokken voelen.

massaai: Zelfacceptatie. In je eigen sfeer zijn en daar onbeschaamd oké mee zijn.

Waar stel je je voor dat mensen naar het album luisteren?

JWoorden: Een lange rit. Tijd om in je gedachten, je gevoelens te komen. Of bij de club. Word echt emotioneel in de club en begin te huilen met je soulmate. Of word emotioneel en ontmoet jezelf in de club... hoe zit het met jou maassai?

massaai: Ik denk dat Hoofdruimte werkt op een huisfeest. Niet te veel mensen, meer een G2G (samenkomen). Met mensen die je echt leuk vindt. Jullie worden allemaal aangestoken, maar jullie voeren gesprekken. Dat is perfect.

EN TOT SLOT: WAT IS HET VOLGENDE VOOR JULLIE BEIDE?

massaai: We gaan voor de eerste keer op tournee door Europa, wat zo spannend is. De laatste keer dat ik controleerde, was onze grootste locatie voor luisteraars in Londen, dus het zal geweldig zijn om de muziek daarheen te brengen. En wij zullen komen opdagen voor deze optredens.

JWoorden: Het vinyl persoonlijk aan mensen verkopen, en een aantal fans ontmoeten, is iets waar ik dankbaar voor ben dat ik de kans krijg om te doen.

massaai: En wij zullen komen opdagen voor deze optredens. Dit album is erg leuk om uit te voeren – er zijn veel verschillende energieën. Op sommige punten wordt het introspectief en op andere is het echt dansachtig.

JWoorden: De beats klinken live geweldig. En Maassai zal haar in elkaar slaan.

Fotografie - Gabriëlle Beaumont

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2403.24Dazed Club pleit voor kansen voor jonge creatievelingen over de hele wereld met een levendige gemeenschap.

Terug naar Functies

Dazed Club is het dynamische verlengstuk van Verdwaasde media, dat een wereld biedt die verder reikt dan de traditionele media. Het communitybuilding-initiatief fungeert als een knooppunt waar creatievelingen hun talenten kunnen koesteren, hun netwerken kunnen verbreden en toegang kunnen krijgen tot exclusieve evenementen en mogelijkheden die zijn samengesteld door het Dazed-team. De aantrekkingskracht van de club is haar vermogen om echte verbindingen te bevorderen en betrokkenheid op een dieper niveau mogelijk te maken, terwijl ze tegelijkertijd het Dazed-ethos van het versterken van opkomende stemmen hooghoudt.

UNCLE werkte samen met Dazed Club om hun posters naar de straten van Londen te brengen. Het ontwerp bevatte de verleidelijke slogan 'Be Scene'. De zinsnede is een soort dubbele betekenis die niet alleen de mogelijkheid weerspiegelt om een stem te hebben in de gemeenschap, maar ook de essentie van het in het moment zijn, waar artistieke evolutie gedijt. Via een samengestelde reeks evenementen, lezingen en workshops, vaak geleid door insiders uit de industrie die doorgaans achter de schermen opereren, stelt de club leden in staat nieuwe wegen te verkennen en hun unieke niches te ontdekken.

In een gesprek met Jack Sunnucks, de creatief directeur van Dazed Club, hebben we ons verdiept in de manier waarop de club bijdraagt aan het weefsel van de moderne cultuur, waarbij we de cruciale rol van authenticiteit in de groei en het voortdurende succes ervan benadrukken. Sunnucks deelt zijn visie op de toekomst van het merk en biedt inzicht in wat gebruikers kunnen verwachten van de toekomstige gemeenschap.

HOE HEB JE HET VERSCHIL GEVONDEN TUSSEN WERKEN VOOR ID MAGAZINE EN WERKEN BIJ DAZED CLUB?

ID was eigendom van Vice, het was een veel grotere, meer zakelijke omgeving. Dazed is na 30 jaar nog steeds een zelfstandig bedrijf en dat vind ik heel inspirerend. Ik heb echt het gevoel dat alles mogelijk is, ze geloven in ons als team. Toen Dazed naar me toe kwam om met me over club te praten, denk ik dat het nog steeds iets was dat ik kon helpen definiëren en opbouwen, en dat is wat ik wilde doen. Het is geen website, het zijn niet puur evenementen. Ik denk dat ik interesse had in gemeenschapsopbouw en wat dat zelfs betekende. We kunnen doen wat we willen, je hoeft het alleen maar te laten gebeuren. Het was leuk.

WAAROM VOELDE JE je aangetrokken tot dit segment van versufte media?

Ik was erg geïnteresseerd om iets anders te doen dan het bewerken van een website, dat heb ik in mijn laatste baan vier jaar gedaan. Ik heb altijd in gedrukte en digitale media gewerkt, en ik ben erg geïnteresseerd in de toekomst van publiceren. In het begin minder gedrukt omdat er zoveel gebeurde in de digitale ruimte. Ik denk dat ik ons publiek ook erg leuk vind, het is heel gemakkelijk om dingen te verdwalen in de ether elders, maar bij Club krijg ik een relatie met de leden. Ik denk dat het echte mensen zijn.

WAT IS HET PUBLIEK VAN DE CLUB?

Het is momenteel voor 70% VK, dus ik zou zeggen dat we nu behoorlijk VK-gericht zijn. Wat anders is bij het doen van een community, is dat mensen heel andere verwachtingen hebben als ze ergens voor betalen. Wij zijn niet zomaar een nieuwsbrief. We hebben 2500 mensen, en zij willen en krijgen veel meer dan de miljoen mensen op Instagram. We groeien langzaam omdat de hoeveelheid liefde en zorg die mensen nodig hebben heel anders is. En ik denk dat dat heel goed voor ons is geweest, we blijven leren.

HOE VERHOUDT DE CLUB ZICH TOT ELK MAGAZINENUMMER EN IS DEZE LINK EEN INTEGRAAL DEEL IN UW CURATIEPROCES?

Wat echt interessant en gek is, is dat mijn team uit slechts drie mensen bestaat en voortdurend met Club werkt, en dat we met elke afdeling van Dazed aan de slag gaan. Dit is een klein bedrijf, maar voor een onafhankelijk bedrijf vind ik het best een groot bedrijf. We hebben dus de print- en digitale redactieteams en we werken met de print aan grotere projecten zoals billboards, of we halen ideeën uit de club en geven ze door. We houden eigenlijk erg van hun oog op het werk van mensen.

Het andere team waar we veel mee samenwerken is ons evenemententeam, dat sinds de oprichting echt een belangrijk onderdeel van Dazed is geweest. Ik denk dat we, in tegenstelling tot sommige andere uitgevers, altijd veel feesten hebben georganiseerd. Nu houden we veel meer lezingen, panels of workshops, dus dat team is echt onze bondgenoot. Als we een panelgesprek of een mixer gaan houden, beginnen we met elkaar te praten over wie van de teams goed zou zijn om mee te doen, wie misschien een goed idee heeft. We weten welke redacteuren of art directors ideeën hebben over muziek, fotografen of mode-ideeën. Dazed is geen erg hiërarchische plek, dus je hebt de neiging om de mening van veel mensen te horen, en die van jonge mensen, wat aan de ene kant betekent dat dingen wat langer kunnen duren, maar aan de andere kant denk ik dat het is behoorlijk democratisch. Ik heb nog nooit ergens zo gewerkt.

DE LAATSTE PAAR JAAR HEBBEN WE EEN verschuiving TERUG NAAR HET MEER ANALOGE OF TASTBARE VASTGESTELD. DENK JE DAZED CLUB BIJNA EEN ANTWOORD OP DE VERSCHUIVING WEG VAN DIGITALE MEDIA?

Ik denk dat het een soort verlengstuk van het tijdschrift is, een levend tijdschrift. Het gaat verder dan commentaar geven op iets op Instagram. Het is ervaringsgericht en evenementen zijn voor ons een geweldige manier geweest om op een leuke nieuwe manier met ons publiek in contact te komen. Maar er is duidelijk veel in de wereld over de toekomst van puur digitaal, ik denk dat die altijd de print hebben uitgebreid, het heeft die pagina uitgebreid naar het echte leven. Mensen die altijd bij tijdschriften hebben gewerkt, willen graag met de club samenwerken, omdat het voor hen een manier is om hun werk tot leven te brengen, onderzoek te doen of een profiel op te bouwen.

HOE IS DAZED CLUB VERANDERD SINDS HET BEGON?

Toen we voor het eerst begonnen met onze lezingen – zowel die van onszelf als die met partners – denk ik dat mensen nogal verlegen waren om met ons publiek te komen praten, ze maakten zich zorgen over de vragen of gewoon om voor mensen te staan. Mensen werken niet voor niets achter de schermen. Hoe meer we hebben gedaan, hoe meer ik denk dat ze het gevoel krijgen dat we voor ze gaan zorgen, en dat ons publiek echt interessante mensen zijn en enthousiast zijn om ze te ontmoeten. Ik heb de stemmen van mensen zien groeien en hun ideeën voor de club zien groeien. Het was dus heel fijn om het gevoel te hebben dat we beide kanten op profiteren.

WAT WAS DE INSPIRATIE VOOR DE POSTER EN DE 'BE SCENE' SLOGAN?

Dus we werken met onze geweldige studio. Ze hebben allemaal hele drukke, opwindende banen, zij zijn degenen die de wereld rondvliegen voor shoots en zij zijn degenen die praten met Italië, Parijs, New York en Korea. Een groot deel van hun werk bestaat uit inzichten en strategie en het onderzoeken van ons publiek, en toen we het over een campagne hadden, probeerde een groot deel ervan deze zoveel mogelijk terug te brengen naar de roots van Dazed. Dus feestcultuur, raves, collectieven, dus een scène op die manier. Maar ook het feit dat al onze redacteuren of de stylisten of creatieven zijn ontstaan als onderdeel van 'een ding'. Ze hebben creatieve vrienden en werkrelaties gehad en een groep mensen om hen heen. Ik denk dat er veel druk is om te denken dat je alleen maar supergeniaal moet zijn, terwijl mensen in onze branche doorgaans iets met een groep mensen doen. Dat is wat we met de club ook proberen te faciliteren: niet alleen leren, maar ook het ontmoeten van andere leuke en interessante mensen.

BESCHRIJV DE DAZED CLUB IN DRIE WOORDEN?

Ik vind het nogal archaïsch. Onze evenementen die we organiseren, we vormen het raamwerk, maar het zijn echt de mensen die het vullen. Ik moet er altijd om lachen als er 100 mensen op straat stonden na afloop met elkaar te kletsen. Ik denk dat het betekent dat er iets goeds gebeurt als mensen het naar hun zin hebben en buiten zichzelf treden.

Dan denk ik BTS (achter de schermen). Als we naar mensen in de creatieve industrie kijken, zie je de top van de piramide en de meeste werkende mensen kennen de volledige omvang niet. Van de meeste mensen hoor je nooit wat ze doen, of zie je nooit wat ze doen. Die mensen hun moment gunnen, daar geniet ik enorm van. Ik hou ervan om elk soort carrièredagboek te lezen en te horen van iemand wiens baan ik niet eens echt bestond. Ik denk dat toen ik begon te werken, ik geen idee had, en nu heb ik nog steeds niet echt een idee wat de toekomst biedt, totdat ik iets lees en dan denk ik dat ik het zou kunnen zijn.

Ik denk doe-het-zelf. We lanceren evenementen met onze curatoren, mensen die veel in de app posten en deze faciliteren en meer een rol geven. Ze posten hun eigen evenementen en doen ook zelf dingen, bijvoorbeeld dat we een ontbijt gaan maken, zodat mensen kunnen mixen zonder dat ze erbij hoeven te zijn. We willen eigenlijk dat het zelfvoorzienend is.

HOE HEEFT DE CULTUUR IN LONDEN EN ANDERE STEDEN DAZED CLUB GEVORMD?

Ik denk dat het verband houdt met Londen, want we zijn hier, is het korte antwoord. Omdat we deze ruimte op 180 the Strand hebben, weten we dat het werkt. We hebben ook erg genoten van de samenwerking met Manchester International Festival, we zijn naar Manchester geweest voor een tournee, en naar Brighton. We bekijken hoe we een rondreis door een groter deel van het land kunnen maken. Ik denk dat wat ons losmaakt van Londen de app is, omdat je overal kunt zijn. Al onze teams reizen zoveel mogelijk met de trein. Londen is echt een geweldige creatieve basis, maar de meeste van onze partners zijn er niet. Het grootste deel van ons publiek verspreidt zich over de hele wereld, ons digitale en onafhankelijke publiek is echt wereldwijd. Dus dat is onze volgende uitdaging: welke activaties kunnen we doen om wereldwijd uit te breiden?

WAT IS DE VOLGENDE VOOR DAZED CLUB?

Een droom is om inhoudelijk nog meer met het printteam samen te werken. Ze vinden het heel spannend om naar het werk van mensen te kijken, en we willen dat ze meer werk van de community bewerken en dat in een aantal coole projecten stoppen. Ik zou ook dingen willen doen als video, bewegend beeld en live-uitzending om de energie vast te leggen die we hebben als we een evenement organiseren. Naast dat we meer mogelijkheden hebben voor mensen om voor DAZED te schrijven, hun afbeeldingen te delen en met onze studio te werken. Wij zijn altijd op zoek naar de volgende generatie talent, dat is de missie van Dazed.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2403.24Verdriet en veerkracht zoals ontworpen door kunstenaar Annie Frost Nicholson voor de show “All of Your Textures Live Inside of Me”.

Terug naar Functies

Annie Frost Nicholson (een kunstenaar die voorheen bekend stond als The Fandagoe Kid) heeft verwachtingen gewekt voor haar boeiende tentoonstelling 'All of Your Textures Live Inside of Me'. De show zelf is een verkenning van verdriet en hoe deze thematische onderbouwingen kunnen worden gebruikt als een kracht ten goede. De oorsprong van de show is Nicholsons eigen ervaring met verlies, iets wat ze nu heeft veranderd in een "felgekleurd toevluchtsoord waar je rustig kunt nadenken over wat is geweest en wat is".

Haar werk zelf wordt gekenmerkt door een samensmelting van beelden en proza, gedurfde patronen en geometrische vormen, vaak getekend en geïnspireerd door de cultuur van het stedelijke landschap. Haar kunstwerken combineren verschillende communicatiemedia, waardoor mensen deze op meerdere niveaus kunnen interpreteren. Deze flexibiliteit onderscheidt haar werk niet alleen, maar zorgt er ook voor dat het de loutere interpretatie overstijgt, een aantrekkingskracht heeft die uitnodigt tot diepere analyse, terwijl het ook standvastig blijft in zijn persoonlijke drijfveer.

UNCLE werkte samen met Nicholson om de straten van Liverpool in de gaten te houden met een flyposting-campagne die we combineerden met een interview en studioshoot om het verhaal volledig te begrijpen. We doken in haar creatieve psyche en hoe ze lagen van persoonlijke geschiedenis gebruikt om haar werk te voeden.

HOE IS DE NAAM 'AL JE TEXTUREN LEVEN IN MIJ' ONTSTAAN?

Het is echt een ode aan zowel het leven zelf als aan de familie die ik heb verloren, wiens verhalen en bijzonderheden van ons samenleven ik overal met me meedraag. Deze sterke innerlijke wereld heeft mijn lichaam min of meer voorbereid op de harde klappen van het overleven, na het verlies van hen allemaal toen ik jonger was. Het op deze manier vasthouden heeft ook invloed gehad op hoe ik de wereld bekijk, mijn fascinatie voor kleine details, gevonden voorwerpen, polaroids en ephemera, en hoe we het verleden naar het heden brengen in landschappen, architectuur, rituelen, eten en navigeren door de ruimte.

WAT IS JE ASPIRATIE VOOR DE SHOW?

Ik zou mensen graag meenemen naar hun eigen innerlijke wereld, een veilige wereld, waar ze gewoon kunnen bestaan zoals ze zijn. Een felgekleurd toevluchtsoord waar je rustig kunt nadenken over wat is geweest en wat is, en ze dichter bij elkaar kan brengen. Ik vond het geweldig om dit werk te maken, het was een kans om mezelf volledig onder te dompelen in de veiligheid van mijn praktijk, het is lange tijd mijn manier van overleven en vrede geweest, maar zeldzaam dat ik de kans heb gehad om op zo’n toegewijde manier te werken aan een soloshow. De ervaring was zo diepgaand, een echte kans om alleen te zijn met enkele familiekarakters die ik zo erg mis, om met hen te communiceren, maar ook om ze mee te nemen in mijn huidige leven, dat een zuurverdiende, gelukkige leven is. Ik heb genoten van de kans om werelden samen te voegen, en het was vreemd genoeg des te levensbevestigender.

WAAROM IS DEZE SHOW ANDERS DAN DE ANDERE OPENBARE KUNST DIE JE EERDER HEBT GETOOND?

In veel opzichten is dit waarschijnlijk het meest persoonlijke werk dat ik tot nu toe heb gemaakt. Het voelde als een echte opgraving en een zuivering om naar binnen te gaan, in plaats van naar buiten te reiken, zoals ik al zoveel jaren heb gedaan met de openbare kunst (wat een heel belangrijk onderdeel van mijn praktijk is en blijft). Ik heb ontdekt dat ik meer op deze manier moet werken, dat ik zoveel energie haal uit het kunnen weggraven in mijn gedachten en het creëren van een persoonlijk oeuvre, dat niet dezelfde vragen stelt aan zijn publiek als de openbare kunst. Het is een zachte uitnodiging in een innerlijke wereld, zonder oplossingen, maar hopelijk met de belofte van enige rust zodra je de ruimte betreedt.

WAAROM IS VERDRIET EEN PROMINENT THEMA IN UW WERK?

Verdriet is de afgelopen twaalf jaar een deel van mij geweest sinds ik in korte tijd veel familieleden heb verloren. Het is zelf bijna een ander familielid geworden, ik ken het zo goed en mijn relatie verandert en evolueert voortdurend (en gaat soms achteruit, zoals de aard ervan is!). Het was iets om te integreren, om mee te werken, omdat er geen kant op werd gestapt. Het heeft me naar diepten gebracht waarvan ik vrij zeker weet dat ik er nooit naartoe zou zijn gegaan als deze tragische gebeurtenissen mij niet waren overkomen, en het heeft mij voor altijd veranderd. Verdriet leeft in mij en omdat het zo onlosmakelijk verbonden is met de mensen van wie ik houd, met wie ik niet samen kan zijn, schuilt er ook een bitterzoete vreugde in, omdat het een poort is naar een wereld waarin zij zich bevinden.

WAT HOOPT U DAT UW WERK KAN OVERDRAGEN?

Ik ben geïnteresseerd in hoe het geheugen werkt, vooral als een soort fictionaliserend apparaat. Mijn specifieke gebruik van plaats en geografie – winkelpuien, treinperrons, deuropeningen; een glimp opgevangen, opgenomen, half herinnerd – fungeren als portalen om toegang te krijgen tot het verleden, maar veranderd, opnieuw bedacht en onderworpen aan mijn eigen fantasieën over kleur, licht en textuur. In zekere zin zijn de schilderijen mijn manier om te accepteren dat we het verleden niet werkelijk kunnen herbeleven zoals het was, maar dat we ter ere ervan iets anders kunnen creëren. De show als geheel draait rond een zin van WG Sebald, 'het dunne stukje zijde tussen leven en dood' - we verliezen nooit echt iets dat ons dierbaar is als we weten hoe we het zorgvuldig in onszelf moeten houden, en daarom zou ik dat graag willen doen. Ik denk dat dit op één niveau een hoopvol, vreugdevol aanbod kan zijn dat mensen ertoe aanzet na te denken over de vele ervaringen, beslissingen en noodlottige gebeurtenissen die ieder van ons op ons eigen pad hebben gebracht om het leven te leiden dat we hebben.

VERTEL ONS OVER HOE U UW OPVALLENDE STIJL EN THEMAKEUZES VOND?

Ik heb me altijd aangetrokken gevoeld tot gedurfde paletten en geometrie. Ik hou van taal en de wetenschap van taal en ik ben een taalkundige, dus mijn keuzes in het leven waren óf vertaler óf kunstenaar worden (ik weet zeker dat mijn ouders dat ook zouden hebben gedaan). maakte zich veel minder zorgen bij de eerste optie). Ik heb het gevoel dat het toen onvermijdelijk was dat taal zo veel in mijn werk zou voorkomen, en er is ook een echte fascinatie voor structuur en de architectuur van taal. Sottsass' gebruik van kleur en vorm is van grote invloed geweest, samen met het politieke en speelse gebruik van tekst door Jenny Holzer. Sophie Calle is ook een held van mij, ze heeft de manier waarop ik de wereld zie totaal veranderd, de onbeschaamde manier waarop ze haar eigen autobiografie ontgint en enkele van de ergste tijden van haar leven blootlegt, maar ook de alledaagse, de bizarre, de komische en het tragische. Dan is er nog een van mijn beste vriendinnen, Camille Walala, die ik ken sinds ik amper volwassen was, en ik ben waarschijnlijk een vrouw geworden in de jaren van onze vriendschap – haar benadering van schaal, patroon en palet, en haar onberispelijke smaak. zal mij altijd inspireren. Mijn ouders waren zeer gedurfde dressoirs, de hele familie was altijd behoorlijk gedurfd in hun kledingkeuzes, net als hun smaak in interieurontwerp en de meeste aspecten van hun leven! Dus ik denk dat ik al vroeg heb geleerd aandacht te besteden aan details, en ik heb er ook de kunst van goed leven van geleerd, en veel daarvan betekent voor mij leven met kleur, in kleur, proberen geld te verdienen met waar je van houdt. en aandacht besteden aan heel kleine momenten, meestal vrij en vluchtig.

WAAROM WORDT U GETROKKEN DOOR DE STYLISTISCHE KEUZES DIE U BENT? INSTALLATIES, KLEUR ENZ…

Ik ben een stadsmens, door en door. Ik weet niet of het komt omdat ik ver weg van een stad ben opgegroeid en er vanaf de eerste dag naar verlangde om in de actie te komen, maar toen ik het huis verliet, heb ik nooit meer achterom gekeken - ik deel graag een stadsgezicht met andere stadsbewoners, ik hou ervan het opmerken van details en nuances in de architectuur en alle energie die door een stadsruimte stroomt, alle verhalen die je worden verteld, die je hoort, waar je soms het geluk van hebt er deel van uit te maken. Het is het hele levensbloed van mijn wezen en daarom geniet ik er echt van om werk te creëren dat spreekt tot ons dagelijkse tempo en alles wat daaronder ligt, alle lagen die ons vormen en ons in staat stellen op te staan en een nieuwe dag aan te pakken, wat we ook zijn. dragen. Ik denk graag na over de ruimte en hoe we afzetmogelijkheden kunnen vinden voor complexe en vaak taboegesprekken die zich kunnen ontvouwen in ons drukke leven, precies waar we zijn, dus al het werk dat ik maak hoopt een uitnodiging te zijn om te verschijnen zoals je bent en te nemen even tijd voor jou, om naar binnen te gaan. Het gebruik van kleur en vorm komt voort uit langdurige invloeden (zoals ik hierboven heb vermeld) en ik denk dat ze vaak de verwachtingen tarten en het onderwerp naast elkaar plaatsen, dus dit kan als een verrassing komen! Maar nogmaals, ik wil dat mensen toegang krijgen tot deze complexe thema's en kruispunten van rouw wanneer zij dat willen, zoals ze dat op een bepaalde dag doen, zonder recept.

SPELEN CULTUUR EN STADSLEVEN EEN SLEUTEL ROL IN UW CREATIVITEIT?

Zelfs vóór mijn preoccupatie met leven en dood, ben ik altijd gefascineerd geweest door de menselijke conditie – en hoe andere kunstenaars, kunstvormen, plaatsen, architecturen, mensen en steden reageren op de complexiteit ervan staat centraal in mijn begrip van wat het leven eigenlijk is (!) en mijn praktijk. Ik ben net terug van een langverwachte reis naar Mexico-Stad, wat echt een droom was en ik vond zoveel vreugde in de architectuur, het licht, de patronen, het eten, de Barragan-huizen! In Londen maak ik graag wandelingen door de buurt, in Nunhead, Peckham, waar ook mijn studio is. Ik ben dol op Review Bookshop in Peckham. Vooral de afgelopen jaren heb ik veel inspiratie gevonden in fictie, vooral in echt visuele schrijvers als Deborah Levy. Ik heb me onlangs helemaal verdiept in Baumgarten van Paul Auster, wat voelde als een krachtig antwoord op verdriet. Ik vond het jammer om zijn wereld te verlaten toen deze eindigde! Een ander belangrijk ritueel voor mij is naar Roti King op Lower Marsh in Londen gaan, gevolgd door een reis naar het BFI. Onlangs zag ik The Eternal Daughter van Joanna Hogg, wat me veel ideeën opleverde voor mijn volgende samenwerkingsproject, een speelfilm over mijn moeder. Ik voel me vaak zo gelukkig dat ik zulke verbazingwekkende culturele bronnen vlak bij mijn deur heb; het voedt mijn creatieve proces enorm. De beste show die ik onlangs heb gezien was Sophie Calle, A toi de faire ma mignonne, in Parijs; alles eraan deed me met ontzag staan.

WAT IS JE BEDOELING MET HET POSTERONTWERP?

Het posterontwerp voelt erg jaren '70 aan, net als dit oeuvre, dat draait om details en hoe we onze innerlijke werelden vormen door middel van herinneringen, plaatsen en dromen. De poster zelf haalt elementen uit een deel van het tuftwerk dat in de show te zien is; de briljante Bon Tuft vertaalde mijn ontwerpen in wandstukken. Ik denk dat ik wil dat mensen stoppen omdat ze misschien iets vrolijks of leuks in het ontwerp zien en dan uit de tekst en de QR-code leren dat ze worden uitgenodigd in een wereld waar ze een deel van het pantser kunnen wegtrekken dat we met ons meedragen op een dagelijks om het hoofd boven water te houden.

WAAROM HEB JE BESLIST OM DE SHOW IN LIVERPOOL TE DOEN?

Ik ken Ali en Jim bij Dorothy al een tijdje en heb altijd van ze gehouden en van waar ze voor staan. Het is echt zo bijzonder om dit werk naar Liverpool te brengen, een stad waar ik me echt thuis voel. Ik heb hier zoveel vriendschappelijke ontmoetingen gehad en ik krijg hier vaak mooie verhalen te horen, van vreemden, met briljante humor. Mijn vader kwam uit Blackpool en verliet op zijn vijftiende het huis om bij de marine te gaan. Liverpool was de plek waar hij de wereld in zeilde, de eerste keer dat hij het land verliet voor menig avontuur, en daarom sprak hij altijd zo liefdevol over de stad . We hebben hier veel familieherinneringen. Vorig jaar ontdekte ik dat ik een zus heb die ik niet kende. We ontmoetten elkaar voor het eerst in Liverpool en bezochten Dorothy! Het voelt dus heel passend omdat een groot deel van het werk een soort ontrafeling is van nieuwe emotionele landschappen van het afgelopen jaar of zo.

WAT ZIJN DRIE DINGEN DIE JE HOUDT VAN LIVERPOOL?

Ik hou van de mensen, de humor en de verhalen waarvoor ik zo gelukkig ben geweest dat ik af en toe werd uitgenodigd.

Ik hou van de wilde mix van architectuur – de manier waarop de stad haar geschiedenis aan de oppervlakte draagt. Toen ik hier voor het laatst was, zei een oude vriend, mentor en Liverpoolse, Eddie Berg, oprichter van FACT, die een grote voorkennis over de stad heeft, dat ik naar de Liverpool Metropolitan Cathedral moest gaan. Het verbaasde me.

Ik geniet echt van Dallas Buyer's Club en Maleis voor eten en er is een schitterende bagelwinkel genaamd de Bagelry, die ik tijdens de show allemaal opnieuw zal bezoeken. Het is echt een bijzondere stad.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2403.24Verborgen diepten van politiek, gerechtigheid, wetgeving, betwisting en overtreding worden onthuld door een nauwkeurige studie van stadsoppervlakken.

Terug naar Functies

In slechts een paar honderd zorgvuldig beargumenteerde en verhelderend geïllustreerde pagina's heeft Postdoctoral Fellow in Cities and Urbanism Sabina Andron een boek geproduceerd dat de mogelijkheden onderzoekt, uitdaagt en radicaal heroriënteert om met onze stedelijke omgevingen om te gaan, en zo steden op geheel nieuwe manieren te ervaren. manieren.

Zoals uiteengezet in de inleiding tot Stedelijke oppervlakken, graffiti en het recht op de stad, “Steden coderen een ongelooflijke hoeveelheid informatie in hun openbaar getoonde bewegwijzering en in de manier waarop ze zichzelf via hun oppervlakken presenteren. Wanneer we door steden reizen, erover lezen of ze op het scherm bekijken, decoderen we deze tekens voortdurend en hebben we interactie met stedelijke oppervlakken. Wij hebben ze in dienst en zij begeleiden ons. Wij beschermen ze, en zij informeren ons. We verfraaien, vernielen en maken ze schoon, en ze blijven onmisbaar voor stedelijke ritmes en bevestigen de aanwezigheid van lichamen in de stad. Stadsbewoners, overheid, handel, kunst, weer, vervuiling, recht – al deze lichamen hebben oppervlakken nodig om te communiceren, en hun boodschappen worden opgeslagen in het archief van het stedelijke oppervlak.”

De historische tekst van Andron valt uiteen in vier hoofdgebieden. Semiotiek wordt gedefinieerd als de studie van zowel de productie als de interpretatie van tekens en symbolen en het eerste deel van het boek, getiteld Surface Semiotics: een handleiding voor het kennen van oppervlakken, laat ons kennismaken met nieuwe manieren om naar allerlei stedelijke inscripties te kijken, en niet alleen in ruimtelijke, visuele en materiële termen. Wat de auteur ook deelt, zijn interpretatieve tactieken waarmee we de veelheid aan verstrengelde beelden en teksten die ons omringen beter kunnen lezen en begrijpen. En wat ook wordt onthuld, zijn onderliggende kwesties die te maken hebben met keuzevrijheid, orde, rechtvaardigheid en macht, enz., die op verschillende manieren worden aangegeven door de vele vormen van vaak overlappende inscripties die onze stedelijke oppervlakken bevolken. En dan hebben we het natuurlijk niet alleen over 'schrijven op de muren', maar over het bouwen van gevels en gevels, hekken, reclameborden, straatmeubilair en alle andere publiekelijk toegankelijke en zichtbare grenzen in onze steden. Aan het einde van deel één zul je misschien een interview afnemen met een stedelijk oppervlak, en het blijkt dat dit een gesprek kan zijn dat uiteindelijk evenveel zegt over de gesprekspartner als over de stad.

Sectie twee, Beyond Art and Crime: een kritische geschiedenis van graffiti en straatkunst is een diepgaand onderzoek. Academische, literaire, publieke, administratieve en mediaattitudes worden onderzocht om tot een veel genuanceerdere beschouwing van dit historische en hedendaagse fenomeen te komen. Andron betoogt dat de valorisatie en viering van graffiti en straatkunst – zij het via koffietafelpublicaties, wandeltochten, opname in het galeriesysteem voor beeldende kunst, online forums, coöptatie door projectontwikkelaars en toerisme – een verandering heeft veroorzaakt in wat als democratisch en democratisch kan worden gezien. inclusieve stedelijke beeldcultuur tot een cultuur van “signatuur en auteurschap, waardoor de praktijk institutioneel wordt gestabiliseerd en het gemakkelijker wordt om te voorspellen en er geld mee te verdienen.” Wat keer op keer zo informatief en verfrissend is aan Androns aanpak, is haar bereidheid om tot nu toe aanvaarde opvattingen – of die nu esthetisch, literair, sociologisch, politiek, enzovoort zijn – over haar onderwerp te weerleggen. En ze bestrijdt zeer effectief vermoeide binaire formuleringen. graffiti en straatkunst zoals: "Is het misdaad of is het kunst?" Het blijkt dat geen van deze vakjes ons ergens nuttig brengt. Andron plaagt de veel productievere categorieën van ‘communicatie, betrokkenheid, stedelijke taal, ruimtelijke praktijk, culturele productie, multimodale expressie, emplacementbezetting, publiek debat, genetwerkte semiosis, oppervlaktepolitiek – dit alles en nog veel meer, alleen geen kunst of misdaad. ”

In deel drie van haar boek Recht en graffiti: eigendom, misdaad en de oppervlakte-commons Andron neemt ons mee op een diepe duik in die “meest turbulente locatie”, het juridische landschap aan de oppervlakte. Andron noemt de 'broken windows-theorie' een gebrek aan goed bewijs om verbanden tussen (oppervlakte) wanorde in buurten en verbanden met ernstige criminaliteit te ondersteunen. En hoewel ze stelt dat betwiste stedelijke oppervlakken verbanden illustreren tussen eigendom, uitsluiting en openbare orde, ‘vertegenwoordigen ze ook politieke mogelijkheden om een stedelijke commons te vestigen en een claim op het recht op de stad.’ Stedelijke oppervlakken kunnen gemeentelijk of particulier eigendom zijn, maar “ze breiden zich uit door openbaar gebruik en genereren nieuwe ruimtes in het publieke zicht, zoals een open source boek over stedelijke productie en participatie.” In de voortdurend evoluerende, meervoudige en gelijktijdige bezetting door borden, tags, stickers, posters, trottoirverkoopparafernalia, enz., enz., in deze strijd om zichtbaarheid, onderscheidt Andron in de agglomeratie wat zij een vorm van oppervlakkige rechtvaardigheid noemt. Het is juist de precariteit, het aanhoudende streven naar conflicterende ruimte, dat misschien intuïtief een aanhoudende culturele en politieke waarde oplevert, zodat, in een andere mooie omkering, oppervlakkige activiteit die als asociaal, crimineel en bedreigend zou kunnen worden beschouwd, in plaats daarvan “sociaal en creatief geëngageerde bijdragen aan de samenleving” wordt. het oppervlaktelandschap.”

Deel vier van het boek Leake Street London: juridische muren en diepe oppervlakken is een destillatie en verdere ontwikkeling van een project aanvankelijk uitgevoerd in 2013. De auteur identificeerde tien verschillende delen van de muur in een legale graffititunnel die onder de voormalige Eurostar-terminal op het station van Waterloo liep, waarbij hij honderd opeenvolgende dagen elke dag de veranderende scènes bezocht en fotografeerde. Het is een hoogstandje van aandacht, visueel en materieel, om hier en daar centimeters dikke lagen te schilderen. Andron vervolgt in haar conclusie: “Van de treinen in New York City in de jaren zeventig tot hedendaagse muurschilderingen en graffitilagen in Leake Street in Londen: de semiotiek van oppervlakken weerspiegelt niet alleen stedelijke identiteiten, maar constitueert ze ook. Krabbels, plakkaten, tekeningen, sporen, witgekalkte muren, posters, uithangborden en inscripties zijn visuele en materiële vertalingen van het stedelijke organisme dat even complex, tegenstrijdig, meervoudig en chaotisch is als de stad zelf.

De straatpostercampagne van UNCLE om dit wetenschappelijke, informatieve, verrassende en boeiende boek te promoten is zowel een voorrecht als, in sommige opzichten, een symbiotisch partnerschap. Net als Andron ziet UNCLE stedelijke oppervlakken als plekken om op te 'lezen' en 'schrijven', mogelijkheden om bij te dragen aan de schijnbaar eeuwig mobiele conjuncties en om de rijke openbaarheid van onze steden te vieren.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken01.2403.24Roze krachtpatser Cute Cartel is vastbesloten om clubcultuur en evenementen veiliger te maken en te onderwijzen.

Terug naar Functies

Bristol heeft de titel onder de Britse steden omdat het de meest bizarre, vooruitstrevende en experimentele is als het gaat om creatieve media. De nieuwste samenwerking van UNCLE is geen uitzondering op de regel – Leuk kartel zijn 'Een collectief om het bewustzijn over misbruik/trauma te vergroten en steun te bieden aan degenen die al hebben geleden'. Dit wordt gedaan door middel van workshops en evenementen die door de groep zelf worden georganiseerd, samen met optredens door het hele land op verschillende festivals en andere grote evenementen. UNCLE werkte samen met het kartel om hun activiteiten en steun te promoten voor gemeenschappen die dit het meest nodig hebben in de scene.

Er werd een welsprekend gesprek gevoerd met de groep, die met gratie sprak over een potentieel ongemakkelijk en prikkelend onderwerp. Maar dit maakt deel uit van hun rol, om dat stigma te doorbreken en een open dialoog op gang te brengen. Het onderwijs dat zij kunnen bieden aan degenen die bereid zijn te luisteren, is van onschatbare waarde voor de moderne samenleving. We spraken over de wortels van het kartel en het werk dat ze momenteel doen om inzicht te geven in de positiviteit die ze op nationaal niveau helpen bewerkstelligen.

WAAROM HEB JE BESLIST OM HET COLLECTIEVE LEUKE KARTEL TE STARTEN?

Squid: Er was geen plan bij het maken van The Cute Cartel, het was slechts een escalatie van een verlangen om kunst te maken naast een (collectieve) drang naar verandering. Ik gebruik graag kunst in alle aspecten van mijn leven en voel me het meest op mijn gemak als ik aan het creëren ben. Breien en textiel zijn voor mij het meest zinvolle medium geweest, maar pas toen ik geweren, wapens en bivakmutsen begon te breien, voelde ik dat mijn wol niet alleen iets werd om te dragen, maar ook kunstwerken.

Dit vormde de visie van het collectief, maar de daadwerkelijke boodschap kwam later. De boodschap achter CC ontstond toen ik heel open was over een ervaring met seksueel geweld en, preciezer gezegd, hoe genormaliseerd misbruikgedrag binnen onze sociale kringen was. Dit bracht anderen ertoe naar voren te komen en hun anonieme verhalen over soortgelijke ervaringen te delen, waarbij de meeste mensen het bewustzijn wilden verspreiden en een stem wilden krijgen die voorheen verloren was gegaan in het vervreemde gevoel van trauma. De verhalen vormden de hoeksteen van deze gemeenschap en maakten The Cute Cartel tot wat het nu is. Het aantal verhalen werpt licht op hoe wijdverbreid en wijdverspreid het probleem is, en ook op de intense realiteit van hoeveel mensen op zo’n persoonlijke manier door misbruik en mishandeling worden getroffen. Daarom wordt het een collectief genoemd, omdat alle mensen die met hetzelfde probleem te maken hebben, hebben bijgedragen aan het opzetten van dit ondersteuningsnetwerk. Iedereen in deze gemeenschap is belangrijk, zelfs degenen die meer te leren hebben dan anderen. Aan het begin van deze reis was het niet mijn bedoeling om precies dit te creëren; met slechts één persoon zou het nooit mogelijk zijn geweest. Soms, als een ruimte als deze nodig is, wordt deze tot stand gebracht door een collectief van geesten, en ik denk dat dit in wezen de ruimte heeft gecreëerd.

WAT IS DE BEDOELING?

Inktvis: De ruimte wordt gebruikt om ondersteuning te bieden vanuit het besef dat we niet de enige zijn die met deze problemen te maken hebben; de beelden worden gebruikt om het bewustzijn te vergroten in de hoop dat wie ons tegenkomt, troost bij ons vindt of iets leert. We nemen de anonimiteit zeer serieus en gebruiken de bivakmuts om het belang daarvan in de ruimte te symboliseren, terwijl we hem gebruiken als een gedeeld gezicht om onze eenheid te vertegenwoordigen. Deze ruimte wordt niet gebruikt om publiekelijk haat, schaamte of uitsluiting van mensen te verspreiden. Het is alleen aan de mensen die getraumatiseerd zijn om een gemeenschap te vinden die verenigd is in een streven om degenen die lijden te helpen genezen. Elke traumatische ervaring is anders, maar ze vereisen allemaal genezing, en genezing bij elkaar vinden terwijl we ons krachtig voelen, is een van de eenvoudigste, vrije en verenigde dingen die we kunnen doen als we met afkeer worden geconfronteerd.

Er zijn zoveel mensen getroffen door trauma. Het komt in veel verschillende vormen en vormen; Omdat algemeen wordt aangenomen dat trauma een cyclus is, geloof ik dat een van de beste manieren om deze cyclus te doorbreken het begrijpen van traumatische gebeurtenissen is en hoe deze ons beïnvloeden. Het Cute Cartel heeft mij geholpen op momenten dat ik mij bang of getriggerd voelde; Alleen al de wetenschap dat deze gemeenschap bestaat, heeft mij steun gegeven in tijden dat mijn trauma weer boven water kwam of wanneer ik een andere moeilijke situatie tegenkwam om te verwerken.

Hoe is jouw herkenbare roze esthetiek ontstaan?

Inktvis: Vóór het bestaan van CC maakte roze geen deel uit van mijn garderobe. Er zijn veel redenen waarom ik nu dol ben op de kleur roze, maar het is belangrijk voor CC omdat het de negatieve connotaties van roze als ‘basic’ of ‘meisjesachtig’ laat varen (wat het nooit is geweest, en dat zal het nu zeker ook niet zijn). Elke verwachting van meisjes in deze ruimte wordt omgezet in iets dat bizar en intens is, wat echt kracht geeft. Sommigen noemen het esthetische ‘eng’, maar dit lijkt voort te komen uit de indoctrinatie dat vrouwelijkheid op deze manier geen macht kan hebben. Roze in CC is de kleur van empowerment. Zelfs niet alleen in het kader van vrouwelijkheid, maar een kleur die staat voor: kracht, seksualiteit, eenheid en het ondermijnen van sociale constructies (ik ben misschien bevooroordeeld of loop al te lang mee met CC dat roze niet langer als normale kleur kan bestaan). Hoewel het soms een beetje ziekelijk kan aanvoelen, vind ik de esthetiek van roze een van de belangrijkste kenmerken van de visuele wereld van The Cute Cartel.

WAT ZIJN ENKELE EVENEMENTEN UIT HET VERLEDEN DIE U HEBT GESTEUND?

Festivals: Balter/SGP/Boomtown/Beathearder/Nozsotck

Evenementen: Homobloc/Crotch/395 residentie

Squid: De evenementen waaraan we deelnemen zijn de festival- en muziekscènes in het Verenigd Koninkrijk. Sommige maken deel uit van iets groters, maar af en toe organiseren we onze eigen evenementen en workshops. Wij streven ernaar om tijdens deze evenementen het bewustzijn te vergroten en zoveel mogelijk mensen te bereiken. Festivals zijn een goede plek om persoonlijk met mensen te praten, terwijl kleinere evenementen doorgaans meer politiek geladen zijn. De opvallende beelden zorgen voor een open discussie over het doel van onze groep, waardoor we veel mogelijkheden hebben om de boodschap te verspreiden. Onze tent betekent ook dat we een ondersteunende sfeer in de praktijk kunnen brengen om het werk dat we ook online uitvoeren, te kopiëren.

Eilidh on Crotch: The Cute Cartel is helemaal perfect voor Crotch – een queer-run ruimte in Bristol. De aanwezigheid van Cute Cartel daar viert dat we onder onze mensen zijn. We hebben een breder publiek op festivals, dus de kans is groter dat we een punt maken. Zoals de slutwalks – maar dan veel stoerder.

Daisy: De CC-residentie op 395 was een geweldige week. We richtten de ruimte op en spraken over ons trauma en wat CC voor ons betekende; het voelde alsof we echt een veilige ruimte aan het bouwen waren voor overlevenden, door onze negatieve ervaringen om te zetten in iets moois om anderen te helpen. Zoveel aanwezigen gaven aan hoezeer zij een inclusief evenement waardeerden dat niet door mannen werd gedomineerd of gericht was op drank/muziek. Het was een verademing om een ondersteunende en gezellige omgeving te hebben waarin je vaardigheden kunt leren, creatief kunt zijn en kunt delen. Ik heb die week met zoveel mensen gesproken die zich in staat voelden hun ervaringen met misbruik uit het verleden openbaar te maken, omdat ze zich in een omgeving bevonden waarvan ze wisten dat er naar hen zou worden geluisterd en dat ze begrepen zouden worden.

Eilidh: Voor mij is Cute Cartel een echt gemeenschapsgevoel en de omarming van vrouwelijke macht, creativiteit en vreugde. En ik vind het geweldig dat je geen gecertificeerde artiest hoeft te zijn om mee te doen; je hebt de juiste houding en mentaliteit nodig.

HOE KAN DEZE SCÈNE TEN BETERE WORDEN VERANDERD?

Inktvis: De scène om ons heen heeft een lange weg afgelegd; zelfs nog maar 5-10 jaar geleden waren de zaken drastisch anders met betrekking tot deze kwesties. Er zijn veel manieren waarop verandering kan worden gecreëerd om een toekomst te bewerkstelligen waarin mishandeling, misbruik en trauma niet zo vaak voorkomen; Ik heb persoonlijk ontdekt dat het niet gaat om het gebrek aan vermogen om met andere overlevenden te praten, maar om de daders van dit gedrag zelf. Mijn ervaring met de confrontatie met de meeste (niet alle) mensen die mij beledigend hebben behandeld, is er een geweest waarin ze niet bereid zijn te accepteren dat hun gedrag een grens overschrijdt. Ik zie dat, met de annuleringscultuur, de gedachte aan het hebben van een label beangstigend is, dus ik begrijp ook waarom mensen op deze manier hebben gereageerd. Ik denk dat iedereen op basis van eigen ervaringen een andere mening heeft. Toch ben ik persoonlijk van mening dat we mensen de kans moeten geven om te veranderen voordat we ze uitsluiten voor gedrag dat hoogstwaarschijnlijk binnen hun eigen traumacyclus valt. We moeten effectief onderwijs geven en tegelijkertijd rekening houden met de mensen die hebben geleden en wat eigenlijk een effectieve manier is om het gedrag te veranderen van individuen die hebben geleerd te handelen op een manier die schadelijk of respectloos is voor andere mensen. Terwijl we steun creëren voor degenen die lijden en aandringen op het creëren van een ruimte waar verandering kan plaatsvinden, denk ik dat het binnen onze scènes meer kan doen.

HOE KUNNEN WE MEER MINDFUL ZIJN IN DE RUIMTEN WAARIN U WERKT?

Inktvis: Mindful zijn in onze scènes is het leren en accepteren van de manieren waarop ons gedrag in het verleden misschien niet goed is geweest, terwijl we de tijd en moeite steken om als mensen te veranderen en te groeien. Begrijpen waarom dit gedrag een probleem is en waar het vandaan komt, is een belangrijke manier om de juiste basis te leggen om te voorkomen dat dit opnieuw gebeurt. Mensen moeten eerst van zichzelf houden en zichzelf respecteren voordat ze anderen op dezelfde manier kunnen behandelen. Een groot deel van mindfulness bestaat dus uit het begrijpen van zichzelf en het kiezen om zich op een specifieke manier te gedragen, wat een betere manier in de praktijk brengt om anderen te behandelen.

Levi: Het is belangrijk om iedereen zich zo betrokken en comfortabel mogelijk te laten voelen in een ruimte, zodat ze het vertrouwen hebben om zich uit te spreken over discriminerend of slecht gedrag. Bewustzijn en aandacht voor elkaar of gedrag dat elkaar kan schaden, moeten serieuzer worden genomen, maar effectief worden aangepakt om verandering in onze ruimtes te creëren. Op deze manier kunnen we ons meer bewust zijn van mishandeling en geweld, terwijl we meer stem en steun kunnen geven aan de machtelozen.

Hatti: Wat ik altijd in gedachten probeer te houden is dat je niet weet wie je gaat ontmoeten, hoe hun dag eruit ziet, of hun leven, de laatste keer dat ze een knuffel hebben gehad, wat er is gebeurd voordat ze naar buiten liepen deur, als ze ontbeten hebben of als ze zich zelfs een ontbijt kunnen veroorloven – alles! Voor mij is dat mindful zijn, erkennen en verwelkomen met open armen, wie iemand ook is. Voor mij is dat wat de CC-vagina creëert, een plek om die dingen opzij te laten en gewoon te spelen, wetende dat iedereen daar om dezelfde reden is.

Lauren: Ik denk dat het draaide om de kernboodschap van CC; het respecteren van grenzen en toestemming. De overgrote meerderheid van de mensen is respectvol en houdt van de boodschap van CC. Ook al is iemand niet op de hoogte van deze onderwerpen, toch zie je na één gesprek meestal dat hij of zij anders gaat denken.

WAT HOOPT U DAT DE ERFENIS VAN HET COLLECTIEF ZAL ZIJN?

Inktvis: Het is niet zozeer de hoop dat The Cute Cartel een erfenis zal hebben, maar onze boodschap om zijn eigen erfenis vast te houden in de verandering die het teweegbrengt. Om kwesties als misbruik, intimidatie, aanranding en verkrachting voor toekomstige generaties te verminderen of te verkleinen. Ik zal nooit stoppen met het maken van kunst, en het zal me zeker meenemen op andere reizen en mogelijk weg van CC. Of The Cute Cartel nu een erfenis heeft of niet, één ding dat ik en alle betrokkenen willen, is het doorvoeren van de veranderingen die hard nodig zijn om verder misbruik en trauma te voorkomen en ieder mens met volledig respect te behandelen. Toen ik jonger was, zei ik dat het een van mijn dromen was om een deuk in de wereld te maken, hoe groot of klein ook, en zelfs de wetenschap dat dit project iemand heeft geholpen of gesteund, geeft me het gevoel dat mijn persoonlijke droom is verwezenlijkt.

HOE BEN JE VERBONDEN MET DE STAD BRISTOL?

Squid: The Cute Cartel begon vanuit de liefde voor kunst in Bristol, waar ik daar drie jaar woonde, en begon met de kunstwerken tijdens mijn tijd in UWE. We hebben een scala aan artiesten uit Manchester, Bristol, Liverpool, Londen, Wales en Chesterfield. Maar het was deze vreemde en prachtige stad die een ontdekkingsruimte opende door de acceptatie van alle ongewone dingen en de verschillende manieren om jezelf en je kunst uit te drukken. In Bristol zijn er zoveel verschillende karakters en buitengewone individuen die allemaal worden geaccepteerd en gevierd vanwege hun uniekheid op een manier die ik niet in dezelfde mate heb gezien in een andere stad in Groot-Brittannië; het was de perfecte stad voor de geboorteplaats van CC.

HOE IS DE SCÈNE IN BRISTOL EN VERDER VERANDERD SINDS JE FORMATIE?

Eilidh: Bristol heeft met succes het bewustzijn vergroot over kwesties als pieken en nachtelijke intimidatie. Er zijn publiciteits- en trainingscampagnes geweest, zoals het Bristol Nights Women’s Charter en de introductie van PHAT-beveiliging, een nieuwe, niet-bedreigende benadering van veiligheid. Het is duidelijk dat dit in bepaalde gebieden gebeurt – terwijl andere delen van Bristol volledig vastzitten in verouderde denkwijzen.

Ashley: De scene in Bristol is enorm veranderd sinds de eerste keer dat we de pluizige gehaakte bivakmutsen en geweren tentoonstelden; mensen zorgen actiever voor elkaar. In Bristol brengen enkele posters deze boodschap over elkaar respecteren en van jezelf houden naar voren, naast nieuwe posters die de boodschap ‘DONT BE A CREEP’ laten zien, waarmee ze zich rechtstreeks richten tot iedereen die zich niet houdt aan waar wij voor staan. Er is de afgelopen vijf jaar veel vooruitgang geboekt ten opzichte van een houding als de onze, en we hopen de CC-boodschap te blijven verspreiden naar toekomstige generaties om een bloeiendere en gezondere gemeenschap te creëren.

Hatti: Bristol bloeit altijd; het is voor altijd zo geweest en dat zal altijd zo blijven. Ondanks de strijd bij het sluiten van locaties en evenementen die ondergefinancierd zijn, zal het altijd doorzetten vanwege de creatieve energie hier. De scene is veel vrolijker, neemt zichzelf een stuk minder serieus en is queer-positiever. Hoe dwaas het hier ook kan zijn, je ervaart echt het gevoel dat je je bewust bent van de donkere kanten van het nachtleven en de evenementencultuur. Bristol pakt dit probleem hard aan, maar met een vanuit de gemeenschap geleide aanpak: mensen nemen het heft in eigen handen om hun gemeenschappen veilig te houden. Het zou niet zo moeten zijn, maar de proactieve aanpak van deze scène is zeker iets om trots op te zijn.

WAT IS IN DE TOEKOMST VOOR DE TOEKOMST VAN LEUK KARTEL?

Eilidh: Ik geloof dat de volgende stap voor CC diversificatie is. Als groep vrienden en circusartiesten is het logisch dat we er nog niet zijn, maar dat moet veranderen naarmate we groeien. We streven naar meer representatie, met de nadruk op POC en diverse lichaamstypes, maar niet op een symbolische manier. We zijn van plan om politiek in onze optredens te integreren om de bekendheid van onze boodschap te vergroten. Daarnaast streven we ernaar om meer betrokken te zijn bij de gemeenschap door middel van workshops, spandoeken, bewegwijzering, informatiekaarten, het creëren van veilige ruimtes voor overlevenden en de implementatie van beschermingsmaatregelen. Vooral op festivals stellen we ons voor dat we een ‘toestemmingskaart’ hebben om uit te delen aan mensen die ons lastigvallen, waardoor het proces wordt gestroomlijnd en repetitieve gesprekken worden vermeden.

Levi: We willen graag meer kansen. Het Cute Cartel heeft bijna elke kans aangegrepen om het bewustzijn te vergroten en de aandacht op de zaak te vestigen. Ik hoop dat er meer kansen opengaan voor CC, en dat er meer reflectieve mogelijkheden ontstaan, zodat een grotere verscheidenheid aan mensen zich gevierd kan voelen, en vooral niet alleen.

Daisy: Mijn hoop voor de toekomst is dat zelfs als er geen CC aanwezig is op evenementen, er wel in de geest aanwezig zal zijn! Ik hoop dat CC de gesprekken over seksueel geweld en misbruik zal destigmatiseren, terwijl radicale acceptatie en vriendelijkheid mainstream worden. Ik hoop dat CC mensen kan helpen hun kracht te vinden na traumatische gebeurtenissen en de kracht kan zien van het zijn van een OVERLEVEND. Dat is wat mijn bivakmuts voor mij vertegenwoordigt: mijn nieuwe identiteit en symbool van bevrijding.

Inktvis: Ik heb de neiging om in dit project geen plannen te maken die echt ver vooruit zijn, omdat het de neiging heeft een eigen pad te volgen en er veel mensen zijn die met nieuwe, effectieve en opwindende ideeën komen. We zullen blijven doen waar we toe in staat zijn als het gaat om evenementen en festivals, hoewel we als groep grotendeels ondergefinancierd zijn en gedwongen zijn geld in te zamelen om het levend te houden. Eén algemeen plan, te midden van de voortdurende wens om zoveel mogelijk verandering teweeg te brengen, is om dit project duurzaam te maken voor alle betrokken mensen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken12.2312.23UNCLE X FlyingLeaps werkt samen om het nieuwe werk van kunstenaar Magda Archer op straat te brengen.

Terug naar Functies

UNCLE werkt samen met het straatposterproject van FlyingLeaps-kunstenaars om een beetje wrange hoop en kritische humor op een muur bij jou in de buurt te brengen. UNCLE selecteerde een gloednieuw en pijnlijk actueel kunstwerk van Archer als hun feestelijke boodschap voor 2023: ‘WORLD PEACE IS COMING (anders zijn we genaaid!)’ dat in talloze Britse dorpen en steden te zien zal zijn.

In sommige opzichten is het een hartverwarmend beeld, vooral als je de onvoorwaardelijke liefde waardeert die honden ons kunnen geven. Oké, het is het enige hormoon dat verband houdt met positieve emotionele toestanden die aanwezig zijn bij zowel honden als mensen, maar ach, de wereld zou veel meer onvoorwaardelijke liefde kunnen gebruiken. Honden verzinnen geen redenen om niet verder te komen, maar het is een eigenschap waarin mensen uitblinken.

Soms maakt Archer met slechts een paar behendige penseelstreken en haar voortreffelijke talent voor humor en zuinigheid met woorden kunst die de angstaanjagende ironie van het bestaan aanpakt. Haar schilderijen en prenten zijn kitsch-meditaties die je soms het gevoel geven je hoofd in je handen te houden en te huilen om de grove domheid van de mensheid. En op andere momenten verwonder je je over de onschuld, de troost en het vermogen tot empathie om de slechtsten onder ons te overwinnen. Haar werk kan hoop ontsluiten, maar ook warm waarschuwen tegen het afglijden in cynische wanhoop.

En ze slaagt erin al het bovenstaande te doen zonder po-faced, prekerig of didactisch te zijn. Dit wordt ruimschoots bevestigd door de naam en drijfveer achter haar meest recente tentoonstelling. In verband met de huidige show van Archer – ‘Ik weet het niet' in Helm Gallery, Brighton (9.11.23 – 24.12.23) – legde de kunstenaar uit: “De titel is een volkomen geldig antwoord op vrijwel elke vraag. Door onzekerheid te omarmen, sta je open voor een veel bredere levenservaring, een groter geheel. Voor mij leidt het niet weten niet tot angst, maar eerder tot een gevoel van kalmte en een reset van mijn hoofd naar alle mogelijkheden van het leven.”

Omdat de kunstenaar zo vriendelijk was ons een van haar meest recente werken te laten gebruiken als de feestelijke boodschap van UNCLE, dachten we dat het een goed idee zou zijn om even bij te praten en IRL te kletsen. Vraag en antwoord daar gaan we...

KUNT U ONS DOOR UW CREATIEVE PROCES PRATEN?

Ik hou ervan om ideeën rond te slingeren, ze zitten in notitieboekjes, maar ik heb ook veel stukjes papier met één regel of een idee, ik weet niet hoe het zich zal ontwikkelen, maar op een gegeven moment zal een beeld botsen met de tekst. Meestal komt de tekst op de eerste plaats, maar niet altijd.

EN HOE GAAT U OM MET KRITIEK OP UW WERK, WIE WAARDEERT U AAN DE FEEDBACK?

Kritiek!? Ik blijf niet hangen om het te horen. Ik weet zeker dat het daarbuiten is. Eigenlijk is de enige plek waar ik het hoor de sociale media. Weet je, ik heb een paar verdwaalde opmerkingen gehad, of een vreemde zure commentator. Als ik af en toe dezelfde naam zie, verwijder ik ze. Als het erop lijkt dat ze er alleen zijn voor de sport en niet voor het werk. Wat de feedback betreft die ik op prijs stel, zijn er een paar van mijn vrienden en mijn kinderen.

WAT INSPIREERT U, HOUDT U GEMOTIVEERD OM UW SCHILDERIJEN TE MAKEN? EN UW PRINTS? HOE KIJK JE ZE IN VERGELIJKING MET JE SCHILDERIJEN?

Qua inspiratie denk ik dat het het nieuws is, de moderne cultuur, alles wat er om me heen gebeurt. Om het bot te zeggen: het is moeilijk om de prenten niet te zien als een manier om geld te verdienen om het schilderij te betalen. Schilderen is zo'n langzame, langzame verbranding. Over een jaar verkoop ik er misschien vier of vijf. Nog een jaar later verkoop ik er misschien één. Van dat soort geld kun je niet leven. Tenzij je super succesvol bent. Maar ik dacht eerder vandaag dat het niet goed voor me is geweest om als kunstenaar groot financieel succes te behalen. De manier waarop ik over mijn carrière denk, is dat ik het woord ‘mislukking’ niet wil gebruiken, maar ik sta zeker niet op één lijn met sommige van mijn mannelijke tijdgenoten. Maar zoals ik al zei, bij nader inzien is dat waarschijnlijk goed geweest voor de manier waarop ik denk en de manier waarop ik dingen maak, omdat het niet in de weg zit. Ik heb niet veel geld om over na te denken. Maar dan heb ik geen zin om elke dag met mijn accountant aan de telefoon te zitten en daar last van te hebben, dus er zijn ook voordelen.

HOE GAAT U OM MET PROJECTDEADLINES EN TIJDBEHEER?

Daar ben ik heel goed in, weet je, al het andere kan chaos zijn, mijn studio is vaak chaos. Deadlines? Ik denk dat ik, omdat ik tien jaar als illustrator heb gewerkt, ongelukkig genoeg als illustrator, een deadline kan halen.

Wat is jouw ervaring met de zakelijke kant van het kunstenaarschap en de omgang met mensen in dat opzicht?

Nou, in één woord: het was lastig. Verdomd lastig. Ik heb problemen gehad waarbij mensen mij niet wilden betalen. En ik heb problemen gehad waarvan ik op dat moment wist dat ik werd opgelicht, en dan ontdek ik een paar jaar later dat je beseft: nee, je werd echt koninklijk opgelicht. Het komt zelden voor dat iemand naar je toe komt en zegt: ik vind je werk echt leuk en ik wil financieel eerlijk zijn. Eigenlijk is het best leuk als mensen zeggen: ik heb geen geld om je te geven, maar ik wil je werk hiervoor gebruiken. Het is wanneer mensen achterbaks zijn, ik zal geen namen noemen, maar het is een wind-up. Het is dus gebeurd en het blijft gebeuren.

Om enige context te bieden: eind 2022 moest Magda uiteindelijk verschillende bedrijven aanklagen die haar werk zonder toestemming reproduceerden. Ze won alle zaken, maar ze legde uit dat dit een emotioneel en financieel uitputtend proces was geweest. Het was duidelijk dat winnen betekende dat de kosten werden toegekend, maar er was heel weinig compensatie.

Je hebt onlangs samengewerkt met Jo Brooks PR – die samenwerkt met Banksy, Lucy Sparrow (ook bekend als @naai je ziel), David Shrigley, etc. – hoe zal de hoop zich ontwikkelen?

Nou, als je de kleine lettertjes als het ware leest: Jo doet de PR voor Banksy en Shrigley, maar samen met Lucy en mijzelf is zij onze manager. En voor zover ik weet geeft ze alleen leiding aan vrouwelijke artiesten. Hoe denk ik dat het zal gaan? Ik denk heel goed. Omdat ze eerlijk en een goed mens is. En ze is grappig.

Hoe balanceer je je kunstzorgen, artistieke integriteit als je dat wilt, tegen commerciële druk als het gaat om samenwerking met andere partijen: modeontwerpers, boeken, merchandise, enz.?

Ik zou zeggen dat de samenwerking met Marc Jacobs heel goed verliep, ze waren erg gevoelig voor hoe ik me voelde en zeiden voortdurend: ‘Wat vond ik hiervan, wat vond ik daarvan?’ Als ik iets niet leuk vond, ze zouden het eruit halen. Zonder enige ophef. En in het Idles-boek zei Joe Talbot alleen maar: ‘Doe wat je wilt.’ Ik geloofde hem niet. Omdat mensen dat nooit echt menen, zeggen ze: ‘Doe wat je wilt, doe wat je wilt…’ Maar dan komen ze terug en zeggen: ‘Ooh ja, maar doe dat niet!’ Nee, ik moest het blijven checken Joe en hij bleven maar zeggen: ‘Ik vind het allemaal leuk.’ Dat hoor je niet zo vaak, dus je gelooft het niet. Het boek is nu uit en het ziet er geweldig uit. Ik heb het beschreven als een ‘ready brek glow’, de beelden en teksten resoneren.

KUNT U PRATEN OVER EEN BIJZONDER UITDAGEND PROJECT EN WAT U ER VAN HEBT GELEERD?

Nou, dat zou weer het vele jaren illustratiewerk zijn, daarom ben ik geen illustrator, omdat ik er een hekel aan had. Het zijn gewoon mensen die je rondduwen, het werk pakken en niet eens ‘tot ziens’ of ‘bedankt’ zeggen.

Hoe ga je om met creatieve blokkades of momenten van twijfel aan jezelf?

Ik heb geen creatieve blokkades. Er kan een tijd komen, een periode, waarin ik mij emotioneel vlak voel. Het kan uitputting zijn, het kunnen dingen zijn die rondom mij op gang komen bij vrienden of familie. En omdat ik niet bepaald zin heb om met al deze gedachten aan de slag te gaan, stop ik. Ik ben misschien nog elke dag in mijn atelier, maar ik stop met maken.

KUN JE PRATEN OVER EEN PROJECT OF WERKWERK WAAR JE BIJZONDER TROTS OP BENT?

Ik ben er trots op dat ik het nog steeds doe. Weet je, wat met alle andere verantwoordelijkheden van moeder zijn, het runnen van een huis, de was, de problemen van kinderen, bla, bla, bla. Maar ondanks alles ben ik trots op mezelf dat ik volhoud.

Je hebt samengewerkt met w. het straatposterproject van FlyingLeaps-kunstenaars sinds 2016 verschillende keren en dit jaar is jouw werk 'WORLD PEACE IS COMING (anders zijn we genaaid)' gekozen als de feestelijke boodschap van UNCLE aan de natie... Wat zou je zeggen over flyposting als medium om je kunst?

Het is een favoriet medium geworden. Want, nou, ik ga niet zeggen dat het een leveller is, en het is een cliché om te zeggen dat het de straat als kunstgalerie is, maar dat is het wel. Mensen laten zich niet intimideren omdat ze misschien een chique galerij binnengaan. Het is er, en het is openbaar, en het is een beetje ‘schreeuwerig’. Ik kan het medium niets verwijten. Ik hou ervan. Ik denk dat het een botsing is tussen mijn achtergrond in grafisch ontwerp en mijn wens om als een serieuze kunstenaar te worden beschouwd.

EINDELIJK DE HOOP, DROMEN, AMBITIES VOOR 2024 EN DAARNA…?

Oeh, mmm. Ik wil wat muziek maken. En ik wil dat, er zijn een paar dingen die ik wil doen. Ik heb een nieuw toetsenbord en dat wil ik onder de knie krijgen. Ik wil ook iets anders doen, en ik wil performancekunst zeggen, maar dat is het wel, en dat is het niet. Meer dingen die geen schilderijen of prenten zijn, maar die mijn fysieke aanwezigheid zullen hebben als onderdeel van het stuk. Ik wil dingen doen waar ik een beetje bang voor ben. Ik wil graag proberen het onderwerp ‘verwondering’ creatief aan te pakken, net als Yoko Ono.

Dus of het nu gaat om schilderijen, prenten, samenwerkingen met coole muzikanten en modeontwerpers, meer van haar eigen muziek maken of de mysterieuze voorgestelde overstap naar werk waarin de kunstenaar op de een of andere manier te zien zal zijn, het lijkt erop dat Magda Archer zichzelf zal blijven uitdagen terwijl ze aan de slag is. Tegelijkertijd blijft ze een steeds groeiend publiek verrassen, intrigeren en provoceren voor haar kunst. En uiteraard wensen wij haar met alles het beste.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken12.2312.23Modemerk Moné verliet Monaco om grote winsten te behalen met een Londense pop-up in Shoreditch.

Terug naar Functies

Niets straalt zoveel luxe uit als Monaco. Het land, hoewel klein, heeft een grote reputatie als het centrum van alles wat luxe is, en heeft zo Moné voortgebracht. Het confectiemerk is geïnspireerd op de nostalgische Rivièra-periode en ontleent zijn naam aan Monégasque, een inwoner of inwoner van het land.

De kleding zelf wordt gekenmerkt door een strak ontwerp, eenvoudige kleuren en een vleugje vintage illustraties die erop zijn geschilderd alsof de kleding een canvas is, in plaats van kleding. De stukken van Moné zijn tijdloos, met een grandioos, Europees gevoel dat – hoewel ze teruggrijpen op weelderige tijdperken – nog steeds gebaseerd zijn op moderne en relevante stijlen.

Hun nieuwste collectie is van het collectief Known Source, een modehandelaar in archiefstukken. Het duo werkt samen om hulde te brengen aan vintage subculturen die het archief en daarbuiten hebben gedefinieerd, met een vleugje klassieke Franse stijl en een verdere samenwerking met Ellie Misner & Vintage Threads voor enkele eenmalige stukken. Het culmineert in een pop-upwinkel die naar Ace Corner in Shoreditch aan de overkant van de 7 komt^th-10^th van december, evenals een evenement om dit moment te markeren.

De avond verzamelde de Londense groep vintage modeliefhebbers om zich te verdiepen in wat de collectie te bieden had. Soundtracks van een lijst met NTS-dj's en gesponsord door Patron zorgden voor een buzz in de zaal die over twee verdiepingen was verdeeld: een zwoele, donkere kelder en winkelvloer die een kijkje bood in beide merken. Of het nu ging om het kijken naar vintage Chanel of het tegenkomen van een nieuw nummer beneden, het was een aaneenschakeling van bijzondere momenten die Moné tot in de puntjes boeide.

UNCLE werkte samen met het merk om hun partnerschap naar de straten van Londen te brengen. Hun dambordcreaties maakten een statement in ons blokformaat voorafgaand aan de pop-uplancering. We spraken met het Moné-team om dieper in te gaan op de cultuur van het merk en hoe dat de creatieve richting beïnvloedt, samen met hoe het merk verbonden is met Londen en een diepe duik in het evenement en hoe het hun volgende hoofdstuk zal vormgeven.

Hoe is Moné ontstaan?

BS: Ik heb MONÉ 5 jaar geleden opgericht. Voor een plek die door de geschiedenis heen zo'n cruciale rol heeft gespeeld in de cultuur, vond ik dat er een Monégaskische vertelling van het modeverhaal van de Rivièra moest worden verteld. Ik ben vanaf mijn vijfde opgegroeid in het Prinsdom en pas toen ik in de twintig was, kon ik de invloed die de regio op de kunsten heeft gehad ten volle waarderen. Tot op heden is elke collectie die we maken een eerbetoon aan de Monégaskische invloed op de Côte d'Azur, vroeger en nu.

WAAROM IS RIVIERA NOSTALGIA IETS WAARtoe U WORDT AANGETROKKEN VOOR HET MERK?

BS: Er is een reden waarom zoveel grote artiesten – of het nu om film, kunst, muziek of mode gaat – zich altijd naar de Franse Rivièra hebben aangetrokken. Ik denk dat het altijd een plek van zowel ambitie als inspiratie is geweest. Ik had het gevoel dat er zoveel verhalen te vertellen waren – zelfs als je langs de kust van dorp naar dorp reist, reis je door zoveel verschillende delen van de geschiedenis, van Menton tot Èze tot Nice. Het ging over het vinden van manieren om een nieuwe generatie te verbinden met een gouden tijdperk van de Rivièra-cultuur, maar op een manier die niet het gevoel had los te staan van hun huidige realiteit.

HOE TREK JE ELEMENTEN UIT HET VERLEDEN EN CREËER IETS NIEUWS?

BS: Het is één ding om inspiratie uit het verleden te halen – door middel van personages, tijdperken, bewegingen enz. – maar om het te vertalen naar je eigen ideeën en stukken is iets anders. We hanteren een tweeledige aanpak: het vastleggen van de esthetiek van het erfgoed van de Rivièra – maar het opnieuw interpreteren op basis van onze collectieve smaak. Ons doel is om een uniform te creëren dat onze gemeenschap naar het vorstendom vervoert, ongeacht waar ze internationaal wonen.

WELKE ROL SPEELDE MONACO IN HET BESTAAN VAN HET MERK?

Monaco en de omliggende Rivièra hebben vanaf het begin een bepalende invloed gehad op de esthetiek van het merk. Net als veel andere grote steden is Monaco een rijk scala aan concurrerende nationale identiteiten, van de Romeinen tot de Grimaldis; elke stad heeft een grote rol gespeeld bij het vormgeven van de Monégaskische cultuur. We brengen hulde door verwijzingen naar deze concurrerende culturele invloeden, of het nu gaat om outfits op Plein Soleil van Rene Clement of posters uit de jaren 1980 uit het gouden tijdperk van Ayrton Senna – ze hebben allemaal ergens Monaco gemeen.

WELKE IMPACT HEEFT DE STAD LONDEN OP JE WERK?

Net als de stad Monaco heeft het merk nauwe banden met Londen. Sommige van mijn dierbaarste jeugdhelden hebben in beide steden vormgevende invloeden gehad, van bitterzoete herinneringen aan spelers als Henry en Anelka die in Londen gingen voetballen, tot eindeloze zomers waarin ze beroemde Engelse gezichten spotten in rustige hoekjes van restaurants aan de Riviera.

We hebben goede vrienden in de creatieve scene in Londen en de energie en het karakter van de stad zijn vaak een bron van inspiratie voor ons. We vierden de verwantschap van het merk met de stad in een recent hoofdartikel met oude vriend en supporter Danny Lomas. We wilden een liefdesbrief schrijven aan de stad Londen en de shoot plaatsvinden in bekende wijken Russell Square en Soho.

WAT ZIJN ENKELE VERBORGEN GOEDEREN IN LONDEN WAAR JE VAN HOUDT?

Nostos Coffee in Battersea voor alles wat met koffie te maken heeft. Pak een paar van hun bonen bij de Pop Up!

FAVORIETE DING AAN WONEN IN LONDEN?

De diverse lappendeken van culturele identiteiten van de stad. Door heen en weer te reizen tussen onze bases in Monaco en Londen hebben we de creatieve gemeenschap hier kunnen aanboren. Recentelijk hebben we samen met goede vriend en fotograaf Isaac Lamb gewerkt aan ons SS23-lookbook, een nieuwe voorstelling van de toeristische blik op de Côte D'Azur in de jaren tachtig en negentig.

SPEELT CULTUUR EEN SLEUTELROL IN UW CREATIVITEIT?

100%. Het merk zal altijd verbonden zijn met de subculturen van Riviera, of het nu om kunst, muziek of mode gaat. Ze herinneren ons permanent aan het blijvende belang van het gebied voor de mondiale cultuur. Een van de helden uit onze recente zomercollectie was ons Promenade Shirt – geïnspireerd op de iconische blauwe stoelen aan de Promenade des Anglais in Nice.

WAAROM HEB JE BESLIST OM JE LOCK-IN TE HOSTEN?

Nadat we tijdens een van hun vorige evenementen kennis hadden gemaakt met het Known Source-team, hadden we meteen een gedeelde obsessie voor de kleding en esthetische trends die bepaalde iconische tijdperken in het modearchief definieerden. Gecombineerd met de wens om de status quo op het gebied van wegwerpmode uit te dagen, begonnen we te dromen over hoe een partnerschap eruit zou zien. Snel vooruit 6 maanden, en hier zijn we dan. Wij geloven dat we samen een spannende invalshoek inbrengen op een winkelevenement.

WAT KUNNEN MENSEN VAN DE NACHT VERWACHTEN?

Het evenement is een viering van de mensen, merken en subculturen die een bepalende invloed hebben gehad op de mode. Verwacht vermaakt te worden door onze favoriete DJ's en drankjes.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.2312.23TOMBOYS DON'T CRY, een collet dat een gevoel van gemeenschap aantrekt, komt doordat het mogelijk is om de belangen van de progetto congregaties te dienen.

Terug naar Functies

TOMBOYS HUILEN NIET - achter de schermen

Lees in het Engels

Congregaties, het ultieme progetto van UNCLE, hebben de pop-up Lingua Lunga in Milaan gevolgd. Brenna Horrox en Ludovica Bulciolu, een verloofde van artistieke artiesten TOMBOYS DON'T CRY, hebben tijdens de avond verschillende LGBTQ+-artiesten gefaciliteerd, kunstenaars en creatieve mensen die in een grote gemeenschap kunnen samenwerken. Leg de riassunto compleet met giornata qui.

TOMBOYS DON'T CRY is een vaste fan van artiest Dafne Boggeri, DJ S/HE Mark Rebel en fotografeert Alien. Dal 2011, de fondatrici hanno “Incoraggiato avventure diurne en notturne per lesbiche sotto effectto di extase, wonder queers, assolutɜ principiantɜ e gxrls onderbroken. Speel een favoriete agenda na de identiteit van de rijst, audiovisuele en experimentele optredens, legaal alle LGBTQAIXYZ-gemeenschap”.

ONCLE heeft met de fondatrici van de collettivo-verhalen gesproken, en is zelfs van plan om een duif over te dragen, zodat de Congregaties met Lingua Lunga een mooi landgoed in Milaan hebben gepresenteerd.

UW BESLISSING VOOR HET INZIARE IL COLLETTIVO?

Na het succes van de serie met Pornflake Queer Crew, begon de eerste queer-italiaanse cominciato al het begin van de vorige eeuw, met Dafne en Mark facevano parte, en creëerde hij een verlangen naar een geweldige rappresentatie van alle interseszione in de kunst, muziek en attivismo.

KWALI SONO ALCUNI EVENTI PASSATI CHE AVETE ORGANIZZATO?

Abbiamo was bezig met verschillende progetti verschillende negli-jarigen, de organisatie van het feest, alles van een salon nagel bar brutalista (in een bar, in isstituzioni di arte contemporanea, in spazi gestiti da artisti e festival), a cartelloni pubblicitari, letture, esposizioni e pop-up voor onze grote hacker.

De afgelopen jaren heeft Abbiamo-curator op een gegeven moment in zijn neus de smaak van het sperma en de bisogno van het gebruik van ruimte ontdekt.

Abbiamo heeft al enkele mensen uitgenodigd om andere artiesten uit te nodigen om het systeem te omzeilen, de gerarchie aan te klagen en de elite te appreciëren. We zijn curator van de groep “BODY LANGUAGE” tijdens de FUORI Art Quadriennale 2022, in het Palazzo delle Esposizioni in Roma. U kunt de norm van de installatie vaststellen. Een volgende, de staat “SWITCH THE WITCH” in La Rada, Locarno, Svizzera, in 2022, heeft een onderzoek temi quali alterita', transformatie, en realisme magisch van het punt van transfemminista, enfatizzando sorellanza, verschil, en creativiteit komen Hoe dan ook, en hoe lang het ook duurt, het trauma blijft voortduren en de griep blijft bestaan.

In 2022 werd begonnen met het herdenken van een belangrijk moment voor het lot van de wereldleider in Italië. Op 5 april 1972 werd de eerste publieke discussie over het deel van de LGBTQ+-gemeenschap, in het kader van het internationale congres van de Sessuologische CIS, gedefinieerd als een “sessueel afwijkend gedrag”.

TUTTO QUELLO CHE NON C'É ANCORA, 2022, si e' svolto a “La Fossa”, een historisch punt van passaggio in het centrum van Milaan. Terwijl de stedelijke gemeenschap en de andere kant van de samenleving zich bezighouden met het restaureren van een overgangsverkeer en een sessie-incontributie. De raduno omvatte een van de meeste dagelijkse tijden en culmineerde in een XS XS-rave queer di fronte op de Triënnale van Milaan, die de geest van 1972 opleverde.

TUTTO QUELLO CHE NON C'É ANCORA, 2023, e' stato organizzato al Parco di Porta Venezia, Milaan, promuovendo delle letture informele queer, nelle quali le persone potevano spontane riunirsi per leggere i loro pezzi preferiti. Het is de vraag of de status van een gemeenschap een manier is om ruimte te creëren voor een alternatief voor versterkers. De ruimte, de hele binnenkant van een ottagonaal tuinhuisje, is semper toegankelijk tot het hele terras van de tuin.

Geloof dat het een gebeurtenis is die een belangrijke betekenis heeft voor een persoon die deelneemt aan de nieuwe manier van samenzijn.

PENSATE CHE L'ARTE E LA SCENA CULTURALE DI MILANO, RIFLETTANO LA CITTA' EI SUOI ABITANTI?

Als een kritische man zich bezighoudt met analyses en analyses van de hele internationale culturele ruimte in Milaan, is er sprake van een opzettelijke en discriminerende richting tegenover een verzadigde eccessiva van de inhoud.

Het culturele en artistieke spektakel van opera's in de oppervlakkige wereld, de oppervlakkigheid en de voortdurende ontwikkeling van programma's die een gebeurtenis met zich meebrengen, kunnen een echte gemeenschap met het territorium en de hele gemeenschap dienen. Terwijl het financiële netwerk wordt ondersteund door andere nationale en internationale entiteiten, is er een initiatief ontstaan dat fenomenen isoleert en de mate van intra-internationale ondersteuning biedt.

Als we ons bezighouden met een gevolg van een politiek scenario in het centrum van de wereld, dat niet langer controversieel is, wordt het moeilijk om dat te doen en dat is ook zo.

Bovendien is de toegankelijkheid van de ruimte beperkt tot welvaart en onvoldoende ondersteuning, waardoor individuen en groepen in een corsa kunnen blijven om andere kansen te krijgen, waardoor de integriteit van de wereld wordt aangetast.

KOM PUO' QUESTA SCENA CAMBIARE PER IL MEGLIO?

Een toekomstig licht voor Milano kan solo met een spiritueel collettivo van cambiamento optreden.

Omdat de spa niet zo eenvoudig is, is er sprake van diversificatie en democratisering van de ruimte. Zorg ervoor dat de heerschappij van de instellingen wordt geconsolideerd. Trasparenza en verantwoordelijkheid zijn van vitaal belang om de culturele ruimte te stimuleren met de interesse van de gemeenschap in de samenleving.

De kunstenaar biedt een bijdrage aan de onmisbare bijdrage van de hedendaagse samenleving, en komt niet als het gaat om diensten. Il loro was dol op de estetica van de espresso; dit model is de identiteit en de geest van een stad. Een van de anderen die Andrebbe dik vond, is om niet alleen voorwaardelijk vrij te komen, maar is in de tangibili en norm, al op de retorica.

Het is mogelijk dat er mogelijkheden zijn om een toekomstig licht te kunnen overbrengen.

DALLA VOSTRA FORMAZIONE, KOM E' CAMBIATA LA SCENA CREATIVA A MILANO?

Terwijl er geen vorm is, helpt een beetje bij het transformeren van een creatief scenario dat positief is voor de fide.

Een betekenis van betekenis is dat de individuele ruimte kleiner wordt voor de culturele expressie. Milaan, als andere stad, heeft een subitopressie van gentrificazione en commerciële zaken, die voor een onafhankelijke artiest een lastige periode kunnen zijn en culturele assistenten kunnen helpen. Als de diversiteit van uw stem wordt beperkt en de druk op een volta voorspoedigheid in de wereld wordt vergroot, kan dit een negatief effect hebben op de culturele rijkdom van de stad.

Het is veel moeilijker om in deze wedstrijd te strijden, maar het lijkt erop dat de term 'queer' wordt gebruikt, een grote opname wordt gemaakt, en de hele internationale gemeenschap van LGBTQAI+-gemeenschappen, die voor het jaar 2000 fataal werd om de fuori dello binario te accepteren .

CHE COSA HA ISPIRATO L'IDEAZIONE DEGLI EVENTI?

Het begon met de uitnodiging van curatrici Ludovica Bulciolu en Brenna Horrox om al het idee van de publieke ruimte te verspreiden, het betekent dat het traditioneel wordt en ook artistieke praktijk omvat.

Als er een idee is voor de avond, heb ik besloten om een lokale locatie te creëren en samen te werken met een ruimte met een aantal precedenten op de grens (een van de mede-fondsen van nader vast te stellen Dafne Boggeri, heeft met elkaar samengewerkt). Het delen van een antwoord op de vraag: de ruimte die het Isola Pepe Verde-eiland is, heeft een avondje uit, en is een van de laatste publieke pubblici van het Isola-district, in Milaan, en heeft een artistieke geschiedenis, oplichter die zijn beroep heeft uitgeoefend de ruimte voor de eerste voltallige periode in 2001, met de naam van Isola Art Centre, promuovendo artistieke praktijk. Terwijl het idee van de avond door een furono-enthousiasteling wordt gepresenteerd: een ritorno met een artiest, een maker en een muzikant, een ripopolare nieuwe giardino.

L'Isola Pepe Verde presenteert een gemeenschap van reclamare en transformeert de openbare ruimte. Het is een feit dat we veel vrijwilliger zijn geworden en dat het een goed idee is dat deze niet-agressieve stadspianificering kan worden ingezet.

KWAL E' LO SCOPO DELL'EVENTO?

Als u de entree van Isola Pepe Verde in een grote bocca simuleert, wordt de persoon uitgenodigd om deel te nemen aan conversaties, azioni en ascolto in een intergenerazionale rit.

Er is een tijdperk aangebroken waarin een moment van coëxistentie wordt gecreëerd en een nieuwe verhalende gemeenschap wordt gecreëerd die de macht kan delen en gebruiken om kaarten te begrijpen voor veel andere vergelijkbare situaties. We moeten de persoon in kwestie geloven en bewegen en de ondervraging van sociale normatieve normen opleggen aan de gentrificatie en privatisering van de openbare ruimte.

PERCHE' L'EVENTO E' STATO CHIAMATO 'LINGUA LUNGA'?

Volevamo werkt aan de lokale kwaliteit, het is een geografisch leven dat concettuale is. TOMBOYS DON'T CRY is een queer- en transfeministische vorm die met experimenten bezig is en die de normatieve normen van de penseert. Sommige van de namen zijn oorspronkelijk afkomstig van een terminaal Italiaans woord dat letterlijk in "lange tong" wordt vertaald, maar het is betekenisvol en lijkt op een "losse tong" of "grote mond" in het Engels. We gebruiken een figuur die een beschrijving geeft van een 'brutto atteggiamento', die niet per se informatie biedt. Bij het betwisten van de 'Lingua Lunga' wordt de druk van de druk op een deel van het bedrijf (toegepast op de longtaal) geassocieerd met pregiudizi en wordt de connotatie van een negatieve associatie met de term bevestigd.

KOM POSSIAMO ESSERE CONSAPEVOLI IN UNO SPAZIO KOM QUESTO?

Het is een groot doel om een ruimte te creëren die een positieve bijdrage kan leveren aan de hele sfeer. Terwijl we al jarenlang een gemeenschap kosten die een eenheid is, die aandacht en rispettose heeft, is het niet alleen maar een kwestie van mensen, maar in het algemeen is het ecologisch systeem in de omgeving. Zorg ervoor dat u zich inleeft en de tutto-waarde heeft.

IN CHE MODO L'EVENTO E' CONNESSO ALLA CITTA' DI MILANO?

De kleuren van TOMBOYS DON'T CRY zijn gefocust op de reikwijdte en de rand van de kaart die niet zichtbaar zijn, en impegniamo wordt steeds meer gezien op het gebied dat in de mode is van sorprendentie en de hedendaagse rispettosi.

In een stad die commerciële en privatieve commerciële activiteiten uitoefent, biedt Lingua Lunga een groene luogo voor niet-conosciuto, in een van de centrale wijken en de gentrificatie van de stad.

Zelfs het introverso van Milaan beledigt de creatie van een tastbaar moment en is toegankelijk voor de artistieke expressie, waardoor een gevoel van appartenen wordt bevorderd.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken11.2312.23TOMBOYS DON'T CRY, een collectief dat de gemeenschap wil inspireren door middel van uitingen om de Congregaties Milaan te zien ontvouwen.

Terug naar Functies

In het nieuwste project Congregations van UNCLE vond het pop-upevenement Lingua Lunga plaats in Milaan. Samen met de curatoren Brenna Horrox en Ludo Bulciolu hielp het queer artistiek platform TOMBOYS DON'T CRY de dag te faciliteren waarop een verzameling LGBTQ+ artiesten, kunstenaars en creatieven samenkwamen op een dag vol gemeenschap. Lees een volledig overzicht van de dag hier.

TOMBOYS DON'T CRY is opgericht door kunstenaar Dafne Boggeri, DJ S/HE Mark Rebel en fotograaf Alien. Ze promoten sinds 2011 dag- en nachtavonturen voor lesbiennes over extase, wonderqueers, absolute beginners en gxrls onderbroken. We hopen een post-identiteitsagenda van onderzoek, geluids-, visuele en performatieve experimenten te bevorderen die verband houden met de LGBTQAIXYZ-gemeenschap.

UNCLE sprak met de oprichters over de geschiedenis van het collectief, inclusief het begin en de gebeurtenissen uit het verleden die hen hebben geleid tot waar ze nu zijn, wat uiteindelijk heeft geleid tot de congregatie presenteert Lingua Linga in Milaan eind deze zomer.

WAAROM HEB JE BESLIST OM HET COLLECTIEF TE BEGINNEN?

Het werd geboren na de ervaring van Pornflakes Queer Crew, het eerste Italiaanse queercollectief dat begon aan het begin van de jaren 00 waar zowel Dafne als Mark deel van uitmaakten, en het werd gecreëerd uit een verlangen naar meer representatie op het snijvlak van kunst. muziek en activisme.

WAT ZIJN ENKELE EVENEMENTEN UIT HET VERLEDEN DIE JE HEBT GEZET?

We hebben in de afgelopen jaren aan zoveel verschillende projecten gewerkt, van het organiseren van feestjes tot een brutalistische nagelsalon (in een bar, in instellingen voor hedendaagse kunst, in door kunstenaars beheerde ruimtes en op festivals), tot billboards, lezingen en tentoonstellingen. en pop-ups voor onze gehackte kleding.

De afgelopen jaren hebben we evenementen samengesteld die onze kernwaarden van artistieke experimenten en de noodzaak om ruimtes in te nemen belichamen.

We hebben een aantal tentoonstellingen ondermijnd door onze uitnodiging uit te breiden naar andere kunstenaars, als een manier om het systeem, de hiërarchieën en elitaire benadering ervan te hacken. Hiervoor hebben we de groepstentoonstelling “BODY LANGUAGE” samengesteld op FUORI Art Quadriennale 2022, in Palazzo delle Esposizioni, Rome. Een initiatief dat de normen van de instelling uitdaagde. Hierna is er in 2022 ‘SWITCH THE WITCH’ geweest in La Rada, Locarno, Zwitserland, waarin thema’s als alteriteit, transformatie en magisch realisme vanuit een transfeministisch perspectief worden onderzocht, waarbij zusterschap, verschil en creativiteit als een manier van genezen worden benadrukt, terwijl tegelijkertijd de nadruk wordt gelegd op de het historische trauma dat ons leven blijft beïnvloeden.

In 2022 begonnen we een belangrijk moment in de Italiaanse mensenrechtenstrijd te herdenken. Op 5 april 1972 was er de eerste publieke vertegenwoordiging van LGBTQ+-dissidenten als reactie op het Internationale Congres voor Seksuologie van het GOS, waarin homoseksualiteit werd gedefinieerd als een “afwijkend menselijk seksueel gedrag”.

TUTTO QUELLO CHE NON C'É ANCORA, 2022 vond plaats in “La Fossa”, een historische cruiseplek in het centrum van Milaan. Te midden van de stedelijke dynamiek en de druk op gentrificatie bleef deze locatie een plek voor cruisen en seksuele ontmoetingen. De bijeenkomst omvatte een tentoonstelling overdag die culmineerde in een queer rave XS XS vlak voor de Triënnale van Milaan, die de geest van 1972 weergalmde.

TUTTO QUELLO CHE NON C'É ANCORA, 2023 vond plaats in het Porta Venezia Park, Milaan, en promootte een informele queer-lezing, waar mensen spontaan samen konden komen om hun favoriete stukken te lezen. Dit was een ode aan de gemeenschap en om ruimte te geven en alternatieve stemmen te versterken. De ruimte is gevestigd in een achthoekig prieel en is altijd toegankelijk tot het sluitingsuur van het park.

Wij geloven dat deze evenementen een betekenisvolle impact hebben gehad op de mensen die ze bijwoonden, en nieuwe manieren van samenleven hebben geïnspireerd.

WEERSPIEGELT DE MILAANSE KUNST- EN CULTUURSCÈNE DE STAD EN HAAR INWONERS?

Er is sprake van een zorgwekkend gebrek aan kritisch denken en analyseren binnen het culturele milieu van Milaan, of beter gezegd een opzettelijke (en twijfelachtige) richting in de richting van een oververzadiging van de inhoud.

De kunst- en cultuurscène opereert vaak aan de oppervlakte, waar oppervlakkigheid en het meedogenloze nastreven van een druk ‘programma’ leidden tot een overdaad aan evenementen die vaak een echte verbinding ontberen met een gebied en een gemeenschap die het zou moeten dienen. Financiële steun en netwerken die verbinding maken met andere nationale en internationale entiteiten ontbreken, waardoor evenementen en initiatieven losbarsten, bedoeld om te entertainen in plaats van te ondersteunen.

Dit gedrag is geïrriteerd en een gevolg van het zogenaamde centrumlinkse politieke landschap, dat vaak niet bestaat of vol controverses zit, waardoor het moeilijk wordt om echt te zien wie wie is en wie wat doet.

Bovendien kunnen de schaarste aan toegankelijke ruimten om te floreren en de ontoereikende steun individuen en groepen dwingen tot een race om welke kans dan ook, waarbij soms compromissen worden gesloten die de integriteit van hun werk ondermijnen.

HOE KAN DEZE SCÈNE TEN BETERE WORDEN VERANDERD?

Een betere toekomst voor Milaan kan alleen komen met een collectieve geest van verandering.

Door ruimtes te begrijpen als niet slechts locaties, diversifieer en democratiseer deze plekken. Het uitdagen van de dominantie van gevestigde instellingen. Transparantie en verantwoordingsplicht zijn van cruciaal belang om ervoor te zorgen dat culturele ruimtes worden beheerd met de belangen van de bredere gemeenschap voorop.

Creatieven moeten hun rol laten gelden als onmisbare bijdragers aan het weefsel van de hedendaagse samenleving, en niet als spelers die alleen kunnen worden uitgebuit als dat nodig is. Hun werk gaat veel verder dan esthetische expressie; het vormt de identiteit en ziel van een stad. Er moet een poging worden gedaan om erkenning te zoeken, niet alleen door woorden, maar door tastbare daden en beleid, die verder gaan dan retoriek.

Deze synergie biedt het potentieel om een betere toekomst tot stand te brengen.

HOE IS DE CREATIEVE SCÈNE IN MILAAN VERANDERD SINDS JE OPRICHTING?

Sinds onze oprichting zijn we getuige geweest van een transformatie in de creatieve scene van Milaan, die wordt gekenmerkt door zowel positieve ontwikkelingen als uitdagingen.

Een belangrijke verandering is de afname van onafhankelijke ruimtes voor culturele expressie. Milaan heeft, net als veel andere steden, te maken gehad met de druk van gentrificatie en commercialisering, waardoor het voor onafhankelijke kunstenaars en culturele actoren steeds moeilijker is geworden om betaalbare locaties te bemachtigen. Deze verschuiving heeft de diversiteit aan stemmen en uitingen die ooit in dergelijke ruimtes floreerden beperkt, wat mogelijk een impact heeft op de algehele culturele rijkdom van de stad.

Het is heel moeilijk om hier te overleven, maar we hebben gemerkt dat het bewustzijn van de term 'queer' is toegenomen, wat heeft geleid tot meer inclusiviteit, zelfs binnen de LGBTQAI+-gemeenschap, die begin jaren 2000 moeite had om iemand buiten het binaire spectrum te accepteren.

WAT INSPIREERDE DE EVENEMENTENCONCEPTIE?

Het begon allemaal met de uitnodiging van curatoren Ludovica Bulciolu en Brenna Horrox om te werken aan het idee van openbare ruimtes, wat ze betekenen en hoe ze te vertalen en op te nemen in artistieke praktijken.

Bij het verzamelen van ideeën voor het evenement hebben we besloten iets lokaals te doen en ons bezig te houden met een ruimte die we al eerder hebben gekruist (een van de medeoprichters van TBD'C, Dafne Boggeri, heeft in het verleden met hen samengewerkt). We geloofden dat we een wederzijdse inspiratie konden delen uit: de zelfbeheerde tuinruimte van Isola Pepe Verde, die het evenement organiseerde, is een van de laatste openbare groene ruimten in de wijk Isola, in Milaan, en komt voort uit een lange geschiedenis in de kunst, met kunstenaars die de ruimte voor het eerst bezetten in 2001 onder de naam Isola Art Center, terwijl ze creatieve praktijken promootten. Toen we het idee van het evenement presenteerden, waren ze enthousiast: een cirkel terug naar het begin, kunstenaars, makers en muzikanten, die weer in de tuin woonden.

Isola Pepe Verde vertegenwoordigt een gemeenschapsinspanning om de openbare ruimte terug te winnen en te transformeren. Het wordt verzorgd door het werk van vele vrijwilligers en is het perfecte voorbeeld van een plek die nog steeds bestaat ondanks de agressieve bouwplannen eromheen.

WAT IS HET DOEL VAN HET EVENEMENT?

We transformeerden de ingang van Isola Pepe Verde symbolisch in een grote mond, waar mensen werden uitgenodigd om binnen te komen en deel te nemen aan gesprekken, acties en luisteren in een intergenerationele bijeenkomst.

Het doel was om een moment te creëren om naast elkaar te bestaan en nieuwe gemeenschapsverhalen te creëren die vervolgens konden worden gedeeld en gebruikt als een cruciale ervaring voor vele andere soortgelijke gebeurtenissen. We moedigden mensen aan om hun zintuigen, bewegingen en verlangens te verkennen door normatief sociaal gedrag in twijfel te trekken, opgelegd door gentrificatie en privatisering van openbare ruimtes.

WAAROM HEEFT HET EVENEMENT 'LINGUA LUNGA' genoemd?

We wilden aan iets lokaals werken, zowel geografisch als conceptueel. TOMBOYS DON'T CRY is een queer transfeministisch platform dat experimenteert en normatieve houdingen en manieren van denken probeert uit te dagen. Onze naamkeuze komt voort uit de toe-eigening van een Italiaanse informele term die letterlijk vertaald wordt met ‘lange tong’, maar de betekenis ligt dichter bij ‘losse tong’ of ‘grote mond’ in het Engels. Deze naam wordt gebruikt als stijlfiguur om iemand te beschrijven met een 'slechte houding', iemand die geen informatie voor zichzelf kan houden. In de context van het evenement probeert 'Lingua Lunga' de uitdrukking die verwijst naar een misvormd lichaamsdeel (inderdaad de lange tong) dat geassocieerd wordt met vooroordelen terug te winnen, en in plaats daarvan de negatieve connotaties die aan de term verbonden zijn, uit te dagen.

HOE KUNNEN WE MINDFUL ZIJN IN EEN RUIMTE ALS DEZE?

Ons grootste doel is om een veiligere ruimte te creëren waarin iedereen betrokken kan zijn en een positieve bijdrage kan leveren aan de sfeer. Door de jaren heen hebben we een gemeenschap kunnen opbouwen die zich bij ons aansluit en die rekening houdt met en respectvol is voor anderen, niet alleen voor mensen, maar ook voor planten en het algehele ecosysteem eromheen. Empathie is misschien wel de sleutel tot dit alles.

HOE IS DIT EVENEMENT VERBONDEN MET DE STAD MILAAN?

TOMBOYS DON'T CRY werk richt zich op het ontdekken en terug op de kaart brengen van plaatsen die vergeten of ongezien zijn, en we steken veel moeite in het werken aan het gebied en het activeren ervan op verrassende maar respectvolle manieren.

In een stad waar commerciële en privéruimtes de macht hebben overgenomen, bood Lingua Lunga een kijkje in een grotendeels onbekende groene ruimte in een van de meest gecultiveerde en gentrificeerde wijken van de stad.

Het evenement richtte zich op het introverte karakter van Milaan door een tastbaar en toegankelijk moment voor artistieke expressie te creëren, waardoor een gevoel van verbondenheid werd bevorderd.

Lees in het Italiaans

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2312.23Kunstenaar Charlotte Smith gebruikt een gedurfde samensmelting van stilistische keuzes om tot een gesprek te komen.

Terug naar Functies

Charlotte Smith heeft een tentoonstelling in Noho Showrooms die loopt tot en met zondag 29^th Oktober met haar werkelijk unieke aanbod. Geïnspireerd door klassieke sigarettenverpakkingen en door parallellen te trekken tussen Shakespeare-literatuur en het hedendaagse consumentisme, zijn haar stukken indrukwekkend. In haar woorden “verkochten de sigarettenfabrikanten aan de consument wat in feite vergif was, verpakt in een mooie doos. Er is iets macabers, maar ook... durf ik te zeggen, indrukwekkend aan deze leugen. Voor deze tentoonstelling heb ik ontdekt dat de thema’s van Shakespeare, macht, hebzucht en sterfelijkheid echt tot uiting komen in Big Tobacco.”

De erfenis van Shakespeare op het gebied van de moderne cultuur wordt niet gemakkelijk genegeerd, maar net zo vaak als positieve aanwezigheden zich met de samenleving verweven, geldt dat ook voor negatieve. De tabaksindustrie is het dagelijks leven van de consument binnengedrongen en is nooit echt verdwenen, zelfs niet na mandaten en nieuwe feiten die de gevaren schetsten – vooral vergeleken met wat een halve eeuw geleden bekend was. Hoewel het vergelijken van Macbeth en andere Shakespeare-referenties met sigaretten in eerste instantie een beetje buitensporig kan lijken, is het bij nader inzien zeker zinvol, aangezien beide kernonderdelen van de menselijke tijdsgeest zijn geweest. Hun thema's overlappen elkaar, vooral in de handen van Smith, die het gesprek op gang brengt rond het onderwerp geschiedenis dat zich op – laten we eerlijk zijn – mysterieuze manieren herhaalt.

UNCLE werkte samen met Smith om de straat op te gaan dat er iets groots aan de hand was – en met een pittige limoengroene poster werden de straten opgefleurd. We hebben een fotoshoot van haar gemaakt met de kunstwerken in het hart van Shoreditch, en daarna de details van het thema van de show en de Londense banden met een interview.

Hoe is de naam 'THE SHAKESPEARE TOBACCO COMPANY' ontstaan?

Ik begin nooit een oeuvre met de naam van de tentoonstelling, ik begin met een thema en een paar ideeën voor enkele schilderijen, ik ben meestal vijf schilderijen verder voordat ik een naam voor de tentoonstelling bedenk. Ik wilde iets pittigs en een beetje dramatisch. Ik hou wel van het idee dat iemand langs de galerie loopt en het zonder context ziet en een beetje in de war raakt over de vraag of we wel of niet daadwerkelijk sigaretten verkopen. Alsof ze een alternatief universum binnenstappen waar mijn schilderijen een echt product zijn; we hebben zelfs een satirische sigarettenreclame uit de jaren 60 gefilmd voor de capuletdoos.

WAT TREKT U IN HET BIJZONDER NAAR SIGARETTENMERKEN OM EEN VERGELIJKING MET ANDERE DINGEN TE MAKEN?

Mijn eerste tentoonstelling in 2021 'I Quit Last Week', was een verzameling van de klassieke sigarettendoosjes uit de jaren '60 en '70. Merken als Marlboro zijn zo intrinsiek verbonden met de American Dream. Het idee dat als je een bepaald sigarettenmerk rookt, je in de schoenen stapt van een cowboy, een filmster, een honkbalspeler. De sigarettenfabrikanten verkochten wat feitelijk vergif was aan de consument, verpakt in een mooie doos. Er is iets macabers, maar ook... nogal, durf ik te zeggen, indrukwekkend aan deze leugen. Voor deze tentoonstelling vond ik dat de thema's van Shakespeare, macht, hebzucht, sterfelijkheid echt terug komen in Big Tobacco.

WAAROM SPEELT KLASSIEKE LITERATUUR EEN GROTE ROL IN UW KUNSTWERK?

Ik heb literatuur en creatief schrijven gestudeerd aan de universiteit. Als kind wilde ik romans schrijven. Ik denk dat literatuur iets is waar ik van nature referenties uit haal, omdat het iets is dat de basis heeft gelegd voor mijn leven als jonge volwassene.

HOOPT U DAT HET PROVOCATIEVE THEMA VAN UW ONTWERPEN VOOR BEWERING ZAL VEROORZAKEN?

Ik denk dat als je probeert kunstwerken te maken, het je bedoeling is om een soort reactie bij het publiek op te roepen. Maar ik probeer mijn werk satirisch en speels te houden!

WAT IS UW ASPIRATIE VOOR DE TENTOONSTELLING?

Ik wil mijn werk met mensen delen, ik breng het grootste deel van het jaar alleen door in de studio, dus het is fijn om een plek te hebben waar ik contact kan maken met degenen die mijn werk volgen en de mogelijkheid heb om de schilderijen op te hangen in een speciaal samengestelde ruimte door mij!

VERTEL ONS OVER HOE U UW OPVALLENDE STIJL EN THEMAKEUZES VOND?

Ik ben erg geïnspireerd door de branding en advertenties uit de jaren zestig, dus al mijn dozen hebben een essentie van die tijd. Ik hou van het verweerde uiterlijk van de dozen; Ik probeer het gevoel na te bootsen dat de doos al een tijdje in de achterzak van iemands spijkerbroek heeft gezeten! Een paar dozen (met name de Capulet en Montague) zijn enorm geïnspireerd door middeleeuwse hofschilderijen. Ik ben een geschiedenisnerd, dus ik wilde een klein stukje van die kant weerspiegelen in mijn interesses.

WAAROM WORDT U GETROKKEN DOOR DE STYLISTISCHE KEUZES DIE U BENT? KLEUR, RELIËF, VORMEN ENZ....

Deze tentoonstelling bestaat uit olieverfschilderijen. Ik ben dol op de rijkdom en diepte van de kleuren die je kunt bereiken, en ik gebruik vaak bladgoud, wat bijdraagt aan dit weelderige resultaat. Mijn zeefdruk Macbeth-stukken zijn in drie kleurstellingen: zwart, rood en neongroen. Het idee voor het neongroen kwam eigenlijk voort uit de kleur van het scherm tijdens het zeefdrukproces, ik vond het er geweldig uitzien en ik wilde een 'klap in het gezicht' met de impact van de kleur – ik denk dat we dit hebben bereikt ha! Voor deze tentoonstelling heb ik de meeste sigarettendoosjes ontworpen, dus ik heb gezocht naar ontwerpwerk uit de jaren 60/70, aangezien deze tijdperken het qua stijl echt voor mij doen! Ik heb geprobeerd elk doosontwerp eenvoudig maar indrukwekkend en interessant te maken.

WAT WAS JE BEDOELING MET HET POSTERONTWERP?

Voor het posterontwerp heb ik gekozen voor de neongroene zeefdruk van de Macbeth. Het neongroene is indrukwekkend en zal opvallen als een pasta in de stad. Het verhaal van Macbeth fungeert als een weerspiegeling van de sigarettenindustrie. Door de ogen te sluiten voor moraliteit voor macht en winst, vertegenwoordigt dit beeld voor mij wat de tentoonstelling probeert over te brengen in één opvallend kunstwerk.

HOE HEEFT LONDEN UW DESIGNCARIÈRE GEVORMD NA UW HIER TE VERHUREN EN VINDT U INSPIRATIE IN DE STAD?

Ik denk dat je omringen met creatieve en gedreven mensen het meest waardevolle is. Londen is echt een stad van allemaal verschillende mensen met verschillende achtergronden die een of andere droom komen najagen. Het vinden van mijn mensen in deze stad is voor mij als kunstenaar het belangrijkste geweest. Ik hou van de straatkunst in en rond Londen, of het nu een dikke muurschildering is of een sticker die op de achterkant van een lantaarnpaal is geplakt. Het schrijven van borden is voor mij een grote uitdaging, mijn camerarol zit vol met foto's van de achterkant van rijdende taxi's, winkelpuien, bakkerijen, kleermakers. Het is een uitstervende kunst, dus als ik handgeschilderde borden zie, waardeer ik het echt MEER VAN DAT ALSTUBLIEFT!!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken10.2312.23Indie Sleaze uit de jaren 2000 tot leven gebracht in We Are Your Friends 01 door fotograaf Rebecca Thomas.

Terug naar Functies

Documentaire fotograaf Rebecca Zephyr Thomas heeft haar carrière doorgebracht met het vastleggen van openhartige momenten in de hoop de kracht te laten zien die je vindt in het doen waar je van houdt. In haar eigen woorden richt haar werk zich op “het verbinden met mensen en het vertellen van verhalen over de passies die ons als individu in vuur en vlam zetten. Het gaat erom te ontdekken wat vreugde brengt in het alledaagse en die energie vast te leggen”.

Haar project We Are Your Friends 01 onderzoekt het thema Indie Sleaze en toont een verzameling foto's die eind jaren 2000 zijn gemaakt en die niet alleen een bepaald moment lijken vast te leggen, maar ook de jeugdcultuur van dat moment weerspiegelen via een feministische lens. Nu het als zodanig een heropleving beleeft, is het interessant om de Indie Sleaze-periode uit te splitsen en te bepalen hoe deze vandaag de dag in de samenleving past, en na te denken over wat het toen betekende. Thomas lanceert een zine ontworpen door een door vrouwen gerunde studio Wilde Oche waarin de fotografiecollectie te zien is naast een posterserie.

We spraken met Thomas om dit te bespreken, evenals de impact die Londen op de collectie had en waarom het nu eindelijk tijd was om de beelden vrij te geven. Daarnaast gebruikte UNCLE vier blokken papier om haar afbeeldingen in belangrijke hotspots van Oost-Londen, zoals de Shoreditch-tunnel, in lagen te leggen om de locaties weer te geven waar Thomas zich op dat moment concentreerde. Op de afbeeldingen zijn enkele foto's te zien die Thomas zelf heeft gemaakt met de originele camera die voor de serie is gebruikt.

HOE IS DE NAAM 'WIJ ZIJN JE VRIENDEN' ONTSTAAN?

Ik wilde dit project een naam geven die aansluit bij het gevoel dat ik kreeg toen ik voor het eerst naar Londen verhuisde, en even later naar Oost-Londen. Ik herinner me dat het nummer 'We Are Your Friends' van Justice vs. Simian op de achtergrond stond tijdens veel van mijn avondjes uit in Oost-Londen. Het leek wel Marcel Proust en zijn Madeleins! Door dit nummer krijg ik zin om wat te gaan drinken in de Griffin pub, dus het is een soortgelijk gevoel. Het was nooit een nummer dat ik thuis zou hebben beluisterd, maar het doet me denken aan het gevoel dat je krijgt aan het begin van een avondje stappen als je als twintiger bent en je geen idee hebt wat de avond zal brengen, maar het is waarschijnlijk een soort enigszins louche avontuur. De titel heeft ook te maken met het feit dat de meeste afbeeldingen van mensen in mijn bredere archief vrienden zijn, of op zijn minst vrienden van vrienden, van wie ik er velen heb ontmoet tijdens een avondje uit.

WAAROM BESLOTEN JE DAT NU HET TIJD WAS OM TE PUBLICEREN EN HOE KOMT DIT OVER?

Er is een hernieuwde belangstelling voor de stijl en de popcultuur van de jaren 2000, wat daar een onderdeel van is. Ook de veranderende aard van Oost-Londen speelde een rol. Er is genoeg tijd verstreken om dit tijdperk interessant te maken; de foto's laten een heel ander beeld zien van Shoreditch en Oost-Londen, een kijk voordat grote bedrijven en merken er hun intrek namen en er meer gemeenschapsgevoel was. Ik werk aan een groter project dat de periode 2005 tot 2015 bestrijkt, opgenomen in Oost-Londen, maar het voelde goed om te beginnen met de documentaire portretten van tieners op The Underage Festival, omdat dat de mensen zijn die echt de jeugdcultuur van die tijd vertegenwoordigden. Ik vind het zo interessant om terug te kijken en de kleine veranderingen te zien, bijvoorbeeld de manier waarop mensen midden in de zomer dikke zwarte panty's droegen naar een muziekfestival!

Had u het gevoel dat u een beweging vastlegde die zich schijnbaar in de populaire cultuur zou herhalen?

Ik was me hier niet van bewust toen ik de foto's maakte, maar het is een natuurlijke cyclus van de popcultuur, waarin ideeën en tijdperken weer in de mode komen. Toen ik een tiener was, was ik behoorlijk geobsedeerd door de film Dazed and Confused en de discomuziek van Studio 54, die beide over de jaren zeventig gaan, en niet over de huidige tijd waarin ik leefde. Ik denk dat de cultuur van vroeger mij waarschijnlijk aanspreekt. mensen die zich een beetje afgesneden voelen van wat de mainstream van die tijd is.

WAAROM HEB JE DEZE FOTO'S destijds gemaakt?

Ik was net begonnen met fotograferen voor iD magazine en een van mijn eerste verhalen ging over Sam Kilcoyne, de oprichter van het festival en de club die hij vóór het festival voor tieners leidde, dus ik had al interesse en enkele connecties. Ik herinner me nog dat ik de tweede keer dat ik ging, in 2008, besloot dat ik vooral vrouwelijke fans en muzikanten wilde fotograferen, en in de zine die ik heb gemaakt, bestaan het voornamelijk uit vrouwelijke portretten. Ik was me halverwege de jaren 2000 bewust van het seksisme in de muziekindustrie en ik wilde heel graag vrouwen fotograferen op dezelfde manier als mannelijke muzikanten werden geportretteerd, en ze niet seksualiseren of er schattig uit laten zien. De creativiteit van vrouwelijke artiesten in deze tijd werd bijna over het hoofd gezien of geminimaliseerd, maar je zou kunnen stellen dat de belangrijkste artiesten van die tijd Florence en Amy Winehouse zijn. Pete Doherty heeft misschien de aandacht van de pers getrokken, maar de muziek van deze artiesten is wat heeft geduurd .

WAT WAS JE INTERESSE IN DE 'INDIE SLEAZE'-BEWEGING?

Het 'Indie Sleaze'-label is gewoon iets dat de laatste tijd aan de tijd is gehecht, niemand noemde het indie-sleaze in de jaren 2000, het was gewoon het normale leven! Ik was toen nog geen grote fan van indiemuziek, ik vond de meeste mannelijke indiebands toen al ongelooflijk ineenkrimpen. Ik hou wel van de manier waarop indie-sleaze gebaseerd is op goedkoop plezier en dat het een relatief democratische look is die gemakkelijk toegankelijk is.

Brengt deze heropleving van dit mode-tijdperk enige nadelen met zich mee?

Ik denk dat het belangrijk is om te kijken naar de bredere betekenis van elke tijd die nieuw leven wordt ingeblazen; het seksisme en de vrouwenhaat van de jaren 2000 zijn iets waar we nu naar moeten kijken om dit te verbeteren; dit deel van het tijdperk is de laatste tijd veel besproken met de niet verrassende onthullingen van het gedrag van Russell Brand gedurende die tijd. Indie Sleaze wordt ook gezien als een hedonistische tijd en dat heeft ook zijn problemen. Persoonlijk zou ik willen dat ik niet zo hard had gefeest als in de jaren 2000!

HEEFT HET BESLUIT OM DEZE WERKEN TE PUBLICEREN VERBAND HOUDEN MET DEZE OPNIEUW?

Kortom: ja, ik wil werk in de wereld zetten waarmee mensen zich verbinden en dat hen vreugde schenkt, dus timing is daar een onderdeel van. De foto's in We Are Your Friends 01 en de Jack Arts-postercampagne gaan over het vinden van vreugde in het dagelijks leven. Het zijn afbeeldingen van mensen buiten, in de groene ruimte, die met elkaar in verbinding staan via muziek, en dat is allemaal een primaire menselijke behoefte! Ik hoop dat dit aansluit bij mensen die door Oost-Londen lopen en gewoon van deze beelden genieten.

WAAROM WAS JE CREATIEF TOT DOCUMENTAIRE FOTOGRAFIE?

Ik ben opgegroeid met het werk van Diane Arbus en Nan Goldin, twee van de meest invloedrijke vrouwelijke documentairefotografen. Ik hou van de mix van de rauwe realiteit met het onverwachte, want zo is het leven! Ik had ook een hekel aan de hiërarchieën van professionele fotografie, ik wilde mensen in hun eigen omgeving kunnen fotograferen en echt contact kunnen maken met de mensen op de foto's. Ik vind Londen en de Londenaren eindeloos inspirerend, en dat vind ik nu nog steeds. Ik hou ervan dat excentriciteit en individualisme floreren in grote steden. Ik denk dat als je ergens vandaan komt dat visueel conservatiever is, zoals Nieuw-Zeeland, dit een deel van de reden is dat je naar een grote stad verhuist.

HOE IS DIT PROJECT VERBONDEN MET DE STAD LONDEN?

Het project is nauw verbonden met Oost-Londen! Ik was een echte Oost-Londense persoon gedurende de jaren dat ik deze beelden maakte; ik ging zelden naar West-Londen. De meeste van mijn foto's zijn overdag op straat of in pubs gemaakt. Ik kon me geen studioruimte veroorloven en was niet echt geïnteresseerd om daarin te fotograferen, dus bevond ik me op straat of op welke vrije locatie dan ook die ik kon vinden. De foto's laten zien hoeveel het gebied is veranderd sinds ik ze heb gemaakt, ik heb een reeks van laatste nachten, dus gisteravond van The Joiners Arms, gisteravond van The George and Dragon, deze foto's gaan over de veranderende aard van het nachtleven in Oost-Londen .

IS TEGENCULTUUR SYNONIEM MET OOST-LONDEN?

Ik denk dat dat was toen ik deze beelden maakte, en dat is tot op zekere hoogte nog steeds zo, maar ik denk dat tegenwoordig de meeste artiesten en creatieven uit Oost-Londen zijn geprijsd en dat je de tegencultuur eerder ergens anders zult vinden. huur is goedkoper.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2309.25Congregaties Milaan en een LGBTQ+ collectief creëren een dag vol artistieke expressie.

Terug naar Functies

Verscholen in het hart van de stad Milaan ligt Isola Pepe Verde; wat alleen maar omschreven kan worden als een oase voor de stadsganger die op zoek is naar een moment van rust. Dit was dus de perfecte setting voor UNCLE om Lingua Lunga te presenteren TOMBOYS HUILEN NIET. Dit is het eerste Milano-hoofdstuk van GEMEENTEN. Dit project werd samengesteld door Ludovica Bulciolu en Brenna Horrox in samenwerking met UNCLE. In afwachting van het evenement hebben we Milaan met posters bedekt.

Op deze dag kwamen een groot aantal creatieven samen in een viering van meerdere media, waarbij de nadruk vooral lag op het bieden van een platform aan artiesten uit de LGBTQ+-gemeenschap. Voorafgaand aan het evenement werd een zine geproduceerd, klaar voor lancering, met daarin het korte verhaal Darkroom Maria Giovanna Drago zowel in het Italiaans als in het Engels. Het evenement begon met het voorlezen van de tekst in het Italiaans aan de menigte en beschreef hoe Drago door de stad Milaan het kiesrecht werd ontnomen totdat hij een ondergrondse wereld van acceptatie ontdekte in een donkere kamer. De lezing “reflecteerde op de behoefte aan intieme ruimtes in de stad en hoe het creëren van ruimtes voor vreemde lichamen om sensueel te zijn en verbinding te maken in het donker hun gevoel bevestigde sterker te worden in het licht. Het deed ons denken aan het werk van homo’s tien jaar en langer geleden bij het uithakken van ruimtes in een nog vijandiger omgeving.” De zine bevat illustraties van Giorgia Rachel Donnan, die later portretten in karikatuurstijl van de aanwezigen tekende en de poster van het evenement ontwierp.

Na deze lezing was er een optreden van “KXIREN die hun geluidsstuk speelden, Fuk Fuk – het was doorweven met geluiden en ritmes van batuku en funana, twee Kaapverdische muziekstijlen die in de openbare ruimte verboden waren terwijl ze in de bergen werden bestreden, hemelse witte geluiden, evenals een gedicht dat de kunstenaar schreef terwijl hij in Italië in het openbaar met racisme te maken kreeg instellingen. Het geluid vulde en trilde door de tuin, met momenten om te dansen en momenten om stil te staan bij de sombere realiteit van hoe het voelt als een vorm van menselijke expressie van mensen wordt ontdaan.”

De ruimte zelf was versierd met stoffendesign uit Vechtendiscotinha, waar kleurrijke doorbraken tussen het groen te zien waren, de perfecte achtergrond voor een lezing Sandra Malecane, wat een intiem verhaal was over seks, acceptatie en liefde. De dag werd afgesloten met Adèle H en een luistersessie van haar nieuwe album 'Impermanence' waarvan genoten werd terwijl de zon onderging op Lingua Lunga.

De dag was een ware weerspiegeling van de Milanese cultuur, waarbij welkome gezichten van alle creatieve facetten vertegenwoordigd waren. Van gemakkelijke kameraadschap over salielimonade tot de gemeenschap die danst op de klanken van de avond. UNCLE zal zich blijven verdiepen in Congregaties met een interview met TOMBOYS DON'T CRY en de curatoren van het evenement om de impact die het had op de stad en het doel achter de dag te laten zien. Bekijk deze ruimte.

We spraken met de curatoren Ludovica Bulciolu en Brenna Horrox over hun reflectieve gedachten van de dag.

WAAROM WAS LINGUA LUNGA ZO BELANGRIJK?

In de kern was Lingua Lunga een reflectie op wat publieke ruimte is? Niet alleen is er door de privatisering sprake van een daadwerkelijke afname ervan, maar zelfs de ruimtes die 'openbaar' zijn, hebben daar misschien niet zo'n zin in; ze laten niet veel ruimte over voor de mogelijkheid van interactie, spontaniteit en het gevoel ergens bij te horen. Lingua Lunga had het gevoel dat het deze mogelijkheid creëerde.

HOE HEEFT DE RUIMTE HET GEBEURTENIS BEÏNVLOED?

Er waren interventies midden in de tuin. Het doel was niet om de ruimte over te nemen, maar om ermee te werken, door verschillende texturen, visuals en vibraties te tatoeëren in de volkstuin, tuin en gemeenschapscentrum dat Isola Pepe Verde was.

WERD DE GEMEENSCHAP VAN MILAAN DOOR DE DAG GERAAKT?

De tuin bleef zoals gewoonlijk open, met de typische menigte van gezinnen, kinderen, vrijwilligers die de ruimte onderhouden en dagwandelingen die er doorheen stroomden. Er voegde zich een nieuw publiek bij, zij die het collectief Tomboy Don't Cry kenden en de artiesten die bij die dag betrokken waren. Velen die nog nooit van deze unieke vrije ruimte hadden gehoord en dankbaar waren dat ze er kennis mee hadden gemaakt. Ze zeiden dat het zeer zeldzaam was voor Milan.

HOE VERTEGENWOORDIGDE DE LIJN VAN CREATIEVEN DE THEMA'S VAN DE DAG?

Deze werken van kunstenaars droomden van hoe we willen dat de openbare ruimte aanvoelt en onthullen tegelijkertijd de realiteit dat voor zovelen het vermogen om zichzelf te zijn in het openbaar nog steeds moeilijk te vatten is. Lingua Lunga vierde de kracht van het samenkomen en samenkomen om een sfeer te creëren die tegengesteld is aan homogeniteit. Vreemdelingen naast vrienden naast gemeenschappen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2312.23Rebel Reel Cine Club herdefiniëert de meeslepende theaterervaring door de grenzen te verleggen van wat er wordt verwacht.

Terug naar Functies

UNCLE is een partnerschap aangegaan met Rebel Reel Cine Club voorafgaand aan de vertoning van 'Northern Soul', de eerste speelfilm van regisseur Elaine Constantijn. De vertoning wordt gevolgd door een gesprek met Elaine en sterren Josh Whitehouse en Elliot James Landridge waarvan de laatste zijn debuut maakte in de film. We hebben Londen bedekt met de poster van het evenement om enige zichtbaarheid te geven aan de filmclub en zijn voortdurend verfrissende output.

Oprichter Chris McGill startte Rebel Reel Cine Club om licht te werpen op projecten die vooruitstrevend zijn en de norm uitdagen. Het was zijn bedoeling om de verbeelding aan te wakkeren van degenen die getuige waren van zijn aanbod. Hij stelt line-ups samen op basis van zijn eigen vermogen om gebruik te maken van de cultuur en het wezen, dus hij is perfect geplaatst om films te selecteren die de conventies trotseren. Zijn selecties variëren van ‘Cult Classics, ArtHouse Independent, Oddball Comedies, Forgotten Gems, Obscure Documentaries en Life On Film’.

De film zelf is tien jaar oud en de vertoning viert de verjaardag van de release en voegt nieuwe context toe. McGill zegt dat zijn evenementen “zowel een sociale club als een vertoning zijn” en het is deze toon die zijn evenementen onderscheidt. Regisseur Constantine zelf staat “bekend om haar ongeëvenaarde vermogen om de bekende rituelen, kinetische energie en pure magie van de Britse jeugd vast te leggen” en deze film belooft deze thema’s waar te maken en tegelijkertijd Northern Soul vast te leggen.

Op de 27e kun je de film, Q&A en volgende DJ's bekijken^th September in de Rio Cinema in Kensington. Bezoek hun website voor meer informatie over aankomende en eerdere pop-upvertoningen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2312.23Design Kan willen dat creatieve werkplekken de wereld om hen heen weerspiegelen.

Terug naar Functies

UNCLE is een partnerschap aangegaan met Ontwerp kan over hun nieuwe gelijkheidscampagne met de krachtige slogan 'Gebruik jij je macht?' om een stempel te drukken op de straten van Londen. De campagne vindt plaats tijdens het London Design Festival, waarbij de blauw-witte schaakbordposters een statement maken tegen de ongelijkheid op de werkvloer, vooral in de creatieve industrie.

De campagne moedigt mensen aan na te denken over hun eigen kracht en hoe deze ten goede kan worden gebruikt als je de kans aangrijpt. De aanleiding hiervoor was een recent onderzoek van Design Can waaruit bleek dat instellingen met een 'leiderschapscrisis' te kampen hebben. Velen gaven aan dat er sinds 2019 niets is veranderd als het gaat om wie de hoogste functies in hun gemeenschap bekleedt. De bedoeling achter de campagne is om bedrijven de wereld om hen heen te laten weerspiegelen in termen van ras, geslacht, handicap, klasse en leeftijd.

Het kunstwerk verwijst naar het feit dat, waar je ook zit op je werkplek, je de mensen om je heen nog steeds kunt beïnvloeden om meer inclusieve keuzes te blijven maken, iets dat de norm zou moeten zijn. Gebruik je kracht omdat je het kunt... Design Can. De slogan is proactief, en dat moet ook zo zijn: er moet een oproep tot actie komen om de sector als geheel te bereiken.

Oprichtster van Design Can Sabine Zeletter versterkte de positieve verandering die ze sinds hun oprichting hebben doorgevoerd –

“Sinds de lancering in 2019 heeft Design Can samengewerkt met individuen en instellingen in de creatieve sector. Het werd opgericht om mensen te ondersteunen bij het naleven van de waarden die zij beweerden te koesteren. Nu roepen we iedereen op die een inclusieve sector wil zien. De tijd voor verandering is nu.”

UNCLE heeft meer dan 400 locaties verspreid over de stad Londen opgezet en deze gegroepeerd in designhotspots om ervoor te zorgen dat de levering zo impactvol mogelijk was en om solidariteit te tonen met de boodschap ervan.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2312.23Hoe de impact van een wereldwijde campagne het verschil maakte voor modemerk Horrox.

Terug naar Functies

Horrox heeft de modescene opgehitst met een postercampagne die internationaal opduikt met dank aan UNCLE. Onze voortdurende samenwerking met het androgene kledingmerk lijkt een goed moment om kennis te maken met de effectieve en gevarieerde methoden die UNCLE in steden over de hele wereld gebruikt om campagnes te creëren die de moeite waard zijn om over te praten.

Londen is de basis van het bestaan van UNCLE; we zijn geboren in het rebelse begin van het vliegformaat, het zijn onze wortels. Onze mentaliteit voor onze thuismarkt is vaak 'go big or go home', waarbij we al onze formattypes gebruiken om een hoogfrequente en verzadigde campagne door de hele stad te creëren. Of het nu gaat om drie reclameborden op rij voor een straatovername of om een plakbord om te spelen met een unieke vierkante advertentie, Horrox profiteerde van alles wat deze stad te bieden heeft.

De Europese markten zelf dragen allemaal individualistische elementen met zich mee die op zichzelf al iconisch zijn. Amsterdam zorgt altijd voor een campagne die de overstap maakt naar de digitale wereld. Omdat het een stad is die zo direct herkenbaar is, doen onze sites wonderen via sociale kanalen. Barcelona, een zonnig toevluchtsoord waar pilaren door de menigte snijden, en veel voetgangersverkeer is altijd op de kaart voor degenen die hier tentoongesteld worden. Altijd de publiekstrekker is Berlijn, een gewild mekka voor merken die van een voorsprong houden, onze sites hebben een industriële uitstraling, en deze korreligheid voegde zeker een gevoel van intriges toe aan de Horrox-campagne zelf. Milaan – een van de modehoofdsteden ter wereld – de zonnige straten en het verfijnde ontwerp van de site leiden altijd tot een strak ogend resultaat voor campagnes, een favoriet van merken die voor klasse gaan. Ten slotte hebben we Parijs, waarvan misschien wel het belangrijkste kenmerk de context is die daarmee gepaard gaat: alles wat mode nodig heeft, moet hier aanwezig zijn. Een combinatie van deze steden drukte een uniforme stempel op het hele continent voor Horrox en bouwde een merkimago op in lijn met het perspectief van elke stad.

Laten we ons overzeese neefje Amerika niet vergeten – een beest dat merken altijd willen veroveren. De steden waarin Horrox verscheen, zijn allemaal belangrijke spelers op de enorme markt waaruit het land bestaat. Of het nu gaat om de ontspannen westkant met Los Angeles en San Francsico – waar je poster het decor kan vormen voor een strandwandeling en een gouden zonsondergang, of de gloeiend hete westkant met een catwalk aan de straatkant in het modecentrum New York of een vurige toevoeging aan de iconische skyline van Miami . Horrox is een merk gevestigd in Brooklyn en de campagne voelde zich thuis in de straten. UNCLE zorgde ervoor dat de thuiskomst werd benadrukt met een focus op distributie in de omgeving.

Tokio behoeft geen introductie; de krachtstad van het oosten heeft een onmiskenbaar gevoel. De formaten zijn hier strak en geperfectioneerd – een passende stijl die het algemene gevoel van de stad zelf lijkt te weerspiegelen. Door gebrek aan concurrentie met advertentieruimte kon Horrox zich zonder problemen onderscheiden van de brutalistische architectuur. Het opvallende rood was bij alle toeschouwers een belangrijke kleur in de ogen en werkte misschien wel het beste op de digitale schermen die een aparte look bieden die posters niet kunnen nabootsen.

De ware definitie van mondiaal omvat die van Australië; relaxte posters van eigen bodem voelen zich onderdeel van het houtwerk en hebben er geen moeite mee om eruit te zien alsof ze erbij horen. Sydney zorgt voor een stad die een informeel voordeel biedt dat hoofdsteden doorgaans niet hebben. Dit vormde alleen maar de basis voor de Horrox-campagne en toegankelijkheid is belangrijk binnen de reclamewereld. Terwijl Melbourne levert op locaties die niet te missen zijn, wil je opgemerkt worden? Melbourne is de plek voor jou als je naar beneden wilt kijken.

Elke stad biedt zijn eigen kansen, en als je je kunt aansluiten bij de hartslag van die stad, kun je haar toeschouwers aanspreken. Horrox was van alle markten thuis, plukte de vruchten van de culturele markers en viel op tussen het grijs.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2312.23Het is tijd voor Feel Good Club in Manchester, terwijl het merk een sprong in het nachtleven maakt met het nieuwe evenement 'Make Me Feel'.

Terug naar Functies

Manchester is de thuisbasis van de krachtpatser Feel Good-club, een duo dat vastbesloten is het idee van eigenliefde en creativiteit te verspreiden. UNCLE werkte met hen samen tijdens hun meest ambitieuze evenement tot nu toe, waarbij ze het nieuws van de nacht vóór de avond verspreidden over Manchester en andere noordelijke regio's. Het toepasselijk getitelde 'Make Me Feel' vond plaats in het historische muziekpodium 'New Century Hall' en beloofde een clubavond vol "zelfexpressie, verbinding en positiviteit" waar te maken.

De gestapelde line-up kent een onbetwistbare mix voor een goede tijd, met Kiss Me Again, Ghetto Fabulous, Pop Roberts, Shy One en Megatronic. Om nog maar te zwijgen van de overvloed aan drag-acts die het tempo de hele nacht hoog zullen houden. De aanwezigen zagen dat het ‘feest met een doel’ niet alleen een veilige plek op de avond creëerde, maar ook een impact maakte daarbuiten – een percentage van het geld uit de kaart- en merchandising ging naar Mindout liefdadigheid, ter ondersteuning van LHBTQ+ geestelijke gezondheidszorg.

Feel Good Club ging verder dan ooit tevoren door dit evenement te cureren. UNCLE wilde dieper ingaan op het waarom, door concept, richting te bespreken en hoe het doel van de avond een belangrijke rol speelt in wat het speciaal maakt.

WAAROM HEEFT HET EVENEMENT 'MAKE ME FEEL?' genoemd?

Uitbreiding van Feel Good Club. De naam komt van het idee van dansen als een collectief feest en van alle verschillende manieren waarop muziek je een gevoel kan geven. We willen dat dit feest vrolijk en feestelijk is, maar ook louterend. Make Me Feel vertegenwoordigt dat.

WAT dreef de beslissing om verder te gaan dan het soort evenementen dat je naar deze nieuwe ruimte hebt georganiseerd?

Bij Feel Good Club gaat het erom mensen een goed gevoel over zichzelf te geven. Dit doen we via onze content, billboards en in onze fysieke ruimte. Alles is gemaakt met het doel vreugde te brengen.

We organiseren al geruime tijd evenementen binnen de coffeeshopruimte en er was een merkbare honger naar iets groters, dat gaat iets later door. We wilden iets creëren waar we dieper in het nachtleven konden duiken met optredens en muziek, gecombineerd met ons merkethos om ruimtes van verbinding en feest te creëren.

MET ZO VEEL MEDEWERKERS OP DE LIJST, VERTEL ONS OVER HET NAILEN VAN DE LINE-UP?

De line-up zelf is gemaakt met het ethos van Feel Good Club in gedachten en we zijn zo enthousiast over wat we hebben gecreëerd. Het voelt heel bijzonder om deze ruimte te mogen bouwen en delen met zo’n geweldige groep kunstenaars. Het was belangrijk dat de mensen op het podium de bedoelingen van dit feest authentiek en doelgericht weerspiegelden. We waren super enthousiast om de helden van de clubscene uit Manchester te combineren met een aantal ongelooflijke acts uit andere plaatsen in Groot-Brittannië en daarbuiten.

Als je kijkt naar wat elke persoon in de line-up doet voor gemeenschappen, artistiek en anderszins, zul je zien dat dit feest een smeltkroes is van een hele reeks geweldige en supergetalenteerde mensen.

WAT IS HET DOEL VAN DE NACHT?

Om simpelweg een kamer te vullen met mensen om zichzelf en elkaar te vieren. Een slogan voor Make Me Feel is “waar feest en doel samenkomen”; 50% van de winst van het evenement gaat rechtstreeks naar MindOut Charity.

VERTEL ONS MEER OVER HET KUNSTWERK?

Het kunstwerk is gemaakt met behulp van beelden die we hadden gemaakt tijdens een promotievideo-opname op de locatie zelf. De paarse, roze, groene en blauwe tinten zijn allemaal uitgekozen uit de kleuren van de verbazingwekkende lichtinstallatie die ze daar hebben. Als mensen op de dansvloer ronddraaien, zien ze de achtergrond van de poster. Het driehoekssymbool is een verwijzing naar het aangenomen roze driehoekssymbool van Queer Pride & Power dat werd gebruikt door pioniers als Act Up, dus dat was een knipoog naar Queer History.

HOE IS DIT EVENEMENT VERBONDEN MET DE STAD MANCHESTER?

Make Me Feel is een uitbreiding van het merk en de locatie die in Manchester is geboren en getogen, dus het was alleen maar goed dat onze eerste kennismaking met het nachtleven in onze stad was.

De line-up bevat enkele Queer Manchester-iconen, Kiss Me Again en Ghetto Fabulous bijvoorbeeld, die zulke lichtpuntjes zijn in de clubscene van Manchester en echt de weg hebben vrijgemaakt voor veel van de dingen die je hier nu ziet bloeien.

Bovendien vindt het evenement plaats in de ongelooflijke New Century Hall, die een verbazingwekkende muzikale geschiedenis voor Manchester heeft. Het is onlangs opgeknapt en heropend, dus het is superspannend dat we een evenement kunnen organiseren waar een aantal absolute legendes als Tina Turner en Jimi Hendrix te zien zijn.

We zijn zo opgewonden dat de eerste bij ons thuis gebeurt, maar misschien gaan we er in de toekomst mee verder.

ZULLEN ER IN DE TOEKOMST MEER EVENEMENTEN ZIJN?

Zonder twijfel.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken09.2312.23Kunstenaar Adébayo Bolaji exposeert in Berlijn een show waarin hij de stem van het collectief verdedigt voor een goed doel.

Terug naar Functies

Adébayo Bolaji staat bekend om zijn abstracte en levendige kunstwerken, ontworpen in een groot aantal mediatypen en voortgekomen uit een verlangen om het individu te vertegenwoordigen – in de hoop de massa te transformeren. Deze focus zorgt ervoor dat zijn stukken zich op een persoonlijk niveau kunnen verbinden met toeschouwers, en smeken om thematisch ontrafeld te worden. Intimiteit is een instrument waarmee boodschappen het meest effectief kunnen worden overgebracht – een gedachte die de kunstenaar niet ontgaat.

Hoewel Londen zijn thuis is, is Bolaji een internationale geest die op wereldschaal naam heeft weten te maken. Zijn komende Berlijnse tentoonstelling 'To Speak Out Loud' gaat in op het politiegeweld tijdens de Nigeriaanse opstanden, een zaak die Bolaji nauw aan het hart ligt dankzij zijn afkomst.

De show is, in zijn eigen woorden, “de eerste show waarvan de reden ervoor mij het dichtst bij stond. Ik ben geboren in Londen, maar heb een Nigeriaanse afkomst en ik heb ook zo vaak meegemaakt dat mensen me probeerden te vertellen wie ik was, wie ik ben... het is een voortdurend strijdproces, zelfs als kunstenaar. Het is een meditatieve show, die sterk reflecteert op dit idee van de stem.”.

UNCLE voerde een campagne in de showcasestad Berlijn en zijn thuisstad Londen om de campagne onder de aandacht te brengen en zijn artistieke prestaties te ondersteunen. Daarnaast hebben we afbeeldingen gemaakt van de kunstenaar met zijn stuk in het hart van Shoreditch, waarbij zijn artistieke kern gemakkelijk leesbaar is door de manier waarop zijn karakter zich door de afbeeldingen vertaalt. We spraken ook met Bolaji om dieper in zijn eigen denkwijze te duiken en context te geven aan een tentoonstelling die zoveel betekent.

UW KUNSTWERK IS OVER DE HELE BOORD DIVERS, HOE KAN INSPIRATIE UW CREATIEVE PROCES MOTIVEREN?

Alles wat mij ertoe aanzet om ‘waarom’ te vragen, om vragen te stellen. Nieuwsgierig blijven. Het maakt eigenlijk niet uit wat het is, hoewel ik uiteindelijk heb ontdekt dat de vragen die ik stel op de een of andere manier geworteld zijn in het grotere idee van wat volgens mij mijn doel is, dat verbonden is met een visie die ik heb voor mijn leven. . Er is dus iets dat me de hele tijd vooruit trekt, mijn visie, maar gaandeweg zal ik dingen tegenkomen die er op de een of andere manier voor zorgen dat ik me afvraag: waarom, hoe of wat. Dit zijn echte inspiraties omdat ze ervoor zorgen dat ik groei en ontwikkelen in het licht van deze visie. Het is te gemakkelijk om zomaar iets als 'muziek' te zeggen, omdat het niet alleen om de muziek gaat. Het gaat ook om waar ik op dat moment ben, het is niet iets op zichzelf.

WAAROM WERD JE GETROKKEN TOT DIT ARTISTIEKE PAD?

Ik heb het gevoel dat ik op een gegeven moment gewoon geen keus had. Ik ben opgegroeid met de ideeën van anderen over wie of wat ik zou moeten zijn, en uiteindelijk openbaarde de frustratie zich op zoveel manieren dat ik eraan moest toegeven. Ik had al een creatieve achtergrond uit theater en film, maar ik was me er niet van bewust dat mijn lichaam me vertelde dat het al een natuurlijke manier had om artistiek te communiceren door middel van schilderen... door mijn eigen ideeën uit te drukken en niet die van anderen. Dus moest ik pauzeren, stoppen en luisteren, wat in de praktijk betekende dat ik het gewoon moest doen, eerst gewoon moest schilderen en het ding zelf moest blijven doen op welke manier dan ook. Ik sprak ook met mensen die meer ervaring hadden dan ik, over hoe ik mijn ideeën constructief kon volhouden en blijven communiceren, hun advies kon opvolgen en het vervolgens kon aanpassen aan wat ik in mijn hoofd zag… mijn visie. Het was ook belangrijk om te weten dat we niet bang moeten zijn om vragen te stellen en met anderen te praten, maar ook om te onthouden waarom we zijn begonnen, om erachter te komen waar je in gelooft, zodat dat gaandeweg niet verloren gaat.

HOE ZIET UW ONTWERPPROCES ER UIT?

Uiteindelijk stel ik een reeks vragen, iets zal instinctief voor mij logisch zijn, dus ik leg het eerst neer, niet omdat het juist is, maar omdat het het eerste is waar ik mee om moet gaan, het is ook een gevoel van spelen. Er zijn dus in het begin geen beperkingen. Gevoelens. Ik ga om met hoe ik me voel. Ik speel dan met dit gevoel, maar het is echt een spel, omdat ik in mijn achterhoofd weet dat het ergens voor is, het is voor een bepaalde tijd en ruimte. Het spel is dus afgestemd op een ruimte, dus de echte eerste vraag is: wat is deze ruimte en wat wil of heeft deze nodig? Als de ruimte niet bestond, maakt het niet uit wat ik doe… en als het om het creëren van een nieuwe ruimte gaat, vraag ik me nog steeds af waarom. Dit gebeurt misschien niet met woorden of directe intellectuele redenering… in de praktijk zou het kunnen betekenen dat ik een cirkel teken en dan kijk wat dat mij vertelt. Uiteindelijk ben ik op zoek naar harmonie, ik push geen harmonie, die bestaat al (de natuur leert me dit)… dus ik zoek er gewoon naar.

WAAROM WIL JE ONDERWERPEN OP HET INDIVIDU AANPAKKEN?

Omdat zij degenen zijn die mij het meeste storen. Er is een gezegde dat luidt: als je niet weet hoe je kunt vinden waar je van houdt, zoek dan uit wat je het meest stoort. Ik ben gefrustreerd en geef om het individu. Hoe we ons verstoppen, overdenken en ons zorgen maken terwijl dat niet nodig is. Onze eigen stemmen verpletteren… dit soort dingen. Alles voor mij heeft een doel, vooral mensen, en daarom heb ik op de een of andere manier het gevoel dat mijn werk graag eer betoont aan het feit dat mensen ertoe doen.

GEDURENDE UW ONTWERPCARIÈRE KUNT U DE VERSCHUIVING EN GROEI ZIEN IN TERMEN VAN STLYE. HOE HEBT U UW STIJL VERFIJND?

Geef het liefde en aandacht. Door obstakels te zien als onderdeel van de reis. Ik weet dat het cliché is, maar dingen worden sterker gemaakt door obstakels of 'blokkades'. Op deze momenten ontdek je wie je werkelijk bent, waar je echt voor staat of waar je in gelooft... je hoort en ziet jezelf. Kennis is ook cruciaal, ik kan niet genoeg benadrukken hoe belangrijk het is om naar kennis te zoeken. Als je iets niet weet, zoek dan naar het antwoord en als je het vindt, is het niet langer een blinde vlek en dan ben je niet langer de hetzelfde, je stem is anders.

KLEUR IS EEN THEMA DAT IN AL UW WERKEN BLIJFT AANWEZIG. WAAROM BETEKENT DIT VEEL VOOR U?

Het is alles voor mij, sterker nog, het is de manier waarop ik al mijn werk invul, met een lijn als uitdrukking van kleur. Het is een taal waar ik naar toe lijk te neigen, het definieert veel ruimte en verhalen voor ons, en wel met zo'n hoge snelheid dat we ons er niet eens van bewust zijn... het is zo krachtig. Er zit hier dus duidelijk een betekenis achter. Met bedoelen bedoel ik een gevoel van iets waardoor je iets gelooft of niet gelooft, het geeft je een gevoel. Zelfs als je het negeert, wordt de aanwezigheid ervan nog steeds waardevoller omdat het wordt genegeerd. In het begin was het ook heel helend voor mij. Toen ik begon had ik veel kleur nodig, ik had veel genezing nodig om me volledig vrij te voelen. We worden wakker en hebben alles visueel vastgelegd in ons leven. Kleur zegt tegen mij: “Schilder nu hoe je je voelt”.

WAAROM HEEFT DE SHOW DE TITEL 'TO SPEAK OUT LOUD'?

Nogmaals, het gaat terug op mijn idee van het individu dat op zijn beurt een groep vormt… dit is belangrijk. De stem van één en het collectief. De eerste inspiratiebron was de ongelukkige gebeurtenis een paar jaar geleden in Nigeria, waarbij jongeren werden mishandeld en vermoord vanwege vreedzame protesten tegen politiegeweld in Nigeria, bekend als END-SARS. Ik was zo ontroerd door de moed, vooral in een tijd waarin het zo gemakkelijk is om gewoon een “toetsenbordkrijger-activist” te zijn … hun stemmen deden er toe en ze wilden dat de hele wereld het wist, zelfs als ze stierven.

UITLEG HET INTRIGENDE KUNSTWERKONTWERP?

Ik gebruik mezelf ook graag in veel van mijn tekstwerk, het is heel natuurlijk om dat te doen. Ik vraag me niet af waarom, misschien maakt het het voor mensen herkenbaarder, dus ik doe het gewoon. Een pose is nooit 'natuurlijk', het is een idee van een idee van een idee, enzovoort. Dus ik sta op een manier die de indruk wekt dat ik hier op dit moment ben en iets doe dat goed voor mij voelt. Niet op een genotzuchtige manier, maar hopelijk een krachtige houding die suggereert dat ik hier ben, dat ik dit ene leven heb en dus aanwezig zal zijn en me niet zal verstoppen.

WAT IS ER VOOR U?

Naast mijn show in Berlijn wordt mijn eerste openbare beeldhouwwerk in Londen opgericht, in de nieuwe Acton Gardens. Het is een groot stuk en ik heb daar ook wat tijd doorgebracht met de gemeenschap om een idee te krijgen van wat dit stuk zou moeten zijn. Het heet: “The People's Throne” en zal in oktober onthuld worden!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2312.23Sepehr Badiei pakt sociale verandering aan met hun kunstwerken ter ondersteuning van Iraanse vrouwen.

Terug naar Functies

Sepehr Badiei heeft gedurende hun hele carrière voor opschudding gezorgd op het artistieke toneel. De tijdsgeest is een altijd aanwezige kracht in hun werk geweest, waarbij gebruik werd gemaakt van hun eigen ervaringen in een wereld vol vooroordelen. UNCLE werkte samen met Badiei ter ondersteuning van niet alleen de integriteit van hun zaak, maar ook van het verkennende karakter van hun creatieve proces. De campagne is ter ondersteuning van de Women Life Freedom-beweging, voortgekomen uit de Iraanse protesten. Met het kunstwerk in de hoop de steun voor vooruitgang te inspireren – om de immense onderdrukking waarmee vrouwen in Iran te maken hebben, op te heffen, vooral in deze onzekere tijden.

Het kunstwerk zelf ziet een licht en een donker beeld – het oranje laait op van vlammen om ‘het donker van de nacht weg te branden’ en te zuiveren met heilige hitte, en het donkerdere is geïnspireerd op een Perzische levensboom die reïncarnatie symboliseert. De motieven zijn interpretaties van cultuur, verstevigd in de rijke geschiedenis die Badiei combineerde met een moderne flair, een eerbetoon aan hun erfgoed en tegelijkertijd relevant voelen in het hedendaagse artistieke klimaat.

UNCLE kreeg inzicht in de ontberingen waarmee Badiei te maken kreeg en hoe hun begin hun kunstmomentum heeft gevormd en gegeven, en leerde ook over hun creatieve verleden en aanstaande toekomst met een interview.

WAT INSPIREERT JOU?

Alledaagse mensen, mijn vrienden, de gemeenschap die je om je heen bouwt en actuele zaken.

WAAROM BEN JE IN DE KUNST GAAN EN WAT BETEKENT HET VOOR JE?

Om schoonheid met diepgang te veranderen. Kunst roept emoties op en brengt gemeenschappen en culturen samen door middel van creatieve expressie en communicatie

WAT IS JE FAVORIETE ONDERDEEL VAN HET CREATIEVE PROCES?

Ik hou van dagdromen en slapen, maar mijn favoriete onderdeel van creatief bezig zijn is dingen maken, dingen kneden en er een zooitje van maken met mijn handen. .

HOE IS LHBTQ+ IN DE CREATIEVE RUIMTE VOOR JOU DOOR DE JAREN VERANDERD?

Opgroeien in Nieuw-Zeeland was een beetje moeilijk, omdat ik tijdens mijn jeugd te maken kreeg met zowel racisme als homofobie. Door samen met vrienden deel uit te maken van de queergemeenschap en in de creatieve industrie te werken, zijn de zaken echter minder moeilijk geworden dan voorheen. Toch word ik nog steeds geconfronteerd met mijn eigen unieke uitdagingen als een introverte, verzorgende Kreeft met een Leeuw die opkomt voor kracht.

WELKE HEEFT LHBTQ+-ZIJN JE KUNST BEÏNVLOED?

Door mijn queer-zijn te omarmen, kan ik ontvankelijker zijn voor diverse genderidentiteiten en -rechten. Als gevolg hiervan vind ik het gemakkelijker om verbinding te maken met kwesties die verband houden met vrouwenrechten, transgenders en jongeren, wat terugkomt in mijn kunst.

WIE ZIJN ENKELE KUNSTENAARS VAN WIE JE MOMENTEEL VAN HET WERK GENIETEN?

Ik hou van Dominic Myatt-schilderijen, hun kunstwerken zijn eindeloos boeiend met hun vloeiende en abstracte karakter, waardoor verveling nooit een plek in je geest vindt. Ook Shannen Maria Samuel – haar kledingstukken vertonen een artistieke, sculpturale vloeibaarheid die de contouren van je lichaam aanvult. Morgan White en zijn fotografie fascineren eenvoud en filmische essentie. Ik zou graag een ruime locatie hebben om de kunstwerken van Morgan te laten zien.

WELKE HEEFT UW ERFGOED U BEÏNVLOED?

Welnu, Iran en Egypte hebben een rijk en divers cultureel erfgoed en geboren worden tijdens de revolutie en oorlog heeft een unieke mix. Het heeft mijn identiteit en perspectief op de wereld beïnvloed en een rijk begrip van verschillende culturen bevorderd.

Praat ons door het ontwerp van de poster?

De posters vertegenwoordigen verschillende aspecten van de Perzische cultuur. De blauwe afbeelding symboliseert de cipres, die het eeuwige leven en reïncarnatie vertegenwoordigt. Het oranje beeld vertegenwoordigt vuur, wat zuiverheid betekent voor aanhangers van het zoroastrisme. Het ontwerp van de posters is geïnspireerd op de art nouveau, dit was de tijd voor de opkomst van nieuwe vrouwen. Het grafische ontwerp was van Oliva Joi Rawlings.

Wat vind je het leukste aan het kunstenaarschap?

Grenzeloze kunstvormen. Vrijheid in creativiteit. Expressie via verschillende media.

WAAROM PAK JE DE ONDERWERPEN AAN DIE JE DOET?

Ik houd van actualiteiten. Leren deelnemen aan discussies draagt bij aan positieve veranderingen en het navigeren daarin.

HEBBEN DE RECENTE GEBEURTENISSEN IN IRAN EEN INVLOED OP U/UW WERK?

Emotioneel hartverscheurend om te zien hoe de Iraanse regering haar eigen volk behandelt als ze naar nieuwsplatforms kijkt.

SPEELT UW ERFGOED EEN ROL IN UW ARTISTIEKE PRAKTIJK?

Ja, de invloeden van mijn erfgoed en omgeving bepalen de manier waarop ik mijn werk benader, een ondersteunende gemeenschap, geworteld in erfgoed en vriendschap.

WAAROM WIL JE SAMENWERKEN MET OOM?

We brengen een modern tintje, samen creëren we, brengen onze talenten en vaardigheden tot leven, met onze geest en hart op één lijn produceren we werken die schitteren, er ontstaat een band, een werkelijk goddelijk partnerschap, de beste OOM die iemand ooit zou kunnen vragen.

WAT BEÏNVLOEDDE HET ONTWERP?

Het ontwerp van het cipressenboommotief maakt een majestueus statement in het ontwerp dat de levensboom symboliseert en is geïnspireerd op diverse bronnen, zoals het haar van vrouwen van verschillende nationaliteiten en transvrouwen. Door deze verschillende haartypes te integreren, wil het ontwerp een gevoel van harmonie en eenheid bevorderen tussen mensen met verschillende achtergronden en nationaliteiten.

WAT IS ER VOOR U?

In mijn komende reeks werk wil ik de toekomst van klimaatverandering en de mode-industrie verkennen, waarbij ik de effecten ervan op de geestelijke gezondheid en het welzijn onderzoek vanuit een marketing- en psychologieperspectief om ons begrip van deze belangrijke kwestie te verdiepen.

Leven op aarde.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2312.23JV Aranda gebruikt collage om eigenzinnige ontwerpen tot leven te brengen in samenwerking met Horrox.

Terug naar Functies

Horrox is niet een merk dat uitsluitend uit het verleden put, maar ook uit het heden, waarbij enkele van de meest prominente stukken samenwerkingen zijn met artiesten en goede doelen. Als voortzetting van de samenwerking van UNCLE met Horrox hebben we een van deze medewerkers in de schijnwerpers gezet. JV Aranda, een kunstenaar uit San Francisco gebruikt een mix van kleur, print en herhaling om indruk te maken met zijn grafische ontwerpen. Zijn speelse graphics geven prioriteit aan impactvolle, gelaagde motieven die doen denken aan pop-art en dadaïsme, wat een passende match leek voor de eerste samenwerking met Horrox, aangezien het merk ook leent van het verleden voor zijn creatieve richting. We namen de spotlight en vroegen hoe zijn hedendaagse technieken en stijl zich hebben ontwikkeld naarmate hij groeide als maker.

Hoe ben je met de kunst in aanraking gekomen? 

Toevallige museumbezoeken tijdens mijn vormingsjaren. In 1998 bijvoorbeeld, toen ik op reis was naar Los Angeles om mijn 16e verjaardag te vieren, had ik het geluk kennis te maken met het werk van Yayoi Kusama via een retrospectieve tentoonstelling van haar werk bij LACMA, die verbijsterend en ongelooflijk was. invloedrijk op een groot aantal manieren: van haar enthousiaste experimenten met verschillende media tot de manier waarop haar praktijk overlapte met haar geestelijke gezondheid, nationaliteit, geslacht, tijdperk en puur intuïtief visueel talent. Haar werk heeft altijd gediend als een prachtig voorbeeld van de grenzeloosheid van kunst als middel om verhalen te vertellen, en haar veerkracht en productieve output blijven een inspiratiebron.

WAAROM COLLAGE? 

Collage was altijd een medium dat voor mij logisch was sinds ik er voor het eerst mee kennismaakte op school. De benodigde materialen waren toegankelijk en het proces van vernietiging, manipulatie en heruitvinding heeft altijd bevrijdend en louterend gevoeld.

Bovendien is Collage, met de hoeveelheid inhoud die tegenwoordig dagelijks wordt gegenereerd, steeds belangrijker geworden als een methode om het groeiende collectieve archief van de wereld te gebruiken, waarbij beelden worden getoond en opnieuw gecontextualiseerd die anders zouden worden genegeerd of vergeten.

BESCHRIJV UW ONTWERPPROCES? 

Het is een mix van het volgen van mijn intuïtie en het oplossen van problemen. Ik heb er altijd van genoten om opdracht te krijgen en een opdracht te krijgen om te tolken, met verschillende beperkingen waaraan ik moest voldoen. Het ontwerpproces kan dus variëren afhankelijk van het project dat voorhanden is, en mijn favoriete ervaringen waren de ervaringen die mij de kans gaven om mijn reikwijdte te verbreden en nieuwe dingen uit te proberen, zoals het werken met Horrox, wat mij de kans gaf om de strip- strippaneelformaat als structureel apparaat en voor het eerst tekstballonnen in mijn werk verwerken.

Wat vind je het leukste aan het kunstenaarschap? 

Ik hou ervan hoe kunstwerken een eigen leven kunnen leiden terwijl ze de psychische band met de maker behouden, die in wezen visueel onzichtbaar wordt als het werk klaar is. Als queer, persoon van kleur, voelt het maken van kunstwerken als een van de weinige gebieden waarin ik niet onmiddellijk wordt beoordeeld op mijn fysieke of sociologische eigenschappen, hoewel mijn werk altijd representatief is voor al die dingen, puur omdat het er doorheen wordt gefilterd. mijn uitkijkpunt.

VERTEL ONS MEER OVER DE SAMENWERKING MET HORROX?

Legs vond op de een of andere manier mijn werk in de ether en kwam in contact met haar visie voor de afdrukken die ze voor Horrox had willen laten maken. Ik was enthousiast nadat ik kennis had gemaakt met haar werk en had geleerd waar ze conceptueel naartoe wilde met de prints, en ik was aangenaam verrast toen ik de vreemde parallellen ontdekte die we met elkaar hadden; Namelijk dat ik een Amerikaan was die destijds in Groot-Brittannië woonde en dat zij Brits was en in mijn thuisstaat Californië woonde en werkte.

WAAROM WORDEN JE AANGETROKKEN TOT HET GEBRUIK VAN STRIPS IN JE WERK?

Als ik met strips werk, voel ik me vooral aangetrokken tot het gebruik van werk uit de Gouden Eeuw van de Amerikaanse strips, die zich uitstrekt van de jaren 1940 en 50, omdat ik niet alleen geniet van de esthetiek van die tijd, maar bovendien een kick heb gekregen van het vernieuwen van de stripboeken. het contextualiseren van werk dat oorspronkelijk werd aangetroffen in aantoonbaar behoorlijk gezonde omgevingen, en het herconfigureren van het werk met modernere verhalen die onze huidige realiteit en het collectieve discours weerspiegelen.

HOE HEBBEN CALIFORNIË EN LONDEN UW WERK BEÏNVLOED?

Toen ik opgroeide in Californië, werd ik omringd door de popcultuur en de grootsheid van de natuur. Ik ben in wezen opgevoed door tekenfilms en themaparken. En ik heb vaak het gevoel gehad dat het hyperverzadigde kleurenpalet van mijn werk grotendeels te danken is aan het feit dat ik Californiër ben. Het leven in Londen was een behoorlijk contrast en hielp me beseffen dat het nastreven van kunst niet alleen geldig maar ook belangrijk was, en het was ongelooflijk inspirerend om in zo'n mondiale en diverse stad te zijn en zo'n scala aan verhalen in je op te nemen. Mijn werk is conceptueel misschien ongelooflijk beïnvloed door Californië, maar dankzij Londen heb ik geleerd kunstenaar te worden.

HOE HEEFT SAN FRANCISCO U ALS ONTWERPER GEVORMD?

Toen Legs contact opnam over de opdracht, woonde ik in Londen en toen ze vertelde dat ze destijds in San Francisco woonde en wilde dat de prenten de stad en haar muziekgeschiedenis zouden weerspiegelen, vooral tijdens het jazztijdperk, was ik absoluut opgetogen. als voormalig San Franciscaan, die daar begin jaren 2000 een aantal jaren woonde, voordat ik zelfs maar besefte dat ik een kunstenaar en ontwerper was. Ik zou dus zeggen dat mijn tijd in San Francisco veel zaden heeft geplant, die tot op de dag van vandaag nog steeds groeien. Er heerst een georganiseerde chaos in de stad, of beter gezegd, een strijd tussen structuur en hedonisme, die mijn werk zeker vormgeeft.

INSPIREERT DE STAD U?

Absoluut. Wonen in San Francisco was mijn eerste ervaring als jongvolwassene met de verwondering en gevaren van het omarmen van spontaniteit. Ik ben opgegroeid in San Diego, een stad waar veel auto's rijden, dus het was behoorlijk bevrijdend om in San Francisco te wonen, dat veel voetgangersvriendelijker is. Ik ben altijd geïnspireerd geraakt door gewoon door de stad te lopen en ondergedompeld te worden in de verschillende persoonlijkheden van zowel de verschillende buurten als de personages die er op een bepaalde dag toevallig zijn.

WAT ZIJN ENKELE VAN JE FAVORIETE PLEKKEN DAAR?

Ik ben bevooroordeeld ten opzichte van de buurten waar ik voorheen woonde: de Castro en de Mission, waartoe ook mijn absoluut favoriete plek in de stad behoort, pal in het midden van die gebieden: Mission Dolores Park, gelegen op een helling met een prachtig uitzicht op het centrum van San Francisco, en is in het verleden het decor geweest van vele meditatieve wandelingen, zonnige vieringen en oprechte gesprekken met dierbaren.

WAT IS ER VOOR U?

Meer collages! Momenteel werk ik als redactioneel illustrator voor verschillende opdrachtgevers. Recentelijk heb ik samengewerkt met het gewaardeerde Amerikaanse automagazine Road & Track, waar ik collages heb gemaakt voor een column genaamd 'Department of Overthinking', en ik ben ook begonnen deel te nemen aan verschillende kunstbeurzen, waar ik alle verschillende aanpassingen presenteerde. van mijn collagewerk, ter voorbereiding van de opening van Sinewy Sea Fine Art, die een hybride zal zijn van een Arts Space, Tea Lounge en Gift Shop, met moderne curiosa en verhalen, gevestigd in San Diego.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken08.2312.23Het in New York gevestigde modemerk Horrox voegt decennia geleden punk toe om de richting te verbeteren.

Terug naar Functies

Gevestigd in Brooklyn, New York modemerk Horrox lanceren hun debuutcollectie voor een wereldwijd publiek en beloven een goed geïnformeerde en culturele reeks ontwerpen te leveren. Horrox trouwt met cultuur, kunst, muziek en samenwerking met mode, wat culmineert in een geïnformeerde maar toch scherpe drop. Dit opkomende modemerk leek voor UNCLE een goede match om bij het begin te ondersteunen met een partnerschap.

Horrox is geboren uit muziek. Van de intriges van platenhoezen en muziekpublicaties tot kleding die door de geschiedenis heen synoniem is geweest met muzieksubculturen: het dient allemaal als muze voor het belangrijkste Horrox-product. Of het nu gaat om de new wave-stijl van Talking Heads of de punkrock-krachtpatser The Clash, het merk voegt kenmerkende tijdperken toe aan zijn stukken met een modern tintje. Deze esthetische keuzes kunnen vaak ten onrechte als saai worden geïnterpreteerd, maar zijn in plaats daarvan geworteld in de politiek, de klassenstructuur en andere aangrijpende momenten binnen de tijdsgeest. Horrox geniet van onderzoek dat design voorbij het visuele tilt en een balans vindt tussen concept en compositie.

De oprichter van het merk – Riona Horrox – afgestudeerd aan het Royal College of Art. De gebruikte motieven zijn meestal afkomstig uit het punktijdperk van '77, naast elementen die stijlen uit de jaren '50 en '60 overnemen en moderniseren. Gekrompen t-shirts en spijkerbroeken lenen zich goed voor de geërfde jaren zeventig-invloed aan de westkust.

Als onderdeel van de samenwerking zal UNCLE dieper in de kern van het merk blijven duiken met interviews met medewerkers. Dit is slechts het begin. Mode kan voor haar publiek een educatief portaal zijn. Horrox is een merk dat speelt met nostalgie; stijl kan verweven zijn met wie je bent en je meenemen naar de gemeenschap waar je deel van wilt uitmaken – laat het maar Horrox de jouwe zijn.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2312.23ONCLE helpt om meer Bortusk Leer-monsters in de straten van Amsterdam los te laten.

Terug naar Functies

Nederlands lezen

Voor het grootste deel bundelt kunstenaar Bortusk Leer zijn kenmerkende monsters als een kracht ten goede. Ondanks hun psychopathisch ingestelde uitdrukkingen lokken deze creaties met afwisselend brilogige, druipende, banaanvingerige en veilige ledematen eerder een glimlach uit dan een geschreeuw.

Leer's euforische en ondeugende duivels, geboren in Groot-Brittannië, gevestigd in Amsterdam, verschenen voor het eerst rond 2007. Daarvoor had de kunstenaar de straten al bezaaid met zijn 'nu-rave-duiven', "Voornamelijk om Banksy's ratten te pissen!" Leer uitgelegd. Toen haalde de moeder van de kunstenaar enkele tekeningen uit zijn kindertijd tevoorschijn en het monstermotief was geboren.

Gewapend met spuitverf, markeerstift en een manisch verlangen om gekke, betoverende beestjes uit te vinden: Leer's eerste komische kunstnakomeling verscheen op canvas en krantenpapier. Degenen die krantenpapier gebruikten, vonden snel hun weg naar de straten van Groot-Brittannië, Nederland, de VS, Italië, Argentinië, Noorwegen… Kortom, we hebben een kleine invasie ondergaan. Ze zijn zelfs op de geweest televisie!

Leers stedelijke ongedierte, opgesteld bovenop het nieuws op de voorpagina, in combinatie met de gebeurtenissen van de dag zoals gerapporteerd in The Sun of Telegraph, enz., wijst op een bredere maatschappelijke belachelijkheid. Ze impliceren een spottende houding ten opzichte van de constante stroom van afleidingen die worden geboden door onze reguliere media en het stedelijke spektakel.

In termen van zijn beeldtaal is Leer door veel dingen geïnspireerd, maar vooral door de CoBrA-kunstbeweging – een avant-gardegroep uit 1948 wiens semi-abstracte werk wordt gekenmerkt door briljante kleuren, uitbundige markeringen en vervormde figuren die te zien zijn in volks- en outsiderkunst en het bevindt zich ook in de voorhoede van het Europese abstract expressionisme – maar zijn werk heeft ook een belangrijke sociale dimensie.

Af en toe wordt hij beschuldigd van naïviteit, waarop de kunstenaars antwoorden: "Ik ben niet bang voor naïviteit, ik ben bang voor cynisme." Zijn monsters houden regelmatig behulpzaam bordjes omhoog met de tekst: 'Is dit het teken waar je naar op zoek bent?', 'Blijf verdomd lachen' of, meteen ter zake: 'Wees geen lul'.

OOM houdt van het idee dat Leer 'luid en speels' (volgens zijn eigen PR) de stad bezaait met wat neerkomt op monsterlijke en weerbarstige tederheid. Twee posters in onze samenwerking in Amsterdam bieden voorbijgangers welzijnsadvies in de trant van 'Cheer Up You Bastard' en 'Love Every Day'. Op de derde prent van het trio zien we opnieuw een van onze grillige vrienden – deze met vier magentaroze tanden en een alarmerende onderbeet – afgebeeld tegen een opzichtig kolkende zee van rauwe patronen en talloze miniatuur, maniakale grijns.

In een poging om een antwoord te bieden op de alomtegenwoordige woede, teleurstelling, droefheid en desillusie die schijnbaar over de hele wereld heersen, ziet Leer het als zijn roeping om de stemming op te vrolijken en vreugde te verspreiden. Terwijl we proberen om te gaan met de existentiële ramp die bestaat uit de klimaatcrisis en de wanhoop over een politiek systeem dat schijnbaar ongeschikt is om diepgewortelde sociale kwalen en lokale en mondiale ongelijkheden aan te pakken, is er de crisis van de kosten van levensonderhoud en, oh ja, we We hebben beloofd dat er vrijwel zeker een nieuwe pandemie op komst is... Het is een oogverblindende, hartverwarmende troost om te weten dat de monsters van Bortusk Leer op een missie zijn om een anarchistische levensvreugde te verspreiden die ook besmettelijk is (maar op een goede manier). !).

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2312.23UNCLE laat meer van Bortusk Leer's monsters los op de straten van Amsterdam.

Terug naar Functies

Lees in het Engels

Kunstenaar Bortusk Leer zet zijn kenmerkende monsters voornamelijk in als een positieve kracht. Ondanks hun psychopathische handelingen, roepen deze monsters met hun uitpuilende ogen, druipende monden, bananenvingers en ergste ledematen eerder een glimlach dan een noodkreet op.

Geboren in het Verenigd Koninkrijk en woonachtig in Amsterdam, verschenen Leer's euforische en ondeugende aardmannetjes voor het eerst rond 2007. Daarvoor had de kunstenaar al eerder de straten bezaaid met zijn 'nu-rave pigeons', “Voornamelijk om Banksy's ratten belachelijk te maken!” zegt Leer hierover. Vervolgens haalde de moeder van de kunstenaar enkele van zijn kindertekeningen uit de oude doos, en zo werd het monstermotief geboren.

Gewapend met spuitverf, markeerstift en een niet te stoppen energie om dwaze, betoverende wezens te creëren, verschenen Leer's humoristische kunstcreaties eerst op schilderdoek en in de krant. De monsters op kranten werden al snel verspreid over de straten van het Verenigd Koninkrijk, Nederland, de Verenigde Staten, Italië, Argentinië en Noorwegen… Kortom, het lijkt erop dat we een grote invasie hebben gehad. Ze zijn zelfs op tv geweest!

Getekend op voorpaginanieuws, met een grimas die buitengewone met de gebeurtenissen van de dag zoals beschreven in The Sun of Telegraph, hinten Leer's stedelijke aardmannetjes naar de bredere absurditeit van de samenleving. Ze impliceren een spottende houding ten opzichte van de constante stroom van afleiding die onze reguliere media en het stedelijk spektakel ons biedt.

Wat betreft zijn visuele taal, laat zich inspireren door vele dingen, maar voornamelijk door de CoBrA-kunstbeweging: een avant-garde groep uit 1948 waarvan het semi-abstracte werk wordt vervangen door prachtige kleurgebruik, uitbundige penseelstreken en vervormde figuren, zoals te zien is in volks- en outsiderkunst en die ook voorop staat in het Europese abstract expressionisme. Maar er is ook een belangrijke sociale dimensie in zijn werk.

Af en toe wordt hij aangewezen van naïviteit, waarop de kunstenaar antwoordt: 'Ik ben niet bang voor naïviteit, ik ben bang voor cynisme.' Zijn monsters houden regelmatig behulpzame borden omhoog met teksten als: 'Is dit het teken waar je naar op zoek bent?', 'Blijf fucking glimlachen' of, meer recht voor zijn raap, 'Wees geen lul'.

UNCLE vindt het geweldig dat Leer (volgens zijn eigen PR) op een 'luide en speelse' manier van staddoordrenkt met wat in essentie monsterlijke en onstuimige tederheid is. Twee posters in onze samenwerkingsserie in Amsterdam bieden voorbijgangers welzijnsadviezen zoals 'Opvrolijken, Klootzak' en 'Hou Van Elke Dag'. De derde prent in de serie toont opnieuw een van onze bizarre vrienden – deze keer met vier magenta-roze tanden en een ongeldige onderbeet – geïllustreerd tegen een felgekleurde zee van een onstuimig patroon en talloze miniatuur, maniakale grijnsjes.

In een poging om de vlaggen van woede, teleurstelling, verdriet en desillusie die de wereld soms lijkt te overvallen tegen te gaan, lijkt Leer het als zijn roeping om vreugde te verspreiden. Terwijl we ons proberen te navigeren door een existentiële klimaatcrisis, ons wanhopig voelen over een politiek systeem dat praktisch niet in staat is om diepgewortelde sociale problemen en lokale en mondiale ongelijkheden aan te pakken, zijn er ook nog de kosten van levensonderhoud en, oh ja, de volgende pandemie ligt grotendeels zeker op de loer… Het is geruststellend en hartverwarmend om te weten dat Bortusk Leer's monsters zich inzetten om een anarchistische levensvreugde te verspreiden die ook nog eens aanstekelijk is (maar op een goede manier!).”

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2312.23Modeontwerper DragaDina leidt een creatieve revolutie in experimentele kleding.

Terug naar Functies

Lees in het Engels

Het bruist in Amsterdam van experimentele creativiteit: in de grensverleggende stad waar innovatie het straatbeeld vormt, is DragaDina een modemerk dat uit precies deze context is geboren en er perfect onder is. Maker Noortje Mulders staat aan het roer van de eclectische en experimentele collecties van het merk, en de levendige clash van stukken zorgt voor een intuïtieve eigentijdse collectie. Haar drijvende kracht: “Ik wil het speels houden en mijn intuïtie haar vrije gang laten gaan. Ik maak veel verschillende dingen en probeer mijn eigen wereld te creëren.”

Mulders heeft mode door haar aderen stromen, dankzij haar grootmoeder die vroeger een stoffenwinkel had. Van jongs af aan was ze omringd door materiaal en inspiratie. Dit veroorzaakt een snelle ontwikkeling van een voorliefde voor alles wat met stijl te maken heeft. Het verleidelijk voor haar als een vanzelfsprekendheid om met textiel te werken. Haar interesse in restjes stof en het gebruik van stoffen die in een beperkte hoeveelheid beschikbaar zijn, zorgt ervoor dat haar stukken blijven evolueren en uniek blijven.

Het merk DragaDina zelf richt zich op positiviteit en eigenliefde – “Ik werk graag met mensen die zichzelf willen uiten en help hen comfortabel te voelen in hun lichaam door te creëren wat we voelen of hoe we ons willen voelen.” Haar ontwerpen richt zich op de contouren van het lichaam, waarbij gebruik wordt gemaakt van de natuurlijke lijnen en rondingen, zodat de kleding in harmonie is met het lichaam, in plaats van ertegen.

UNCLE is een samenwerking aangegaan met Noor om een platform te bieden voor haar vaardigheden en waardevolle ontwerpersmentaliteit. Zo hebben we DragaDina bekeken op plakzuilen naast de iconische levensaders van de stad: de Amsterdamse grachten. Vervolgens hebben we haar collectie op posters de rest van de straten door de stad laten domineren. We hebben Mulders geïnterviewd om de oorsprong van haar merk te verkennen en haar denkprocessen te doorgronden. Zo zijn we tot de kern van haar passie én merkethos gekomen.

WAT INSPIREERT JOU?

Ik woord geïnspireerd door zoveel dingen om me heen, soms is het moeilijk precies te benoemen wat mijn interesse wekt. Ik probeer niet te veel na te denken, wat lastig is omdat ik altijd aan het overdenken ben. Ik vind inspiratie in de natuur, oude modeshows uit de jaren '80, '90 en '00. Of ik onderzoek kleding uit het renaissancetijdperk en achterhaal welke technieken werden gebruikt. Het proces van verandering vind ik inspirerend; ik wil niet bang zijn voor verandering en ik probeer zelf actief te blijven veranderen.

HOE BEN JE IN DE MODE TERECHTGEKOMEN?

Mijn oma en moeder waren een grote invloed. Mijn oma had vroeger een klein stoffenwinkeltje, dus werken met textiel zit in de familie. Mijn moeder maakte elk jaar verjaardagsjurken voor mij. Dit gaf me de mogelijkheid om stoffen te kiezen en te bedenken over hoe ik wilde dat de jurk eruitzag. Het inspireerde mij als soort om creatief te zijn met kleding.

WAT WAS HET EERSTE DAT JE HEBT GEMAAKT?

Ik begon kleding te maken voor poppen en Barbies met hulp van mijn moeder en oma, maar ik denk dat mijn eerste echte item een tas was. Ik vond gewone tassen niet leuk en vond ze een beetje saai. De constructie van de tas was niet zo goed en hij kon niet eens boeken vasthouden. Ik moest hem vaak repareren, maar het gaf me veel vertrouwen in mijn creatieve vaardigheden. Ik maakte ook accessoires zoals armbanden of haaraccessoires, allerlei soorten items om mezelf met mijn uiterlijk uit te kunnen drukken.

KUN JE JE ONTWERPPROCES BESCHRIJVEN?

Ik begin meestal met het zoeken naar stoffen. Ik geef de voorkeur aan tweedehands stoffen van online marktplaatsen zoals Marktplaats. Omdat er een beperkte hoeveelheid stof beschikbaar is, helpt dit mij om unieke stukken te creëren.

Ik teken niet op papier wat ik in mijn hoofdzie. Met de naaimachine breng ik de stukken samen en komt wat ik in mijn hoofd zie tot leven. Na vele jaren als textielkunstenaar te werken is het gebruik van de naaimachine een reflex en gebruikelijk geworden. Als kind speelde ik in de stoffenwinkel van mijn oma, waar ik texturen en kleuren combineerde, wat heeft bijgedragen aan mijn intuïtieve stijl.

WAT BEETEKENT MODE VOOR JOU?

Mode is voor mij een manier om uit te drukken hoe ik me voel. Het helpt mij om in mijn eigen lichaam te zijn. Het helpt ook om mij te voelen tot gelijkgestemde mensen. Ik vind het echt leuk om mensen te helpen zichzelf uit te drukken en zich comfortabel te voelen met hun uiterlijk.

WAT VIND JE HET LEUKSTE AAN ONTWERPER ZIJN?

Ik zie mijn ontwerpen als een verlengstuk van mezelf, en geniet daarom van bepaalde karakters/persoonlijkheden in mezelf te verkennen. Mensen denken dat ik me zo kleed om op te vallen, maar dat is het niet. is voor mij een manier om mijn innerlijke kleding uit te drukken. In mijn projecten streef ik er vaak naar om een meeslepende ervaring te creëren. Ik wil dat de outfits in hun omgeving passen. Mijn werk eindeloze ruimte waarin ik pas, in een wereld die me niet altijd voorkomt.

HOE HEB JE JE EIGEN PERSOONLIJKE STIJL VERFIJND?

Ik geniet van speelse en indirecte outfits die enerzijds een gevoel van sensualiteit uitnodigen maar ook passen bij veel verschillende lichaamstypes. Met levendige kleuren en printcombinaties is alles mogelijk. Mijn innerlijke soort komt tot uiting in de manier waarop ik ontwerp en in de looks die tot stand komen.

HEEFT KLEUR VEEL BETEKENIS VOOR JOU? WAAROM?

Ja, het betekent veel voor mij. Kleurencombinaties die mij inspireren, ik vind ze in de natuur en organisch materiaal zoals tropische kikkers, paddenstoelen en bloemen. Soms ontdek ik deze combinaties buiten, en andere keren vind ik ze online. Ik print referenties uit om inspiratieboeken te maken waarin ik mezelf overspoel met mogelijkheden.

WAT ZIJN ENKELE KERNELEMENTEN VAN JE KLEDINGONTWERP?

Zichtbare stiksels en naden, die je meestal wilt verbergen, vind ik interessant om te laten zien en zo de constructie van de outfit bloot te leggen. Ten tweede is de pasvorm erg belangrijk in mijn ontwerpen. Ik hou ervan wanneer kleding zich rondom het lichaam vormt en rondingen omarmt in plaats van verbergt. Het is in flexibele zin extreem, met levendige kleuren en patronen. Het is ook een filter om mensen aan te trekken die geïnteresseerd zijn om zichzelf expressief uit te drukken door kleding.

SCHOFFEL EXPERIMENTEER JE MET TEXTUUR?

Het is een heel natuurlijk proces en ik denk niet echt veel na over combinaties. Ik probeer te experimenteren met de items die ik zie en gebruik ze op alternatieve manieren in mijn ontwerpen. Ik weet van tevoren niet altijd hoe het zal uitpakken.

VERTEL ONS OVER JE ONTWERP VAN KUNSTWERKEN? HET CREATIEVE PROCES EN DE BETEKENIS DAARVAN?

De mensen die mijn kleding dragen en de gemeenschap die ontstaat wanneer deze mensen samen zijn, ondersteund mijn merk. Ik werk graag met mensen die zichzelf willen uiten, hen helpen zich comfortabel te voelen in hun lichaam door te creëren wat we voelen of hoe we ons willen voelen. Mijn partner fotografeert al mijn werk, hij legt mijn projecten vast, draagt bij aan de creatieve richting en helpt me met Instagram.

WAAR VIND JE INSPIRATIE IN DE STAD?

Op de markt, op straat, grappige winkels, het nachtleven. Ik vind mijn beste kleine items voor accessoires of kleding in tijdelijke winkels zoals tabaks- of sleutelwinkels. De verschillende mensen, cultuur en items die mij inspireren waar ik ook ga.

WAT VIND JE LEUK AAN DE STAD?

Ik hou van mijn vrienden en ook de diversiteit van culturen en mensen die mij inspireren. Ik woon nu in Rotterdam en probeer zoveel mogelijk te reizen. Uiteindelijk zou ik graag naar de Verenigde Staten willen verhuizen. Ik heb in Londen en Berlijn gewoond en New York en New Orleans vaak bezocht. Ik hou van al deze verschillende steden en de ervaringen daar breng me elke keer iets nieuws.

HOE HEEFT NEDERLAND JE GEVORMD ALS ONTWERPER?

De mogelijkheid en het voorrecht om als volwassene te reizen buiten mijn eigen stad en nieuwsgierig te zijn naar de wereld heeft gevormd wat ik creëer. Mijn ontwerpen gaan over jezelf uitdrukken, over verschillende mensen die elkaar respecteren en onze lichamen omarmen. Omdat ik opgroeide in de omgeving van Rotterdam en interessante over andere culturen, ben ik altijd enthousiast en nieuwsgierig geweest naar andere ervaringen. Zo heb ik gezien hoe mensen zich op verschillende manieren uitdrukken en hoe ze trouw zijn aan hun innerlijke zelf. Dat inspireert mij om dat zelf ook te doen.

HOE ZOU JE JOUW MERK OMSCHRIJVEN?

Ik wil het spelen en mijn intuïtie laten stromen. Ik maak veel verschillende dingen en probeer mijn eigen wereld te creëren.

WAT IS HET VOLGENDE VOOR DRAGADINA?

Ik heb net een groot project afgerond genaamd “Busy in my mind”, waarbij ikd kunstenaars heb uitgenodigd om samen een nieuwe collectie te creëren. Nu het af is, wil ik tegelijkertijd dat ik mijn kleding zie bij meer onafhankelijke winkels over de hele wereld. Het zou geweldig zijn om al reizend met DragaDina bezig te zijn en te creëren terwijl ik ontdek! Mijn ultieme droom is om een winkel op een zeilboot te hebben en van duidelijk te ontwerpen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken07.2312.23Modeontwerper DragaDina leidt een creatieve leiding op het gebied van experimentele kleding.

Terug naar Functies

Nederlands lezen

Amsterdam is een centrum van experimentele creativiteit; de onorthodoxe stad lijkt innovaties in haar straten te bestendigen DragaDina is een merk dat uit deze omstandigheden voortkwam en eronder floreerde. Bedenker Noortje Mulders staat aan het roer van het eclectische en experimentele aanbod van het modemerk, en de levendige botsing van stukken zorgt voor een werkelijk unieke collectie. Haar drijfveer is: “Ik wil het graag speels houden en mijn intuïtie laten stromen. Ik maak veel verschillende dingen en probeer mijn eigen wereld te creëren.”

Mulders heeft mode door haar aderen stromen dankzij haar grootmoeder die een stoffenwinkel had, en daardoor werd ze van jongs af aan omringd door materiaal en inspiratie. Dit leidde tot een snelle ontwikkeling van een passie voor alles wat met stijl te maken heeft. Het voelde voor haar alleen maar natuurlijk om in een textielruimte te blijven. Haar interesse in restanten en het trekken van stoffen waarvan de hoeveelheid klein is, zorgt ervoor dat haar stukken zich blijven ontwikkelen en uniek blijven.

Het merk DragaDina zelf is gericht op positiviteit en zelfliefde – “Ik werk graag met mensen die zichzelf willen uiten en hen willen helpen zich op hun gemak te voelen in hun lichaam door te creëren wat we voelen of hoe we ons willen voelen.” Haar ontwerpen zijn erop gericht om zich rond het lichaam te vormen, waarbij gebruik wordt gemaakt van de natuurlijke lijnen en rondingen, zodat de kleding in harmonie met het lichaam werkt in plaats van er tegenaan.

UNCLE werkte samen met Noor om haar vaardigheden en waardevolle ontwerpmentaliteit een platform te geven. Er is niets iconischer voor Amsterdam dan de grachtengordel, dus hebben we het levensbloed van de stad van dichtbij leren kennen door er kolommen voor DragaDina naast te plakken. Vervolgens hebben we haar collectie ingelijst die de rest van de stad creatief definieert om de straten te domineren. We hebben Mulders geïnterviewd om het begin van haar merk te verkennen en haar denkprocessen beter te begrijpen; Daarbij kwamen we tot de kern van haar passie en merkethos.

WAT INSPIREERT JOU?

Ik word door zoveel dingen om mij heen geïnspireerd, waardoor het moeilijk is om vast te stellen wat precies mijn interesse wekt. Ik probeer niet te veel na te denken, wat moeilijk is omdat ik altijd overdenk.

Ik vind inspiratie uit de natuur, oude modeshows uit de jaren 80, 90 en 00. Ik zoek graag kleding uit het renaissancetijdperk op en onderzoek welke technieken er zijn gebruikt. Ik vind verandering inspirerend; Ik wil niet bang zijn voor verandering, ik probeer actief te blijven veranderen.

Hoe ben je in de mode geraakt?

Mijn oma en moeder hadden een grote invloed. Mijn oma had vroeger een kleine stoffenwinkel, dus het werken met textiel zit in de familie. Mijn moeder maakte elk jaar verjaardagsjurken voor mij, dit gaf mij de vrijheid om stoffen en ideeën te kiezen over hoe ik wilde dat de jurk eruit zou zien. Dit inspireerde mij als kind om creatief bezig te zijn met kleding.

WAT WAS HET EERSTE DAT JE HEBT GEMAAKT?

Ik begon met het maken van kleding voor poppen en Barbie's met hulp van mijn moeder en grootmoeder, maar ik denk dat mijn eerste echte item een tas was. Ik hield niet van gewone tassen en vond ze een beetje saai. De constructie van de tas was niet zo geweldig, en er konden niet eens boeken in. Ik moest het vaak repareren, maar het gaf me veel vertrouwen in mijn creatieve vaardigheden. Ik heb ook accessoires gemaakt, zoals armbanden of haaraccessoires, allemaal verschillende soorten items om mezelf uit te drukken via mijn uiterlijk.

BESCHRIJV UW ONTWERPPROCES?

Meestal begin ik eerst met het zoeken naar stoffen. Tweedehands stoffen vind ik het liefst op online marktplaatsen als Marktplaats. Omdat er een beperkte hoeveelheid stof beschikbaar is, helpt dit mij om unieke stukken te creëren.

Ik teken niet echt wat ik in gedachten heb op papier. Onder de naaimachine boetseer ik de stukken aan elkaar en wat ik in mijn gedachten zie, komt tot leven. Na vele jaren als textielkunstenaar te hebben gewerkt, is het werken met de naaimachine een reflex en gewoonte geworden. Als kind speelde ik in de stoffenwinkel van mijn grootmoeder, waarbij ik texturen en kleuren combineerde, wat hielp bij het creëren van mijn intuïtieve maakstijl.

WAT BETEKENT MODE VOOR JOU?

Mode is voor mij een manier om uit te drukken hoe ik me voel. Het helpt mij om vertrouwen te hebben in mijn huid en in mijn lichaam. Het helpt mij ook om gelijkgestemden aan te trekken. Ik vind het erg leuk om mensen te helpen zich te uiten en zich op hun gemak te voelen met hun uiterlijk.

Wat vind je het leukst aan het leven als ontwerper?

Ik zie mijn ontwerpen als een verlengstuk van mezelf en daarom vind ik het leuk om bepaalde karakters/persoonlijkheden in mij te ontdekken. Mensen denken dat ik me zo kleed om op te vallen, maar dat is het niet. Kleding is voor mij een manier om mijn innerlijke zelf te uiten. In mijn projecten streef ik er vaak naar om een meeslepende ervaring te creëren. Ik wil dat de outfits passen in hun omgeving. Mijn werk creëert een ruimte waar ik in pas, in een wereld die mij niet altijd welkom heet.

HOE HEBT U UW EIGEN PERSOONLIJKE STIJL VERFIJND?

Ik hou van speelse en onthullende outfits die een gevoel van sexyheid oproepen, maar die aanpasbaar zijn aan verschillende lichaamstypes. Levendige kleuren en printcombinaties om een femme-sfeer te creëren waar alles of niets mogelijk is. Mijn innerlijke kind komt naar voren in de manier waarop ik ontwerpen maak en in de uiteindelijke looks.

BETEKENT KLEUR VEEL VOOR U? WAAROM?

Ja, het betekent veel voor mij. Kleurencombinaties inspireren mij echt, ik vind ze in de natuur en organisch materiaal zoals tropische kikkers, paddenstoelen en bloemen. Soms ontdek ik deze combinaties buitenshuis, en soms vind ik ze online. Ik print referenties uit om inspiratieboeken te maken waarin ik mezelf overweldig met opties.

WAT ZIJN ENKELE VAN DE KERNONTWERPELEMENTEN VAN JE KLEDING?

Zichtbare stiksels en naadlijnen, meestal wil je deze verbergen, maar ik laat graag de constructie van de outfit zien. Ten tweede is pasvorm erg belangrijk voor mijn ontwerpen. Ik vind het geweldig als de kleding het lichaam vormt en je rondingen omarmt in plaats van deze te verbergen. Het is in zekere zin extreem, levendige kleuren en patronen. Het is ook een filter om mensen aan te trekken die zich graag willen uiten via kleding of artiesten in het algemeen.

HOE EXPERIMENTEER JE MET TEXTUUR?

Het is een heel natuurlijk proces en ik denk niet zo veel na over combinaties. Ik probeer te experimenteren met de items die ik zie en gebruik ze op onverwachte manieren in mijn ontwerpen. Ik weet vooraf niet altijd hoe het zal uitpakken.

VERTEL ONS OVER UW KUNSTWERKONTWERP? DE CREATIEVE RICHTING/HET BETEKENIS?

De mensen die mijn kleding dragen bepalen mijn merk en de gemeenschap die ontstaat als we samen zijn. Ik werk graag met mensen die zichzelf willen uiten en hen willen helpen zich op hun gemak te voelen in hun lichaam door te creëren wat we voelen of hoe we ons willen voelen. Mijn partner fotografeert al mijn werk, hij legt mijn projecten vast, draagt bij aan de creatieve leiding en helpt mij met Instagram.

WAAR VIND JE INSPIRATIE IN DE STAD?

De markt, op straat, grappige winkels, het nachtleven. Mijn leukste kleine items voor accessoires of kleding vind ik bij onverwachte winkels zoals tabaks- of sleutelwinkels. De verschillen in mensen, cultuur en spullen inspireren mij waar ik ook ga.

WAT HOUD JE VAN DE STAD?

Ik hou van mijn vrienden en het gevarieerde scala aan culturen en mensen inspireert mij. Ik woon nu in Rotterdam en probeer zoveel mogelijk te reizen. Uiteindelijk wil ik graag naar de VS verhuizen. Ik heb in Londen en Berlijn gewoond en vele malen New York en New Orleans bezocht. Ik hou van al deze verschillende steden en de ervaringen daar brengen mij elke keer weer iets nieuws.

HOE HEEFT NEDERLAND U ALS ONTWERPER GEVORMD?

Het vermogen en het voorrecht om als volwassene buiten mijn eigen woonplaats te reizen en nieuwsgierig te zijn naar de wereld, hebben vorm gegeven aan wat ik creëer. Mijn ontwerpen gaan over jezelf uiten, over verschillende mensen die elkaar respecteren en ons lichaam omarmen. Omdat ik tijdens mijn jeugd in de omgeving van Rotterdam andere culturen heb leren kennen, ben ik altijd enthousiast en nieuwsgierig geweest naar andere ervaringen en heb ik verschillende manieren gezien hoe mensen zich uiten, hoe ze trouw zijn aan hun innerlijke zelf. Dat inspireert mij om dat zelf te doen.

HOE ZOU U UW MERK DEFINIËREN?

Ik wil het graag speels houden en mijn intuïtie laten stromen. Ik maak veel verschillende dingen en probeer mijn eigen wereld te creëren.

WAT IS DE VOLGENDE VOOR DRAGADINA?

Ik heb zojuist een groot project afgerond met de naam 'Druk in mijn gedachten” waar Ik nodigde beeldende kunstenaars uit om samen een nieuwe collectie te creëren. Nu het klaar is, realiseerde ik me dat ik meer onafhankelijke winkels over de hele wereld wil vinden waar ik mijn kleding kan dragen. Het zou geweldig zijn om DragaDina onderweg te hebben en te creëren terwijl ik reis! Mijn ultieme droom is om een tijdje een zeilbotenwinkel te hebben en van daaruit te gaan ontwerpen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2303.24Mondiale en lokale straatkunstlegendes verlevendigen de granieten stad

Terug naar Functies

Een bezoek aan het straatkunstextravaganza Nuart Festival in Aberdeen is de afgelopen jaren een soort traditie geworden. Tijdens de donkere dagen van Covid 2021 steunde UNCLE Nuart's'Vast zitten' initiatief waarbij wereldwijd werd samengewerkt met een plakwerk van duizenden vierkante meter in het Granite City-centrum.

Dit jaar hebben we opnieuw samengewerkt met Nuart om meer op papier gebaseerde magie naar de Schotse straten te brengen. Posters afdrukken voor kunstenaars, variërend van campagnevoerende creatieve brandmerken Aida Wilde aan Stanley Donwood wiens donkere en prachtige boombeelden in elke hoek van de stad verschenen, zo leek het. In de weken voorafgaand aan het festival maakte Wilde samen met meer dan 90 lokale scholieren – waaronder Afghaanse en Oekraïense vluchtelingen – werken die later op Crooked Lane werden opgehangen, waardoor een enorme collage ontstond die de hoop en angsten van de jongeren uitdrukte.

Het overkoepelende thema voor 2023 is ‘rewilding’. Festivaloprichter en creatief directeur Martyn Reed peinsde over een 'rewilded' stad: 'Waar de wortels van de kunst op straat verweven zijn rond de granieten zuilen van onze illustere kunstinstellingen, en de zorgvuldig samengestelde en gecultiveerde bloemen van de instelling door de straten stromen. dubbele deuren naar de winkelstraat proberen we reflecties uit te lokken over hoe een stad waar kunst echt vrij is eruit zou kunnen zien, klinken, ruiken en aanvoelen.

Bang op thema Braziliaanse kunstenaar Thiago Maza bracht dagen door in de Cruickshank Botanic Garden van Aberdeen Uni. om de productie van een prachtig nieuw stuk te informeren. Zijn bloemenaanbod van drie verdiepingen in Frederick Street is nu een van de vele door Nuart geïnspireerde muurschilderingen die kriskras door de stad lopen. Het nieuwste van zoveel visuele lekkernijen die de straten sieren sinds Nuart's eerste Schotse uitje in 2017.

Andere versies van 'rewilding' waren er in overvloed. Onderzoek naar het idee dat creatieve interventies in de stedelijke ruimte de manier waarop we ons voelen en denken over onze omgeving kunnen heroriënteren. Jamie Reid – bekend om zijn grafische kunst van Sex Pistols – werd geïnterviewd door Jan Marchant over een letterlijk rewilding-project genaamd The Power of the Ova, maar de ervaren punkkunstenaar was ook verantwoordelijk voor een ruw uitgehouwen paste-up met een haas die overal in de stad opdook.

Reid legde uit dat dit een verwijzing was naar Joseph Beuys 'voorstelling 'How to Explore Pictures to a Dead Hare' uit 1965. De haas is een dier met eeuwenoude symbolische betekenissen in verschillende culturen en die voor Beuys incarnatie impliceert. De voorstelling wordt ook geïnterpreteerd als een sociaal-politiek geladen kritiek op het Duitsland van na de Tweede Wereldoorlog, verdeeld door een muur met aan de ene kant het Sovjet-samenlevingsmodel en aan de andere kant het proces van amerikanisering en het ongebreidelde rumoer van de consumentencultuur.

Meer nieuw werk voor 2023 kwam tot stand met dank aan de Poolse kunstenaar lepel. Ze plaatst porseleinen voorwerpen op straat en maakt muurschilderingen die lijken op kantontwerpen. De ongerijmdheid van het zien van de gigantische gevel van een gemeentehuis versierd met een adembenemend ingewikkeld kantschilderij is magisch. Kant staat voor Nespoon voor ‘harmonie, balans en een gevoel van natuurlijke orde. Is dat niet precies waar we allemaal instinctief naar op zoek zijn?”

Een andere reeks visuele juweeltjes arriveerde in de stad dankzij de kunstenaar Caledonia Curry (ook bekend als zwijm) die dit jaar haar Nuart Aberdeen-debuut maakte. Het in Brooklyn gevestigde Swoon staat algemeen bekend als de eerste vrouw die uitgebreide erkenning kreeg in de ooit door mannen gedomineerde wereld van de straatkunst. Haar werk 'draagt een ernst met zich mee, waarbij ze het mooie als subliem behandelt, zelfs als ze de donkere kanten van haar onderwerpen onderzoekt, [...] het grillige met het geaarde combineert, vaak verweven in flarden sprookjes, flarden van mythen en een terugkerend motief. van het heilige vrouwelijke.' De meerdere plakken van Swoon zijn 'verborgen' in de stad: op onopvallende landgoederen en muren van de zeehaven, afgelegen nissen en middeleeuwse steegjes. Ze heeft de omgeving voorzien van patronen, kleuren en fantastische figuraties om een schattenjacht door de hele stad te creëren die meerdere momenten van verwondering en betovering biedt.

Kortom, Nuart Aberdeen met zijn jaarlijkse opeenstapeling van spectaculaire en doordachte straatkunstwerken in combinatie met hun intensieve Nuart Plus programma van interviews, lezingen en presentaties dat het debat bevordert en context en nieuwe perspectieven biedt, is een opmerkelijke prestatie en een prestatie waar UNCLE bijzonder trots op is hiermee geassocieerd te worden.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2303.24UK Black Pride om licht te werpen op de Britse Black Trans-gemeenschap.

Terug naar Functies

UNCLE hoefde niet lang na te denken toen hij werd gevraagd om samen te werken met een bureau McCann Londen en hun partners Britse zwarte trots een project dat 'de gevaren van verkeerde informatie over de Britse Black Trans-gemeenschap blootlegt'. Tijdens de campagne werd Londen bedekt met portretten in renaissancestijl van vijf sleutelfiguren uit de zwarte transgemeenschap om het bewustzijn te vergroten van de problemen waarmee zij worden geconfronteerd.

UK Black Pride is 's werelds grootste door vrijwilligers geleide organisatie die opkomt voor gekleurde mensen binnen de LGBTQIA+-gemeenschap. Het goede doel heeft een campagne gelanceerd genaamd '16^th Eeuw levensverwachting' waarin de levensverwachting van zwarte transvrouwen op opvallende wijze wordt vergeleken met de gemiddelde levensverwachting van mensen in de 1500e eeuw – die allebei 35 jaar oud zijn. Hoewel de schokkende statistiek reëel is, wordt deze vaak gebruikt als instrument om angst te zaaien tegen een toch al kwetsbare groep.

Het kunstwerk zelf toont Talulah Eve, Amani Cosmo, Ebun Sodipo, Mzz Kimberley en Rico Jacob Chace als schilderijen uit de 16e eeuw.^th eeuw met als doel de straten te intrigeren en een gesprek op gang te brengen. In de moderne samenleving zijn transrechten – verbijsterend genoeg – een controversiële kwestie die bol staat van vooroordelen en schadelijke opvattingen, waarvan die vaak zijn gebouwd op een fundament van desinformatie. Toeschouwers worden erheen geleid 16e-eeuws.com een plek waar je niet alleen de zaak kunt steunen, maar ook meer te weten kunt komen over de historische context van de kwestie.

Ben Conway, een creatieveling bij McCann London, vertelt over het belang van de campagne –

“De trans- en non-binaire gemeenschap wordt aangevallen in Groot-Brittannië. Ze zoeken naar bondgenoten in alle richtingen, en als creatieven in de reclame-industrie moeten we ideeën en creativiteit benutten om het hoofd te bieden aan de venijnige haat en discriminatie die zij ontvangen. We kunnen niet gelukkiger zijn om samen te werken met UK Black Pride om deze baanbrekende campagne te realiseren, om de verhalen, schoonheid en legitimiteit van onze geweldige cast van transgender- en niet-binaire vrouwen van kleur te vieren en te platformen. Ze verdienen het om gehoord, begrepen, beluisterd, overdacht en bestreden te worden.”

UNCLE heeft de campagne en de teaser de hele Pride-maand juni door heel Londen gepost om maximale zichtbaarheid te garanderen voor een zaak die echt leven of dood kan betekenen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2303.24UNCLE feiert das fascinerende werk van kunst- en filmmakers Clemens.

Terug naar Functies

Lees in het Engels

De Berliner Clemens Wilhelm schafft een grote verandering in zijn bewegende werk, terwijl hij denkt dat hij niet eens een buitensporige zonde voor zijn absurde begleitet zal hebben. Manchmal stehen alle deze kwaliteit niet en ringen zijn een ongemerkt merknaam.

Zum Beispiel Die Linie (2019), Wilhelms Reise zu Fuß entlang der nach dem Zweiten Weltkrieg auferlegten Grenze zwischen Ost- und Westdeutschland, vierzehnhundert Kilometer von der tschechischen Grenze bis zur Ostsee. Alle minuten zijn gestopt, een Schwarz-Weiß-Foto is gemaakt: links naar het Westen, rechts naar Oost en in het midden van de afbeeldingen die niet in de Patrouillenstraße staan. Deze overheersing, een gespenst eener geteilten natie, die als Todesstreifen oorlog begon, is een natuurbeschermingsgebied en dus de kunst, een Zeugnis voor de banalität der macht: "Es is een beispiel voor een ongeglazuurde architect."

De Linie besteht uit 975 Bildern, die in 67 Minuten met een Musikkomposition gepresenteerd werd, hoewel de Originalaufnahmen stammt, sterven op de weg entstanden sind. Wilhelms Porträts der Landschaft is een onderdeel van het bedrijf. Aber beim Durchqueren von Wiesen, Weizenfeldern en Waldwegen hat man das Gefühl, dass diese Route, dieser Nicht-Ort, in der deutschen Psyche herumspukt. “Auch nach mehr as 30 Years ist de Wiedervereinigung ein unvollendeter Prozess, es ist schmerzhaft, daran zu denken, dass einige der Politiker, de Architekten der Wiedervereinigung, immer noch een der Macht sind und nicht zügeben können, wie schädlich Aspekte des Projekts waren. Het is een tijd waarin het proces van de wiedervereinigung nieuw is. Als de Brexit een thema is, kan de mens nu niet meer stoppen. Die Gemüter können sich sehr erhitzen.”

Wilhems Werke reichen von Bildern, de von Politik, Gesellschaft en Ökologie geïnspireerd door zijn werk, de evolutie van de kunst en het massatoerisme. “Ik denk dat het misschien wel eens jaren zou duren met de klimawandel, lang voordat er een 'heißen' thema in de kunstwereld was”, erklärt Wilhelm. Sein Video mit dem Titel A Horse With Wheels (2017) stellt de Frage: “Können wir unseren Vorfahren, die die eerste Kunstobjekte hergestellt haben, näher kommen? Hilft is een grote uitdaging als dieselbrandstof en brandstofverbruik optreden? Wil je eens de eis ooit verzilveren, of is de fortschrit een Täuschung? Was het wissen van een wirlich über unsere vergangenheit en warum wollen wir glauben, dass unsere vorfahren primitiv waren? Unterscheidet sich die Kamera so sehr von einem Tranchiermesser?” Solch tiefgründige fragmenten werden in A Horse With Wheels geschickt opgerold. Der Film, der über einen Zeitraum von sieben Jahren gedreht wurde, führt uns von prehistorischen Höhlen in Frankreich über eine Herde von 1000 Rentieren in Norwegen bis in zu den Weiten der Schottischen Highlands und einem antropologischen Museum in Deutschland. Een fascinerend fragment wordt gestellt: “Wie hat eine unerbittliche, wenn auch ehrfurchtgebietende Landschaft die allerersten Bemühungen der Menschheit, Kunst zu produzieren, hervorbracht and beeinflusst, jene Praxis, die Forscher als “nutzloses Werkzeug” bezeichnen, Kunst als Werkzeug nicht nur zur Darstellung , over zum denken en zur Reflexion? Een 13 jaar oude Mammut-Stoßzahnschnitzerei en schwimmenden Rentiers is een verblüffende artefakt. Als Wilhelm's Noordse Sequenzen-sieht, die in der Arktis gedreht wurden en steile, von Rentieren bewohnte Hügel zei – wo kein Himmel zu sehen ist, sondern nur die elegante Tiere, die sich durch Gestrüpp and Felsen move -, dann sehen die eiszeitlichen Höhlenmalereien en de felle wänden plötzliche wie wörtliche als abstracte Darstellungen aus.

Von der echten Wildnis zu een zynisch konstruierten Realität: The End of Something (2022) zeichnet die Zeit auf, die in een park neben dem Eiffelturm in Parijs verbracht wurde. Ik laat de zomer, vóór het coronavirus de “normale” Leben op de kopf-stellte, wirft Wilhelms Darstellung des Tagtraums des Massentourismus – Segen und Fluch der Franse Hauptstadt – een licht op de konstruierten ablenkungen des Spätkapitalismus. “Es ist wie der Turm zu Babel: Menschen aus der ganzen Welt
Menschen uit alle werelden, die versammeln, een van de vele ontwikkelingen in de wereld, verschiedene momenten met hun smartphones en zo het algoritme is een van de belangrijkste toeristische monumenten. Het is seltsam, snel met een religieus feest”. Zorg ervoor dat u alle mogelijke producten kunt gebruiken, dit is een moment waarop u erg onrustig wordt. Een vrouw zit in het gras, trinkt met een weinflasche en een füttert Vögel met Brot, als een gestalt, het is niet zo dat ze kunnen zien, in de Bildausschnitt tritt en een bewegung in de richting van de macht van de broers en dan hun Finger zum Mund führt. Denk aan de sitzende Frau die Bitte der Fremden ab, maar dan – misschien wel de ironie, dass sie die Tierwelt des Parks zum Spaß füttert, ich aber weigeren, met een Mitmenschen zu teilen – bricht sie een Stück Baguette ab en reicht es ihr . Het is een bewegende beweging die een deel van de tijd uitschakelt, de toeristische rituelen worden uitgevoerd. In de Frage, wie er in de tijd zo weinig tijd heeft gehad om Raum in te grijpen, erklärt Wilhelm: “Ich habe zwar nicht um erlaubnis gebeten, aber ich war mit een ziemlich großen Kamera in Freien! De mens is zo geworden dat hij niet langer wacht, maar de kamer ziet er niet uit. Ja, het is een Arbeitsweise, het moment waarop geschenken worden gegeven, die entstehen, wanneer een man nu een probleem heeft en een lange tijd bezig is. Das wahre Leben findet statt, wenn man wartet.”

Voordat hij met UNCLE begon, begon Wilhelm aan een project te werken in 2008. “MACHT NICHTS” is een dubbeldeutsche Duitse Ausdruck. Er kan als Beschwichtigung verstanden worden: “Es ist nicht so schlimm, es macht nichts.” of er kan een Befehl verstand worden: “Tu nichts!”, “Bleib passiv.” En dan, als de Botschaft een hint geeft aan een Flugzeug die op een van de digitale ries is, kijkt hij naar een nog steeds gelegeerde Gasometer die de Stadt is of zo in een Berliner Szenekneipe niederlässt of op zwei Plaketten zu sehen ist – een davon is de ehemaligen Bundeskanzlerin Angela Merkel überreicht - , entwickelt sich “MACHT NICHTS” met een verwirrenden Äußerung, een unheimlichen Aufforderung/Anweisung, die, ohne dass man weiß, wer der “Absender” ist, zu een kunst dubbeldeutigkeit wird. Kijk dus hoe het woord van de politieke kern en anderen zich uitdrukt, de kennis met de schwammige worten verandert.

Es gibt zwei Versionen des Plakats, die auf den Straßen Berlins zu sehen sind: weißer Text auf schwarzem Hintergrund und umgekehrt. Door het hanteren van een geavanceerd ontwerp, is het strenge ontwerp en de fascinerende architectuur van de stedelijke architectuur een subtiele subtiele interventie, die het extreme einde maakt van de "Maak je geen zorgen/maak je zorgen"-taktik die breder wordt gespiegeld, die gebruikt wordt, um die Als u zich bezighoudt met de immigratie, de immigratie-thema's, de sterke kosten van de immigratie, de kredietcrisis, de sociale zekerheid, de informatie over de immigratie op de begroting, enz. enz. worden gewijzigd. UNCLE zegt dat een kunstenaar/filmmaker van ons een idee heeft gekregen om visueel te verführerisch en hypnotiserend te zijn, en dat is een van de meest sociaalpolitieke, psychologische en filosofische fragmenten.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2303.24UNCLE viert intrigerend werk van veelzijdige kunstenaar en filmmaker Clemens.

Terug naar Functies

Lees in het Duits

Berlijner Clemens Willem maakt uitzonderlijk mooi en zeer ontroerend werk, altijd bedachtzaam en vaak doordrenkt van een scherp gevoel voor het absurde. Soms bestaan al deze kwaliteiten naast elkaar en verdringen ze zich op verschillende manieren om onze overweging.

Bijvoorbeeld De lijn (2019), Wilhelms reis te voet, over de lengte van de opgelegde grens van na de Tweede Wereldoorlog tussen Oost- en West-Duitsland, veertienhonderd kilometer van de Tsjechische grens tot de Baltische Zee. Ieder kwartier wordt er gestopt om een zwart-witfoto te maken: het westen links, het oosten rechts en in het midden van het beeld de afwisselend begroeide patrouilleweg. Dit overblijfsel, deze geest van een verdeelde natie, ooit bekend als de death strip, is nu een natuurreservaat en volgens de kunstenaar een bewijs van de banaliteit van macht: “Het is een voorbeeld van verbijsterend domme architectuur.”

De lijn bestaat uit 975 foto's gepresenteerd in 67 minuten met een muzikale compositie die voortkomt uit originele opnames die onderweg zijn gemaakt. Wilhelms portretten van het landschap zijn adembenemend. Maar terwijl we door laaglandweiden, korenvelden en bospaden lopen... bekruipt ons het knagende gevoel dat deze route, deze non-plaats, de Duitse psyche achtervolgt. “Zelfs na meer dan dertig jaar is de hereniging een onvoltooid proces. Het is pijnlijk om te bedenken dat sommige politici, de architecten van de hereniging, nog steeds aan de macht zijn, en zij kunnen niet toegeven hoe schadelijk de aspecten van het project waren. Het is tijd dat het herenigingsproces opnieuw wordt geëvalueerd. En net als de Brexit is het een onderwerp waarover moeilijk te praten is. Emoties kunnen erg verhit raken.”

Van de sociaal-politiek doordrenkte visuele studies tot werken die de evolutie van de vroegste kunstobjecten, ecologische kwesties en massatoerisme behandelen. “Ik maak al vele jaren werk over klimaatverandering, lang voordat het een ‘hot’ onderwerp in de kunst werd”, legt Wilhelm uit. Zijn video getiteld Een paard met wielen (2017) stelt de vraag: 'Kunnen we dichter bij onze voorouders komen die de eerste kunstobjecten maakten? Helpt het ons begrip om getuige te zijn van dezelfde bezienswaardigheden en omgevingen? Zijn we überhaupt veranderd sinds de ijstijd, of is vooruitgang bedrog? Wat weten we werkelijk over ons verleden en waarom willen we geloven dat onze voorouders primitief waren? Is de camera zo anders dan een vleesmes?'

Dergelijke diepgaande vragen worden handig beantwoord in Een paard met wielen. De film, gemaakt in de loop van zeven jaar, neemt ons mee van prehistorische grotten in Frankrijk, waarbij we een kudde van duizend rendieren in Noorwegen volgen, naar de uitgestrekte Schotse Hooglanden en een antropologisch museum in Duitsland. Er wordt een intrigerende vraag gesteld: 'Hoe heeft zo'n meedogenloos, zij het ontzagwekkend landschap aanleiding gegeven tot en invloed gehad op de allereerste pogingen van de mensheid om kunst te produceren, die praktijk die onderzoekers het 'nutteloze instrument' noemen, kunst als instrument voor niet alleen representatie maar denken en reflectie?' Een 1000 jaar oude mammoetslagtand van een zwemmend rendier is een verbijsterend artefact. Het zien van Wilhelms Noordse sequenties, opgenomen in het noordpoolgebied, met steil heuvelachtig terrein bewoond door rendieren – waar geen lucht zichtbaar is, alleen de elegante beesten die door struikgewas en rotsen lopen – en plotselinge grotkunst uit de ijstijd op rotswanden lijken meer op letterlijke dan op abstracte representaties.

Van de echte wildernis tot een cynisch geconstrueerde realiteit: Het einde van iets (2022) registreert de tijd doorgebracht in een park naast de Eiffeltoren in Parijs. Tijdens de laatste zomer voordat het coronavirus het ‘normale’ leven op zijn kop zette, werpt Wilhelms weergave van de dagdroom van het massatoerisme – de zegen en de vloek van de Franse hoofdstad – een licht op de gekunstelde afleidingen van het laatkapitalisme. “Het is net als bij de toren van Babel: mensen van over de hele wereld komen samen om een voorgeschreven vrijetijdsbesteding uit te voeren, waarbij ze verschillende momenten op hun smartphones vastleggen en zo het algoritme rond dit monument aan het toerisme voeden. Het is vreemd, bijna als een religieus festival.” Tussen de ogenschijnlijk alledaagse geneugten zijn er momenten van aangrijpende onrust. Een vrouw zit op het gras, drinkt uit een wijnfles en voert brood aan de vogels, wanneer een figuur wiens gezicht we niet kunnen zien in het frame stapt, naar het brood wijst en vervolgens haar vingers naar haar mond brengt. In eerste instantie wuift de zittende vrouw het verzoek van de vreemdeling weg, maar dan – misschien beseffend hoe ironisch het is om de parkfauna voor de lol te voeren, maar weigert ze deze met een medemens te delen – breekt ze een stuk stokbrood af en overhandigt het. Het is een ontroerend tafereel tussen de vele vignetten die bij dit toeristische ritueel horen. Op de vraag hoe hij zoveel intieme momenten in de openbare ruimte vastlegde, legde Wilhelm uit: “Hoewel ik geen toestemming vroeg om te filmen, was ik in de open lucht met een behoorlijk grote camera! Mensen zijn zo gewend aan toezicht dat ze nauwelijks camera's zien. Dus ja, het is een manier van werken die impactvolle momenten vastlegt, geschenken die ontstaan als je gewoon lang blijft zitten en observeren. Het echte leven gebeurt als je wacht.”

Voor zijn samenwerking met UNCLE bezoekt Wilhelm een lopend project dat in 2008 begon. 'MACHT NICHTS' is een dubbelzinnige Duitse uitdrukking. Het kan worden opgevat als een pacificatie: “Het is niet zo erg, het maakt niet uit.” Of het kan gelezen worden als een bevel: “Doe niets!”, “Blijf passief.” En dan, wanneer het verschijnt als een bericht dat achter een vliegtuig wordt gesleept of de stad verlicht via een enorm digitaal display op een buiten gebruik gestelde gasmeter of zijn intrek neemt in een trendy Berlijnse bar of op een paar badges staat – waarvan we er één zien overhandigd aan de voormalige Duitse bondskanselier Angela Merkel – 'MACHT NICHTS' evolueert naar een discombobulerende uiting, een griezelige uitnodiging/instructie die, zonder te weten wie de 'afzender' is, een soort dubbelspraak wordt. Misschien vergelijkbaar met het taalgebruik van sluwe politici en anderen die hun agenda's verhullen met meelachtige woorden.

Er verschijnen twee versies van de poster in de straten van Berlijn: witte tekst op een zwarte achtergrond en omgekeerd. Het grimmige ontwerp en de intrigerende boodschap worden afwisselend en in een geruite formatie getoond en zaaien dubbelzinnigheid in de stedelijke omgeving, een subtiel ontwapenende interventie die de extreme kanten weerspiegelt van de 'Maak je geen zorgen/maak je zorgen'-tactieken die worden gebruikt om mensen te pacificeren/bang te maken die op verschillende manieren zijn weggesneden door kwesties als zoals immigratie, de sterk stijgende kosten van levensonderhoud, ecocrises, sociale cohesie, de effecten van AI op de werkgelegenheid, enz., enz. UNCLE is verheugd een kunstenaar/filmmaker te steunen wiens werk visueel verleidelijk en hypnotiserend is en vervolgens veel verder gaat om belangrijke sociaal-politieke, psychologische en filosofische problemen te onderzoeken.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken06.2303.24Umbilical Chords combineren excentriciteit en onderdompeling voorafgaand aan de clubavond

Terug naar Functies

DIY-collectief Navelstrengakkoorden hebben een moeilijke vraag om op te vallen in een stad als Londen, waar de evenementensector verzadigd is met opties voor muziekliefhebbers in overvloed. Maar de progressieve mentaliteit van de groep legt de lat altijd hoog: hun gevoel voor theatraal zorgt ervoor dat mensen al geruime tijd aan het praten zijn. Door prioriteit te geven aan onderdompeling lonken hun evenementen naar een nieuwe golf van clubcultuur die vereist dat alle zintuigen worden geprikkeld. UNCLE heeft met hen samengewerkt aan hun aankomende film gebeurtenis in juni 10^th waar DJ Mixmaster Morris de headliner Loki is in Brixton.

UNCLE sprak voorafgaand aan het evenement met Josef om te onderzoeken hoe het collectief is ontstaan en wat hun evenementen en ervaringen zo uniek maakt.

Hoe is het navelstrengcollectief ontstaan?

Alle leden van het collectief kennen elkaar al heel lang – een paar jaar geleden woonden we met een aantal van ons samen in een vervallen huis in Clapton. Het begon allemaal met het samen organiseren van huisfeestjes. We merkten dat als we het huis zouden transformeren met versieringen en verlichting, dit een diep en positief effect zou hebben op de sfeer van het feest. Deze feesten mondden uiteindelijk uit in het organiseren van avonden verderop in de New River Studios in Manor House. En de rest ontwikkelde zich geleidelijk en natuurlijk van daaruit en nu organiseren we een hele reeks evenementen in heel Londen en Bristol, hosten we podia op festivals en runnen we elk jaar een van onze eigen evenementen in Somerset, samen met een ander collectief genaamd Coop Audio. shows op Noods Radio, Threads Radio en RTM.

WAT IS VOOR JIJ HET DOEL VAN HET COLLECTIEF?

Umbilical Chords is een kunst- en muziekcollectief dat transformatieve evenementen wil creëren waarin echte menselijke connectie centraal staat. We leggen speciale nadruk op het transformeren van de ruimtes die we gebruiken om buitenaardse omgevingen te creëren. Deze tijdelijke installaties zijn ontworpen om het gevoel van in de baarmoeder te zijn na te bootsen – een gedeelde ervaring diep verborgen in het onderbewustzijn van ieder mens. Deze omgeving is bedoeld om de mensen binnenin zich veilig te laten voelen en zich te kunnen uiten.

Ook met de muziek zijn we serieus bezig! Onze muzikale identiteit is behoorlijk vloeiend – we zijn niet gebonden aan welk genre dan ook. Waar mogelijk combineren we graag live acts en DJ’s en hebben we in het verleden mensen als alternatieve rapper Lex Amor tot vooruitstrevende elektronische DJ’s als CAR en Clarity Clinic (oprichter van Weaponise Your Sound) en hedendaagse Latinx DJ Papaoul laten spelen voor ons. De rode draad is hun vermogen om een open en gemeenschappelijke sfeer te creëren en hun speelse experimentele karakter.

WAT IS DE INSPIREERDER VAN DE NAAM 'UMBILICAL CHORDS'?

Oprichter Will kwam op een dag terug van zijn werk en kondigde zojuist aan dat we een avond zouden beginnen genaamd Umbilical Chords (akkoorden met een 'H'). Ik kan eerlijk gezegd niet zeggen waar die inspiratie vandaan kwam – misschien voelde hij zich somber. Sindsdien hebben we een hele geschiedenis rond de naam ontdekt. Misschien heeft de naam ons gekozen? De navelstrengakkoorden vertegenwoordigen de levendige natuurlijke frequenties van het universum. Alle materie bestaat uit vibrerende deeltjes, die trillen over de frequenties van geluid en licht. De oerknal trof het universum tot bestaan, waarbij de trillingen door biljoenen deeltjes de ruimte in golfden. De navelstrengakkoorden zijn de natuurlijke frequentie van het universum. De harmonie die alles in het leven zong. De akkoorden voeden ons op dezelfde manier waarop de navelstrengen van onze moeder ons als embryo's voedden.

Wanneer we dansen, met elkaar omgaan en met elkaar communiceren, echoën we deze levengevende trillingen en zingen onze geesten, lichamen, zielen en atomen in harmonie met de navelstrengen.

Of misschien betekent het helemaal niets en is het gewoon een flauwe woordspeling.

WAT WAS DE DRIJVENDE KRACHT ACHTER DE CONCEPTIE VAN DE NACHT?

We wilden een feest houden om het begin van de zomer in te luiden – om ons te verwelkomen in het hart van het jaar. En er is geen betere manier om dat te doen dan met een voetstampende danssessie onder ons embryonale bladerdak van roze parachutes.

HOE WERD DE LINE-UP BESLIST?

We zijn al jaren fan van Mixmaster Morris. We kwamen hem vele manen geleden voor het eerst tegen toen hij de slotset speelde op het Shambala-festival. Ik had nog nooit zo'n DJ gezien als hij: zeer vloeiende overgangen zonder nadruk op beatmatching, een diepgaande downtempo-excursie vol verrassingen. Ik zat vastgeworteld in het punt dat ik geen idee had wat voor soort nummer er zou volgen – op een gegeven moment dropte hij na een aantal piepende elektronische nummers een acapellaversie van Ed Sheerans 'Shape of You' en op de een of andere manier werkte het perfect! We hebben hem sindsdien heel veel gezien en we raakten met hem aan de praat tijdens de Shambala van vorig jaar, wisselden nummers uit en uiteindelijk boekten we hem voor 10 juni – een prachtig moment waarop de cirkel rond was.

De andere DJ in de line-up is Chatbot Caro – een waanzinnig goede, weinig bekende DJ. Caro verbaasde ons vorig jaar tijdens ons Weekender-festival en leverde een van de opvallende sets van het weekend af. Ze vertelde ons dat ze het liefst opwarmingssets speelt, dus het leek ons alleen maar goed om haar de dansvloer in boter te laten smelten voordat Morris ons in de knapperige hemel bakte.

WAT IS HET DOEL VAN DE NACHT?

Zoals altijd is het doel van Umbilical Chords het creëren van evenementen die tot doel hebben een gemeenschapsgevoel te bevorderen, en niet alleen gezichtsloze transacties. Het faciliteren van echte menselijke verbinding en uitwisselingen die verder gaan dan de grenzen van de club/het evenement zelf zijn voor ons een prioriteit. Wij zijn van mening dat de beste manier om dit te laten gebeuren is door mensen er langzaam in te laten werken; je begint een maaltijd niet met een dessert.

Met onze uitgebreide dag-tot-nacht-evenementen streven we ernaar om workshops en/of ambachtelijke/food-elementen op te nemen naast meer ambient en relaxte muzieksets overdag. Deze activiteiten slechten barrières tussen deelnemers die elkaar misschien nog niet eerder hebben ontmoet, en bouwen een gemeenschappelijkheid tussen deelnemers op een meer doordachte manier dan doorgaans mogelijk is in een clubomgeving waar de intensiteit vanaf het begin hoog is. De verbindingen en activiteiten informeren en de energie die daardoor wordt opgebouwd, wordt later op de avond meegenomen naar het feest, en hopelijk ook buiten het evenement zelf.

Voor 10 juni is de opzet meer een ongecompliceerde clubavond. Maar we zullen de kenmerkende meeslepende versieringen en rekwisieten uitbrengen om de ruimte te transformeren in een baarmoederachtige bubbel van vreugde – een tempel voor de navelstrengakkoorden. Dit zal mensen helpen hun remmingen te verliezen en zich door de muziek te laten meeslepen. Alle actie vindt ook in één kamer plaats, wat bijdraagt aan het creëren van een coconachtige sfeer.

VERTEL ONS MEER OVER HET KUNSTWERK?

Zoals altijd werd het artwork samengesteld door UC-kernlid Tara Russell – de artistieke drijvende kracht achter onze evenementeninstallaties en ons imago. De overlevering van de navelstrengakkoorden vormt de basis voor al onze esthetische keuzes. Wij streven ernaar warme en gastvrije omgevingen te creëren, in tegenstelling tot de hardheid van onze huidige samenleving. Ons kleurenpalet bestaat uit zachte, warme tinten die de eerste kleuren nabootsen die we ooit zagen toen het licht door de lichamen van onze moeder scheen en op onze pasgevormde ogen; lichamelijke tinten rood, roze, paars en oranje. In dezelfde geest willen onze installaties de randen van de ruimtes die we bewonen verzachten. De roze parachutes die we gebruiken om onze plafonds te laten denken aan het membraan van de baarmoeder en de deelnemers aan te moedigen hun remmingen te verminderen en zich vrij te voelen om anders te bewegen en te stromen zonder de beperkingen van traditionele ruimtes.

Tara creëerde de achtergrond en ontwierp vervolgens ons oorspronkelijke logo (ontworpen door Joe Mcrae) met een foetus die via een navelstreng met de tekst was verbonden. Het is ook de bedoeling dat de foetus er tegelijkertijd uitziet als een oor – om de verbinding tussen de navelstrengakkoorden en muziek te benadrukken, wat een leuke bijkomstigheid is.

HOE IS HET COLLECTIEF VERBONDEN MET DE STAD LONDEN?

Umbilical Chords is geboren in de stad Londen – onze ontstaansgeschiedenis is verbonden met onze ervaringen met uitgaan en feesten in de stad. Een deel van de reden waarom we zijn zoals we zijn, is dat we merkten dat er een gat was in het Londense clublandschap voor avonden die niet alleen goede muziek hadden (er zijn er heel veel), maar ook de ruimtes waarin ze zich bevonden transformeerden in meeslepende transportomgevingen. Er is duidelijk een tijd en een plaats voor een donkere kelder met een knallend geluidssysteem, maar het is ook leuk om iets extra's in die ruimte te hebben dat in combinatie met de muziek een transcendente ervaring creëert.

WELKE GEBEURTENISSEN ZIJN HET MEEST memorabel EN WAAROM?

Ons minifestival dat we organiseren met een ander collectief genaamd Coop Audio, is altijd de meest memorabele evenementen die we doen. Het is het hoogtepunt van alles waar Umbilical Chords naar streeft. Gelegen op het terrein van een prachtig herenhuis in Somerset. Er zijn geen externe boekingen. Alle workshops en artiesten zijn zelf tickethouders, dus er is geen onderscheid tussen publiek en artiesten – ze zijn één en dezelfde. Eten is inbegrepen in de ticketprijs. Er is de hele dag muziek, geweldige activiteiten en workshops, onze meeslepende installaties – zelfs een zwembad en een sauna. Het is een prachtig feest van gemeenschappelijkheid. Alle 200 tickets voor onze weekender 2023 waren binnen twee dagen uitverkocht zonder enige andere promotie dan mond-tot-mondreclame – maar als je het helaas gemist hebt, kun je je aanmelden op de wachtlijst hier.

WAAROM LOKI BRIXTON?

Jaren geleden feestten we in de ruimte toen het een andere eigenaar had, maar toen werd het gesloten. Nu is het heropend door het team achter Fox & Firkin – de legendarische pub en locatie in Lewisham, dus we moesten erop springen. Het is een geweldige plek, gemakkelijk te bereiken en met een geweldig geluidssysteem. Super enthousiast om met iedereen hier te dansen op 10 juni.

Wat is de volgende stap voor navelstrengakkoorden?

We hebben een superdrukke zomer voor de boeg! We doen een tweedaagse ambient/downtempo stage take-over in het bos tijdens Secret Garden Party in juli. In september kun je ons tegenkomen op Come Bye festival. We organiseren een podium dat zich richt op alle feestvierders op de late avond en van 2 tot 14 september is dat de Weekender. Daarna zijn er plannen in de maak om begin oktober een grote avond in Londen te organiseren, waarbij we livemuziek combineren met DJ's die tot in de vroege uurtjes door gaan – dus houd daar je ogen voor open. Tenslotte houden we in december graag een eindejaarsfeest met uitsluitend UC-bewoners op de decks – dit is altijd supergezellig!!

Daarnaast hebben we een aantal grote plannen voor merchandise in de maak, dus verwacht binnenkort enkele kledingstukken van het UC-merk te zien verschijnen!

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2303.24De innovatieve Berliner Modemarke Impari zielt auf de Aufbau von Gemeinschaften durch Design ab

Terug naar Functies

Lees in het Engels

Berlijn is een stad met een innovatieve Kreativszene, de muziek-überkunst in zijn mode-reicht. Nadat de Spitze de Modemarke IMPARI heeft gekozen, heeft de ontwerper van Jana Heinemann geleitet en gegründet wurde. De Marke ging aan de slag met de verf en de verwerking en zal "Menschen durch Kunst connecting, die Vielfalt der Welt veranschaulichen und zur Einheit ermutigen".

Heinemann begon zelf met het Modedesign. Bereits im Alter von 12 Jahren benutzte sie de Nähmaschine ihrer Großmutter, um Accessoires voor entwerfen. Omdat het zo goed gaat met de Wunsch, is de Leidse gemeenschap van nu, de mensen die ermutigen, hun eigen, eenzame kunst nog steeds een positieve invloed op de wereld van hun leven. Ihr Design is een ontwerper van kleding en kleding, en hij draait zijn kleding zo om dat hij helemaal niets meer vindt – “een kapsel van Street Elegance”.

Zorg voor een mark, die voor een duurzame aanpak en een Zero-Waste-beleid zorgt. Als het bedrijf eenmaal was begonnen, was het allemaal schnitte uit früheren Entwürfen voor een leuke onderneming, het was met zijn Mustermix en de opwaartse silhouet-übereinstimmt. Als u op de hoogte bent van de universele onderneming, kunt u samen met andere leden samenwerken en met de verbinding tot stand komen – Jana hofft, een sterke kraft voor die erge dingen.

Berlijn heeft een grotere omvang dan ooit tevoren als ontwerper: “Die grote inspiratie komt van de mensen in Berlijn, aber auch vom Nachtleben, de Veranstaltungen, Kunstausstellungen en Markten. Vor allem durch den Austausch mit anderen Künstlern”. De enge Verbundenheit met de stad heeft een frisse opmerking gemaakt, de innerlijke grens van de stedelijke metropolen is relevant.

ONCLE heeft met Impari zusammengearbeitet, een van de Straßen zo stoot wie zijn Mode zu machen, met Wildpostings en Plakatwänden in der ganzen Stadt. Als u uw inspiratie als ontwerper uitspreekt, en uw inspiratie en inspiratie opdoet, is uw aanvankelijke antwoord geavanceerd mystiek als uw kleding.

WAS INSPIRIERT SIE?

De keuze voor stoffen is niet zo heel belangrijk – het is niet zo dat de stof misschien wel zo inspirerend is als de stof zelf vaak inspireert, terwijl een kledingstuk uit de wereld komt. Aber natürlich geïnspireerd door alles, was mich umgibt, Berlin, Menschen, Freunde, Farben, Reisen, die Kunst- en Musikszene. Naast de reis en de veranderende wereld, die in de reisreis zit, inspireert mij. Kijk naar de gesprekken met vrienden en mijn vrienden die mij inspireren.

WIE SIND SIE ZUR MODE GEKOMMEN?

Ik heb met de meeste grote mensen te maken gehad met de oorlog in 12 jaar. Dan is het de moeite waard om mijn bankzaken te financieren en te verkopen. Als je iets hebt opgemerkt, is het zo dat de mens een ander materiaal en een drucke kan treffen. In de Modewelt in 2015 begon mijn Schneiderlehre op de berühmten Boulevard “Ku'damm” in Berlijn.

WAS OORLOG DAS ERSTE, WAS DU ENTWORFEN HAST?

Een handtas, als ik 12 jaar in de oorlog zit, is er een jutebeutel met een grote Schleife. Als de oorlog superstolz is, en het is zo herausgestellt, dat Taschen in jeder Form en Farbe nog steeds een grote rol speelt in mijn leven.

BESCHREIBEN SIE IHREN DESIGNPROZESS?

Als je een Stück zo productief produceert, dat je alle schnittreste voor zukünftige Stücke weiterverwende krijgt. Alle mijne Kleidungsstücke werden ort hergestellt. Ik heb verschillende machines benut, maar een andere tretnähmaschine. Ik denk dat het een goed idee is om een einde aan de Tages te maken en dat mijn eigen handen zich goed voelen. Mijn drucke werd door mijn eigen kreiert, ik kan het veranderen door het materiaal te verschuiven dat door het gebruikte materiaal wordt gebruikt, om het opnieuw te stellen. Zum Beispiel für die ,,ONT_KOP”-Kollektion habe ich den Prozess mit Wandfarbe begonnen. De afwerking van de drukproductie is altijd bezig met een digitaal programma met 3D-elementen of andere zeichnungen over mijn druk. De productie vindt plaats in de digitale drukproductie, waardoor de beste kwaliteitsgaranties kunnen worden verkregen. IMPARI glänzt met kleur en prints tijdens een nachhaltige productie.

WAS BEDEUTET MODE FÜR SIE?

Mode is überall in meinem Leben. Sie ist mein Beruf, meine Leidenschaft en meine Sucht. Als ik een zo grote Rolle vertel, is de Hülle met mijn innerlijke innerlijk na een tragedie kan gebeuren. Ik kan mijn krediet en mijn persoonlijke levenssfeer naar Ausdruck brengen. U kunt mensen met modusverklaringen instellen, anderen geven een geschenk, andere inspiratie en dat is wat individuele mensen kunnen doen. De modus kan een zelfbedieningsmachine en een Kraft-gebeurtenis zijn. Als iemand nog steeds geld heeft verdiend, kun je de mode-freude en het genot gebruiken, man zelf zul je zijn.

WAS GEFÄLLT IHNEN AM MEISTEN BEN BERUF DES DESIGNERS?

Jeder Tag is anders en NEU. Als Designerin fühle ich mich frei en obwohl der Job alles andere als een 9 tot 5 Job ist, liebe ich ihn. Het is mogelijk dat mijn eigen minuut mijn leven is. Denn alles is inspirerend en ontworpen voor mij, dat alles, was mogelijk en bewegelijk, mijn Arbeit beeinflusst. Als mache diesen, weil er aus mir herauskommt and mit mir wächst. Alles was erlebt habe, insbesondere während meiner zeit bei IMPARI, hat mich zu dem gemacht, was ich bin. Das macht mich unheimlich stolz. Als mevrouw Impari een geschenk heeft, is de ontwerper van mijn merk bezig met de erfenis - met een grotere dank. Ik kan andere mensen bevriezen.

WIE WÜRDEN SIE IHREN PERSÖNLICHEN NOG BESCHREIBEN?

Ich würde meinen Still as eine farbenfrohe Kapsel der Straßen-Eleganz bezeichnen. Als het gaat om alle kleuren en prints die met elkaar gecombineerd kunnen worden, zal het een geweldige ervaring zijn. Außerdem kann ich ni genug Accessoires tragen. Das macht ein Outfit meiner Meinung nach noch viel wertvoller. Deshalb is een goede keuze als u IMPARI ziet dat het mogelijk is om accessoires te gebruiken. Natürlich dürfen bei meinen täglichen Looks ausgefallene Schuhe en Sonnenbrillen nicht fehlen. Meer is meer, nur so fühle ich mich vollkommen.

SPIELT FARBE FÜR SIE EINE BRUTO ROLLE? EEN WARUM?

Farben sind alles, ohne Farben was leben grau en eintönig. Leiderschap gaat door de Fast Fashion Industrie heen, de industrie of de industrie is verloren gegaan. Alles ziet meer en meer gleich aus. Es gibt fast keine Einzelstücke mehr. Die Leute denken, is normaal, 5 Euro voor een T-Shirt zu bezahlen. Als ik iets traurigs vind, dan sterft de Hand, zodat een verloren Wertschätzung-hoed ontstaat. Deshalb versuche ich mit IMPARI, de Farben zurück auf die Straße zu brengen. Wir brauchen mehr Freude en Abwechslung in dieser schnelllebigen Welt. Ik denk dat je meer zult zien, hoe de wereld is, desto mehr Menschen werden sich daran gewöhnen. Voor mij is het schönste, met anderen mensen in contact met kommen en meer geschichten en lebensweisen naar erfahren. Het is een groot geschenk en de beste inspiratie die je kunt krijgen.

ERZÄHLEN SIE UNS ÜBER DIE GESTALTUNG IHRES KUNSTWERKS?

Die creatieve richtung/ihre bedeutung? Wie het ook doet, het is anders, het is de moeite waard om zelf iets te vinden en te vinden wat je wilt doen. Meine Kunstwerke sind meine Prints en de ongewöhnlichen Farbkombinationen. Achtste van de tijd dat mijn schnitte speziell en bequem sind and jeder etwas Passendes für seinen Körper finden kann. Een groter deel van het verhaal is een van mijn mode-ontwerpen. Het is misschien wel zo dat het publikum van de muziek, zum Beispiel met een tanzeinlage of een muzikaal geluid. Meine Shows erzählen immer een Geschichte en sind abwechslungsreich. Het kan zijn dat het publikum beroert of nadenkt.

WAAR NIMMST DU DEINE INSPIRATIE IN BERLIJN?

Die größte Inspiration bekomme ich von den Menschen in Berlijn. Aber auch das Nachtleben, Veranstaltungen, Kunstausstellungen en Markte. Vor allem durch den Austausch met anderen Künstlern. Wie het ook had gedaan, een van alle, was mijn doel.

WAS LIEBST DU AN BERLIJN?

Berlijn is een stad met tausend Gesichtern en noch meer Geschichten. Ik denk dat de man in Berlijn niet alles kan doen. Het is unheimlich inspirerend en superspannend. Als de mens zo veel mogelijkheden heeft, zijn cultuur en andere dingen veranderen, is de man zijn eerste reismustste. Wenn man modisch sein will, hat man in Berlin unbegrenzte Möglichkeiten.

WIE HAT BERLIN ZIE ALS DESIGNERIN GEPRÄGT?

In Berlijn heb ik mijn Schneiderausbildung gemacht en dann auch mein Modedesignstudium. Berlijnse hoed kan ook door Anfang worden begleitet. De stad die mij heeft bereikt, tijdens mijn wandeltocht en door de vele ongeglazuurde personen, die ik hier ken, durft. Viel Inspiration habe ich auch vom Berliner Nachtleben bekommen. Alles in Berlijn is voor mijn wandelbar en ausgefallen. Het was een perfecte Duitse stad en dat was mijn grootste reis en het was een Berlijnse droom. Het is anders, rot en wild. Ik kan mijn identiteit in Berlijn identificeren.

WARUM SIND IHR LADEN UND DIE VERANSTALTUNGEN, DIE SIE DURCHFÜHREN, SO WICHTIG FÜR SIE?

In mijn Laden kan ik een persoonlijk contact opnemen met mijn vrienden en mijn geld voor mijn kredietwaardigheid. Zelfs de gestalte van mijn werkveld kan zelf groeien. Als mijn lichaam meer gewicht geeft en het is mijn last, mijn mening is een onbeschaamd geschenk. Als u een merk opmerkt, kan het zijn dat u niet online komt.

Mijn weergave is niet zo interessant als een deel van mijn creatieve, creatieve en mode-interessante zaken meer waard zijn. Als het goed is, kan het zijn dat u langer doorgaat en niet meer werkt. Jeder is zo individueel en ik denk dat de Konkurrenz nu een Wermutstropfen is, die een alternatief is. Gemeinsam können met alle schneller en nachhaltiger wachsen.

WIE WÜRDEN SIE IHRE MARKE DEFINIEREN?

IMPARI bedeutet “ungleich”. Een drückt voor mijn individualiteit aus. Selbst entworfene Prints in Combinatie met een grotere Vielfalt en Materialien en Farben pregen die Handschrift meiner Designs. Het is verstandig om een nieuwe blik op de schijnwerpers in de mode te werpen. Als het goed is, kan de moderne kleding een moderne manier van leven zijn en de Freude, Individualiteit en Verbundenheit door het grote aanbod van goederen dat kan worden gedaan. Het slimme ontwerp in mijn ontwerpproces, dat is een breder spiegelbeeld in mijn hele bedrijf, is het gevoel. Werte von IMPARI sind Nachhaltigkeit as Schlüssel zum Label en das Einbringen von echter diversiteit in de Welt der Mode. Er is geen ontwerpproces meer dat bij de modellen en ontwerpers hoort, die in de toekomst zijn uitgevoerd. Het is een wonder dat dit visioen door alle bereiche mijne labels heen gaat: IMPARI verbindet Menschen, en het is meer LIEBE en BEWUSSTSEIN.''

WAS STEHT BEI IMPARI ALS NÄCHSTES EEN?

Impari hat gerade die eerste Online-Collektion ONT_KOP herausgebracht. Door de zonde van de verzameling is de mens meer en meer van de Erde ontkoppeld. Het kan niet langer duren voordat u een woord hebt gebruikt. Ik heb al het materiaal uit gezertificeerde, gerecyclede PET-hergestellt. De missie van Impari ist, nachhaltige modus met sociale verantwortung om te verbinden. Deshalb hat Impari eine Zusammenarbeit mit Code for Afrika, een project in Ghana, begonnen. We hebben onze workshops aangeboden, een nieuw product uit Fast Fashion en Abfällen herzustellen. Een nieuwe manier van werken is dat uw eigen eigendommen nachhaltig zijn in het entwickeln. Als u meer wilt weten over recycling met recycling, kunt u een nieuw materiaal uit de afvalherstelling gebruiken. De mode-industrie schafft nieuwe materialen uit nieuwe bronnen, en dat kan de manier zijn waarop Müll vergessen. Davon müssen zal ons eerst een keer vrijlaten.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken05.2303.24Het baanbrekende Berlijnse modemerk Impari streeft naar gemeenschapsopbouw door middel van design

Terug naar Functies

Lees in het Duits

Berlijn is een stad die de thuisbasis is van de allernieuwste creatieve scene, variërend van muziek tot kunst tot mode. In de voorhoede van deze ruimte bevindt zich een modemerk IMPARI leiden en opgericht door ontwerper Jana Heinemann. Het merk geeft prioriteit aan kleur en expressie, met als doel “mensen te verbinden door middel van kunst, de diversiteit van de wereld te illustreren en eenheid aan te moedigen”.

Heinemann zelf kreeg al vroeg een start met modeontwerp, op 12-jarige leeftijd gebruikte ze al de naaimachine van haar grootmoeder om accessoires te maken. Dit veranderde al snel in ambities om haar passie te gebruiken: mensen aanmoedigen hun eigen unieke stijlen te omarmen en een positieve impact op de wereld te maken. Haar ontwerp is gebaseerd op kleur en patronen, waardoor haar kleding opvalt en niet opvalt – “een kleurrijke capsule van straatelegantie”.

Impari is ook een merk dat synoniem staat voor duurzaamheid, met een zero-waste aanpak. Haar ontwerpen hergebruiken alle knipsels uit eerdere ontwerpen in toekomstige ontwerpen, wat aansluit bij haar patroonmix en opvallende silhouetten. Door zich te concentreren op het milieu kunnen gemeenschappen samenkomen en zich opnieuw verbinden met elkaar en de aarde – Jana hoopt een drijvende kracht te zijn in dit resultaat.

Berlijn is een groot onderdeel geweest van haar ontwikkeling als ontwerper, “de grootste inspiratie die ik krijg van de mensen in Berlijn, en ook van het nachtleven, evenementen, kunsttentoonstellingen en markten. Vooral door de uitwisseling met andere kunstenaars”. Omdat ze zo intrinsiek verbonden zijn met de stad, hebben haar ontwerpen een fris tintje gekregen dat relevant aanvoelt binnen de grenzen van de stedelijke metropool.

UNCLE werkte samen met Impari aan een missie om de straten net zo kleurrijk te maken als haar mode met wildposting en billboards door de hele stad. We bespraken het begin van haar ontwerp, inspiratie en toekomstige doelen en ontdekten dat haar optimistische reacties net zo mystiek zijn als haar kleding.

WAT INSPIREERT JOU?

De stofkeuze is voor mij heel belangrijk. Niet alleen moet deze zo duurzaam mogelijk zijn, maar de stoffen zelf inspireren mij vaak over hoe een kledingstuk eruit zal zien. Maar natuurlijk ook alles om mij heen: Berlijn, mensen, vrienden, kleuren, reizen, de kunstscene en de muziekscene. Veel van mijn ideeën ontstaan tijdens het dansen en vooral tijdens het reizen, het ontmoeten van verschillende wezens, de gesprekken met vrienden en ook met mijn man.

Hoe ben je in de mode geraakt?

Ik begon met naaien met de naaimachine van mijn grootmoeder toen ik twaalf was, daarna naaide ik sjaals tijdens mijn stage bij de bank en verkocht ze. Vanaf dat moment besefte ik dat mensen het leuk vinden als verschillende materialen en prints elkaar ontmoeten. Ik kwam in 12 in de modewereld terecht toen ik mijn kleermakersopleiding begon op de beroemde Boulevard 'Ku'damm' in Berlijn.

WAT WAS HET EERSTE DAT JE HEBT GEMAAKT?

Een handtas van 12 jaar leek meer op een jute tas met een grote strik, maar ik was supertrots en het bleek dat tassen nog steeds een enorme rol spelen in mijn leven, in alle vormen en kleuren.

BESCHRIJV UW ONTWERPPROCES?

Ik produceer elk stuk zonder afval door al mijn stekken te hergebruiken in toekomstige stukken en al mijn kledingstukken worden lokaal geproduceerd. Ik gebruik verschillende machines, waaronder een oude trapnaaimachine. Ik naai graag en maak graag iets met mijn eigen handen. Voor mijn printproductie ontwerp ik 3D-elementen met een digitaal programma of tekeningen.

WAT BETEKENT MODE VOOR JOU?

Mode is overal in mijn leven – het is mijn beroep, mijn passie en mijn verslaving. Voor mij speelt het zo’n grote rol omdat het de omhulsel is waarmee ik mijn innerlijke zelf naar de buitenwereld kan dragen. Ik kan mijn creativiteit en persoonlijkheid weerspiegelen. Ook kun je met mode uitspraken doen, anderen een glimlach bezorgen, anderen inspireren en overtuigen om individuen te mogen zijn. Mode kan je zelfverzekerder maken en kracht geven. Als je je stijl hebt gevonden, geeft mode je vreugde en het gevoel jezelf te zijn.

Wat vind je het leukst aan het leven als ontwerper?

Elke dag is anders en nieuw, ik voel me vrij als ontwerper. Ook al is de baan alles behalve een 9 tot 5, het begeleidt mij elke minuut van mijn leven omdat alles altijd inspirerend is. Design betekent voor mij dat alles om mij heen mijn werk beïnvloedt. Ik doe dit vak omdat het uit mij komt en met mij meegroeit. Alles wat ik heb meegemaakt, vooral tijdens mijn tijd bij IMPARI, heeft mij gemaakt tot wie ik nu ben en dat maakt mij ontzettend trots. Ik noem mezelf mevrouw Impari omdat het een geschenk is om de ontwerper van mijn merk te zijn – dat geeft mij zoveel dankbaarheid. Ik kan mij geen ander beroep voorstellen.

HOE HEBT U UW EIGEN PERSOONLIJKE STIJL VERFIJND?

Ik zou mijn stijl een kleurrijke capsule van straatelegantie noemen. Ik combineer graag alle kleuren en prints met elkaar – comfortabel en bijzonder. Accessoires kan ik nooit genoeg dragen, dat maakt een outfit naar mijn mening nog waardevoller. Daarom leg ik bij Impari ook veel nadruk op accessoires. Bij mijn dagelijkse looks mogen uiteraard bijzondere schoenen, tassen en zonnebrillen niet ontbreken – meer is meer, dan voel ik mij perfect.

BETEKENT KLEUR VEEL VOOR U? WAAROM?

Kleuren zijn alles, zonder kleuren zou het leven grijs en saai zijn. Helaas verliezen we kleur door de fast fashion industrie, alles ziet er steeds meer hetzelfde uit. Er zijn bijna geen unieke stukken meer. Mensen vinden het normaal om vijf euro te betalen voor een T-shirt, maar ik vind het jammer dat handwerk zoveel waardering heeft verloren. Daarom probeer ik met IMPARI de kleuren terug te brengen naar het straatbeeld, waar we meer vreugde en variatie nodig hebben in deze snelle wereld. Ik denk dat hoe meer we laten zien hoe kleurrijk de wereld is, hoe meer mensen zich zullen aanpassen. Voor mij is het verbinden met andere individuen het mooiste wat je kunt ervaren, het is simpelweg het grootste geschenk en de mooiste inspiratie die we hebben.

VERTEL ONS OVER UW KUNSTWERKONTWERP? DE CREATIEVE RICHTING/HET BETEKENIS?

Impari is anders, het moet iedereen de kans geven zichzelf te vinden en zich op zijn gemak te voelen. Mijn kunstwerken zijn mijn prints en de ongebruikelijke kleurencombinaties. Daarnaast zorg ik ervoor dat mijn patronen bijzonder en comfortabel zijn, en dat iedereen iets kan vinden dat geschikt is voor zijn lichaam. Een belangrijk onderdeel van mijn werk zijn ook mijn modeshows. Ik vind het leuk om het publiek te verrassen met een dansvoorstelling of een muzikale act. Mijn shows vertellen altijd een verhaal en zijn divers. Ik wil dat het publiek raakt of aan het denken wordt gezet.

WAT HOUD JE VAN BERLIJN?

Berlijn is een stad met duizend gezichten en nog meer verhalen. Ik vind het geweldig dat je in Berlijn nooit alles gezien kunt hebben. Het is ongelooflijk inspirerend en superspannend. Bovendien heb je zoveel mogelijkheden om verschillende culturen en plaatsen te ervaren waar je anders naartoe zou moeten reizen. Als je modieus wilt zijn, heeft Berlijn onbeperkte mogelijkheden.

HOE HEEFT BERLIN U ALS ONTWERPER GEVORMD?

In Berlijn heb ik mijn kleermakersopleiding gedaan en daarna ook mijn studie modeontwerp. Dus Berlin is vanaf het begin bij mij geweest. De stad heeft mij gevormd, voortdurend veranderd en door de vele ongelooflijke persoonlijkheden die ik hier mocht ontmoeten. Ik haal ook veel inspiratie uit het nachtleven van Berlijn. Alles in Berlijn is voor mij zo veranderlijk en gespannen. Het is geen perfect schone Duitse stad, en dat is wat mij het meest opwindt. Het is anders, fris en wild. Ik kan me heel goed identificeren met Berlijn.

WAAROM ZIJN UW WINKEL EN DE EVENEMENTEN DIE U ORGANISEERT BELANGRIJK VOOR U?

In mijn winkel kan ik genieten van persoonlijk contact met mijn klanten en heb ik ruimte voor mijn creativiteit. Ook voor Impari kan ik de inrichting van mijn werkomgeving laten spreken. Ik maak daar graag op maat gemaakte stukken, wat naar mijn mening een ongelooflijk geschenk is. Bovendien merken mensen Impari op, die mij misschien nooit online had ontdekt. Mijn evenementen zijn vooral belangrijk voor mij omdat ik een ruimte wil creëren voor creatieve individuen, kunstenaars en mode-geïnteresseerde wezens. Ik wil dat we elkaar meer pushen en steunen. Iedereen is zo individueel, en ik denk dat concurrentie alleen maar een domper is, en echt ouderwets. We kunnen allemaal samen sneller groeien op een duurzamere manier.

HOE ZOU U UW MERK DEFINIËREN?

IMPARI betekent ongelijk. Ongelijk is voor mij een uitdrukking van individualiteit. Zelf gemaakte prints in combinatie met een grote verscheidenheid aan materialen en kleuren kenmerken de signatuur van mijn ontwerpen. Het allerbelangrijkste is dat ik een nieuwe kijk op duurzaamheid in de modescene wil neerzetten. Ik wil laten zien dat duurzame kleding modern kan zijn en dat vreugde, individualiteit en verbondenheid tot uiting kunnen komen in felle kleuren. Het allerbelangrijkste in mijn ontwerpproces, wat ook terugkomt in al mijn ontwerpen, is diversiteit. De waarden van IMPARI zijn duurzaamheid in de kern en het brengen van echte diversiteit naar de buitenwereld door middel van mode. Niet alleen in het ontwerpproces, maar ook in de keuze van modellen en kunstenaars. Ik vind het belangrijk dat deze visie door alle gebieden van mijn label loopt, IMPARI verbindt individuen, en het gaat om meer LIEFDE en BEWUSTZIJN.

WAT IS DE VOLGENDE VOOR IMPARI?

Impari heeft zojuist de eerste online collectie ONT_KOP gelanceerd, alle gebruikte materialen zijn gecertificeerd gerecycled PET. De missie van Impari is om duurzame mode te combineren met sociale verantwoordelijkheid. Daarom startte Impari samen met Code for Africa, een project in Ghana. We zullen workshops op locatie aanbieden om nieuwe producten te creëren uit fast fashion en afval, en om kunstenaars nieuwe kansen te geven om hun eigen bedrijf duurzaam te ontwikkelen. De mode-industrie creëert altijd nieuwe materialen uit nieuwe bronnen, en daardoor wordt al het afval vergeten. Daar moeten we eerst onze aarde van bevrijden.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2303.24Record Store Day toont solidariteit met lokale gemeenschappen en de onuitgesproken helden van de muziek

Terug naar Functies

In afwachting van wat komen gaat Recordwinkeldag de 22^nd van april werkt UNCLE samen met The Digital Entertainment and Retail Association om Groot-Brittannië te werven met kunstwerken ter gelegenheid van de evenementen 16^th jaar. De dag viert onafhankelijke platenwinkels en de “onbezongen helden achter de toonbank die hard werken om hun deuren elke dag van het jaar open te houden”. UNCLE gedijt goed bij het ondersteunen van de lokale gemeenschappen in onze steden, dus het was alleen maar passend om een statement te maken in Birmingham, Brighton, Bristol, Liverpool, Londen en Manchester.

In het afgelopen decennium is de heropleving van de populariteit van vinyl een sleutelmoment geweest voor de muziekgeschiedenis en Record Store Day wordt erkend als een van de belangrijkste drijvende krachten hierachter. De dag ondersteunt, verheft en verdedigt de niet-aflatende veerkracht en toewijding die deze winkels en hun personeel zijn blijven tonen in tijden van recente maatschappelijke tegenspoed. Zowel tijdens de pandemie als tijdens de crisis rond de kosten van levensonderhoud heeft de vindingrijkheid alles overwonnen, dankzij de uitzonderlijke inspanningen van het personeel om de cultuur levend te houden. Op de dag zelf zullen 250 platenwinkels in Groot-Brittannië samenkomen – en duizenden meer wereldwijd – om hun unieke cultuur te vieren door het organiseren van feesten, optredens in de winkels en live-evenementen voor zowel klanten als fans. De deelnemende winkels kunnen worden gelokaliseerd hier.

Record Store Day gaat verder dan vinyl; het gaat in de kern over de muziekcultuur en hoe dat het hart van zijn gemeenschappen beïnvloedt. Muziek is misschien wel de universele taal; het kan mensen samenbrengen en een statement maken dat net zo krachtig is als elk ander creatief medium. Het ondersteunen van de bestaande knooppunten garandeert een lange levensduur van deze belangrijke cultuurmarkeringen.

Om solidariteit te tonen met de overtuigingen achter de dag zijn honderden kunstenaars bijeengekomen om hun steun te betuigen. De 1975 die de mantel van de ambassadeurs van 2023 overneemt en frontman Matty Healy heeft zich uitgesproken over hun betrokkenheid: “De jongens en ik zijn erg trots om dit jaar ambassadeurs te zijn voor Record Store Day. Onafhankelijke platenwinkels zijn de levensader van de muziekindustrie en hebben tot nu toe een cruciale rol gespeeld in ons verhaal. Het kan niet belangrijker zijn om hun vitale gemeenschap en cultuur te ondersteunen.”. Honderden exclusieve, speciale releases van artiesten als Elton Jonh, The 1975, Taylor Swift, Pixies, Madonna Yard Act, Greentea Peng, NAS en Blur zullen verkrijgbaar zijn in de deelnemende winkels om het evenement te vieren.

Twitter:@RSDUK / Facebook:@RSDayUK /Instagram:@recordstoreday/ TikTok: @recordstoreday

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2303.24Maschere gigantische appaiono per le strade di Milano

Terug naar Functies

Lees in het Engels

UNCLE is enthousiast over de samenwerking met de Italiaanse straatkunstenaar Andrea Casciu. Het lijkt erop dat fantastische, fantastische, verrassende, intrigerende, een piacere per occchi, een kunst die de curiosa van de toeschouwers kan verbazen, waardoor de kwaliteit van alle sopraannatuurlijke zaken ontstaat. Prachtig reso zijn veel stedelijke steden in Italië en nog veel meer, Casciu laat een betoverend visioen zien van de spettatori. Grafische afbeeldingen, elementaire beeldspraak "leggibili" - verschillende, oggetti, dieren en loro combinaties - kunnen een zeer strikte aandacht besteden aan het aantrekken van de aandacht in het hele tempo, zodat er raadselachtige toespelingen zijn op een verhaal, fiabe en miti. Het lineaire lineaire netta, in bianco en nero, lijkt op een xilografie, en wordt begeleid door een gebruik van gekleurde kleur. Het is zeker zo, je kunt de verleiding en sorprendente di Casciu niet negeren.

Allora, cosa combina l'artista in Milaan? Grote gigantische, ecco cosa. Paurose en sontuose, grote kleuren of vurige scuro, meer grote passante, sbirciano is de mura van de città. Omdat de tijd tegen de tijd is, is de praktijk van de gemiddelde cultuur groot en de bescherming van de eigen eigendommen en de status van diffuusheid in verschillende culturen. Het is een kwestie van presentatie, intimidatie, dat je de kans krijgt om geesten te verdrijven. Als het geloof een 'apotropische werking' heeft, betekent het dat het Grieks 'allontanare' betekent en dat er een simbolische, rituele en oggetti-beweging bestaat die de mannelijke invloed verzacht.

Om te gebruiken, maakt u gebruik van de verbeeldingsfantasieën van verschillende genere (de meeste wezens, goddelijke wezens, enz.) die een soort bescherming en superstizioso bieden.

Etrusken, Grieken en Romeinen sieren alleen de architekten van de poort en de fijnste kennis van deze plek met een zoektocht naar een figuur, die krachtige beschermer kunnen vormen in de mate waarin een barrière wordt gecreëerd die uiteindelijk tegen het kwaad kan worden bestreden.

"De traditie van het gebruik van maschere apotropische/grottesche controle van de slechte kwaliteit heeft millennia lang geduurd, een van de oude retaggi-methoden die nog steeds bestaan. In de middeleeuwen, veel van de enorme hoeveelheden machines die in de hoek van de boog van de stad worden gebruikt, worden nog meer ankerplaatsen gevonden en de apotropische waarde is numeriek in de portoni en de beste kwaliteit van de kast, palazzi en chiese."

– Andrea Casciu

Het drietal persona's lijkt op de waterspuwer van de grote schaal van Andrea Casciu, die verschijnt in de straat van Milaan en een favolose bijdrage levert, die naar de stedelijke paesaggio gaat.

L'INTERVISTA DI OOM A ANDREA CASCIU

COSA TI FA ALZARE DAL LETTO LA MATTINA?

Mi rispecchio a pieno nel famoso detto “La mattina ha l'oro in bocca”, en quindi; sveglia presto, caffè e via, si inizia a lavorare. De mat voor mij is veel belangrijker dan de productie van parecchio.

QUALI SONO I TUOI PRIMI RICORDI DI QUANDO TI SEI SENTITO COMPLETAMENTE ASSORBITO OF “PERSO” NELLE ARTI VISIVE?

Als je niet precies weet wat de ragazzetto is van een viaduct naar Barcelona in het Museo Mirò, dan kun je een gigantische opera van tessuti en lana rapito krijgen, die goed is om een groots muurschilderingmateriaal te paren.

CHI E/O COSA DIRESTI HA AVUTO UN'INFLUENZA SIGNIFICATIVA SULLE TUE OPERE? UN'ARTISTA IN HET BIJZONDER O KWALSIASI ALTRA CREATIVITÀ CHE TI ABBIA COLPITO.

Als veel artiesten de griep hebben van mijn artistieke optreden, en door de eerste jaren van Picasso, terwijl Bacon arriveert, wordt de grote Andrea Pazienza grafisch weergegeven en wordt de eerste ervaring opgedaan met de incisie van Stanis Dessy (grote snijtand), Ik begon met het lezen van Quattrocento en Cinquecento, eerst door Albrecht Dürer.

IL LINGUAGGIO VISIVO CHE UTILIZZI SPESSO RICORDA LA STAMPA XILOGRAFICA, KWAL OF L'ATTRAZIONE DI QUESTA TECNICA PER TE?

Het hoofdbestanddeel van de xilografie komt van zijn grafische aard, het lijkt erop dat het kleur is; Omdat het sterk wordt aangetrokken door bianco en nero, is een rijke rijke man zeer nauwkeurig en kan hij een deel van de ipnotica gebruiken, waardoor hij zijn visie op de osservator realiseert.

PUOI PARLARCI UN PO' DEI TEMI PRINCIPALI DELLA TUA ARTE?

Terwijl een van de mensen die metamorfosen presenteren, de natuur transformeert in dieren en omgekeerd, is het een grote inspiratiebron. Omdat ik dol ben op de studio van antichi-testi-illustraties, zie ik de beste voorbeelden van middeleeuwse kunst, maar met de verbeelding kan een notitie van belang zijn voor alle afbeeldingen van deze dingen en leggen, met een grootse riproduzione en interpretatie van fantastische dingen.

C'È UN ELEMENTO MITOLOGICO IN MOLTO DI CIÒ CHE PRODUCI, KOM PENSI CHE QUESTO VENGA PERCEPITO DALLE PERSONE CHE VEDONO LE TUE OPERE?

De persoon is zo attent, vaak op straat, als hij de confrontatie aangaat met de passant, en misschien een interpretatie van de opera nodig heeft die niet zo goed is, veel capiscono is de boodschap of het element dat rappresenteert, anzi, vanno en interpreteer op een manier veel meer heldere thema's voor meer sconesciute.

E PER QUANTO RIGUARDA L'ALLEGORIA O LA NARRATIVA, POTRESTI DIRE QUALCOSA SULLE STORIE CHE STAI RACCONTANDO ATTRAVERSO LA TUA ARTE?

Een allegorie van het gebruik van parecchi en de funzione apotropaica van bepaalde soggetti, die soms worden uitgevoerd met een compito en het vermogen om op afstand te blijven en te reageren op influssi en kwaadaardige geesten.

Veel oude burgers sieren de porte-archieven en de mooiste van deze locaties met grote meesters, een soort van krachtige bewaking die geleidelijk een barrière creëert die uiteindelijk kan worden tegengehouden.

Terwijl het einde van de zoektocht naar een grote figuur een grote rol speelt, wordt de anti-populaire geloofsovertuiging positief beïnvloed door de machthebbers.

KOM VEDI LO SVILUPPO DELLA TUA ARTE NEGLI ANNI A VENIRE SIA IN STRADA CHE NEL TUO STUDIO?

Omdat het niet zo is, en een periode van veel intensiteit voor het muurschilderingisme, zal de duif vaak vooruitgang boeken en zijn zoektocht naar de juiste ontwikkeling voortzetten, staremo een veder

Een gigantisch deel van oom en Andrea Casciu voor zijn tempo en de vervolging van de publieke kunsthandel.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken04.2303.24Kunstenaar Andrea Casciu – enge en weelderige gigantische maskers in Milaan

Terug naar Functies

Lees in het Italiaans

UNCLE is verheugd om samen te werken met de Italiaanse muralist en beeldend kunstenaar Andrea Casciu. Zijn gedurfde, fantastische, soms hersenschimmen, altijd intrigerende beelden bieden niet alleen visueel genot, maar het is ook werk dat de nieuwsgierigheid van kijkers kan prikkelen vanwege de schijnbaar bovennatuurlijke eigenschappen ervan. Prachtig weergegeven op menig stadsmuur in Italië en daarbuiten, werpt Casciu een visuele spreuk op de kijkers. Gedurfde grafische, duidelijk 'leesbare' figuratieve elementen – gezichten, objecten, dieren en combinaties daarvan – oefenen een buitengewone kracht uit om de aandacht te trekken, maar tegelijkertijd zijn er raadselachtige toespelingen op verhalen, sprookjes en mythen. De grimmige, zwart-witte, houtsnede-achtige lineaire helderheid wordt bovendien aangevuld door een oordeelkundig kleurgebruik. Eén ding is zeker: Casciu's aanlokkelijke en opvallende werk kun je op straat niet negeren.

Wat is de kunstenaar van plan in Milaan? Gigantische maskers, dat is wat. Enge en weelderige, donkergloeiende goudkleurige grotesken, groter dan welke voorbijganger dan ook, zullen vanaf de stadsmuren naar buiten turen. Sinds de oudheid is de praktijk van het hebben van groteske gravures die de woonplaats bewaken wijdverbreid in verschillende culturen. Deze, vaak intimiderende voorstellingen, waren bedoeld om vijandige geesten op afstand te houden. Dat wil zeggen, men geloofde dat ze een 'apotropische' functie hadden, wat vanuit het Grieks 'afweren' betekent en verwijst naar symbolen, rituelen en objecten die kwade invloeden zouden moeten afweren.

Dit is de reden waarom fantasierijke afbeeldingen van verschillende soorten (monsters, legendarische wezens, goden, enz.) worden gebruikt voor beschermende en bijgelovige doeleinden.

Etrusken, Grieken en Romeinen versierden de lateien van deuren en ramen van hun woningen met deze figuren, en fungeerden als krachtige bewakers die een barrière konden opwerpen tegen kwaadaardige krachten.

“De traditie van het gebruik van apotropische/groteske maskers tegen pech heeft zich door de millennia heen verspreid en is een van de heidense erfenissen gebleken die vandaag de dag nog steeds bestaan. In de middeleeuwen waren op de top van de toegangsbogen van veel steden prominente maskers of grotesken te zien om het kwaad af te weren. Tegenwoordig zijn er nog steeds talloze apotropische hoofden te zien in de deuropeningen en ramen van huizen, paleizen en kerken: een architecturale erfenis van oude volkeren die geloofden in de positieve kracht van maskers.

– Andrea Casciu

Het trio van Andrea Casciu's grootschalige waterspuwerachtige personages die in de straten van Milaan verschijnen, belooft een fantastische, vreemde en prachtige bijdrage aan het stadsbeeld te worden.

WAT KRIJGT JE ’S OCHTEND UIT BED?

Ik omarm het beroemde gezegde: 'De ochtend heeft goud in zijn mond'. [Een gelijkwaardig, misschien minder poëtisch Engels idioom is: 'De vroege vogel vangt de worm'.] En zo; Ik word vroeg wakker, koffie en naar mijn werk. De ochtend is erg belangrijk voor mij omdat ik veel werk produceer.

WAT ZIJN JE EERSTE HERINNERINGEN VAN TOEN JE JE VOLLEDIG OPGENOMEN OF 'VERLOREN' VOELDE IN DE BEELDENDE KUNSTEN?

Eerlijk gezegd weet ik het niet precies. Als jonge jongen herinner ik me een reis die ik naar Barcelona maakte, waar ik in het Miró Museum in vervoering werd gebracht door een gigantisch werk van hem, gemaakt van stoffen en wol. Als ik erover nadenk, leek het op een grote, gestructureerde muurschildering.

WIE EN/OF WAT HEEFT U ZEGGEN EEN AANZIENLIJKE INVLOED OP UW WERK? EEN BEPAALDE KUNSTENAAR OF EEN ANDERE CREATIVITEIT DIE INDRUK OP U HEEFT.

Er zijn veel kunstenaars die mijn artistieke carrière hebben beïnvloed. Stap voor stap, de eerste was Picasso; toen kwam spek; vanuit grafisch oogpunt de grote Andrea Pazienza. En vanaf de eerste ervaringen met graveerlessen was er Stanis Dessy (een grote Sardijnse graveur); de Vlamingen en de Duitsers van de 15e en 16e eeuw, maar in de eerste plaats Albrecht Dürer.

DE VISUELE TAAL DIE U GEBRUIKT, doet vaak denken aan houtsneden, wat is voor u de aantrekkingskracht van deze techniek?

De belangrijkste aantrekkingskracht van houtsneden komt voort uit het grafische teken, de visuele eenvoud en de kleur; sterker nog, ik voel me sterk aangetrokken tot zwart-wit, het is een kunst die veel precisie vereist en dit maakt het naar mijn mening bijzonder hypnotiserend, zowel in het maken ervan als in de visie van de kijker.

KUNT U ONS IETS VERTELLEN OVER DE BELANGRIJKSTE THEMA'S VAN UW KUNST?

Ik denk dat een van de terugkerende thema's in mijn werk voortkomt uit de representaties van metamorfoses, de fysieke transformaties van de natuur in mens of dier en vice versa, een bron van grote inspiratie zijn. Voor mij is de studie van oude, geïllustreerde teksten, zoals de bestiaria en middeleeuwse kunst, van fundamenteel belang, omdat hun beeldtaal groot belang hechtte aan afbeeldingen van mythen en legenden, met een geweldige reproductie en interpretatie van fantastische wezens.

ER ZIT EEN MYTHOLOGISCH ELEMENT IN VEEL VAN WAT JE PRODUCEERT. HOE DENK JE DAT DIT WORDT ERVAREN DOOR MENSEN DIE JE WERK ZIEN?

Mensen zijn heel aandachtig, vaak op straat, terwijl je aan het schilderen bent, kom je toevallig voorbijgangers tegen en geven ze vaak een interpretatie van het werk die je niet verwacht, velen begrijpen de boodschap of de elementen die ik vertegenwoordig heel goed Welnu, ze interpreteren op een zeer heldere manier thema's die hen onbekend zijn.

HOE ZIT JE ALLEGORIE OF HET VERHAAL? KUN JE IETS ZEGGEN OVER DE VERHALEN DIE JE VIA JE KUNST VERTELT?

Een allegorie waar ik al enkele jaren aan werk is de apotropische functie van bepaalde onderwerpen, die vaak worden afgebeeld als maskers met de taak en het vermogen om kwade invloeden en geesten op afstand te houden en af te weren. Veel vroegere beschavingen versierden de lateien van deuren en ramen van hun woningen met deze groteske maskers, een soort krachtige bewakers die een barrière konden opwerpen tegen alle vijandige mogelijkheden. Van noord tot zuid zijn deze figuren overal te vinden, de erfenis van oude volkeren die geloofden in de positieve kracht van maskers.

HOE ZIET U UW KUNST DE KOMENDE JAREN ONTWIKKELEN, ZOWEL OP STRAAT ALS IN UW STUDIO?

Eerlijk gezegd weet ik het niet. Het is een zeer intense periode voor het muralisme, veel mensen vragen zich af waar en hoe deze stroming zich zal ontwikkelen, hij evolueert zeker, we zullen zien hoe.

Hartelijk dank van UNCLE aan Andrea Casciu voor zijn tijd en uitstekende openbare kunstwerken.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2303.24a/politieke TENTOONSTELLING: STATEN VAN GEWELD

Terug naar Functies

UNCLE is vereerd om zich aan te sluiten bij vooraanstaande kunstenaars zoals Ai Weiwei, kennardphillipps, MIA, Banksy, Cornelia Parker en andere culturele grootheden zoals John Pilger, Arundhati Roy, Alice Walker, Brian Eno en Tariq Ali ter ondersteuning van de komende tentoonstelling States of Violence.

Radicale kennis- en kunstorganisatie een/politieke zijn een ongekende samenwerking aangegaan met Wikileaks – de multinationale media- en bibliotheekbron die gespecialiseerd is in de publicatie en analyse van gecensureerd materiaal over oorlog, spionage en corruptie – om een dringende, compromisloze schijnwerper te richten op mondiale machtsstructuren en onderdrukking door de overheid.

States of Violence zullen ook uiterst geheime documenten verspreiden dankzij de Instituut voor Dissidentie & Datalove ontleend aan de originele WikiLeaks-publicatie uit 2010 van Amerikaanse diplomatieke telegrammen. Dit betekent dat bezoekers van de tentoonstelling – of het nu actief of passief is – dezelfde misdaad begaan waarvoor Wikileaks-oprichter Julian Assange momenteel wordt bedreigd met deportatie plus 175 jaar gevangenisstraf op grond van de American Espionage Act van 1917.

De tentoonstellingsposter toont de time-lapse-performance van de deelnemende kunstenaar Cassils uit een werk met de titel 'Inextinguishable Fire'. De kunst van Cassils “denkt na over de geschiedenis(en) van LGBTQI+-geweld, representatie, strijd en overleving. Zij zien performance als een vorm van sociale sculptuur: voortbouwend op het idee dat lichamen worden gevormd in relatie tot machtskrachten en sociale verwachtingen.” Het schokkende en betoverende beeld van zelfverbranding van de kunstenaar, dat in het hele Verenigd Koninkrijk wordt getoond, roept tegelijkertijd gevaar op, empathie voor degenen die geweld ervaren en een herinnering aan het voorrecht om uit dergelijke omstandigheden te zijn verwijderd.

In verband met States of Violence wordt er een openbaar programma gehouden bij a/politic, gepresenteerd door hiphopartiest en activist Lowkey. Er is ook een slotevenement met livemuziek gepresenteerd in een samenwerking tussen WikiLeaks, Wau Holland Foundation, a/political en het team achter Shangri-La Glastonbury, dat plaatsvindt op 08.03.23 maart 16 in EarthH, Hackney N8 XNUMXBH.

We laten een ambassadeur voor WikiLeaks het laatste woord hebben: “Mensen kunnen door muren worden vastgehouden. Gewapende bewakers kunnen elke beweging volgen. Regeringen kunnen hun uiterste best doen om te voorkomen dat hun stem de buitenwereld bereikt. Maar ideeën kunnen niet worden opgesloten. States of Violence brengt deze waarheid tot leven en laat door middel van kunst en cultuur zien dat het gevangenzetten van Assange niet zal stoppen met wat in beweging is gezet; de waarheid kan niet onnoemelijk blijven. Hasta la Victoria Siempre!”

“Er is geen strijd belangrijker dan de strijd voor onze vrijheid van meningsuiting. Cultuur is de laatste vrije ruimte waarin deze geheimen kunnen worden onthuld.” een politiek woordvoerder

24.03.03 – 08.04.23 The Bacon Factory, 6 Stannary St., Kennington, Londen SE11 4AA

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2303.24Where Your Real From rave creëert zonder aarzeling en beperking een veilige ruimte voor QTPOC

Terug naar Functies

Waar je echt vandaan komt is een veilige rave-ruimte voor QTPOC; het evenement is ontworpen als een plek “waar we kunnen zijn wie we zijn en waar we echt vandaan komen, zonder aarzeling en beperking…een nieuwe migratie/vibratie”. Het evenement wordt gehouden op 10 maart bij Electrowerks en je kunt kaartjes krijgen hier. UNCLE toonde solidariteit met de zaak door berichten te verspreiden door op te plakken Jordan Windows betoverend creatief.

Londen is een centrum van cultuur en erfgoed, maar ook al zien we overal om ons heen diversiteit, er zijn nog steeds diepliggende onderliggende problemen die verhinderen dat de samenleving voor iedereen gelijk is. In het licht hiervan moet extra aandacht worden besteed aan het verlichten van de gevaren die gepaard gaan met het behoren tot minderheidsgroepen. Het creëren van veilige ruimtes waar iedereen zich vrij kan voelen om los te laten, is een integraal onderdeel van het doorbreken van de cycli die onderdrukken en dit is de reden waarom 'Where You Again From' een welkome verademing is binnen de rave-ruimte.

We spraken met de belangrijkste organisator van evenementen om dieper inzicht te krijgen in het doel van de avond en wat het betekent voor de gemeenschappen waarvoor het een ruimte wil creëren.

WAAROM HEEFT HET EVENT DE NAAM 'WAAR BEN JE ECHT VANDAAN?'?

De term 'waar kom je echt vandaan' is iets dat iedereen van kleur niet vreemd zal zijn (woordspeling bedoeld). Terwijl we door de wereld en vreemde ruimtes navigeren, ervaren we vaak exotisme vanwege onze cultuur of huidskleur en stelden we de vraag 'Waar kom je echt vandaan?'. Het is een uitspraak die het systeem schokt voor mensen uit de diaspora en we wilden de term terugnemen en er een nieuwe visie op geven.

WAT INSPIREERDE DE EVENEMENTENCONCEPTIE?

Het is verbazingwekkend om te zien dat zulke ongelooflijke ruimtes en feesten avonden organiseren voor gemarginaliseerde culturen en mensen. Ons team werd benaderd door Electrowerkz om een avond te organiseren voor onze specifieke gemeenschap, en toen beseften we dat het misschien tijd was voor ons allemaal om samen te komen en onze overeenkomsten te vieren en onze culturele verschillen te ervaren. Ik wilde dus teruggrijpen naar de rave-avonden uit de jaren 90, met een geweldige poster en guerrillamarketing om de boodschap te verspreiden.

We wilden ook een late-night rave organiseren rond QTPOC. Vaak worden we toegevoegd aan de line-ups om diversiteit te creëren, maar deze keer gaat het er om dat we divers zijn.

HOE WERD DE LINE-UP BESLIST?

Iedereen in de line-up is absoluut geweldig in wat ze mixen en de manier waarop ze hun cultuur en geluiden op unieke wijze integreren. Dit is een mozaïek van Londen's beste QTPOC DJ's die regelmatig headliner zijn op grote avonden in Londen die alle mode en cultuur bestrijken. We wilden ze allemaal samenbrengen en een nieuwe vibratie voor Electrowerkz creëren.

De GoGo's (bij gebrek aan een betere term) zijn geweldige figuren in onze gemeenschap die creativiteit en queerness opnieuw definiëren. Het zijn allemaal iconen op zichzelf en we wilden ze op het feest hebben als bekende gezichten en bakens van morgen.

WAT IS HET DOEL VAN DE NACHT?

Het doel van de avond is om een ruimte te hebben die niet over fotografie en sociale media gaat, een avond die wordt ondersteund door ongelooflijk vriendelijke mensen die gewoon willen dansen en een geweldige tijd hebben.

HOE KUNNEN WE MINDFUL ZIJN IN EEN RUIMTE ALS DEZE?

Het is super belangrijk dat we vanuit vriendelijkheid opereren en een zeer gastvrije ruimte creëren. We raden bondgenoten of degenen die zich niet identificeren bij QTPOC aan om van de ervaring te genieten, maar niet 'ruimte in te nemen' en deze reeks getalenteerde artiesten en artiesten te helpen ondersteunen.

VERTEL ONS MEER OVER HET KUNSTWERK?

Het kunstwerk is ontworpen door Jordan Windows, een geweldige kunstenaar uit Birmingham. Op jonge leeftijd hebben ze al met geweldige mensen samengewerkt, en wij dachten dat dit project een geweldig idee zou zijn om hun tanden in te zetten.

Wij als QPOC beseffen dat queerness iets natuurlijks was in onze culturen en gemeenschappen totdat het werd uitgeroeid door kolonisatie – artefacten van dit idee zijn terug te voeren op queer-kunstwerken die velen van ons een meer bevrijde tijd noemen. We dachten dat het geweldig zou zijn om de historische queer-kunst opnieuw te bekijken en deze te laten omvatten hoe we onze gemeenschap vandaag de dag zien; echt divers in elk opzicht.

HOE IS DIT EVENEMENT VERBONDEN MET DE STAD LONDEN?

Londen is een uiterst creatief centrum; veel mensen komen hier om zichzelf en hun gemeenschap te vinden. Hoewel Groot-Brittannië ongelooflijk problematisch is, ondanks dat het een meer gastvrije homostad is, is het een startpunt voor verandering en gebeurtenissen als deze tonen onze macht in cijfers en stellen ons in staat nieuwe ervaringen en gesprekken te creëren.

WAAROM ELEKTROWERKZ?

Electrowerkz is al jaren een belangrijke slagader voor de ravecultuur en toen ze ons benaderden om een avond te organiseren, wilden we niet iets doen wat verwacht werd en wilden we een nieuw moment creëren voor zowel onze gemeenschap als de locatie. Ze zijn buitengewoon aardig en meegaand geweest, dus het wordt zeker een heel spannend moment.

ZAL ER IN DE TOEKOMST MEER ZIJN?

We zullen zien wat de toekomst in petto heeft, maar voor nu is het vrijdag.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken03.2303.24Aida Wilde ontwerpt een opvallend Vrouwendagstuk geïnspireerd op haar Iraanse afkomst

Terug naar Functies

Veelgeprezen kunstenaar Aida Wilde is geen onbekende in het uiten van haar mening, aangezien haar naam synoniem is met gedurfde en scherpe slogans die de wereld samenvatten die ze om haar heen ziet. Voor Internationale Vrouwendag werkte UNCLE samen met Aida om het krachtige stuk dat ze ontwierp voor de ogen van heel Groot-Brittannië te krijgen.

Wilde is een veelzijdige maker die vooral bekend staat om haar zeefdruk, maar ze maakt ook in veel verschillende media, waaronder grafiek, straatkunst, installaties en muurschilderingen. Haar stukken reageren op kwesties rond politiek, gender, onderwijs, gentrificatie en gelijkheid en zijn internationaal tentoongesteld in locaties als het Victoria & Albert Museum, Women's Art Library, Goldsmiths, Vienna's Fine Art Academy, Somerset House, het Fitzwilliam Museum en Saatchi. Galerij om er maar een paar te noemen.

Het artwork voor deze samenwerking was bedoeld als een soort eerbetoon aan Wilde's Iraanse afkomst, die daar geboren werd en later tijdens de oorlog naar Groot-Brittannië vluchtte. Deze ervaring is helaas niet uniek, aangezien zoveel vrouwen op soortgelijke wijze worden getroffen, en velen nog steeds te maken krijgen met extreme onderdrukking in het land zelf. De slogan op het stuk bevordert zowel reflectie als actie: “Macht valt zelden in de juiste handen”; “Als je eens wist hoe vermoeiend het is om door woede te worden aangedreven”; “Er kunnen geen goden onder ons wandelen.”.

Aida is actief sinds 1993 en ontwricht in een wereld die haar niet altijd eerlijk behandelde. Haar vrouwelijkheid heeft haar nooit gedefinieerd, maar het heeft haar ervaring zeker beïnvloed en als ze terugkijkt, ziet ze de werkelijke impact die het op haar reis heeft gehad. We bespraken dit en haar artistieke begin, ervaring in het veld en het belang van het werk dat ze doet.

WAT ZIJN JE BELANGRIJKSTE INSPIRATIES ALS KUNSTENAAR?

Toen ik op de universiteit zat, stopte ik met het lezen van tijdschriften en de meeste kranten. Je leert trends en mode volgen en op de hoogte blijven, dus daar heb ik bewust voor gekozen om dat niet te doen. Ik heb mezelf afgesloten van de media, het enige waar ik nu echt naar kijk om me soms te inspireren, is wat er populair is op Twitter. Ik kies er bewust voor om niemand die trendy of opkomend is te volgen, geen schilders en prentmakers, ik wil gewoon niet dat dit de visie die ik krijg vertroebelt. Ik wil dat alles heel organisch is. Zelfs als ik iets heb gezien en het heeft invloed op mij, weet ik dat ik niet naar die bepaalde artiest of dat bepaalde ding keek. Het grootste deel van mijn inspiratie komt uit het verleden, of het nu gaat om archieven en het kijken naar politieke posters, kunstafdrukken en wat er vóór ons gebeurde. Er is niets nieuws. Ik geloof dat je niets origineels kunt doen, dus ik denk dat het mij inspireert om naar het verleden te kijken en een nieuw perspectief op de dingen te brengen.

WAAR KOMEN UW ICONISCHE SLOGANS VANDAAN?

Ik ben een beetje dyslectisch, dus de meeste van mijn bekendere slogans zijn altijd afkomstig van het feit dat ik iets verkeerds las, zoals wanneer ik een krantenkop tegenkom die voorbijkomt en ik heb het verkeerd gelezen, het ene woord door het andere heb vervangen en denk dat het zoveel zin heeft. Veel van de slogans komen bij mij binnen als een gefluister of een droom, het is echt vreemd, dan krijg je een dwang die je niet kunt stoppen en dan moet je gewoon dat werkstuk maken. Ik schrijf veel aantekeningen, soms komt er maar één woord in mijn hoofd en het is perfect, deze aantekeningen sijpelen door naar wat stukjes worden in mijn grafische ontwerp of werk op straat.

WAT IS VOOR U BELANGRIJK AAN UW KUNST?

Ik ben hier niet om iedereen tevreden te stellen, maar ik denk dat wat ik doe voor iedereen is. Ik denk graag dat het voor een collectief bewustzijn is. Ik maak de beeldtaal niet te ingewikkeld, zodat iedereen er gewoon voor kan staan en het kan begrijpen. Dat is het belangrijkste: als mensen het meteen begrijpen, betekent dit dat we ons misschien allemaal met elkaar kunnen identificeren en dat er over gesproken, gedeeld en begrepen kan worden. Ik hou er niet van om dingen te ingewikkeld te maken; toegankelijkheid is zo belangrijk als het om kunst gaat, vooral in een tijd waarin mensen het te ingewikkeld willen maken. Ja, soms is het leuk om diepere betekenissen te graven, maar je weet dat zoveel berichten te overdreven zijn ontworpen.

HOE KOMT U TOT ZEEFDRUK EN WAAROM IS DAT IETS WAARDOOR U WORDT GETROKKEN?

Op school deed ik aan kunst, maar ik was niet zo goed, ik had er gewoon een heel sterk verlangen naar. Ik was goed in andere dingen, zoals bedrijfskunde, en ik denk dat dat me echt heeft geholpen met mijn carrière in het begrijpen van economie en dat soort dingen. Sommige andere kinderen konden zeefdrukken door middel van sjabloneren en ik was zo jaloers. Toen ik zeventien werd, probeerde ik het alleen te doen, maar het werkte gewoon niet. Ik begon toen mijn basiscursus kunst en design te volgen, en ze hadden een zeefdrukfaciliteit en ik en mijn beste vriend met wie ik nog steeds samenwerk, gingen naar deze zeefdrukkamer. Mijn werk was gebaseerd op fotografie, ik hield er nog steeds van om dingen te fotograferen en ze op te blazen en te collageren. Ik zette al mijn foto's over op het scherm en binnen een week veranderde letterlijk mijn werk. Bij mijn eerste kritiek waarbij ik de prenten liet zien, denk ik altijd aan de leraar die zei: "Oh mijn God, ik denk dat je hebt gevonden wat je moest doen" en ik denk dat het altijd de bedoeling was dat ik het zou doen.

WAT ZOU JE ZEGGEN DAT JE FAVORIETE ONDERDEEL VAN JE CREATIEVE PROCES IS?

Ik kan je vertellen wat mijn minst favoriete is het schoonmaken van schermen, het is zo saai en ik moet dit scherm vandaag schoonmaken en iets blootleggen, je weet dat het die arbeidsdingen zijn. Maar ik wilde altijd zelfstandig zijn, vanaf het begin betrokken zijn, bij het bedenken van het idee, het maken van de kunstwerken, het printen/schilderen met de schermen – dus ik ben alles in één. Er zit zoveel werk in het zeefdrukken, de uren van het strippen van de zeefjes, het coaten van de zeefjes, het schoonmaken, blootleggen, bijwerken, weet je, en dat is maar voor één stuk.

Ik vind het geweldig dat je soms iets digitaal kunt opzoeken, de kleuren kunt kiezen die je wilt, maar het kan allemaal veranderen als je eenmaal begint met het fysiek vastleggen van die lagen en hoe ze met elkaar omgaan. Ik hou van dat proces; Ik vind het leuk hoe de ene laag soms je volgende laag dicteert. Het geeft uiteindelijk allemaal zoveel voldoening.

HOE IS HET VROUWEN IN DE CREATIEVE RUIMTE VOOR U DOOR DE JAREN VERANDERD?

Ik begon met T-shirts met slogan, en ze waren altijd een beetje angstig, zo begonnen ze, het voelde gewoon als iets natuurlijks. Toen de kredietcrisis toesloeg en ik mijn winkel moest sluiten, begon ik meer politieke dingen te doen. Op dat moment ontmoette ik veel straatartiesten toen ze in opkomst waren en ik printte zowel voor hen als voor mezelf. Het was alsof er iets begon, en een paar jongens zeiden dat ik iets te zeggen had en dat ik wat werk op straat moest verzetten. Later, rond 2008, benaderde een galerie in East End mij, die een aantal van mijn kunstwerken op T-shirts had gezien en zei: heb je er ooit aan gedacht om deze op papier te doen? talent en mijn gave om de mannen met wie ik werkte te dienen – en dit ging vele jaren door. Ik was voor iedereen aan het printen en terwijl ik langzaam begon op te stijgen, merkte ik zodra het goed met mezelf ging – ik deed meer installaties en meer internationale shows, dit evenwicht verschoof in de manier waarop ze mij zagen. Ik besefte niet hoeveel jaar ik mezelf deseksualiseerde om mijn integriteit en reputatie intact te houden. Ik ben net een kleine tomboy in een hoodie geworden, ik ben mezelf een beetje kwijtgeraakt en ik denk dat het het besef was van ja, jij hebt mij de kracht gegeven om dit te doen, maar tegelijkertijd ben ik volledig uit het oog verloren wie ik ben en hoe ik gezien word als een vrouw. Ik trok me terug, stopte met het grootste deel van mijn drukwerk voor mannen en stelde die grenzen vast, en na jaren van samenwerking verdwenen ze allemaal. Ik denk dat toen het kwartje viel.

HOE HEEFT HET VROUW-ZIJN UW KUNST BEÏNVLOED?

Vooral vrouwen overcompenseren denk ik, we weten dat we soms twee of drie keer harder moeten werken dan mannen. Dus ik produceerde te veel, alleen maar om mijn productiviteit te compenseren en te demonstreren. Ik veronderstel dat ik mijn vak ben kwijtgeraakt, maar er was een punt waarop ik me afvroeg: is het proces voldoende voor mij? Het maakproces is een vorm van therapie, het is een vorm van escapisme en het is een vorm waarin ik mezelf ergens voor probeer te bewijzen. Ik denk niet eens dat ik mezelf nog iets bewijs, ik denk dat ik dat heb gedaan. Door niet af te wijken van mijn visie, mijn integriteit te bewaren, een grote stem te hebben en geen compromissen te sluiten, heb ik de vrijheid gekregen om te doen wat ik vandaag de dag kan doen – maar daar hangt uiteraard een hoge prijs voor.

VROUWELIJKE KUNSTENAARS DIE U OP DIT MOMENT VINDT?

Sarah Lucas heeft zojuist een show Big Women in Colchester gemaakt, waarin ze zich richt op zwaargewicht vrouwelijke artiesten uit het midden van hun carrière. Ik vind het geweldig dat ze met deze curatie de aandacht heeft gevestigd op getalenteerde vrouwen van een bepaald tijdperk/leeftijd. Zoals we allemaal weten, zijn de verschuivingen in de aandacht en de huidige artistieke mogelijkheden erg gericht op jeugd en stijl, of aan de andere kant op de vergeten/onontdekte. dode/stervende vrouwelijke kunstenaar. Wat gebeurt er in het midden... niemand weet het?

WELKE HEEFT UW ERFGOED U BEÏNVLOED?

Ik heb duidelijk een politieke achtergrond; mijn vader was een soort regeringsfiguur, en we kregen politiek asiel omdat mijn vader niet lang na de Iraanse Revolutie van 1979 door de regering werd vermoord. Ik zou graag teruggaan naar Iran; Ik wil graag het graf van mijn vader zien. Maar ik ben zo trots op Iran, als je nadenkt over de toestand van de mannen in het Midden-Oosten en het Midden-Oosten en hoe de meeste van hen worden afgeschilderd als vrouwonvriendelijk. De Iraanse mannen hebben mij echt geschokt toen ik daar stond met de vrouwen die schouder aan schouder bereid waren alles te riskeren in de recente opstand/revolutie. We moeten ons ook concentreren op deze mannen die naast de vrouwen staan te vechten en worden vermoord. Ik ben gewoon verdrietig dat ik er geen groter deel van uitmaak.

Praat ons over het ontwerp van de VROUWENDAG POSTER?

Ik wilde het met opzet laten voelen als een terugkeer naar de politieke graphics uit de jaren 60 of 70, en wist dat ik een collage wilde maken, aangezien dit de manier is waarop het grootste deel van mijn werk begint, dus heb ik de dingen in stukken gesneden aan het begin van het zeefdrukproces . De handen zijn van mij, van mijn moeder en van mijn twee zussen, waaronder (Ziba Karbassi). Ze is een werkelijk geweldige eminente Iraanse dichter, dus zij is degene die de kleine veer in haar hand houdt om de bevrijding te symboliseren waar een pen/schrift voor kan zorgen ons (vooral als je denkt aan het verbod en de bewapening van onderwijsrechten voor meisjes en vrouwen in Afghanistan door de Taliban momenteel). De woedeslogan was een boze dag, en die kwam in een oogwenk bij me op, als een flits, en ik stopte letterlijk met wat ik aan het doen was en krabbelde het op een stuk papier. Toen heb ik het die nacht verteld en het ontplofte meteen. Zoveel mensen schreven me dat je dit goed hebt gedaan. De achtergrond van het kunstwerk bestaat uit een lijst met namen van alle vrouwen die in Iran zijn vermoord als gevolg van de huidige opstand sinds de moord op Mahsa Amini in september 2022 – december 2022. Het verkrijgen van toegang tot actuele en correcte informatie is behoorlijk complex – de cijfers zijn veel hoger dan wat we konden vinden, maar dit stuk kan in ieder geval de anonimiteit uit sommige van deze brute moorden halen. De namen vallen en stijgen in een spookachtige stroom uit de papavervelden aan hun basis – ter ere en humanisering van de talloze vrouwen en meisjes die verloren zijn gegaan door deze voortdurende, door de staat gesanctioneerde vrouwenmoord.

Hoe controversieel deze slogan 'Er kunnen geen goden onder ons lopen' ook geïnterpreteerd mag lijken, het is een directe verwijzing naar de autocratische heerschappij van Iran – om te impliceren dat als we als mensen gelijkheid willen bereiken, NIEMAND boven iemand staat. Dezelfde implicatie geldt voor de andere woorden op de rechter sokkel: “De macht valt zelden in de juiste handen.”

Zucht / 15 / Revolutie

"Van iedereen/ meer dan alles/ Van alle/ Meer dan iedereen ooit/ Ik geloof in mijn eigen borst/ Op het moment van de kogel.

Gedicht van Ziba Karbassi

Vertaald door Ziba Karbassi en Nazlee Radboy

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2303.24schande vertelt alles over de eclectische muziekstijlen van 'Food for Worms'.

Terug naar Functies

schande is een ruige postpunkband en is voor de derde keer terug met album 'Food for Worms'. Het debuteerde op 24^th Februari, na een hele reeks singles, gaf een voorproefje aan enthousiaste luisteraars, benieuwd naar wat de toekomst biedt. UNCLE werkte met schaamte samen aan de release door hun verleidelijke kunstwerken in hun geboortestad Londen te plakken.

Nadat ze zich begin 2018 op het toneel van de alternatieve muziek hadden gevestigd, is de schaamte sindsdien alleen maar groter geworden en is het een kracht geworden waarmee rekening moet worden gehouden. Ze zijn consequent verschenen in cultmuziektijdschriften NME, Botsing en Hooivork, en hun vorige album 'Drunk Tank Pink' werd universeel geprezen, met een piek op nummer drie in de Britse indie-hitlijsten.

De heropleving van de moderne postpunk heeft de Britse muziekscene het afgelopen decennium zeker overschaduwd. De schaamte was echter eclectischer: hun geluid in 'Food for Worms' is beïnvloed door de lyrische stijl van Lou Reed en de meer melodieuze benadering van de Duitse band Blumfeld. Het is een plaat die vooral over vriendschap gaat, en hoe het vijftal naar elkaar toe is gegroeid. Ze hopen dat het een welkome afwisseling zal zijn van het veelgebruikte onderwerp romantische liefde en een publiek op een ander niveau zal aanspreken.

De band heeft zojuist ook een videoclip uitgebracht voor 'Vingers van staal', een oneerbiedige kijk op het informatietijdperk, waarbij de band sociale media-accounts aanmaakt om hun eigen inhoud leuk te vinden - een on-brand joviale kijk op de samenleving. De band zal de komende maanden aan een Europese tournee beginnen, gevolgd door een Amerikaanse tournee. Zie hun website voor volledige details van de tour en tickets.

Om het moment voor de albumrelease te markeren spraken we met drummer Charlie Forbes en bassist Josh Finerty, die licht wierpen op de groei van het geluid, de artistieke keuzes en liveshows van de groep.

HOE ONTSTAAN HET NIEUWE 'VOEDSEL VOOR WORMEN'?

Charlie – De zomer van 2021 kregen we onze eigen praktijkruimte, die we nog nooit eerder hadden gehad. Dus we dachten dat we wat tijd hadden om dit album snel te schrijven en dat we ons er dan geen zorgen meer over hoefden te maken – en dat werkte niet. We vergaten bijna hoe we muziek moesten maken, we konden heel lang niets schrijven, en ik dacht dat we helemaal vergeten waren hoe we muziek moesten schrijven. Dat is vervelend als je een album probeert te schrijven.

Josh – Toen klikte het, begin 2022. Ons management boekte een aantal shows voor ons in een paar kleine zalen – zoals The Windmill – waar we al het nieuwe materiaal moesten uitvoeren, dus de druk was groot en het ging een beetje daar.

HOE IS DIT ALBUM VERSCHILLEND VAN JE VORIGE?

Charlie – Het is minder overdacht dan het tweede album, zeker melodieuzer, ons meest melodieuze album, er zijn veel groepszang en harmonieën. We hebben periodes van echte ruimte in de muziek omarmd die niet op de tweede plaats plaatsvonden, waar we elke beat van elk nummer met 15 verschillende geluiden verstopten. We hebben geprobeerd om bewust delen in de nummers te hebben waar het echt om draait, met gevarieerde dynamiek.

WAAROM PAK JE DE ONDERWERPEN AAN DIE JE DOET EN HOE IS DIT VERANDERD?

Charlie – De politieke dingen waren in de beginperiode, we zijn duidelijk nog steeds politieke individuen, maar ik weet niet meer in hoeverre dat doorkomt in de muziek. We hebben dat achter ons gelaten en zijn over onze gevoelens en emoties begonnen te praten. We zijn mannen, maar we hebben gevoelens, en we willen dat de wereld het weet. Het is de taak van [frontman Charlie Steen] Steen, maar ik weet dat hij schrijft wat hem bezighoudt. Het komt vanzelf door; hij schrijft wat hij ziet en voelt. Misschien keek hij tijdens het eerste album wat meer naar buiten en daarna begon hij naar binnen te kijken. Het is duidelijk dat Covid is gebeurd en dat alles echt introspectief is geworden. Deze gaat helemaal over vrienden, het is vooral een platonisch rockalbum.

HOE BESLIST U HET KUNSTWERK VOOR UW RELEASES?

Charlie – Deze keer hadden we geluk, we liepen voorop met het proberen het op te lossen, wat bij de eerste twee niet gebeurde. Wij kwamen in contact met deze kunstenaar Marcel Dzama, is wie onze manager kent en van daaruit is gegaan. We hebben een aantal van zijn reeds bestaande werken uitgekozen waarvan we dachten dat ze goed zouden werken als single. Het kwam bij deze heel goed overeen, wat leuk was, omdat ik al zei dat de vorige erg stressvol was om klaar te krijgen.

Josh – De eerste twee waren erg doe-het-zelf, het is fijn om iemand te hebben die zijn eigen stijl heeft, van waaruit we onze eigen wereld kunnen bouwen, en het voelt aansluitend bij de muziek. We namen een beslissing en wilden iets samenhangends en wilden dat iemand er zijn zin in had. Meestal hebben we heel verschillende mensen en hebben we heel verschillende smaken, en we moesten proberen een soort middenweg te vinden. Je moet op één visie vertrouwen en die soms in de handen van iemand anders leggen.

WAT BETEKENT MUZIEK VOOR JOU?

Charlie – Ik hield van geen enkele muziek, er was geen enkel nummer dat ik leuk vond totdat ik tien was of zoiets. Maar toen hoorde ik Franz Ferdinand – 'Do We Want To' in een advertentie voor 'Foster's Home for Imaginary Friends' op Cartoon Network. Ik ben erg dankbaar dat ik het elke dag als mijn werk mag doen, een geluksvogel. Ik weet het niet, het gaat erom dat je lekker rockt en je goed voelt.

Josh – Hij maakt een grapje, maar het is waar, het is dat rock-'n-roll-gevoel.

JE HEBT IN HET VERLEDEN DE ZIN “SCHRIJVEN OM TE SPELEN” GEBRUIKT. HEBBEN LIVE SHOWS IMPACT OP DE MANIER DAT JE OVER MUZIEKCREATIE DENKT?

Josh – Ik denk dat we dit album vooral zo hebben benaderd. De manier waarop we dit album schreven was heel anders dan de manier waarop we het tweede schreven: 'Drunk Tank Pink'. We hadden een jaar vrij op tournee, we deden alleen festivals en we gebruikten het om ons in een geïmproviseerde studio in mijn huis te nestelen. ouders 'huis. We hebben alles heel apart opgenomen en we hadden niet echt liveshows waarop we de nummers konden testen. Maar toen we net begonnen, hadden we een optreden geboekt voor de komende week en hadden we niet genoeg nummers om te spelen. Dus we stopten gewoon iets in de doos en maakten het klaar, zodat het niet super gênant was. Zoals Charlie zei, is dat precies hoe we dit album hebben gemaakt. Dus we kwamen samen en schreven op een heel geïsoleerde manier.

HOE ZIJN JE LIVE SHOWS DOOR DE JAREN VERANDERD?

Charlie – Ik denk dat de set wat meer doordacht is qua eb en vloed, we proberen de boel op een frisse manier in beweging te houden. De manier waarop we ze spelen is niet veel veranderd, er wordt alleen wat meer over nagedacht.

Josh– Er zit nog steeds een energie in, die we hebben overgedragen. We zijn erg blij om een kleine set te doen, zoals we gewend zijn, waarbij we iets samenvoegen en op een manier die beter is dan iets dat echt doordacht is, maar je kunt je laten meeslepen.

WAT IS JE FAVORIETE GIG-LOCATIE IN LONDEN?

Charlie – The Queen's Head, net om de hoek van de [Brixton] Academy, en de Windmill natuurlijk, waar we ongeveer 60,000 shows hebben gespeeld, de ene beter dan de vorige, afgezien van een paar blindgangers. Ik zou zeggen dat de Windmill veruit het belangrijkste gebouw in heel Londen of misschien wel in heel Groot-Brittannië is als het gaat om nieuwe muziek. Het is gewoon ongelooflijk, daar hebben we de nieuwe materiaalshows voor dit album gedaan.

WAT IS JE FAVORIETE NUMMER OM LIVE TE SPELEN?

Charlie – Ik hou van 'Tasteless', 'Tasteless' is een knaller, live is het altijd goed, het is vrij simpel, maar het heeft een pakkende hook aan het eind, die keer op keer herhaald wordt, het is oer.

JOSH – Ik vind het erg leuk om het nummer 'Adderall' te spelen, een nieuw nummer dat binnenkort uitkomt. Het begint erg langzaam, en het is de broodnodige rustpauze in de set, maar het heeft een grote climax en uitbetaling. Mensen zijn altijd huiverig als het begint, ze vinden het rustig, maar tegen het einde zijn de mensen er voor overtuigd en zeggen dat het een van hun favoriete nummers van de set is.

WELKE DOELEN HEB JE VOOR JEZELF ALS BAND?

Charlie – De meeste verkochte albums aller tijden zouden goed zijn.

Jos – Om een aantal prachtige shows te spelen met een aantal fantastische mensen en gewoon een geweldige tijd te hebben met het maken van vrienden over de hele wereld. Oh, en maak wat plezier, dat zou geweldig zijn, dat is waar ik mee bezig ben.

Hoe wil je muzikaal herinnerd worden?

Charlie – Misschien zegt iemand over 30 jaar in een pub – “Herinner je je die bandschaamte nog? Ik heb ze een keer gezien, live zijn ze best goed” – dat zou goed zijn, dat zou ik niet erg vinden.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken02.2303.24Documentaire beschrijft de artistieke en sociale erfenis van Nan Goldin rond de opioïdencrisis.

Terug naar Functies

UNCLE werkt samen met filmbedrijf Hoogte en PR-bureau Margaret voor 'Alle schoonheid en het bloedvergieten' – het nieuwste aanbod van Academy Award-winnares Laura Poitras, waarin het gewaardeerde leven en werk van Nan Goldin en haar belangrijke activisme worden beschreven. Geïntegreerd met zeldzaam beeldmateriaal en Goldins vooruitstrevende fotocatalogus komt een diep emotioneel verhaal over haar gevecht met de familie Sackler, met de bedoeling hen verantwoordelijk te houden voor de overdosiscrisis.

De controversiële kwesties rond de retoriek van de grote farmaceutische bedrijven behoeven geen introductie, dankzij het groeiende aantal beschuldigingen van corruptie die de sector lijken te teisteren. Er worden nog steeds bewegingen geleid tegen deze schijnbare samenzweringen, waarbij Nan Goldin een prominent speerpunt is. Goldin nam het risico om voor altijd invloed uit te oefenen op haar eigen nalatenschap door het op te nemen tegen Sackler – nadat ze te horen kreeg dat haar betrokkenheid er waarschijnlijk toe zou leiden dat haar carrière zou imploderen.

De kortheid van het leven wordt onderzocht aan de hand van het verhaal van de film, dat de travestie van de opioïde-epidemie weergeeft en de bedrijven die miljarden kunnen verdienen aan de industrie. Poitras verweeft op vakkundige wijze het verhaal van Goldin in de structuur van de documentaire, waardoor de crisis een basis krijgt dankzij een persoonlijke band met de zaak.

Goldins artistieke geschiedenis is doordrenkt van rauwheid en schuwt nooit de harde waarheid weer te geven. Haar beroemde projecten 'De ballade van seksuele afhankelijkheid' en 'Getuigen: tegen onze verdwijning' hebben op zichzelf een legendarische status en verschijnen nu ook in de film. De documentaire beschrijft de verschillende creatief gedreven protesten tegen het gezin die culmineren in een van de meest meeslepende sociale kwesties van onze tijd.

De misvatting dat een in geld uitgedrukte industrie zich in de eerste plaats zorgen maakt over iets anders dan winst, wordt in het stuk ontleed, in de hoop licht te werpen en het vertrouwen van de massa in deze organisaties te beïnvloeden. 'Alle schoonheid en het bloedvergieten' ontving de Gouden Leeuw voor Beste Film op het Filmfestival van Venetië, kreeg vijfsterrenrecensies van The Telegraph, The Sunday Times, Metro en Empire en werd genomineerd voor een Academy Award. UNCLE plakte posters boven Londen om de aandacht op het goede doel te vestigen.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies

Kenmerken12.2203.24JUST BE NICE van Real Hackney Dave – een positieve boodschap die waargenomen grenzen overstijgt

Terug naar Functies

UNCLE gaat de straat op met een no-brainer boodschap voor de feestdagen. Kunstenaar, graficus, motorrijder en Jaffa Cake-kenner Dave Buonaguidi heeft een versie van zijn vriendelijke klassieke JUST BE NICE-poster geleverd, die wij wijd en zijd op muren in het Verenigd Koninkrijk kunnen verspreiden

Na tientallen jaren in de greep van de reclame te hebben doorgebracht, vond Buonaguidi – oftewel Real Hackney Dave – een nieuwe roeping: die van de eenvoudige zeefdrukker. Het is een proces dat uitstekend aansluit bij de voorliefde van de kunstenaar voor massacommunicatietechnieken, propaganda en het maken van werk dat reacties uitlokt.

Maar bij Buonaguidi is de druk allesbehalve bescheiden. Bommen, photobooth-foto's, landkaarten, postzegels, vintage liefdesbrieven... Noem maar op, hij staat erop gedrukt. En in mediums variërend van feromonen tot glitter, hagelslag tot bladgoud. “Ik werk graag met gevonden beelden en materialen, en experimenteer met de praktijk van zeefdruk om de grenzen te verleggen van wat het is en kan zijn.”

Het promoten van Buonaguidi's heldere en gedurfde JUST BE NICE-poster is een dubbele no-brainer, aangezien het ook de titel is van een veiling en show ten behoeve van het tijdschrift The Big Issue. Oostelijke Kunstgalerij organiseert het evenement waar een overvloed aan briljante artiesten werken hebben gemaakt die aansluiten bij het JUST BE NICE-sjabloon. Er worden meer dan zestig buitengewoon diverse stukken getoond, in de woorden van Buonaguidi: "Het werk is krankzinnig, ik ben vernederd door het talent en de vrijgevigheid van de kunstenaars."

We weten dat de winter niet voor iedereen een feestelijke tijd van het jaar is. Gezien de internationale conflicten en onrechtvaardigheid, de angst voor het klimaat, de crisis rond de kosten van levensonderhoud, dakloosheid, armoede onder werkenden en het dreigende tekort aan kerstjaffacake, is JUST BE NICE een positieve, opbeurende boodschap die geloof, ras, etniciteit en veel meer overstijgt. een andere waargenomen grens. Onze dank gaat uit naar Real Hackney Dave, oom is dolblij om het warme sentiment van zijn poster te delen als onze seizoensgroet voor 2022.

gerelateerde inhoud

Terug naar Functies